Текст книги "Как говорить с детьми об искусстве."
Автор книги: Франсуаза Барб-Галль
сообщить о нарушении
Текущая страница: 9 (всего у книги 11 страниц)
Почему холст не закрашен полностью?
Действительно, во многих местах сквозь красочный слой просвечивает холст: может показаться, что краска плохо держится. Но Дега прибегает к такому приему вполне осознанно. Труд гладильщиц связан с тканью, и художник подчеркивает это, позволяя нам воочию увидеть фактуру холста. Оба вида ткани, реальной и нарисованной, автоматически объединяются в нашем восприятии; подлинность материала как основы картины здесь крайне важна. Интересно, что Дега обычно использовал тонкий холст, но для сюжета, показывающего тяжелый труд и бедность, выбрал другой сорт холста, более толстый и грубый. Да и сама красочная поверхность представляется сухой и шероховатой, и мы, вглядевшись в картину как следует, начинаем, как и гладильщицы, испытывать усталость и жажду…
Предметов на картине мало
Верно: большая часть обстановки остается «за кадром». Мы понимаем, что женщины перегладили гору белья и скорее всего осталось еще много неглаженного, но видим мы только то, что сейчас на столе. Рубашка под утюгом не вмещается в квадрат картины – женщине еще гладить и гладить, труд бесконечен и тяжел. Та, которая зевает, вот-вот опять возьмется за работу; треугольник ее шейного платка повторяет положение рук второй гладильщицы…
Почему Дега изобразил не одну, а двух гладильщиц?
Это позволило придать картине более глубокий смысл. Дега в сущности показывает два последовательных момента одного и того же действия. Два образа дополняют друг друга: одна из женщин склонилась с утюгом над рубашкой, другая зевает и потягивается. Переводя взгляд с одной на другую, мы воспринимаем две эти позы как вдох и выдох. Мы почти слышим тяжелое дыхание гладильщиц.
Нравились ли публике картины Дега?
Сюжеты, которые выбирал Дега, многих удивляли, считались грубыми. Особенно шокировала публику его манера изображать женщин, нимало их не приукрашивая. Но постепенно зрители оценили правдивость его картин, которые отражали современную жизнь и нисколько не напоминали идеализированные истории о подвигах античных героев. Успеху творчества Дега способствовала и популярность романов Эмиля Золя, с которым у художника оказалось немало общих тем.
– 21–
Спальня (Спальня Ван Гога в Арле)
Спальня (Спальня Ван Гога в Арле)
Октябрь 1888. Холст, масло. 72 х 90 см
Музей Винсента Ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Винсент Ван Гог
1853, Грот-Зюндерт, Брабант, Голландия – 1890, Овер-сюр-Уаз, Франция
Это спальня самого художника – Винсента Ван Гога. В это время он жил в Арле, небольшом городке в Провансе, на юге Франции.
В комнате чистота и порядок
После многих переездов Ван Гог был рад обосноваться в Арле. Раньше ему приходилось кочевать по гостиницам и меблированным комнатам, и он нигде не чувствовал себя как дома. И вид его нынешней спальни, где светло и уютно, где каждая вещь на своем месте, говорит о том, что художник решил наконец позаботиться о себе и организовать свой быт как следует.
Картина написана веселыми красками
В Голландии, на родине Ван Гога, хорошая погода бывает далеко не всегда, а Прованс – это солнечный край. Художнику нравилось жить в такой светлой комнате, наполненной радостными, яркими красками. Сквозь окно мало что видно, но чувствуется, что снаружи все залито светом.
Мебели маловато
Верно: тут только самое необходимое. Денег у Ван Гога всегда было в обрез, так что в комнате стоит самая простая деревянная мебель. Естественно, там есть кровать и два стула – на случай если кто-нибудь придет в гости. Ванных комнат в то время не было, и для умывания служил кувшин с водой и таз, которые мы видим на столе. Рядом на гвозде, вбитом в стену, висит холщовое полотенце.
На стенах картины
Ван Гог любил живопись больше всего на свете и посвящал ей все свое время. Для него было немыслимо жить в комнате без картин. На стенах он развесил собственные работы: справа вверху – два портрета его друзей, ниже скорее всего карандашные рисунки. На стене у окна – пейзаж. Таким образом, тут представлены все жанры, в которых работал Ван Гог.
У него большая кровать. Он женат?
Нет, он не женат, но как знать – может, он купил широкую кровать и кое-как обставил свое жилище, потому что не прочь жениться и завести семью. Неизвестно, как сложится жизнь…
Действительно, мы видим два стула, две подушки на кровати, два портрета на стене, два рисунка, даже две двери. Ван Гог живет один, но, может быть, парные вещи в комнате помогают ему не так сильно чувствовать свое одиночество.
Стены кажутся неровными
Это комната угловая, а дом старый и со временем покосился. На другой картине Ван Гога («Желтый дом») тот же дом изображен снаружи, и там лучше заметно, какие у него неровные стены.
