Текст книги "Большая Советская Энциклопедия (СС)"

Автор книги: Большая Советская Энциклопедия

  В области ораториально-кантатного творчества появились монументальные полотна, посвященные особо актуальной в предвоенный период теме борьбы русского народа против иноземных захватчиков и ознаменовавшие собой становление героико-эпического направления в советской вокально-симфонической музыке: кантата «Александр Невский» Прокофьева (1939; создана на основе музыки к одноименному фильму) и симфония-кантата «На поле Куликовом» Ю. А. Шапорина (по А. А. Блоку, 1939). Историко-революционную линию в этом жанре продолжила оратория «Емельян Пугачев» Коваля (1939), приближающаяся по драматургическим особенностям к опере (в 1942 на её основе автор создал оперу). Оригинальный опыт воплощения революционной темы – «Кантата к 20-летию Октября» Прокофьева (1937) на подлинные тексты из работ К. Маркса, Ф. Энгельса и В. И. Ленина. В  симфоническом творчестве вслед за недолгим увлечением т. н. песенным симфонизмом (соединение симфонии с песней или другими вокальными жанрами) утвердилась симфония серьёзного философского содержания, с развитой музыкальной драматургией, героического, драматического или лирико-драматического характера. Крупнейшим достижением советской музыки стала 5-я симфония Шостаковича (1937). Выдающимися произведениями этого жанра явились его же 6-я симфония (1939), а также 16-я (1936) и 21-я (1940) Мясковского. В Грузии успешно развивалась симфоническая поэма (Г. В. Киладзе, Ш. М. Мшвелидзе). Расцвета достиг жанр инструментального концерта, представленный фортепьянным (1936) и скрипичным (1940) концертами А. И. Хачатуряна, 2-м скрипичным концертом Прокофьева (1935) и др. Характерное для советской музыки 30-х гг. внимание к классическим традициям благотворно сказалось на развитии камерных жанров, о чём свидетельствовали инструментальные ансамбли Шостаковича – соната для виолончели и фортепьяно (1934), 1-й квартет (1938), фортепьянный квинтет (1940), а также 5-й (1939) и 6-й (1940) квартеты Мясковского, трио для кларнета, скрипки и фортепьяно Хачатуряна (1932) и др. Яркие образцы появились в области романса – пушкинские циклы Ю. А. Шапорина (1935), Г. В. Свиридова (1935), Ю. В. Кочурова (1938), цикл Шапорина «Далёкая юность» на слова Блока (1940).

