Текст книги "История русской литературы с древнейших времен по 1925 год. Том 1"

Автор книги: Дмитрий Святополк-Мирский (Мирский)

сообщить о нарушении

Текущая страница: 22 (всего у книги 27 страниц)

через два года Некрасов вместе с Салтыковым перекупил

Отечественные Запискии таким образом оставался редактором и

издателем главного радикального журнала до самой своей смерти.

Некрасов был гениальным редактором: способность его заполучить

самую лучшую литературу и самых лучших людей, писавших на

злобу дня, граничила с чудом. Но как издатель это был

предприниматель, как говорят иные – неразборчивый в средствах, и

как говорят все – жесткий и жадный. Как все тогдашние

предприниматели, он не доплачивал своим сотрудникам, пользуясь их

бескорыстием. Его личная жизнь тоже не отвечала требованиям

радикального пуританства. Он постоянно крупно играл. Тратил много

денег на свой стол и своих любовниц. Был не чужд снобизма и любил

общество людей вышестоящих. Все это, по мнению многих

современников, не гармонировало с «гуманным» и демократическим

характером его поэзии. Но особенно восстановило всех против него

его трусливое поведение накануне закрытия Современника, когда для

спасения себя и своего журнала он сочинил и прочел публично

стихотворение, прославлявшее диктатора графа Муравьева, самого

беспощадного и решительного реакционера. Но хотя Тургенев,

Герцен и большинство современников Некрасова ненавидели,

радикалы, работавшие у него, им восхищались, любили его

безгранично и отпускали ему как простительные личные и даже,

более того, общественные прегрешения. Его связь с г-жой Панаевой,

героиней его лучших и оригинальнейших любовных стихов,

продолжалась около десяти лет и стала одним из самых известных

романов в биографиях русских литераторов. Некоторое время

Некрасов и Панаевы жили втроем (« mеnаge a trois») –

жоржсандистский либерализм, популярный среди интеллигенции в

середине девятнадцатого века. Обоим – и Некрасову и Панаевой – эта

связь доставила гораздо больше страданий, чем радостей.

Хронически больной (в результате своей беспорядочной жизни),

Некрасов был подвержен длительным приступам меланхолии и

депрессии; при этом он страшно страдал и превращал жизнь своих

близких в ад. После разрыва с Панаевой Некрасов жил с

любовницами, которых содержал, пока незадолго до смерти не

женился на простой девушке из народа. В 1875 г. здоровье

окончательно ему изменило, и последние два года его жизни

превратились в медленную агонию, едва облегчаемую преданной

заботой жены. Он умер 27 декабря 1877 г. Похороны его стали самой

поразительной демонстрацией популярности, какой когда-либо

удостаивался русский писатель.

Но несмотря на его огромную популярность среди радикалов,

несмотря на уважение, с которым к нему относились такие

противники, как Григорьев и Достоевский, нельзя сказать, что

Некрасову при жизни воздавали должное. Даже поклонники

восхищались более содержанием его стихов, чем формой, и многие из

них считали, что Некрасов пишет нехудожественно, но это неважно,

и он великий поэт – потому что содержание важнее формы. Эстеты

откровенно терпеть его не могли. По словам Тургенева, «поэзия в его

стихах и не ночевала». Может быть, Григорьев со своей глубокой

интуицией только один и мог понять истинное величие Некрасова.

После смерти Некрасова о его поэзии продолжали судить по-

партийному: правые отбрасывали ее целиком, левые хвалили,

несмотря на неудачную форму. Только с пришествием модернизма

был он по-настоящему признан, и его новизна и оригинальность

оценены по достоинству. В течение последних десяти – пятнадцати

лет не было другой поэтической славы, которая бы так неуклонно

росла. Прежде всего это произошло потому, что возросла наша

способность понимать «непоэтическую» поэзию. Но дело еще и в

том, что Некрасов перестал числиться у радикалов святым (каковым

он, разумеется, никогда и не был в том смысле, в каком ими были

Белинский, Чернышевский, Добролюбов и Глеб Успенский) и стал

более узнаваемым и реальным Некрасовым, сложной, не всегда

образцовой, но глубоко человечной и оригинальной личностью.

