Текст книги "Культурология. Учебник"

Автор книги: Т. Грушевицкая

Соавторы: А. Садохин
сообщить о нарушении

Текущая страница: 43 (всего у книги 62 страниц)

Однако главным произведением Мазаччо стали росписи капеллы Бранкаччив церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции, изображающей эпизоды из жизни святого Петра и два библейских сюжета «Грехопадение»и «Изгнание из рая». Во фреске «Изгнание из рая» Адам и Ева идут, охваченные безысходным отчаянием, покорные судьбе, их преследует парящий ангел с мечом в руке. В этой фреске многое в живописи сделано впервые: анатомически правильно изображены обнаженные тела; с помощью светотени моделирован их объем; фигуры представлены в естественном, свободном движении; выразительные, живые позы, жесты и мимика раскрывают душевное состояние персонажей. Адам и Ева, несмотря на их грехопадение и страдания, не вызывают чувства осуждения у зрителей.

Но не только в светском, мирском характере религиозного искусства проявился дух Раннего Возрождения. Интерес к античности, к ее идеям и образам привлек внимание к сюжетам языческой мифологии, обращение к которой в Средние века было под запретом. Языческие образы нашли воплощение в творчестве Сандро Боттичелли(1445–1510), который был любимым художником правителя Флоренции Лоренцо Медичи(Лоренцо Великолепный). Блестяще образованный человек, выдающийся политик и дипломат, поэт, знаток и любитель искусства, Лоренцо привлек к своему двору немало крупных послов, гуманистов, художников и ученых.

Сандро Боттичелли обычно называют последним художником флорентийской культуры XV в. Отличительная черта его творчества – обращение к внутреннему миру персонажей, их настроениям и переживаниям. Наибольшей известностью пользуются его картины «Весна»и «Рождение Венеры». До сих пор загадочным остается сюжет картины «Весна», где на цветистой лужайке, огороженной деревьями с оранжевыми плодами на ветвях, расположились различные мифологические персонажи: Меркурий, три грации, Венера, над которой парит Амур, богиня весны и цветов Флора, лесная нимфа и бог легкого ветра Зефир. Персонажи не связаны между собой развитием действия, они погружены в себя, молчаливы, задумчивы, внутренне одиноки. Они даже не замечают друг друга. Какое-то странное настроение рождают эти красивые и утонченные образы – мечтательная грусть, тихая радость, неясная, смутная тоска и светлая надежда.

Близка по настроению и картина «Рождение Венеры», где обнаженная языческая богиня любви медленно подплывает к берегу, стоя в раковине, гонимая легким дуновением Зефира. Венеру встречает нимфа, готовая укрыть ее легким покрывалом. Удивительно и прекрасно лицо богини, полное затаенной печали. Как считают искусствоведы, «Рождение Венеры» – это не языческое воспевание женской красоты. В ней больше красоты духовной, а ее нагота означает естественность и чистоту.

Эпоху кватроченто принято считать временем рождения в европейском искусстве портретной живописи. Первые портреты были профильные. Они вели свое происхождение от изображения донаторов на средневековых фресках и иконах: донаторы всегда обращены лицом к Богу или святому и, следовательно, боком к зрителю. Однако вскоре, в том же XV веке появился другой тип портрета – лицо в фас, или в трехчетвертном развороте, позы более свободные, выражения лиц более оживленные. При этом в характеристике моделей эти различия не имели существенного значения: главным в обоих типах портретов были не внутренний мир изображаемого персонажа, не его душевное состояние, а типичные качества человека Возрождения – уверенность в себе, чувство собственного достоинства, самоутверждение, цельность, значительность. Безусловно, такая трактовка вела к созданию идеализированных образов, к их возвышению и героизации.

Во многих портретах кватроченто человек изображен на фоне пейзажа, а точнее – на фоне мира. Открывающийся за его фигурой мир бесконечен и прекрасен, но человек как бы превосходит его, заслоняет его собой. Такая структура портрета выражает представление о высоком месте человека во Вселенной, характерное для ренессансного мировоззрения.