  В годы Великой Отечеств. войны 1941—1945 деятели советской музыки, как и других видов искусств, активно включились в борьбу с врагом. Многие музыканты ушли в армию и ополчение. Композиторы и исполнители вели постоянную творческую деятельность в армии. Продолжали действовать крупнейшие музыкальные учреждения, были созданы новые исполнительские коллективы (Государственный русский хор СССР под рук. А. В. Свешникова, 1942; Новосибирский театр оперы и балета, 1945). Работа ряда русских, украинских, белорусских композиторов в республиках Северного Кавказа, Закавказья и Средней Азии активизировала процессы сближения национальных музыкальных культур народов СССР. В музыкальном творчестве главное место заняла тема Родины и всенародной борьбы с врагом, впервые претворённая преимущественно на современном, нередко конкретном, документальном материале того периода. На 1-й план выступили героические образы. Ещё более усилился интерес к отечественной истории, к патриотическим традициям народов. Получили раскрытие в музыке философско-этический смысл войны как гигантского столкновения света и мрака, человечности и фашистского варварства, утверждение высоких идеалов социалистического гуманизма. Наряду с драмой и эпосом развивалась лирика (особенно в песне). Песня сохранила ведущее положение в народном быту как самый действенный и быстро откликающийся на события жанр. Символом всенародной борьбы, её «музыкальной эмблемой» стала созданная в первые же дни войны песня «Священная война» А. В. Александрова. Патриотическое значение приобрели также другие боевые гимны и марши («Святое ленинское знамя» А. В. Александрова, «Песня о Днепре» М. Г. Фрадкина, «Песня артиллеристов» Хренникова), песни-повествования о героях войны («Ой, туманы мои» Захарова, «Шумел сурово Брянский лес» С. А. Каца, «Заветный камень» Б. А. Мокроусова), многочисленные лирические и шуточные песни («В лесу прифронтовом», «Моя любимая» Блантера, «Тёмная ночь» Н. В. Богословского, «В землянке» Листова, «Смуглянка» А. Г. Новикова). Всенародное признание получили песни В. П. Соловьева-Седого – «Вечер на рейде», «Играй, мой баян», «Соловьи», «На солнечной поляночке». Композиторы широко обращались к жанру симфонии. Уже в июле 1941, в Ленинграде, Шостакович приступил к созданию 7-й (Ленинградской) симфонии, ставшей одним из бессмертных памятников эпохи. Исполнение её во время войны в городах СССР (в т. ч. в Ленинграде, август 1942) и за рубежом (Великобритания, США) стало впечатляющей демонстрацией патриотизма и мужества советского народа, сплочения антифашистских сил. Достижениями стали насыщенная глубоким философским содержанием 8-я симфония Шостаковича (1943), эпическая симфония – 2-я («Симфония с колоколом») Хачатуряна (1943), 2-я симфония («Родина») Г. Н. Попова (1943), 5-я Прокофьева (1944), которую автор задумал как «симфонию величия человеческого духа». Первые грузинские симфонии создали Ш. М. Мшвелидзе (1943) и А. М. Баланчивадзе (1944). Событиям войны посвящена героическая опера «Вэтэн» («Родина») Дж. Гаджиева и К. А. Караева (1945). Патриотизм и жизнелюбие советских людей нашли красочное воплощение в музыке балета «Гаянэ» Хачатуряна (1942), благородные нравственные идеи классической литературы – в музыке балета «Золушка» Прокофьева (1941). Яркие примеры развития эпических традиций русской музыки – опера «Война и мир» Прокофьева (1944), его же музыка к 1-й серии фильма «Иван Грозный» (1942), 7-я соната для фортепьяно (1942). Эпические тенденции, характерные для этого периода, воплотились и в оратории «Сказание о битве за Русскую землю» Шапорина, кантате-симфонии «Украина моя» А. Я. Штогаренко. Дальнейший рост интереса к музыке народов СССР и братских славянских стран дал значительные творческие результаты в таких произведениях, как 2-й квартет (на кабардино-балкарские темы) Прокофьева (1941), 5-й («Славянский») квартет Шебалина (1942), Украинский квинтет Лятошинского (1942; 2-я редакция 1945). Среди других камерно-инструментальных ансамблей – остродраматичные  фортепьянные трио Шостаковича (1944) и Свиридова (1945), 2-й квартет (1944) и 2-я соната для фортепьяно (1942) Шостаковича, 9-й квартет Мясковского (1943). Велась активная творческая работа в области духовой музыки (марши Н. П. Иванова-Радкевича, В. И. Мурадели, В. С. Рунова, М. Л. Старокадомского, Хайта, Хачатуряна, С. А. Чернецкого, Шостаковича).

  В первое послевоенное десятилетие была восстановлена и расширена довоенная сеть музыкальных театров, концертных учреждений, учебных заведений. С 1950 возобновилось проведение в Москве декад национального искусства. Больших успехов достигло музыкальное исполнительство. Развернулась творческая работа хоровых деятелей Г. Р. Ширмы, Г. Г. Эрнесакса. Выдвинулось новое поколение талантливых артистов: дирижёры – К. П. Кондрашин, Г. Н. Рождественский, Е. Ф. Светланов, Ниязи; хоровой дирижёр В. Г. Соколов; пианисты – С. Т. Рихтер, Т. П. Николаева; скрипачи – И. С. Безродный, Л. Б. Коган, Ю. Г. Ситковецкий; певцы – И. К. Архипова, Г. М. Гаспарян, Ж. Гейне-Вагнер, Б. Р. Гмыря, З. А. Долуханова, Т. Куузик, Л. Л. Линховоин, П. Г. Лисициан, А. П. Огнивцев, Г. К. Отс, И. И. Петров, Л. А. Руденко, А. Фринберг, Е. И. Чавдар.