Столь сильно отличавшийся от своих современников, во многих

отношениях Некрасов разделял с ними недостаток сознательного

мастерства и художественной культуры. Характерно, что он вообще

не знал, что такое просодия, не знал даже названий стихотворных

размеров. Он только смутно, подсознательно знал, чего ищет, и хотя

был великолепным критиком чужих стихов, не умел судить свои

собственные. Он тратил свою творческую энергию на далекие ему,

неблагодарные сюжеты. Он обладал опасной способностью к

версификации, развившейся в те годы, когда он был поставщиком

водевилей и рифмованных фельетонов. Многое из того, что он писал

даже в зрелые годы, – просто рифмованные статьи, и даже в лучших

его стихах (за малым исключением) попадаются лишенные

вдохновения многословные пассажи. Он, в сущности, восстал против

всех условностей поэтического вкуса, всего арсенала «поэтической»

поэзии, и смысл его лучших и оригинальнейших произведений

именно в том, что он отважно создавал новую поэзию, не скованную

традиционными нормами вкуса. Но собственный его творческий вкус

был не всегда безошибочен, и хотя он очень близко подошел к

созданию нового, оправдавшего себя стиля (особенно в великолепной

сатирической поэме Кому на Руси жить хорошо?), он так никогда и

не овладел им полностью. Но сила вдохновения, но поэтиче ская

энергия во многих, даже не лучших стихах его так велика, что

приходится принимать случайные ляпсусы как элементы целого. По

оригинальности и поэтической энергии Некрасов занимает одно из

первых мест среди русских поэтов и даже сравнение с Державиным

ему не страшно.

Главная тема некрасовской поэзии, по его собственному

выражению, – «страдания народа». Но его вдохновение, в выборе

темы гражданское, в разработке ее становится субъективным и

личным, а не общественным. За исключением тех стихотворений, где

он больше всего приближается к духу народной песни и таким

образом освобождается от слишком личного, стихи его, его поэзия

всегда личная, он никогда не высказывается от имени группы.

Общественные пороки современной ему России для Некрасова не

столько объективный факт, сколько мучительное личное

переживание. Его социальная поэзия рождена муками глубокой,

жестоко истерзанной чувствительности. Можно сказать, что у

Некрасова был комплекс «социального сострадания». Именно

сострадание (страдание вместе с другими), а не жалость

(снисхождение к чужому страданию) одушевляет поэзию Некрасова.

При всей политической серьезности и искренности его

демократических чувств, с точки зрения психологии «страдания

народа» были для него эманацией, символом его собственных

страданий – от бедности, от болезни, от уныния, от мучений совести.

Ему была свойственна необыкновенная мощь идеализации;

потребность создавать богов была одной из наиболее сильных его

потребностей. Главным из этих богов был русский народ; за ним идут

такие же идеализированные и субъективизированные мифы о матери

и о Белинском. Его идеализированное представление о народе,

разумеется, тяготеет к сентиментальности, и ему не всегда удавалось

избежать этой волчьей ямы, но в лучших вещах, которых у него

много, всякий намек на сентиментальность очищается в жарком огне

его поэтической энергии и поэтической искренности. Разговоры о

вкусе и красоте формы совершенно неуместны в присутствии

стихийного творчества, создавшего, например, такие реалистически-

мифологические поэмы как Мороз Красный нос. Но у Некрасова

народ не только объект сострадания и поклонения. Он и шутит, и

смеется вместе с ним, так же как вместе с ним страдает, и из всех

русских поэтов девятнадцатого века он единственный был по-

настоящему творчески близок к духу народной песни; он не

имитировал ее: просто у него была душа народного певца.

Все творчество Некрасова можно разделить на две части: ту, где

он пользуется формами, обусловленными (пусть и с отрицательным

знаком) предыдущим развитием литературной поэзии, – и ту, где он

работает в духе народной песни. В целом можно сказать, что в

первой он субъективен, а во второй объективен и безличен. Эти

аспекты очень разнятся, но именно их комбинация создает его

неповторимую поэтическую индивидуальность. Первая, традиционно

литературная часть гораздо более неровная, чем вторая. Нижний слой

ее переходит в совершенно механическую и нехудожественную

версификацию, которой он занимался в сороковые годы и которой так

никогда и не оставил. Многое из того, что особенно ценилось

современниками за гражданское и гуманистическое содержание,

сегодня кажется негативной частью некрасовского наследия. Нам

нелегко, к примеру, открыть какие-нибудь достоинства в написанном

без вдохновения механическом переложении воспоминаний княгини

Волконской, жены декабриста ( Русские женщины, 1867), в поэме,

которую старшее поколение считало некрасовским шедевром.