Высокое Возрождение. Леонардо да Винчи. Рафаэль. Микеланджело

С конца XV в. искусство Итальянского Возрождения вступает в новый период своего развития, получивший название  Высокого Возрождения. Если Проторенессанс длился почти полтора столетия, Раннее Возрождение – почти столетие, то Высокое – всего около сорока лет. Но именно чинквиченто дало миру столь многочисленную плеяду мастеров редкой гениальности и разносторонности, что одно только их перечисление говорит само за себя: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти, Доменико Гирландайо, Андреа Вероккио.

Культура Высокого Возрождения развивалась в совершенно иных условиях, чем в предыдущий этап. Если в XIV и XV вв. Италия была самой передовой страной Западной Европы, то с начала XVI в. она переживала глубокий экономический и политический кризис. Турецкие завоевания отняли у нее рынки на Востоке; Великие географические открытия переместили пути мировой торговли, оставив Италию в стороне. Между мелкими государствами, на которые была раздроблена Италия, велись междоусобные войны. В результате страна стала ареной постоянных войн, подвергаясь опустошению и разорению французскими, испанскими и германскими войсками.

Искусство Высокого Возрождения стало выражением всей сложности и масштабности исторического бытия эпохи. Как бы в противоположность все более усиливающемуся политическому и экономическому упадку, искусство чинквиченто проникнуто высокими и светлыми идеалами. Никогда еще герои живописных и скульптурных произведений не были такими возвышенными, свободными и могучими. В них воплощался титанический идеал человека новой эпохи, утверждающего себя в гармоничном и разумно устроенном мире. Поэтому от предшествующего периода – искусства кватроченто – его отличает прежде всего крупный масштаб образов. Многие произведения были очень большими по размерам, но это не было их главной чертой. Масштабность произведенийэтой эпохи проявлялась не только внешне: как грандиозные, так и небольшие по размерам художественные произведения отличались внутренней значительностью, глубиной, сложностью, особым величием образов.

Такие произведения создавали художники нового типа – активные творческие личности, свободные от прежних цеховых ограничений, сознающие свое высокое назначение; люди огромных знаний, владеющие всеми ценностями культуры своего времени. Среди целой плеяды художников чинквиченто безусловно выделяются три разносторонних мыслителя и художника – Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело, которых современники назвали божественными. Они стали олицетворением главных ценностей Итальянского Возрождения: интеллекта, гармонии и мощи. Все трое были великими живописцами, работали как в сфере монументальной живописи (фрески), так и в станковой. Каждый из них стал первооткрывателем идей, образов, приемов, определивших дальнейшее развитие изобразительного искусства.

Три гениальных мастера как бы отражают разные стороны европейской культуры: Леонардо – дерзновенный прорыв в неведомое, жажду познания мира, проникновение в тайны природы; Рафаэль – постижение тончайших движений человеческой души; Микеланджело – титаническую героику, трагедийность и величественность. Одновременно они воплощают и три основных пласта живописи: Леонардо – эпически-повествовательный, Рафаэль – лирический, Микеланджело – драматический.

Леонардо да Винчи(1452–1519) – самая необыкновенная фигура в истории мировой художественной культуры. Он в полном смысле был Homo universale, так как обладал разносторонними способностями и дарованиями. Он был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, астрономом, анатомом и инженером. Леонардо был новатором во всех этих областях культуры и большую часть времени отдавал науке. Он являет собой единственный пример великого живописца, для которого его искусство не было главным делом жизни.

До нас дошло около 15 картин, достоверно принадлежащих его кисти. И это не потому, что часть его произведений погибла, а скорее потому, что, бесконечно экспериментируя, стремясь достичь совершенства, он часто не заканчивал свои работы. Большая часть его начинаний осталась в рисунках и записях. Леонардо был многогранен и нетерпелив, его захватывал сам процесс познания и творчества: сделав какое-то изобретение или произведение, он отбрасывал его, чтобы взяться за другое.