  Были созданы значительные произведения на актуальные темы современности. Среди них – посвященные советской Родине: «Кантата о Родине» А. Г. Арутюняна (1948), кантата «Сердце Картли» А. И. Чимакадзе (1952), 6-я «Латгальская» симфония Я. А. Иванова (1949). События войны предстали в операх «Семья Тараса» Кабалевского (1950), «Молодая гвардия» Ю. С. Мейтуса (1950), «Певец свободы» Э. А. Каппа (1950). Картины труда показаны в оратории «Песнь о лесах» Шостаковича (1949), хоровой сюите «Река-богатырь» В. А. Макарова (1950), опереттах «Трембита» Ю. С. Милютина (1949), «Самое заветное» Соловьева-Седого (1951), «Белая акация» Дунаевского (1955). О борьбе за мир повествуют оратория «На страже мира» Прокофьева (1950), симфоническая поэма «За мир» Дж. Гаджиева (1951), оперетта «Вольный ветер» Дунаевского (1947), многие песни (в т. ч. «Гимн демократической молодёжи» А. Г. Новикова, 1947). По-прежнему привлекали внимание композиторов сюжеты из классической литературы (опера «Укрощение строптивой» Шебалина, 1955; балеты «Медный всадник» Глиэра, 1949; «Семь красавиц» К. А. Караева, 1952; симфоническая поэма «Миндия» Мшвелидзе, 1950; вок. цикл «Песни на слова Р. Бёрнса» Свиридова, 1955). Историко-революционную тематику воплотили «Десять хоровых поэм» Шостаковича (1951), оперы «Великая дружба» Мурадели (1947), «Декабристы» Шапорина (1953) и «Севиль» Ф. М. Амирова (1953), балет «Спартак» А. И. Хачатуряна (1955); историко-патриотическую – оперы «Сказание о Тариэле» Мшвелидзе (1946), «Богдан Хмельницкий» К. Ф. Данькевича (1953), 5-я «Русская героическая» симфония Щербачёва (1948); народно-эпическую и сказочную – оперы «Биржан и Сара» М. Тулебаева (1946), «Берег бурь» Эрнесакса (1949), балеты «Калевипоэг» Э. А. Каппа (1948), «Каменный цветок» Прокофьева (1950), «Сакта свободы» А. П. Скулте (1950). В жанре симфонии особо выделились произведения русских советских композиторов – 27-я Мясковского (1949), 6-я (1946) и 7-я (1952) Прокофьева, 9-я (1945) и 10-я (1953) Шостаковича, на Украине – 3-я Лятошинского (1951; 2-я редакция 1954), в Грузии – 1-я и 2-я О. В. Тактакишвили (1949 и 1953). Среди инструментальных концертов приобрели известность скрипичный Б. Д. Дварионаса (1948), скрипичный Кабалевского (1948), фортепьянный Г. А. Гасанова (1948), «Героическая баллада» для фортепьяно с оркестром А. А. Бабаджаняна (1950), фортепьянный концерт О. В. Тактакишвили (1951), симфония-концерт для виолончели с оркестром Прокофьева (1952). Среди оркестровых поэм на народные темы – «Эпическая поэма» Г. Г. Галынина (1950), «Симфонические мугамы» Ф. М. Амирова (1948) и Ниязи (1949). Появились значительные камерно-инструментальные ансамбли, в том числе 13-й квартет Мясковского (1949), 5-й квартет Шостаковича (1952), 2-й квартет (1948) и квартетные миниатюры (1950) С. Ф. Цинцадзе, а также фортепьянные произведения (24 прелюдии и фуги Шостаковича, 1951). В области хоров а капелла успешно работали М. Бурханов, Коваль, Попов, Шебалин, Эрнесакс. В жанре песни, наряду с русскими композиторами, азербайджанские – Т. А. Кулиев, С. А. Рустамов, грузинские – Р. К. Габичвадзе, Р. И. Лагидзе, татарские – С. З. Сайдашев, украинские – А. И. Кос-Анатольский, П. И. Майборода. Музыку для детей создавали Прокофьев (сюита «Зимний костёр», 1949), А. Н. Александров, Кабалевский, М. И. Красев, Н. Н. Леви, З. А. Левина, М. Р. Раухвергер, Старокадомский, А. Д. Филиппенко. В конце 40-х и в 50-е гг. были написаны (исполненные позднее) опера «Повесть о настоящем человеке» Прокофьева (1948), 1-й скрипичный концерт (1948) и вокальный цикл «Из еврейской народной поэзии» (1948) Шостаковича, вокальная поэма «Страна отцов» Свиридова на слова А. С. Исаакяна (1950).

