Текст книги "Культурология. Учебник"

Автор книги: Т. Грушевицкая

Соавторы: А. Садохин
сообщить о нарушении

Текущая страница: 55 (всего у книги 62 страниц)

Вообще искусство живописного портрета составляет одну из вершин эпохи. Русские художники освоили немало его разновидностей. Так, был очень любим ими парадный портрет, перекликавшийся по духу с барочным интерьером, с его характерной пышностью и пафосом. Эти портреты передавали не только характер, но и социальное положение человека. Вишняков работал в основном в жанре парадного портрета, который отличается содержательностью, изяществом образов, красотой цвета и легкой графической орнаментальностью.

Более значителен и перспективен был камерный портрет, хотя расцвет этого жанра приходится на вторую половину XVIII в. Главной для мастеров камерного портрета стала физиономическая характеристика, внимательная и заинтересованная передача внешности модели, а также черт ее характера. Эти произведения невелики, изображения на них приближены к передней плоскости холста, как бы взяты крупным планом. Но в нем ощутим отзвук свойственной парадному портрету репрезентативности, которая не дает превратиться камерности в интимность. Крупным мастером камерного портрета стал Алексей Антропов, который в своих работах выразил эстетику барокко в наиболее законченной форме. Герои его портретов изображаются статично, просто, в них подчеркивается трехмерность, весомость. Портреты выполнены почти с фотографической точностью, что придает его полотнам живой колорит и выделяет их среди других работ, где было принято смягчать не слишком красивые детали натуры.

Нельзя не упомянуть творчество Ивана Аргунова, крепостного художника графа Шереметева, который, хотя и учился у придворного художника Гроота, работал исключительно по велению хозяина, диктовавшего ему не только кого он должен писать, но и как это делать. Поэтому его портреты представляют собой работы полупарадного типа – поколенные портреты, с пышными одеждами персонажа и богатством аксессуаров. Таковы портреты князя и княгини Лобановых-Ростовских, генерал-адмирала князя М.М. Голицына. Но ему же принадлежат лишенные официальности, отражающие внутренний мир героев, и прекрасные камерные портреты Хрипуновых, Толстой, а также автопортрет и широко известный портрет крестьянки в русском костюме (1784).

Мозаика и декоративно-прикладное искусство

Исключительный вклад в развитие изобразительного искусства внес М.В. Лoмоносов, возродивший утраченные секреты изготовления мозаики. Изготовление смальт– цветных стекловидных масс, из которых делались мозаики, хранилось в Западной Европе в строжайшей тайне. Ломоносов же сумел самостоятельно разработать весь технологический процесс их производства. После более чем четырех тысяч опытных плавок на фабрике под Петербургом он получил богатейшую палитру смальт, не уступающих по красоте и силе цвета знаменитым итальянским смальтам. Ломоносов также выступал как мастер-мозаичист, создав многочисленные мозаичные портреты, а также грандиозную мозаичную картину «Полтавская баталия». Все живописные работы Ломоносова говорят о понимании им искусства как средства монументальной пропаганды высоких патриотических идей.

Огромное внимание, которое стиль барокко уделял украшению интерьеров, вызвал бурный подъем русского декоративно-прикладного искусства. В нем также господствуют барочно-рокайльные тенденции. Это ясно ощущается в особенностях декора и его богатстве, в повышенной нарядности, активности цвета, постоянном возрастании числа предметов, украшавших быт, увеличивавших комфорт и создававших ощущение роскоши. Тогда изготовлялось много изделий из стекла, шпалер (тканый безворсовый ковер из шерсти или шелка), резной деревянной скульптуры, обычно позолоченной. Большое внимание уделяется мебели, которая очень тесно связана с интерьером. Вообще, принято планировать все сооружение целиком – от генплана до предметов обстановки. Именно так поступал Растрелли.

Исключительное положение в украшении интерьеров занимал фарфор. Рецепт фарфорной массы после многочисленных опытов и пробных изделий был открыт в 1748 г. русским мастером Д.И. Виноградовым. Поэтому появляются целые ансамбли из русского фарфора, состоящие из посуды, ваз, в которые помимо настоящих фруктов кладут «обманки» из фарфора, сделанные в натуральную величину и расписанные в натуральные цвета, в ансамбль входят также ручки столовых приборов, подсвечники, настольные украшения в виде беседок, трельяжей, фарфоровых дам, кавалеров, пастухов n пастушек. Все это дополнялось фарфоровыми табакерками, пуговицами, эфесами шпаг и множеством других вещей из этого же материала.