С другой стороны его иронические и сатирические стихи, вероятно,

нравятся нам больше, чем нашим отцам и дедам. Едкий, злой и

сжатый сарказм такой крепкой вещи, как Вор, ставит Некрасова в

первый ряд величайших сатириков мира. В большинстве случаев его

гневные риторические инвективы выиграли от времени больше, чем

потерял остальной Некрасов. Я, во всяком случае, думаю, что такие

поэмы, как элегия Родина, являются вершиной русской поэзии и

оставляют поэтические инвективы Лермонтова далеко позади. Другая

группа некрасовских стихов, выигравшая от времени, – его

замечательно оригинальная любовная лирика: неподслащенный,

несентиментальный, пронзительный, страстный и трагический

рассказ о любви, которая приносит любящим больше страдания, чем

радости. Наконец, среди самых ранних его стихов (1846) находится

то, поистине бессмертное стихотворение, которое столь многие

(среди них Григорьев и Розанов) прочувствовали и осознали как

нечто большее, чем стихи, – стихотворение о трагической любви на

краю голодной смерти и морального падения – начинающееся

словами «Еду ли ночью по улице темной». То же напряжение и сила

ощущаются в стихотворениях, написанных во время последней

болезни ( Последние песни).

Об его объективной повествовательной поэме Саша(1854), за

которую его обвиняли в плагиате тургеневского Рудинаеще до того,

как он был напечатан у него в журнале, можно сказать, что это

попытка создания проблемного рассказа в стихах, и, несмотря на

имеющиеся там прекрасные места, она выглядит жалко в сравнении с

романами Тургенева. Гораздо интереснее его многочисленные

короткие и драматические стихотворения из крестьянской жизни.

С одного из них ( В дороге, 1847) начался его творческий путь.

Некоторые из ранних стихотворений написаны в явно романтиче ском

тоне ( Огородник). Одно из самых знаменитых – Влас(1854),

стихотворение, в котором Некрасов доказал свое сочувствие не

только страданиям народа, но и его религиозным идеалам. Самая

масштабная из его поэм (не в стиле народных песен) –

величественный и статуарный Мороз Красный нос(1863), с его

мифологической идеализацией русской крестьянки и широкими

панорамами молчаливого, скованного морозом леса.

В своей народно-песенной поэзии Некрасов уходит от своего moi

haissable(ненавистного «я»), освобождается от мучительной

одержимости страданием и становится поэтом, выражающим

сверхиндивидуальное. Это заметно уже в его стихах для детей,

особенно в прелестном Генерале Топтыгине(где запуганный

почтмейстер принимает ученого медведя за разгневанного генерала).

Но характернее всего самая певучая некрасовская поэма Коробейники

(1863), история по сути трагическая, но рассказанная в здоровом и

мощном мажорном ключе. Начало поэмы присвоено народом как

народная песня. Из всей русской книжной поэзии это, пожалуй,

самый популярный отрывок. Но в той же поэме звенит совершенно

иная, странная нота – Песня странника– одна из самых сильных и

оригинальных у Некрасова. Это из тех поэм, которые (по словам

Синга, так часто применимым к Некрасову) человечны потому, что

грубы.

Величайшее достижение Некрасова в стиле народной песни, а

может быть и всего его творчества, это большая реалистическая

сатира Кому на Руси жить хорошо?, над которой он работал в

семидесятые годы. Поэма рассказывает, как семь мужиков для того,

чтобы решить вопрос, кому на Руси хорошо живется, пошли по

стране. Они встречают представителей разных классов общества:

помещика, священника, крестьянку и т. д. Им рассказывают истории

о нравственных подвигах, о героизме, о преступлениях, и поэма

кончается на ноте радостной уверенности в будущем народа,

которому поможет новая демократическая интеллигенция. Стиль

поэмы совершенно оригинальный, изумительно характерный и

крепкий. Поэт ни разу не позволяет себе впасть в свои обычные

субъективные стенания и ведет рассказ в тоне добродушной, но

острой сатиры в народном духе, с многими сценами, выдержанными

в тонах простого и здорового реализма, куда порой, когда речь

заходит о добродетелях сильного русского мужика, вторгается

героическая нота. Исполненная замечательной словесной

выразительности, энергии и разнообразных находок, поэма эта

принадлежит к самым оригинальным произведениям русской поэзии

XIX столетия.