  В конце 40-х и начале 50-х гг. получили некоторое распространение упрощённые, суженные представления о реализме, народности, новаторстве. В отдельных произведениях, особенно кантатно-ораториальных и программных симфонических, отрицательно сказывались поверхностность в отражении действительности, схематизм образов и выразит. средств. В оценке творчества ряда композиторов были допущены субъективистские ошибки, впоследствии исправленные постановлением ЦК КПСС от 28 мая 1958 «Об исправлении ошибок в оценке опер “Великая дружба”, “Богдан Хмельницкий”, “От всего сердца”». Этот документ партии, подтвердив незыблемость принципов идейности, партийности и народности советского искусства, сформулированных в постановлении ЦК ВКП(б) «Об опере “Великая дружба” В. Мурадели» (от 10 февраля 1948), помог музыкальным деятелям преодолеть суженное понимание ряда эстетических проблем, неверные представления о реализме, народности, новаторстве.

  С конца 1950-х гг., в 60—70-е гг. советская музыка развивалась на основе интенсивных творческих исканий, ведущих к многообразию стилей, жанров, форм при единстве идейных позиций, общности художественного метода – социалистического реализма. Музыкальная жизнь стала ещё более оживлённой. Резко усилился процесс взаимного обогащения и сближения национальных музыкальных культур. Активизировался обмен гастролями советских и зарубежных музыкантов. Советские исполнители завоевали высокий международный авторитет. Выдвинулись исполнители, среди которых оперные и симфонические дирижёры – Ю. И. Симонов, Ю. Х. Темирканов, В. И. Федосеев; хоровой дирижёр А. А. Юрлов; пианисты – Д. А. Башкиров, Э. К. Вирсаладзе, В. В. Крайнев, Е. Т. Могилевский, Н. А. Петров; скрипачи – М. И. Вайман, Б. Л. Гутников, В. А. Климов, Г. М. Кремер, И. Д. Ойстрах, В. А. Пикайзен, В. Т. Спиваков, В. В. Третьяков; виолончелисты – К. А. Георгиан, Н. Г. Гутман, Н.-Н. Шаховская; певцы – В. А. Атлантов, М. Л. Биешу, А. Ф. Ведерников, Ю. А. Гуляев, Г. А. Ковалева, Ю. А. Мазурок, Т. А. Милашкина, Л. В. Мясникова, Е. Е. Нестеренко, В. Норейка, Т. Н. Нижникова, Е. В. Образцова, Б. А. Руденко, Е. В. Серкебаев, А. Б. Соловьяненко, А. А. Эйзен.

  В разных жанрах успешно решалась задача воплощения ленинской темы: 12-я симфония «1917» Шостаковича (1961), 4-я (1956) и 5-я (1971) симфонии Дж. Гаджиева, кантата «Ленин с нами» А. Я. Эшпая (1969), 13-я симфония Я. А. Иванова (1969), оратория «Ленин в сердце народном» К. Щедрина (1970). Оригинальное воплощение получили темы революции и Гражданской войны в операх «Мать» Хренникова (1957), «Октябрь» Мурадели (1964), «Оптимистическая трагедия» Холминова (1965), «Виринея» С. М. Слонимского (1967), «Гибель эскадры» В. С. Губаренко (1967), «Огненное кольцо» А. Р. Тертеряна (1967), «Конец кровавого водораздела» В. Мухатова (1967). События Великой Отечественной войны многосторонне отразились в операх разного типа, нередко своеобразных по жанровому решению. Среди них «Джалиль» Н. Г. Жиганова (1956), «Кружевница Настя» В. Н. Трамбицкого (1963), «Ценою жизни» А. А. Николаева (1964), опера-оратория «Июльское воскресенье» В. И. Рубина (1969), «Неизвестный солдат» (1967) и «Зори здесь тихие» (1975) К. В. Молчанова. Созданы также оперы на героико-революционные, героико-романтические, лирико-эпические, лирические, драматические и другие сюжеты, в том числе «Овод» А. Э. Спадавеккиа (1957), «Сердце Домники» А. Г. Стырчи (1960; 2-я редакция под названием «Героическая баллада», 1970), «Не только любовь» Щедрина (1961), «Миндия» (1960), «Похищение луны» (1974) О. В. Тактакишвили, «Заблудившиеся птицы» В. А. Лаурушаса (1967), «Алпамыс» Е. Рахмадиева (1972). Обновление традиций происходит и в балетной музыке. Наряду с произведениями, продолжающими линию народно-героических балетов («Жанна д'Арк» Н. И. Пейко, 1956; «Тропою грома» Караева, 1958) или балетов на литературные сюжеты «Отелло» А. Д. Мачавариани, 1957; «Легенда о любви» А. Д. Меликова, 1961; «Шакунтала» С. А. Баласаняна, 1963; «Анна Каренина» Щедрина, 1972), написаны балеты нетрадиционной формы («Берег надежды» А. П. Петрова, 1959; «Вечный идол» Э. С. Оганесяна, 1966; «Легенда о белой птице» Г. А. Жубановой, 1966; «Икар» Слонимского, 1969; «Ярославна» Б. И. Тищенко, 1974).