28.3. Формирование общенациональной русской культуры

Во второй половине XVIII в. Россия представляла собой огромное по территории государство, расположенное на двух континентах, сильное в военном отношении (доказавшее это в войне с Францией), имеющее высокие достижения во многих областях науки, техники и искусства. Многовековой процесс развития русской культуры в это время вступил в новую стадию, существенным признаком которой стало преодоление локальной и сословной ограниченности культуры, характерной для предыдущих этапов ее развития, и формирование собственно общенациональной русской культуры.

Эти изменения произошли во всех областях русской культуры. Новая эпоха нашла свое воплощение в классицизме, ставшем ведущим художественным стилем в культуре второй половины XVIII в. Быстрое приобщение художественной культуры страны к классицизму шло, с одной стороны, благодаря привлекательности просветительских идей, к тому же одобренных на государственном уровне. Поэтому деятельность мастеров вдохновляется гражданственностью, патриотической идеей служения отечеству, сознанием общественного предназначения и действенной роли искусства, пафосом прославления человечности и человека, восхищением красотой его тела, ума и чувств, тягой к гармонии, простоте и естественности. В условиях России эти просветительские идеи трансформируются в призывы к отмене крепостничества, также рождается стремление к демократизации русского общества. С другой стороны, распространению классицизма благоприятствует его освоение в предшествующий период другими видами культуры, в частности русской литературой 40—50-х годов.

Русская литература: классицизм, сентиментализм и реализм

Сама же русская литература, хотя и оставалась в основном в рамках классицизма, демонстрирует и другие художественные стили. Так, только в стиле классицизма писал  Николай Новиков(1744–1818), более известный как крупнейший издатель и журналист своего времени (сатирические журналы «Трутень», «Живописец», «Кошелек», «Пустомеля»). Сама императрица Екатерина II(1769–1844) оставила 12 томов литературных сочинений, среди которых были сказки, пьесы, либретто опер, политические памфлеты, а также ее «Записки» о приезде в Россию и о жизни здесь в первое время после прибытия.

Важное значение для русской литература имело творчество Ивана Крылова(1769–1844), которого мы сегодня в основном знаем, как великого баснописца, но он был еще и автором пьес, а также сатирических произведений, в которых уже активно зарождался стиль реализма, торжествовала демократическая эстетика.

Так постепенно формируется специфическая черта русской литературы конца XVIII в., которая заключается в соединении в творчестве русских писателей элементов классицизма, реализма, сентиментализма и даже предромантизма.

Среди русских писателей, чье творчество заложило расцвет русской литературы XIX в., Александр Радищев(1749–1802), автор «Путешествия из Петербурга в Москву», произведения долгое время ходившего лишь в списках, но оставившего неизгладимый след в истории русского освободительного движения.

Николай Карамзин(1766–1826) – не только известнейший русский историк, но и один из первых теоретиков искусства в России (благодаря ему в русском языке появился термин «эстетика»). Он также автор первых произведений, написанных в стиле сентиментализма, – «Письма русского путешественника»и «Бедная Лиза». Глубокое внимание к психологии героев, их душевным переживаниям: умение показать все оттенки чувств и перипетии любви – характерные особенности творчества Карамзина. Сентиментализм со своим культом пасторальных мотивов, идеей бегства в природу, воспеванием простоты человеческих чувств был далек от дидактической поэтики классицизма, но в нем также отразилась эпоха Просвещения, точнее ее завершение, когда стало очевидным, что идеалы Просвещения потерпели крах, а высокие идеи свободы, равенства и братства вылились в кровавую вакханалию Французской революции.

Значительно и творчество Гавриила Державина(1743–1816), совершившего настоящий переворот в иерархии жанров. Он определял поэзию как «говорящую живопись», поэтому большое значение придавал не только колористической, но и звуковой стороне стихов. Соединяя слова «высокие» и «низкие», Державин освобождал отечественную поэзию от теории «трех штилей», открывая тем самым путь развитию реалистического языка.