11. ПОЛНЫЙ УПАДОК ПОЭЗИИ

Поколение родившихся между 1825 и 1850 гг. оказалось

поэтически самым бесплодным из всех в истории России. С 1860 г. и

до конца семидесятых не появилось ни одного хотя бы средне

одаренного поэта. Враги поэзии, опираясь на непреложные факты,

могли торжествовать победу своей антиэстетической кампании. Как

гражданскому направлению, так и направлению «чистого искусства»

нечем было похвалиться. Правда, последнее направление выдвинуло

Константина Случевского (1837–1904), поэта в самом деле

значительного. Но после своего недолгого первого появления в 1857–

1860 гг., когда понимающие критики (Григорьев в том числе)

приветствовали его как надежду русской поэзии, Случевский,

подобно Фету, исчез почти на двадцать лет и появился вновь только в

конце семидесятых годов. У него было по-настоящему оригинальное

видение мира – основа гениальности, и казалось, что он способен

создать действительно новую, действительно современную поэзию,

но ему не повезло – его деятельность пришлась на время

глубочайшего падения поэтической техники, и в поэзии он так и

остался заикой. Его творчество относится в основном к

восьмидесятым годам и далее, и я говорю о нем более подробно в

книге Современная русская литература.

Другой достойный упоминания поэт того же периода – Дмитрий

Николаевич Садовников (1843–1883); он родился в Симбирске и

попробовал создать что-то вроде локальной приволжской поэзии;

наиболее известный, хоть и анонимный теперь (поскольку никто не

помнит автора) ее образчик – баллада о Стеньке Разине и персидской

княжне.

Поскольку в шестидесятые и семидесятые годы оригинальной

поэзии не было, развилась огромная переводческая активность.

Крайние антиэстеты, очень сурово относившиеся к родной поэзии,

сохранили некоторое почтение к кое-каким иностранным именам,

особенно к тем, кто так или иначе был связан с революцией, – как

Байрон, Беранже и Гейне. Байрон почитался почти так же, как и

прежде, – его славил, хотя и только для приличия, даже Писарев.

И не будет преувеличением сказать, что Беранже (в переводах

Курочкина (1831–1875)) и Гейне (в переводах Михайлова (1826–

1865), Плещеева и Вейнберга (1830–1908)) были в широких слоях

интеллигенции популярнее, чем любой из русских поэтов.

12. ДРАМАТУРГИЯ, ОБЩИЙ ОБЗОР; ТУРГЕНЕВ

Развитие реализма на русской сцене шло проще и

прямолинейнее, чем в русском романе. Его историю можно

обозначить несколькими выдающимися именами, что невозможно

сделать для прозы. Три периода этого развития можно разделить так:

в первом (примерно с 1830 по 1850 гг.) господствует великий актер,

во втором (1850–1895) – великий драматург, в третьем (который

выходит за пределы настоящего тома) – великий режиссер. Это

Щепкин, Островский и Станиславский. Щепкин был

родоначальником реалистической игры. Но корнями его искусство

уходило в глубину классической традиции с ее универсальной

всечеловеческой правдой, и его реализм говорил не о частностях, а о

человеческой природе вообще. Искусство его было искусством

создания типов психологических, а не социальных. Вторая фаза

русского сценического реализма сосредоточилась на реализме

социальном, на правде конкретных деталей, на наименее

универсальных и наиболее индивидуальных аспектах данной

социальной среды. Он стал «этнографическим» реализмом, или,

используя русский термин, бытовым, что означает изображение

жизни в ее локальных и преходящих аспектах.

Эта фаза нашла свое полное выражение в пьесах Островского и

игре Прова Садовского (1818–1872), личного друга автора. Первое

представление первой пьесы Островского (1853) открыло новую

театральную эру, продолжавшуюся полстолетия.

Островский наложил свой отпечаток на весь период. Как и

современный ему роман, драма в его руках стремилась стать

соединением отобранных срезов жизни, минимально

приспособленных к требованиям сцены. Эта же тенденция

прослеживается в драматургии Тургенева, который в начале

литературной деятельности колебался некоторое время между

драматургией и прозой. Он наиболее значительный драматург из всех

романистов, за исключением Писемского. Его пьесы относятся к

1843–1852 гг. Это в значительной мере экспериментальные поиски

собственной формы. Некоторые из них были поставлены в то время,

некоторые увидели подмостки недавно. Самая сценичная из них –

Провинциалка, легкая изящная комедия (1851). Самая интересная

исторически – Месяц в деревне(1850), психологическая драма на

проверенную временем тему о любовном соперничестве между

зрелой женщиной и молоденькой девушкой, которая и по стилю и по

построению (отсутствие внешних событий и сложность

психологической и атмосферной обрисовки) явно создает

предчувствие Чехова.