Его важнейшими произведениями стали фреска «Тайная вечеря», созданная для церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане, а также всемирно известный портрет молодой флорентийки Моны Лизы «Джоконда». Фреска «Тайная вечеря» заставляет удивляться интеллектуальной силе художника, тому, как тщательно продумана композиция произведения. В этой картине Леонардо дает новое, отличное от традиционного, решение библейской темы: он впервые изображает психологический конфликт, открытое проявление сильных чувств, сам процесс драматического события. Христос сказал апостолам: «Один из вас предаст меня». Художники кватроченто обычно представляли апостолов, сидящими в этот момент изолированно друг от друга, в статичных и однообразных позах, Иуду выделяли, помещая отдельно на противоположной стороне стола. Леонардо изобразил апостолов после слов Христа, приходящих в сильное волнение, которое передается художником движениями и позами, жестами рук и мимикой. Они изумлены, потрясены, негодуют, сомневаются, обсуждают. Художник разбивает апостолов на четыре группы, по три человека в каждой. Иуду Леонардо помещает рядом с любимыми учениками, выделяя лишь падающей на лицо тенью. Бурное движение и эмоциональная напряженность апостолов сочетаются с благородным спокойствием Христа, что создает гармоническую завершенность композиции в целом.

Однако самым знаменитым произведением Леонардо да Винчи и, пожалуй, всей мировой живописи является портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо дель Джокондо. С этим портретом, более известным под названием «Джоконда», связано огромное количество легенд, научных гипотез, исследований. Традиционная композиционная схема – человеческая фигура на первом плане на фоне пейзажа обрела невиданную ранее психологическую глубину образа, стала высочайшим художественным воплощением человеческой личности. Портрет завораживает и восхищает тем, что в нем при внешней неподвижности модели передана жизнь души, неуловимо меняющиеся оттенки мыслей, чувств, настроений. Особо очевиден контраст между необыкновенно живым выражением лица Моны Лизы и неподвижно величественной позой, характер которой отражает пейзаж.

Рафаэль Санти(1483–1520) – художник совершенно иного склада, чем Леонардо. Он не был новатором в искусстве, оно явило собой синтез достижений предшествующих художников и стало, таким образом, наиболее ярким выражением классической линии в искусстве чинквиченто. Его художественные произведения полны гармонии и ясности, человек в них совершенен, а мир находится в равновесии. Рафаэль воплотил в своих произведениях самые светлые и возвышенные представления ренессансного гуманизма о человеке, о его исключительном месте в окружающем мире.

Излюбленным образом Рафаэля был образ Мадонны, в котором он смог с наибольшей полнотой раскрыть свои представления о благородстве и совершенстве человека, о гармонии внешней и внутренней красоты. Картины на этот сюжет Рафаэль писал всю свою жизнь. Но по мере того как художник становился все более зрелым, менялся и характер образа: трогательность, легкий лиризм, мягкая задушевность, нежность юных мадонн его ранних произведений сменились выражением большой душевной силы, глубокой, самоотверженной материнской любви.

Наиболее прославленным творением Рафаэля и одним из самых известных произведений мировой живописи является его «Сикстинская Мадонна», – картина, написанная для церкви св. Сикста одного из итальянских монастырей. Традиционная композиция явления Богоматери представлена художником в виде юной Мадонны, легко ступающей босыми ногами по облакам и несущей людям своего сына – Христа. Она предчувствует его гибель, скорбит об этом, но понимает необходимость принесения этой жертвы во имя искупления грехов человечества. Глубокую религиозность художник соединил с высокой человечностью, создав самое великое и прекрасное воплощение темы материнства. Одухотворенное лицо Мадонны выражает и бесконечную любовь, и провидение трагической судьбы сына, сознание ее неизбежности и скорбную готовность принести его в жертву ради людей.

Итальянское Возрождение дало миру целую плеяду прославленных мастеров, но мощь творческого гения Микеланджело Буонарроти(1475–1564) выделяет его даже среди величайших художников той эпохи. Его искусство знаменует собой не только кульминацию эпохи Возрождения, но и ее завершение. Более чем семидесятилетний творческий путь Микеланджело совпал с историческим периодом, полным бурных потрясений. И очень важным на этом пути явилось полное слияние для художника понятий человека и борца. Способность к героическому подвигу, борьба за утверждение прав человека на свободу – вот что служило лейтмотивом его творчества.

Микеланджело превыше всех искусств ставил скульптуру и хотел быть скульптором, и только скульптором. Но волею судьбы он стал еще и живописцем, и архитектором. Стремясь к воплощению своей главной темы – борьбы духа и материи, он впервые в истории скульптуры соединил идеал телесной красоты с отвлеченной духовной идеей, найдя основную форму ее выражения в статуе Давида. В отличие от своих предшественников Донателло и Вероккио, Микеланджело изобразил Давида перед свершением подвига. Гигантская фигура олицетворяет безграничную мощь свободного человека. Обнаженная фигура передает одновременно и красоту идеализированного тела, и огромное внутреннее напряжение в момент предельной собранности сил и воли.