В историю русской литературы Денис Фонвизин(1744 или 1745-1792) вошел как создатель социальной комедии. В его «Недоросле», справедливо считающемся вершиной драматургии XVIII в., высокие художественные достоинства сочетаются с острой социальной сатирой, нелицеприятно обнажающей уродливые черты российской действительности, в частности, грубое невежество старшего поколения и внешнюю европейскую образованность нового.

Русский театр. Формирование русской композиторской школы

Развитие русской литературы было тесно связано со становлением театра, основателем которого стал актер Федор  Волков(1729–1763). Речь идет о профессиональном публичном театре, так как любительские спектакли (особенно в школах) ставились и до этого. Театр Волкова был открыт в Ярославле в середине XVIII в. Эта труппа позднее составила основу труппы публичного театра в Петербурге, открытого в 1756 г., где ставила драматические произведения, в том числе и трагедии Сумарокова. Популярностью пользовался и Оперный дом, где силами иностранных актеров и певцов ставились французские комедии и чувствительные итальянские интермедии. Но особую любовь публика питала к опере, которая ставилась известными итальянскими композиторами и отличалась пышным великолепием.

Успешно и на высоком уровне шли драматические и оперные спектакли в любительских и крепостных театрах. Так, огромной популярностью пользовался музыкальный театр Института благородных девиц при Смольном монастыре, воспитанницы которого пели в операх Перголези, Гретри, входящих в репертуар лучших европейских театров.

В последние десятилетия XVIII в. начала складываться национальная композиторская школа. Вначале она была неразрывно связана с театром и растущей популярностью жанра комической оперыи оперы-буфф, в которых музыка чередовалась с разговорными диалогами. Величайшим произведением в этом жанре стала гениальная «Свадьба Фигаро» Моцарта. Огромную роль в становлении самобытной светской музыки в России сыграли русские комические оперы. Музыкальной основой в них стала русская народная песня, воплотившая в звуках речевые интонации персонажей. Самой популярной музыкальной комедией XVIII в. стала опера М.М. Соколовскогона текст писателя А.С. Аблесимова «Мельник – колдун, обманщик и сват».В то время опера считалась литературным жанром, поэтому первыми композиторами были авторы текстов, которые указывали, на какую мелодию петь тот или иной текст. Так же было и с этой оперой, и лишь позднее эти песни были обработаны скрипачом М.М. Соколовским, который и считается автором музыки.

Оживленная музыкальная жизнь стимулировала музыкальное образование, которое становится обязательным элементов дворянского обучения. Все более активной становится концертная жизнь, и с 80-х годов на сцене все чаще появлялись известнейшие европейские исполнители. Звучала музыка Гайдна, Моцарта, Генделя, а также произведения отечественных композиторов. Поэтому со второй половины XVIII в. можно смело говорить о формировании отечественной композиторской школы, которая хотя и испытала влияние таких корифеев европейской музыки, как Глюк, Гайдн или Моцарт, все же была основана на традициях русской музыки – хоровой духовной музыке и народном музыкальном творчестве. Поэтому, осваивая «чужие» музыкальные жанры – оперу, увертюру, сонату, русские композиторы успешно воплощали в них народные интонации русских песен, русскую речь, национальные характеры.

Важную роль в становлении отечественной музыкальной традиции сыграл Максим Березовский, подлинный мастер в области хоровой музыки, концерта, которые поражают глубиной передаваемых чувств и эмоций. Василий Пашкевич– автор комических опер, удивительно тонко соединяющих сюжет с талантливой музыкой. Иван Хандошкинбыл замечательным скрипачом-исполнителем и композитором, писавшим для любимого инструмента, причем вдохновляла его русская народная песня, обыгранная им в десятках музыкальных вариаций. В его творчестве впервые произошло органичное слияние европейского инструментального языка и русского фольклора.