  На основе главным образом современной тематики развивалась оперетта (А.П. Долуханян, Милютин, Мурадели, А. Г. Новиков, Соловьев-Седой). Композиторы, имеющие большой опыт работы в области оперы, симфонической и камерной музыки, создали также произведения для театра оперетты, среди них Кабалевский («Весна поёт», 1957) и Шостакович («Москва, Черемушки», 1959), В. Е. Баснер («Полярная звезда», 1966), Р. С. Гаджиев («Куба – любовь моя», 1963), А. П. Петров («Мы хотим танцевать», 1967), Хренников («Сто чертей и одна девушка», 1962), А. Я. Эшпай («Внимание, съёмка», 1969). Это способствовало дальнейшему подъёму профессиональной культуры жанра оперетты.

  Одно из ведущих мест в советской музыке заняло вокально-симфоническое творчество, основанное на обобщающей эпической и философско-эпической тематике. Начало новому этапу его развития положили сочинения Свиридова: «Поэма памяти Сергея Есенина» (1956), «Патетическая оратория» на слова В. В. Маяковского (1959). Среди других значительных произведений – оратория-поэма «Двенадцать» В. Н. Салманова (1957), «Реквием» Кабалевского (1963), вокально-симф. поэма «Казнь Степана Разина» Шостаковича (1964), оратории «Сны революции» Рубина (1963), «По следам Руставели» О. В. Тактакишвили (1964), «Махагони» Зариня (1965), «Слово о полку Игореве» Л. А. Пригожина (1966), «Не трогайте голубой глобус» Э. К. Бальсиса (1970). Появилось многие произведения, опирающихся на народную песню: т. н. фольклорная кантата («Курские песни» Свиридова, «Свадебные песни» Ю. М. Буцко, «Белорусские песни» А. В. Богатырева, «Гурийские песни» О. В. Тактакишвили), т. н. фольклорный хоровой концерт («Лебедушка» Салманова), хоровой цикл («Мужские песни» В. Р. Тормиса). Аналогичные яркие явления возникли в камерно-вокальном жанре: «Русская тетрадь» В. А. Гаврилина, «Песни вольницы» Слонимского, «Лакские песни» Ш. Р. Чапаева, «Курземская тетрадь» П. Е. Дамбиса. В числе других образцов этого жанра, наряду с новыми вокальными циклами Свиридова (на слова Есенина, Блока) и Шостаковича (на слова Блока), – произведения В. Ф. Веселова, Н. К. Габуния, Т. Е. Мансуряна, А. А. Николаева. Человеческий голос, поэтическое слово заняли важное место в ряде симфоний, что сблизило их с ораторией (13-я Шостаковича, 1962; 8-я «Цветы Польши» М. С. Вайнберга, 1964; «Лира человека» Ю. А. Юзелюнаса) или с камерно-вокальным циклом (14-я Шостаковича, 1969). Новый выдающийся образец программной симфонии – 11-я («1905 год») Шостаковича (1957). Многие композиторы (Вайнберг, Г. А. Канчели, К. А. Караев, Э. М. Мирзоян, А. А. Пярт, Тищенко, Б. А. Чайковский и др.) создали симфонии, имеющие общие черты с инструментальным концертом или камерно-инструментальным ансамблем. В этом сказалась характерная для современного периода тенденция сближения и взаимопроникновения жанров. Вместе с тем по-новому трактуется и традиционный симфонический цикл (15-я Шостаковича, 1971). Столь же разнообразны жанровые и стилевые решения в области инструментального концерта. Приобрели известность фортепьянные концерты Б. А. Квернадзе, Тищенко, Хренникова (2-й – 1971), скрипичные – Щедрина, К. А. Караева, М. М. Скорика, виолончельные – Пярта, Б. А. Чайковского, рапсодии для солирующих инструментов с оркестром А. И. Хачатуряна, концерты для симфонического оркестра Б. А. Арапова, С. Гаджибекова, Щедрина («Озорные частушки», 1963), А. Я. Эшпая. Большое внимание композиторов привлек камерный оркестр (соч. Р. С. Бунина, Я. П. Ряэтса, Свиридова). Среди камерно-инструм. ансамблей – квартеты Шостаковича (6-й – 15-й), Вайнберга, Б. А. Чайковского, 8-й Шебалина, скрипичные сонаты Пригожина, К. С. Хачатуряна, рапсодия В. Г. Загорского.