Однако самым выдающимся и грандиозным его произведением стала роспись потолка и стены Сикстинской капеллы Ватиканского дворца(общая площадь фрески свыше 600 м ²). На плафоне капеллы он изобразил ветхозаветные сюжеты – от Сотворения мира до Потопа. По бокам их продолжением стали сюжеты «Давид и Голиаф», «Юдифь и Олоферн», «Казнь Амана» и «Медный змей». В эпоху Возрождения плафонная живопись носила преимущественно декоративный характер, ограничиваясь несложной тематикой. Микеланджело, напротив, изобразил картины сотворения мира и жизни первых людей на земле, эпизоды из Библии, пророков и сивилл (пророчиц), предков Христа. На потолке капеллы он создал мир титанов. Его Бог – вдохновенный творец, в мощном порыве создающий Вселенную и человека; могучи и прекрасны телом и духом первые люди, пророки и сивиллы отважны в своем прозрении будущего, каким бы грозным оно им не представлялось.

Однако самой впечатляющая фреска из всей росписи – сцена Страшного суда, размещенная на алтарной (восточной) стене капеллы. Композиция «Страшного суда» задумана художником как множество обнаженных человеческих фигур, окружающих Христа в световом нимбе. Центральным персонажем фрески является фигура Христа, поднявшего в грозном жесте правую руку. Слева от него изображены разверзшиеся могилы и восстающие из них мертвецы, выше – устремляющиеся вверх души, над которыми расположены праведники. В самой верхней части фрески изображены ангелы, несущие орудия мучений Христа. В правой стороне, ниже ангелов – опять праведники, под которыми – восставшие титаны, еще ниже – ладья с Хароном, который гонит грешников в ад. Все изображение пронизано движением, в котором даже мощные фигуры с широкими плечами и хорошо развитым торсом не в силах противоборствовать судьбе.

Одна сцена Страшного суда особенно ярко подчеркивает трагизм фрески: святой Варфоломей держит в руках человеческую кожу и в ее складках угадывается лицо, искаженное страшной мукой страдания, – лицо Микеланджело.

Позднее Возрождение. Джорджоне. Тициан

С 40-х годов XVI в. начинается период Позднего Возрождения. Италия того времени подпала под власть иностранных держав и стала главным оплотом феодально-католической реакции. Только относительная свобода богатой Венецианской республики и от власти папы, и от господства иностранных интервентов обеспечила развитие искусства в этом регионе. Возрождение в Венеции обладало своими особенностями, так как имело другие источники, чем во Флоренции.

Уже с XIII в. Венеция была колониальной державой, которой принадлежали территории на побережьях Италии, Греции, островах Эгейского моря. Она торговала с Византией, Сирией, Египтом, Индией. В результате интенсивной торговли к ней стекались огромные богатства. Венеция была торгово-олигархической республикой, и власть правящей касты была устойчивой, ибо она защищала свое положение с помощью крайне жестоких и коварных мер. Открытая всем влияниям Запада и Востока, Венеция издавна черпала в культурах разных стран то, что могло украшать и радовать: византийскую нарядность и золотой блеск, каменную узорность мавританских памятников, фантастичность готических храмов.

Пристрастие к роскоши, декоративности и нелюбовь к ученым изысканиям задерживали проникновение в Венецию художественных идей и практики флорентийского Возрождения. Основные характерные черты творчества живописцев, скульпторов, архитекторов Флоренции и Рима не отвечали вкусам, сложившимся в Венеции. Здесь ренессансное искусство питалось любовью не к античности, а к своему городу, определялось его особенностями. Синее небо и море, нарядные фасады дворцов способствовали формированию особого художественного стиля, отличавшегося увлечением цветом, его переливами, сочетаниями. Поэтому венецианские художники, которые были только живописцами, видели в красочности и цвете основу живописи. Любовь к цвету следовала и из укоренившейся в них любви к богатым украшениям, ярким краскам и обильной позолоте в произведениях искусства Востока.