Вершина русской музыки XVIII в. – творчество Евстигнея Фоминаи Дмитрия Бортнянского. Фомин писал оперы, в которых активно использовал народные мелодии, что приводило к рождению новых, нетрадиционных черт оркестрового письма и стало первым шагом на пути создания русской симфонической музыки. К сожалению, большинство его сочинений было забыто, и их новое открытие произошло только в XX в. Его знаменитому современнику Бортнянскому повезло больше – он остается самым известным композитором XVIII в. Главные творческие его достижения связаны с хоровой церковной музыкой. Бортнянский отказался от традиции барочного хорового письма и смело пошел новой дорогой музыкального классицизма. Он оставил огромное хоровое наследие – 35 концертов для четырехголосного хора и 10 концертов для двух хоров. Его хоровые произведения исполнялись в храмах, на великосветских раутах, в помещичьих усадьбах. Сочинения Бортнянского поражают разнообразием чувств и настроений, он легко выражал и чувство радости, и ощущения скорби и нежности. Помимо церковной музыки он сочинял оперы, музыка которых отличалась классицистским благородством и изяществом, а также инструментальную музыку и романсы.

Классицизм в русском зодчестве

Зримым воплощением новых общественных идеалов второй половины XVIII в. – гражданственности, пришедшей на смену государственности, – стал классицизм, утвердившийся в русской архитектуре. Обращение к классицизму ощущается в сложении четкой системы принципов и приемов, ставших основой точно переданного античного ордера, который придает сооружениям строго закономерное построение в виде структуры несомых и несущих элементов. В античности берет начало и многое другое: планы зданий и городов, орнаменты, формы и пропорции. Но греческая и римская классика, на которую опирался европейский классицизм, не заслонила для русских архитекторов современной жизни, а также их интереса к искусству Ренессанса. Так что классицизм был не более, чем языком, передающим впечатления от современной жизни.

В русском зодчестве второй половины XVIII в. явно прослеживаются два этапа развития. Ранний классицизм охватывает 60—80-е годы, строгий классицизм – 80—90-е годы. На первом этапе развитие архитектуры определяли общественные здания с их характерной монолитностью, на втором – городские частные дворцы и усадьбы, представляющие собой совокупность самостоятельных, хотя и соподчиненных частей.

Одним из наиболее видных архитекторов раннего классицизма был Александр Кокоринов(1726–1772). По его проекту в соавторстве с Ж.-Б. Валлен-Деламотом построено здание императорской Академии художеств. В плане здание представляет собой квадрат, в который вписан круг – двор для прогулок. Здание равновысотно, лишь небольшой купол выделяется над главным входом в здание. Колонны распространены по всему фасаду. Здание лишено барочной эмоциональной непосредственности в угоду серьезности и тонкой элегантности.

Архитектором необычайной фантазии, оказавшим огромное влияние на развитие не только практического зодчества, но и архитектурной теории, был Василий Баженов(1738–1799), и это при том, что большинство его проектов даже не было осуществлено. Дважды Екатерина II сама прерывала осуществление его главнейших проектов: Кремлевского дворца и дворцово-паркового ансамбля в Царицыне под Москвой. В этих работах Баженов дал совершенно новое толкование темы городского и загородного дворца. Его проект Кремлевского дворца подразумевал реконструкцию всего Кремля, даже всей Москвы.

Самая известная постройка Баженова в Москве – дом П.Е. Пашкова, ныне – здание Российской государственной библиотеки. Дом построен над откосом холма, спускавшегося к Моховой улице, главный фасад обращен к Кремлю и Москве-реке. Здание имеет ряд особенностей: главный вход и парадный двор расположены с обратной стороны фасада, что было не характерно для городских усадеб; характер фасадной поверхности, ордера, орнаментика, баллюстрада с вазами напоминают о барочных композициях. Высокое мастерство и огромная одаренность позволили зодчему соединить разнохарактерные мотивы в единый архитектурный образ.

В процессе становления русского классицизма участвовал и Матвей Казаков(1738–1812), наиболее яркий представитель московской школы зодчества. Очень важным в становлении его как профессионального архитектора была совместная работа с Баженовым над проектом Кремлевского дворца. В Кремле Казаков создает и самостоятельную очень значительную постройку – здание Сената, представляющее собой почти равносторонний треугольник в плане. Замкнутый, треугольный двор разделен двумя корпусами на три части, отделяя центральный парадный двор от двух служебных угловых. Купол парадного зала играет большую роль во всем ансамбле Красной площади, на флагштоке, расположенном на этом куполе, развевается сегодня Государственный флаг страны.