  Большое развитие получила сольная эстрадная и бытовая песня гражданского и лирического содержания; были созданы и хоровые песни. Здесь вместе с опытными мастерами, завоевавшими признание в предшествующие периоды, в том числе Мурадели («Бухенвальдский набат»), А. Г. Новиковым («Марш коммунистических бригад»), А. И. Островским («Пусть всегда будет солнце»), Соловьёвым-Седым («Подмосковные вечера», «Если бы парни всей земли» и др.), Туликовым («Родина»), Фрадкиным («Течёт Волга», «За того парня»), выдвинулась большая группа композиторов, среди которых Л. В. Афанасьев, А. А. Бабаджанян, В. Е. Баснер, В. А. Гаврилин, О. Зульфугаров, М. М. Кажлаев, Э. С. Колмановский, И. М. Лученок, А. Н. Пахмутова, А. П. Петров, Г. Г. Раман, М. Л. Таривердиев, О. Б. Фельцман, А. Г. Флярковский, А. Я. Эшпай.

  Многие музыкальные театры СССР, коллективы, а также исполнители с успехом выступают за рубежом. Лучшие зарубежные коллективы и артисты гастролируют в СССР. Композиторов, а также исполнителей разных специальностей готовят консерватории, институты искусств, музыкальные училища союзных и автономных республик. Советские композиторы и музыковеды объединены в Союз композиторов СССР (см. в разделе Творческие союзы). В СССР работают (1975) 42 театра оперы и балета, 29 театров музыкальной комедии и миниатюр, 135 филармоний, 44 симфонических оркестра, 61 камерный оркестр и ансамбль, 20 консерваторий, 6 институтов искусств, 3 музыкально-педагогических института, 48 музыкальных факультетов при педагогических институтах, 243 музыкальных училища и училища искусств, около 5,5 тыс. детских музыкальных школ.

  См. Музыка, Музыкальное образование, Музыковедение, а также раздел Музыка в статьях о союзных и автономных республиках.

  Ю. В. Келдыш (до 1917), А. Н. Сохор (после 1917).

  Танец, балет

  Танец

  В СССР танец – один из наиболее массовых видов народного искусства, его подлинное национальное богатство. Каждый народ, населяющий территорию СССР, имеет свои танцевальные традиции, хореографический язык, особые координации движений, музыкально-танцевальные формы, приёмы соотношения движения с музыкой. Танец издавна отражает уклад жизни, обычаи и традиции народов и связан с другими видами искусства, главным образом с музыкой. Он – неотъемлемая часть народных представлений на праздниках, ярмарках и др.; в нём нашли отражение и разнообразные стороны трудовой деятельности. Народы, занятые охотой, животноводством, в танце образно запечатлели повадки и характер зверей, птиц, домашних животных (у якутов – танец медведя, литовцев – козлика, русских– «журавль», «гусачок» и др.). У народов-земледельцев сложились танцы, изображающие труд. процессы [латв. танец жнецов, белорусский – «лянок», молдавский – «поама» (виноград), узбекские – «шелкопряд», «пахта» (хлопок)]. С возникновением ремёсел формировались новые танцы (украинский – «бондарь», карельский – «так ткут сукно», эстонский – «сапожник» и др.). Воинская доблесть, героизм также выражаются в танце (грузинские – хоруми, парикаоба; казачьи пляски и др.). Большое место в танцевальном творчестве занимают тема любви, почтительное отношение к женщине (грузинский – картули, русский – байновская кадриль и др.), во многих танцах присутствует народный юмор (белорусский – «Юрочка», узбекский – ракс бозы, таджикский – «аист и лягушка» и др.). Многие танцы исполняются под аккомпанемент народных инструментов, с бытовыми аксессуарами (платками, шляпами, чашами и др.). Характер танца связан также и с национальной одеждой.