13. ОСТРОВСКИЙ

Александр Николаевич Островский родился в 1823 г. в Москве, в

Замоскворечье, в сердце купеческого квартала. Его отец был

чиновником, а позже – адвокатом с купеческой клиентурой в том же

Замоскворечье. Будущий драматург поступил в университет, но в

1843 г., после скандала с университетским начальством, ушел оттуда

и поступил на службу в Торговую палату. Там он оставался до

1851 г., пока не оставил службу. Восемь лет в Торговой палате многое

добавили к его жизненному, домашнему и общественному опыту

пребывания в купеческой среде и очень помогли ему узнать быт.

Первое его произведение было опубликовано в 1847 г. Это был

отрывок из комедии Банкрот, которую он в 1849 г. закончил. Пьеса

эта, которую он читал во многих московских домах, произвела

огромное впечатление. С тех пор Островский стал центром кружка

молодых людей, которые были влюблены в русский национальный

характер и в разгульный образ жизни. Этот разгул погубил

Григорьева и других не столь крепких людей, но основной чертой

Островского был могучий здравый смысл, который помог ему

остаться уравновешенным, много работающим человеком, каким он и

был по натуре.

Первой его пьесой, представленной на сцене, была Бедная

невеста; это произошло в 1853 г. После этого и до самой смерти

Островского (в 1886 г.) не проходило года, чтобы на сценах

императорских театров не появилась его новая пьеса. Апогей

популярности Островского, как и Тургенева, Гончарова и

Писемского, – 1856–1860 гг. После этой даты популярность

Островского, хотя и не снижалась, но перестала расти, и критика и

публика стали утверждать, что ранние его пьесы лучше новых.

Личная жизнь его проходила без особых событий, ибо всю свою

энергию он отдавал театру. В 1885 г. Островский был назначен

содиректором Московских императорских театров и директором

состоявшего при них театрального училища. Умер он в следующем,

1886 году.

За время с 1847 по 1886 гг. Островский написал около сорока* пьес в

прозе и еще восемь белым стихом.

*Среди прочего, он перевел Укрощение строптивойи интермедии Сервантеса.

Они все разного достоинства, но в целом несомненно

представляют самое замечательное собрание драматических

сочинений, какое есть на русском языке. Грибоедов и Гоголь писали

великие и вполне оригинальные пьесы, и каждый из них гений,

превосходящий Островского, но именно Островскому суждено было

создать русскую драматическую школу, русский театр, достойный

стать рядом с национальными театрами Запада, если не как равный,

то как сравнимый с ними. Ограниченность искусства Островского

очевидна. Его пьесы (за малым исключением) – не трагедии и не

комедии, но принадлежат к среднему, ублюдочному жанру драмы.

Драматический план большинства из них, принесенный в жертву

методу «срезов жизни», лишен твердой последовательности

классического искусства. За малым исключением, в его драмах нет

поэзии, и даже там, где она присутствует, как в Грозе, это поэзия

атмосферы, а не слов и фактуры. Островский, хоть и изумительный

мастер типичного и индивидуализированного диалога, не является

мастером языка в том смысле, в каком ими были Гоголь, Лесков или,

чтобы привести английский пример, – Синг. Язык его чисто

репрезентативен; он пользуется им в соответствии с правдой, но не

творчески. В некотором смысле даже самая его укорененность в

русской почве есть ограниченность, потому что его пьесы всегда узко

местные и не имеют всечеловеческой значимости. Если бы не эта

ограниченность, если бы он был всечеловечен, оставаясь

национальным, его место было бы среди величайших драматургов.