Венецианское Возрождение также оказалось богатым на имена великих живописцев и скульпторов. В эту эпоху творили Тициан, Веронезе, Тинторетто, Джорджоне, Корреджо, Бенвенуто Челлини.

Первым наиболее известным художником Высокого Возрождения в Венеции стал Джорджо де Кастельфранко, прозванный современниками Джорджоне(ок. 1470–1510). В его творчестве окончательно побеждает светское начало, что проявляется в господстве сюжетов на мифологические и литературные темы. Более того, именно в произведениях Джорджоне происходит рождение станковой картины, с которой связаны особенности творчества художника: сюжеты его картин отличаются отсутствием четко выраженной фабулы и активного действия; в трактовке сюжета основной акцент делается на воплощении тонких и сложных эмоций, придающих картинам Джорджоне особое настроение – элегически мечтательное или спокойно-сосредоточенное.

До сих пор не выяснено точное число подлинных произведений Джорджоне – их количество колеблется от 4 до 61. Однако исследователи творчества художника сходятся во мнении, что лучшие его произведения – «Юдифь»и «Спящая Венера». «Юдифь» Джорджоне – это не иллюстрация известного мифа. Вся действенная сторона подвига Юдифи остается в стороне. Перед нами лишь итог события: одинокая фигура молодой женщины в глубочайшей задумчивости стоящей на каменной террасе, за которой расстилается изумительный по красоте пейзаж. Ее атрибуты – меч и голова Олоферна – почти не привлекают внимания. Огромную художественную значимость приобретает колорит картины с ее прозрачными и нежными красками, с удивительными оттенками платья Юдифи.

«Спящая Венера» – наиболее известное произведение Джорджоне, в котором впервые обнаженная женская фигура была представлена без какого бы то ни было сюжетного действия: посреди холмистого луга на темно-красном с белой атласной подкладкой покрывале лежит прекрасная молодая женщина. Её обнаженная фигура расположена по диагонали на фоне пейзажа, в котором господствуют зеленые и коричневые тона. Венера погружена в спокойный сон, под которым подразумевается предрасположенность души к возвышенному единению с Богом. Умиротворенность и покой наполняют природу с ее бесконечным небом, белыми облаками, с уходящими в глубину далями.

Вершиной Высокого Возрождения в Венеции стало творчество Тициана Вечеллио(ок. 1487–1576) (в историю искусства он вошел не под фамилией, а под собственным именем), художника с огромным творческим потенциалом, прошедшего сложный и драматический жизненный путь, в ходе которого его мировоззрение существенно изменилось. Тициан сложился как человек и как художник в эпоху наивысшего культурного расцвета Венеции. Его первые произведения наполнены шумной и яркой жизнью, в то время как последние произведения полны чувства мрачной тревоги и отчаяния.

Тициан прожил очень долгую жизнь (около 90 лет) и оставил огромнейшее наследие. Он создавал композиции на религиозные и мифологические темы. Но Тициан был также и великолепным мастером одного из самых сложных жанров – ню(франц. нагой, раздетый), изображения обнаженного тела. В ренессансной живописи так обычно представляли античных богинь и мифологических героинь. Его «Венера Урбинская»и «Даная»являют собой изображения пленительных, пышущих здоровьем венецианок в интерьерах богатых венецианских домов.

Тициан вошел в историю культуры как великий портретист– психолог. Его кисти принадлежит обширная галерея портретных образов – императоры, короли, папы, вельможи. Если в ранних портретах он, как это было принято, прославлял красоту, силу, достоинство, цельность натуры своих моделей, то более поздние произведения отличаются сложностью и противоречивостью образов. В них сложное переплетение одухотворенности, утонченной интеллектуальности, благородства с горечью сомнений и разочарований, печалью и затаенной тревогой. В картинах, созданных Тицианом в последние годы творчества, звучит уже подлинный трагизм. Наиболее известное произведение Тициана этого периода – картина «Святой Себастиан».

Последняя четверть XVI в. стала для культуры Возрождения временем упадка. Творчество художников, которых стали называть маньеристами(от итал. маниеризмо – вычурность), а все направление – маньеризмом– приобрело изощренный, вычурный характер. Венецианская школа живописи дольше других сопротивлялась проникновению маньеризма и сохраняла верность традициям Возрождения. Однако и ее образы становились менее возвышенными и героическими, более земными, связанными с реальной жизнью.