  За годы Советской власти танцевальная культура получила всестороннее развитие. У народов, где давние танцевальные традиции забыты или утеряны, создавались новые – на основе изучения игр, пластических обрядов и смежных искусств (художественных ремёсел, музыки, песен и др.). Так, вновь возник народный танец в Казахской ССР, Киргизской ССР, Туркменской ССР. Бурно развиваются танцы народов Севера и Сибири (эвенков, коряков, якутов), которые отличаются неповторимой самобытностью (например, якутский «Асуохай»). Во всех республиках танцевальная культура представлена массовой художественной самодеятельностью и многочисленными профессиональными ансамблями. Такие ансамбли танца, созданные во всех республиках, по существу стали театрами народного танца, где по всем законам сценического действия создаются сценические хореографические произведения. Среди ведущих коллективов: Ансамбль народного танца СССР (1937), Хореографический ансамбль «Берёзка» (1948), Ансамбль танца Азербайджанской ССР (1971), Ансамбль танца Армянской ССР (1958), Ансамбль танца БССР (1959), Ансамбль народного танца Грузинской ССР (1945), Ансамбль песни и танца Казахской ССР (1955), Ансамбль народного танца Киргизской ССР (1966), Ансамбль танца Латвийской ССР «Дайле» (1968), Ансамбль народного песни и танца Литовской ССР «Летува» (1940), Ансамбль народного танца Молдавской ССР «Жок» (1945), Ансамбль танца Таджикской ССР «Лола» (1965), Ансамбль народного танца Туркменской ССР (1941), Ансамбль танца УССР (1937), Ансамбль танца Узбекской ССР «Бахор» (1957).

  В сценических танцах балетмейстеры и исполнители повествуют о радостной жизни, о труде, праздниках, обычаях и мечтах народа. Характерные черты таких хореографических спектаклей – взаимовлияние профессионального и самодеятельного искусств, их связь с фольклором и бережное сохранение его редчайших образцов.

  В золотой фонд советской сценической народной хореографии вписали яркие страницы такие мастера, как И. А. Моисеев, Н. С. Надеждина, Т. А. Устинова, М. С. Годенко (РСФСР), П. П. Вирский (УССР), И. И. Сухишвили и Н. Ш. Рамишвили (Грузинская ССР), М. Тургунбаева, Тамара Ханум (Узбекская ССР), Ю. И. Лингис (Литовская ССР), В. К. Курбет (Молдавская ССР) и др. См. Танец, а также раздел Танец. Балет в статьях о союзных республиках и раздел Музыка в статьях об автономных республиках.

  В. И. Уральская.

  Балет

  Советский балет прочно завоевал мировое признание. Его искусство многонационально, оно доступно миллионам. Восприняв лучшие традиции русской и мировой хореографии, советский балетный театр обрёл собственные неповторимые качества. В многообразии жанров и форм утвердилась форма многоактного сюжетного спектакля, отражающего жизнь, проникнутого гуманизмом. Постоянно расширяя тематику, советский балет особое внимание уделяет темам героическим, близким современности. Классический танец, оставаясь основным выразительным средством, постоянно обогащается народной хореографией. Советская школа классического танца воспитала артистов балета, которые сочетают высокое техническое мастерство с глубокой эмоциональностью, правдиво показывают развитие характеров и судеб героев.

  Первые балетные представления состоялись в Москве при дворе Алексея Михайловича в 1672—76. Исполнителями были иностранцы и русские ученики пастора Грегори («Балет об Орфее и Евридике», 1673). Систематический показ музыкальных представлений начался в 30-е гг. 18 в. В 1738 француз Ж. Ланде организовал в Петербурге танцевальную школу, что позволило перейти от эпизодических спектаклей гастролёров – труппы Фоссано (А. Ринальди) и др. – к регулярным представлениям. В 1773 были открыты танцевальные классы при Московском воспитательном доме, а в 1776 – оперно-балетная антреприза князя П. В. Урусова и М. Г. Медокса, явившаяся основой при создании Большого театра (см. Большой театр СССР).