Здание Московского университета(на Моховой) Казаков возводил с 1768 г. по 1793 г. Большой парадный университетский двор с трех сторон окружен корпусами. Со стороны улицы возведена высокая металлическая ограда. В центре здания находится актовый зал, к которому примыкают два больших зала с хорами, предназначенная для университетских коллекций. Далее шла череда учебных классов, соединенных корпусами. Фасад университета напоминает Сенат – расчленен пилястрами, лопатками, панно, другими орнаментальными элементами. Здание сгорело в пожаре 1812 г. и было с изменениями восстановлено архитектором Дементием Жилярди.

Казакову также принадлежит проект зала Благородного собрания(ныне это Колонный зал Дома Союзов): прямоугольный в плане корпус окружен колоннами коринфского ордера. Позже по проекту Казакова была построена Голицынская больницакак мемориал в честь старинного рода Голицыных.

Крупнейшим зодчим второй половины XVIII в. был также Иван Старов(1745–1808). Его главная работа – Троицкий соборАлександро-Невской лавры в Петербурге, по его проектам построена круглая площадь в конце Невского проспекта и возведен Таврический дворец. В строгой наружной форме и пышности богатых интерьеров этого дворца уже хорошо виден поворот к строгому классицизму. Огромный вклад в становление этого нового течения архитектуры внесли иностранные мастера Джакомо Кваренги(1744–1817) и Чарльз Камерон(1743–1812).

Кваренги, родившийся в Италии, приехал в Россию в возрасте 36 лет. Глубоко изучив русское искусство, он проникся его духом, что и позволило ему стать крупнейшим русским архитектором. Кваренги – создатель таких шедевров, как Александровский дворец(Царское Село), дворец Юсуповых на Фонтанке, Смольный институт, в Москве – это Странноприимный дом(ныне Институт им. Склифосовского).

Шотландец Камерон, знаток античности, создатель камерных дворцово-парковых ансамблей и утонченно-нарядных интерьеров. Величайшее творение мастера – дворец в Павловске, созданный для «малого двора» наследника российского престола Павла I. Дворец состоит из центрального, увенчанного куполом корпуса и двух небольших флигелей, связанных с ним открытыми колоннадами– переходами. Лишенный вычурности дворец прекрасно вписан в окружающий ландшафт и гармонирует с окружающим его парком.

Русское скульптурное искусство

В скульптуре второй половины XVIII в. ощущается небывалый подъем. Она развивается медленно, но русская просветительская мысль и русский классицизм стали величайшими стимулами для развития искусства больших гражданственных идей, масштабных проблем, что и обусловило интерес к этому жанру. Если в начале века Растрелли блистал практически без конкурентов, то вторая половина столетия дала сразу целое созвездие имен, составивших славу русского скульптурного искусства. Ими были охвачены практически все виды скульптуры – от памятника до малой пластики, от портрета современника до изображения античного персонажа или героя истории.

Характерной чертой скульптуры этого периода является ее постепенное освобождение из-под власти зодчества, появление идеи самоценности пластики, перестающей быть только частью архитектурного сооружения. Очень существенен и постоянный рост значения человеческой фигуры, сочетающейся с нейтрализацией фона или его полным уничтожением. В рельефеэто проявляется в постепенном отказе от сюжетного, пейзажного фона и в использовании гладкой поверхности, не отвлекающей внимание от персонажей. В круглой скульптурефигура главного персонажа постепенно освобождается от массивных деталей, выходит на простор, в полной мере становясь свободностоящей статуей.