Широта, охват, разнообразие его видения русской жизни почти

беспредельны. Он наименее субъективный из русских писателей. Для

психоаналитика это был бы совершенно безнадежный случай. Его

персонажи ни в коей мере не являются эманацией автора. Это

подлинные отражения «других». Он не психолог, и его персонажи –

не толстовские, в чей внутренний мир нас вводит могучая сила

авторской интуиции, – они просто люди, какими их видят другие

люди. Но этот поверхностный реализм – не наружный, живописный

реализм Гоголя и Гончарова, это подлинно драматический реализм,

потому что он представляет людей в их отношениях с другими

людьми, что является простейшим и стариннейшим способом

характеристики, принятым как в повествовании, так и в драме –

через речь и действия; только здесь этот способ обогащен громадным

изобилием социальных и этнографических подробностей. И,

несмотря на эту поверхностность, персонажи обладают той

индивидуальностью и неповторимостью, которую мы находим в

своих знакомых, пусть и не проникая в их черепную коробку.

Эти общие замечания относятся в основном к ранним и наиболее

характерным произведениям Островского, написанным примерно до

1861 г. Сюжеты этих пьес взяты, как правило, из жизни московского

и провинциального купечества и низших слоев чиновничества.

Широкая

разносторонняя

картина

старозаветной,

не

европеизированной жизни русского купечества больше всего

поразила современников Островского в его творчестве, потому что их

интересовала реальность, воплощенная в литературном творчестве, а

не ее преображение в искусстве. Критики пятидесятых годов пролили

немало чернил, выясняя отношение Островского к старозаветному

русскому купечеству. Сам он давал до непонятного обильную пищу

для таких дискуссий и для каких угодно интерпретаций, потому что

его художнические симпатии по-разному распределяются в разных

пьесах. Любая интерпретация, от самой восторженной идеализации

непоколебимого консерватизма и патриархального деспотизма вплоть

до яростного обличения купечества как неисправимого темного

царства, могла найти в тексте пьес на что опереться. Истинное же

отношение Островского ко всему этому просто не было всегда

одинаковым, а точнее – моральная и общественная позиция были для

него по существу обстоятельствами второстепенными. Его задачей

было строить пьесы из элементов реальности, какой он ее видел.

Вопросы симпатии и антипатии были для него делом чистой техники,

драматургической целесообразности, ибо, хоть он и был

«антиискусственником» и реалистом, он очень остро чувствовал те

внутренние законы, по которым, а не по законам жизни, должен был

строить каждую новую пьесу. Таким образом, для Островского

нравственная оценка купеческого pater familias(отца семейства),

тиранящего свое семейство, зависела от драматиче ской функции его

в данной пьесе. Но за исключением этого, необычайно трудно

составить себе представление об общественном и политическом

Weltanschauung(мировоззрении) Островского. Это был самый

объективный и беспристрастный из писателей, и та интерпретация,

которую дает его пьесам его друг и пропагандист Григорьев –

«безудержный восторг перед органическими силами неоскверненной

национальной жизни», – в конце концов так же чужда настоящему

Островскому, как антитрадиционная и революционная пропаганда,

которую выжал из них Добролюбов.

Технически наиболее интересные пьесы Островского – первые

две: Банкрот(написанный в 1847–1849 гг. и опубликованный под

названием Свои люди – сочтемсяв 1850 г.) и Бедная невеста

(опубликованная в 1852 и поставленная в 1853 г.). Первая была

самым поразительным и сенсационным началом деятельности

молодого автора, какое только было в русской литературе. Гоголь в

Женитьбеподал пример характерного изображения купеческой

среды. В частности, тип свахи, практикующей в купеческой среде,

уже широко использовался. Изобразив только неприятных

персонажей, Островский шел по стопам Гоголя в Ревизоре. Но он

пошел еще дальше и отбросил самую почтенную и старинную из

комедийных традиций – поэтическое правосудие, карающее порок.

Триумф порока, триумф самого беспардонного из персонажей пьесы

придает ей особую ноту дерзкой оригинальности. Именно это

возмутило даже таких старых реалистов, как Щепкин, который нашел

пьесу Островского циничной и грязной. Реализм Островского,

несмотря на явное влияние Гоголя, по сути своей ему

противоположен. Он чужд выразительности ради выразительности;

он не впадает ни в карикатуру, ни в фарс; он основан на

основательном, глубоком, из первых рук, знании описываемой жизни.

Диалог стремится к жизненной правде, а не к словесному богатству.