  На протяжении 18 в. репертуар московских и петербургских трупп составляли мифологические анакреонтические балеты, действенные пантомимные трагедии, созданные балетмейстерами Г. Анджолини, Ф. Хильфердингом, Д. Канциани, Ж. Ж. Новером, Ш. Ле Пиком, Д. Соломони и др. Русский балет воспринял новаторство западноевропейских реформаторов, обогативших балетное искусство просветит. идеями, развивал традиции русской народной хореографии, постепенно утверждаясь как явление национальной культуры. Русская музыка и танцы использовались в комических операх, интермедиях, дивертисментах, написанных русскими композиторами. Так во время Отечественной войны 1812 особое значение имели патриотические дивертисменты с музыкой С. И. Давыдова, К. А. Кавоса и др. в постановке И. И. Вальберха, И. М. Аблеца, И. К. Лобанова. На рубеже 18—19 вв. в Петербурге и Москве создавались спектакли, близкие по стилю сентиментализму: балеты Вальберха «Новый Вертер» с музыкой А. Н. Титова (1799), «Поль и Виргиния» (1810) и др. Известность приобрели артисты балета Е. И. Колосова, Н. П. Берилова и др. В танцевальных драмах Ш. Дидло и А. П. Глушковского (20-е гг. 19 в.), в постановках Ф. Гюллень-Сор (30-е гг.) стали выявляться черты складывавшегося романтизма. Балетмейстеры обращались к сюжетам произведений А. С. Пушкина: Дидло поставил балет «Кавказский пленник, или Тень невесты» Кавоса (1823), Глушковский – «Руслан и Людмила, или Ниспровержение Черномора, злого волшебника» Ф. Е. Шольца (1821) и «Чёрная шаль» на сборную музыку (1831). В этих спектаклях выдвинулись А. И. Истомина, Е. А. Телешова, А. А. Лихутина, Н. О. Гольц, Т. И. Глушковская и др. В России, как и в других европейских странах, к середине 30-х гг. утвердился репертуар романтического балета. Постановки Ф. Тальони («Сильфида» Ж. Шнейцгоффера, «Дева Дуная» А. Адана) в фантастических образах отражали противоречие между мечтой и действительностью. Образы неземных существ – сильфид, пери, ундин, – олицетворявшие недосягаемость идеала, потребовали обновления танцевального языка главным образом за счёт пальцевой и прыжковой техники. Танцы кордебалета служили аккомпанементом солистке и носили обобщённый характер. Балеты Ж. Перро были романтическими драмами с живописными образами, бурными страстями («Эсмеральда» и «Катарина, дочь разбойника» Ч. Пуньи, «Корсар» Адана). Основными выразительными средствами для них стали действенный танец и танцевальная пантомима. В 30—40-х гг. 19 в. в России гастролировали танцовщицы романтического направления М. Тальони и Ф. Эльслер. В 40-х гг. на петербургской и московской сценах в романтических балетах выступали русские артисты Е. А. Санковская, Е. И. Андреянова и И. Н. Никитин, в 50—60-х гг. – П. П. Лебедева, М. Н. Муравьева. В этот период балетный театр занял важное место в русском искусстве, развиваясь в общем русле национальной культуры. В 60—70-е гг. в спектаклях балетм. А. Сен-Леона («Конёк-горбунок» Пуньи), С. П. Соколова («Папоротник, или Ночь на Ивана Купалу» Ю. Г. Гербера) и в ранних балетах М. И. Петипа («Дочь фараона» Пуньи) начался распад романтической драмы, постепенно терявшей драматургическую цельность и содержательность. В то же время интенсивно накапливались средства танцевальной выразительности, особенно в классическом танце. Формировался новый тип балетного спектакля – «большой балет» (или академический балет). Балетмейстеры, и прежде всего Петипа, разрабатывали сложные танцевальные композиции, где обобщённый образ рождался в развитии и сопоставлении пластических тем, возникающих благодаря сочетаниям движений в сольных и ансамблевых танцах, комбинациям их рисунков, разнообразию ритмов. Танцевальная драматургия «большого балета» находила воплощение в структурных формах, постепенно вырабатываемых и закрепляемых балетмейстерами. С приходом композиторов-симфонистов эти поиски получили опору в развитой музыкальной драматургии. Высшим достижением балета конца 19 в. стали петербургские спектакли Петипа и Л. И. Иванова – «Спящая красавица» (1890), «Щелкунчик» (1892), «Лебединое озеро» (1895) П. И. Чайковского и «Раймонда» А. К. Глазунова (1898). Ведущие артисты балета в 70– 90-х гг. – Е. О. Вазем, М. Ф. Кшесинская, О. И. Преображенская, П. А. Гердт, Н, Г. Легат, итальянские гастролёры К. Брианца, П. Леньяни, Э. Чекетти. Несмотря на достижения балетного искусства 90-х гг., эстетика «большого балета» к концу 19 в. исчерпала себя, возникла потребность реформы хореографического театра.