Определенные изменения затрагивают и эмоциональный строй скульптуры. К концу века нарастают черты камерности, интимности, лиричности. Мастера все чаще предпочитают открытому выражению бурных чувств тонкую передачу внутренних переживаний, стремясь увидеть и показать в движении тела движение души. Особенно ярко эти черты выражаются в творчестве крупнейшего скульптора-портретиста Федота Шубина(1740–1805). Хотя ему принадлежит множество бронзовых изваяний, любимым материалом мастера был мрамор, в обработке которого он проявлял исключительное мастерство, находя различные, всегда убедительные приемы для передачи тяжелых и легких тканей костюма, ажурной пены кружев, мягких прядей прически и париков и, конечно, человеческого лица. Шубин, прежде всего, был мастером бюста. Никогда не повторяясь в решениях, он каждый раз находил и своеобразную композицию и особый ритмический рисунок, идущий от характера изображаемого человека. С тонким искусством он развертывал образы в пространстве, как бы приглашая зрителя обойти бюст кругом и с каждой новой точки зрения воспринять все новые черты модели. Шубину принадлежат скульптурные портреты Ломоносова, фельдмаршала Румянцева-Задунайского, Екатерины II и Павла I.

Выдающийся скульптор, создатель одного из лучших памятников Петру I, Этьен-Морис Фальконе(1716–1791) в этом памятнике выразил свое понимание личности Петра, ее исторической роли в судьбах России. Фальконе отказался от канонизированного образа императора-победителя, римского цезаря, в окружении аллегорических фигур добродетелей и славы и создал образ-символ при всей естественности движения и позы коня и всадника. Вынесенный на одну из красивейших площадей столицы, этот памятник стал пластическим образом целой эпохи. Конь, вставший на дыбы, усмиряется твердой рукой могучего всадника. Творение Фальконе стало этапным в русской художественной культуре и приобрело широкую известность после появления поэмы «Медный всадник» А.С. Пушкина.

С 70-х годов в Петербурге окончательно сформировалась яркая школа отечественных скульпторов: Федор Гордеев(рельефы для воронихинского Казанского собора); Михаил Козловский(статуя Екатерины II в образе Минервы, памятник А.В. Суворову в Петербурге, а также скульптурная группа для петергофского фонтана «Самсон, разрывающий пасть льва»); Федос Щедрин(работы для Казанского собора, петергофские фонтаны); Иван Мартос(мемориальная скульптура).

Русская живопись: исторический и бытовой жанры, пейзаж

В живописи наиболее последовательно принципы классицизма воплотил исторический жанр. Наряду с историческими, разрабатываются и мифологические сюжеты, это означает, что события российской древности по значению приравниваются к свершениям античности, а русское прошлое воспринимается как существенная часть всемирной истории.

Художников того времени более всего волновала историческая достоверность изображения, которая побуждает конкретизировать характеры, облик, одеяния персонажей и окружающую их среду, хотя, следуя традициям XVIII в., человек берется в плане всеобщем, а не как индивидуальность. Также классицизм требует от исторической живописи строгого соблюдения всех его канонов, что приводит к рассудочности и даже догматизму в этом жанре. Он является самым стабильным в изобразительном искусстве второй половины века, почти не эволюционируя. Среди мастеров этого жанра, бывшего ведущим в Академии художеств, – Антон Лосенко, Иван Акимов, Петр Соколов, Григорий Угрюмов. В их картинах хорошо видно развитие принципов классицизма, хотя можно проследить живописность и динамику, унаследованные от уходящего барокко; одухотворенность, привнесенную сентиментализмом и рококо; также можно говорить о влиянии реализма и романтизма.

В изобразительном искусстве 60—90-х годов особое место занимали бытовой жанр, пейзаж и портрет. Если другие жанры создавали главным образом картину духовной жизни эпохи, то эти – непосредственно отражали саму современную действительность. Мастера бытового жанра(особенно крестьянского) обращаются к современному сюжету, типажу, умеют увидеть и передать привлекательное в жизни, в их работах чувствуется уважительное, доброжелательное и сочувственное отношение к народным персонажам. Таковы работы Михаила Шибанова «Крестьянский обед», «Сговор», просто, без всякой парадности показывающие будни крестьянской семьи и сценку свадебного обряда. Ощущение трагичности вызывают акварели Ивана Ерменева, создавшего целый цикл рисунков о «дне» жизни российского крестьянства. Его картины впервые в истории русского искусства передают мрачные стороны народной жизни.