Умение использовать реалистическую речь ненавязчиво, не впадая в

гротеск, – существенная черта искусства русских реалистов, но у

Островского оно достигло совершенства. Наконец, нетеатральная

конструкция пьес – совершенно не гоголевская, и, сознательно

отказавшись от всяких трюков и расчетов на сценический эффект,

Островский с самого начала достигает вершины. Главное в пьесе –

характеры, и интрига полностью ими определяется. Но характеры

взяты в социальном аспекте. Это не мужчины и женщины вообще,

это московские купцы и приказчики, которых нельзя оторвать от их

социальной обстановки.

В БанкротеОстровский почти в полной мере проявил

оригинальность своей техники. Только во второй своей пьесе он

пошел дальше в направлении детеатрализации театра. Бедная

невестаи по тону, и по атмосфере нисколько не похожа на Банкрота.

Среда тут не купеческая, а мелко-чиновничья. Неприятное чувство,

которое она вызывает, искупается образом героини, сильной

девушки, которая нисколько не ниже и гораздо живее героинь

Тургенева. Ее история имеет характерный конец: после того, как ее

покидает идеальный романтический поклонник, она покоряется

судьбе и выходит замуж за удачливого хама Беневоленского, который

один только может спасти ее мать от неминуемого разорения.

Каждый персонаж – шедевр, и умение Островского строить действие

целиком на характерах здесь на высоте. Но особенно замечателен

последний акт – смелая техническая новинка. Пьеса кончается

массовой сценой: толпа обсуждает женитьбу Беневоленского, и тут

вводится изумительно новая нота с появлением в толпе его прежней

любовницы. Сдержанность и внутреннее наполнение этих последних

сцен, в которых главные герои почти не появляются, были

действительно новым словом в драматическом искусстве. Сила

Островского в создании поэтической атмосферы впервые проявилась

именно в пятом акте Бедной невесты. В пьесе Бедность не порок

(1854) Островский пошел еще дальше по линии детеатрализации

театра, но с меньшим творческим успехом. При постановке пьеса

имела огромный успех, которым обязана оригинальному

славянофильскому характеру благородного пьяницы, разорившегося

купца Любима Торцова; эта роль осталась одной из самых

популярных в русском репертуаре. Но сама пьеса значительно менее

удовлетворительна, и техника «кусков жизни» переходит порой

просто в расхлябанность. Другая славянофильская пьеса его – Не в

свои сани не садись(1853), – где купеческий патриархальный

консерватизм отца одерживает победу над романтической

ветреностью «образованного» любовника, – гораздо лучше и

экономнее выстроена и беднее в смысле атмосферы. Та же

классическая конструкция утверждается и в очень сильной драме Не

так живи, как хочется, а так, как Бог велит(1855). Но даже и в

этих более сжатых и «однолинейных» пьесах Островский никогда не

теряет богатства бытописания и не снисходит до искусственных

ухищрений.

Из пьес, написанных в период 1856–1861 гг., Доходное место

(1857) – сатира на разложенную высшую бюрократию – имела

громадный успех как отклик на жгучий вопрос, но драматические

достоинства пьесы сравнительно невелики. Воспитанница(1860) –

одна из самых неприятных пьес, где Островский с огромной силой

создает отталкивающий портрет, часто появляющийся в более

поздних его пьесах, – портрет эгоистичной, богатой и самодовольной

старухи. Три коротких комедии, объединенные общим героем –

глупым и чванным молоденьким чиновником Бальзаминовым (1858–

1861), – это комические шедевры благодаря характерам Бальзаминова

и его матушки, нежно любящей сына, но вполне понимающей, до

чего он глуп, а также благодаря их живописному социальному

окружению. В другой комедии того же периода – В чужом пиру

похмелье

(1856) – Островский вывел купца Кит Китыча,

квинтэссенцию самодура, капризного домашнего тирана, решившего,

что все должны делать то, «чего его левая нога хочет», но которого, в

сущности, легко запугать.

Но самое значительное произведение этого периода и

несомненный шедевр Островского – Гроза(1860). Это самая

знаменитая из его пьес, о которой больше всего написано.

Добролюбов выбрал ее для одной из своих самых действенных и

влиятельных проповедей против темных сил консерватизма и

традиций, а Григорьев увидел в ней высшее выражение любви

Островского к традиционному укладу и характерам незатронутых

разложением русских средних классов. В действительности же это

чисто поэтическая, чисто атмосферная вещь, великая поэма о любви

и смерти, о свободе и рабстве. Она до предела локальная, до предела

русская, и ее атмосфера, насыщенная русским бытом и русским