Отечественный городской и парковый пейзажзарождается в работах Федора Алексееваи Семена Щедрина, пейзаж «дикой» природы и «батальный» пейзаж – в творчестве Михаила Иванова. Этот жанр в русских пейзажах испытывает на себе сильное влияние классицизма, наиболее заметное в стремлении найти черты, сопоставимые с особенностями ландшафтов стран, где когда-то расцветало античное искусство. Образцом чаще всего выступала Италия, ее города и парки, ее природа. Мастера стремились возвысить отечественной пейзаж, сделать его значительным, достойным большого искусства.

С классицизмом связаны и другие важнейшие особенности пейзажа: трехплановость построения и соответствующая этим планам тройная градация цветов (первый план коричневатый, второй – зеленый, третий – голубой). Русский пейзажный жанр развивался очень быстро, были заложены основы национальной школы пейзажной живописи, созданы условия для успешного развития этого жанра в XIX в.

Великие мастера русского портрета

Наибольших успехов русская живопись второй половины XVIII в. добилась в жанре портрета. Портрет гораздо меньше был подвержен прямому воздействию классицизма, хотя, конечно, отражал основные художественные идеалы своего времени. Если в 60—70-е годы преобладало идеальное, обобщенное представление о модели, стремление отразить общечеловеческое, то в 80—90-х усиливается конкретность изображения, яснее ощущается стремление к импозантности. Во второй половине века уже существует обширная типология портрета. Парадный, камерный, костюмированный, мифологическийвиды портрета позволяют полно, детально, разносторонне представить людей того времени в их частной жизни и общественном бытии. Расширяется круг моделей, прежде всего за счет творческой интеллигенции, людей, знаменитых своим талантом, а не знатностью, портрет становится массовым явлением. В портрете конца века отчетливо проступает влияние сентиментализма, что отражается в интересе к отдельной личности, ее чувствам, а не к человеку вообще. Так появляется портрет утонченно-лирический, интимно-камерный, тронутый печалью грусти. Усиливается влечение к природе, все больше пленяет мысль о единении с ней, что превращает пейзаж в очень существенную часть портрета. Для этих портретов также характерно высветление палитры, предпочтение холодноватых цветов и нежных цветовых сочетаний. Русский портрет второй половины XVIII в. входит в число шедевров мирового искусства. Во многом это заслуга Рокотова, Левицкого и Боровиковского.

Федор Рокотов(1735–1808) вошел в русское искусство в 60-е годы, когда находилось в расцвете творчество Антропова. Но даже ранние работы мастера показывают, что русское искусство вступило в новую фазу развития, нового этапа в представлениях о человеческой личности. Портреты Рокотова отличаются человечностью и лирической глубиной, не свойственной ранее русской портретной живописи. Самый плодотворный период творчества художника связан с Москвой, где он прожил почти сорок лет и успел за это время «переписать» почти всю Москву. Здесь он и создал некий портрет– тип, соответствующий гуманистическим представлениям дворянской интеллигенции о чести, достоинстве, душевном изяществе. Обычно это камерный портретс погрудным изображением. Фигура повернута по отношению к зрителю в 3/4, объемы создаются сложнейшей светотеневой лепкой, тонко сгармонизированными тонами. Модель почти не комментируется сложными атрибутами, антураж не играет никакой роли, иногда вовсе отсутствует. Неуловимыми средствами Рокотов умеет передать меняющийся облик модели: насмешливость скептического поэта В. Майкова, ленивую улыбку и состояние умиротворения «Неизвестного в треуголке», тонкую задумчивость и духовное изящество А. П. Струйской.

Великим мастером портрета был Дмитрий Левицкий(1735–1822) – создатель и парадного (он переписал всех екатерининских вельмож), и камерного портрета. С самых ранних работ мастер проявляет умение выделять наиболее яркие черты характера своих моделей. Особенно удавались ему портреты современников, прославленных высоким умом и богатой внутренней жизнью. Таковы портреты Д. Дидро, Н. Новикова, А. Кокоринова.

Развивая приемы парадного классицистского портрета, Левицкий в каждую свою работу вносил «изюминку», отражающую его индивидуальную манеру. При этом мастер является большим психологом. Таковы портреты Демидова, Голицына, Воронцова, Ланского и др. Неоднократно писал он и Екатерину II, создав идеальное воплощение образа просвещенной монархини.