Нельзя догадаться, что это комната художника
Верно – Ван Гог не стал вводить в картину принадлежности своей профессии. Мы не видим ни кистей, ни коробок с красками. Художник ежедневно по многу часов работал на открытом воздухе (на вешалке у изголовья кровати его блузы и соломенная шляпа), а эта комната предназначалась только для отдыха. Здесь он мог временно отвлечься от работы, устроиться поудобнее, спокойно поспать. Он постарался создать в картине ощущение покоя.
Здесь не так уж много разных красок
В картине Ван Гога всегда чувствуется напряженность – желание воздействовать на зрителя максимально прямо и мощно. Художник не случайно предпочитает чистые, контрастные цвета – голубой и оранжевый, красный и зеленый; они придают его живописи особую силу. Его картина – это настоящий сгусток энергии. Ван Гог намеренно лишает предметы тени, которая могла бы ослабить общее впечатление. Для него был важен даже цвет будущей рамы: он выбрал белую, чтобы уравновесить яркие краски самой картины.
Это очень простая картина
На ней и правда изображены самые обычные вещи. Цвета тоже простые, без полутонов. Ван Гог хотел, чтобы его картины можно было понять с первого взгляда. Но это не значит, что он изображает мир упрощенным. Контуры предметов простые и четкие, однако внутри самих предметов все не так просто: толстый слой краски образует что-то вроде рельефа, мазки налезают один на другой; впечатление покоя теряется. Да и мебель расставлена довольно странно: одну дверь загораживает стул, другую – кровать. Наверное, в этой комнате не так уж и удобно жить….
Прежде всего мы замечаем кровать
Боковые стены комнаты к окну сужаются, создавая впечатление глубины; кровать кажется еще больше, а пол словно уходит вверх. Если бы не красное одеяло на кровати, нам могло бы померещиться, что все скользит вперед и вот-вот обрушится на нас… Это впечатление нетрудно проверить – достаточно прикрыть рукой красный треугольник одеяла, который сейчас выполняет роль некоей опоры, спасает картину, удерживает ее в равновесии. Красный – теплый цвет, и одеяло притягивает взгляд: в него так приятно завернуться и согреться… Пока оно там, все в порядке, но внутреннее напряжение не исчезает: без этого цветового пятна кровать может затонуть, как корабль.
Нет, неправда. У него действительно была неустойчивая психика, он многое воспринимал чересчур обостренно и сам страдал от этого. В то время медицина еще не умела справляться с такого рода проблемами. Но его творчество – отнюдь не плод безумия. Ван Гог отлично знал, что и почему он хочет изобразить в своих картинах. В многочисленных письмах, адресованных в основном младшему брату – Тео, он дает глубокие пояснения к собственным работам. Необычайно ранимым и эмоциональным. Ван Гог был человеком незаурядного ума.
Картины Ван Гога не похожи ни на какие другие
Они резки и порывист и во многом напоминают его самого. Нелегкий характер не помешал Ван Гогу стать весьма образованным человеком. Он ценил и старинную живопись, и работы своих современников. В числе прочего он, как многие в то время, интересовался японской гравюрой и отчасти заимствовал оттуда смелые цветовые решения и простоту форм.
Нравилась ли живопись Ван Гога его современникам?
Она пугала их, как пугают внезапные выкрики, когда слов нельзя разобрать. К тому же мало кто имел возможность увидеть картины Ван Гога. Все свои работы по мере готовности он переправлял брату Тео в Париж. При жизни художника (Ван Гог умер в 1890 году) удалось продать всего одну его картину. Он нередко впадал в отчаяние, но никогда не подстраивался под вкусы зрителей ради заработка и ни разу не изменил своему художественному видению.
Почему Ван Гог так знаменит?
Люди смогли оценить его творчество только после смерти. При жизни он был невероятно одинок. Последние годы он провел в нищете, в полном забвении и в приступе отчаяния покончил с собой. Лишь много лет спустя контраст между страдальческой жизнью и брызжущей красками живописью Ван Гога покорил воображение публики. В нем увидели романтического героя. Его собственная биография еще больше усилила драматизм, и без того свойственный его творчеству. И в наши дни любители искусства относятся к Ван Гогу с особым благоговением – и как к художнику, и как к человеку.
Почему Ван Гог не подписал свою картину?
На ней действительно нет подписи. В XIX веке художники следовали общепринятой практике и обычно подписывали свои работы, однако Ван Гог был настолько требователен к себе, что зачастую рассматривал готовые полотна как простые этюды, наброски и потому ставил авторскую подпись далеко не всегда. А если и ставил, то чаще ограничивался одним именем, без фамилии. Это было как-то теплее, душевнее, менее официально. Вот почему и сегодня Ван Гога нередко называют просто по имени – Винсент.
– 22–
День рождения
День рождения
1915. Картон, масло. 80,6 х 99,7 см
Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Марк Шагал
1887, Витебск – 1985, Сен-Поль-де-Ванс
На этой картине художник, Марк Шагал, изобразил самого себя и свою невесту Беллу. Они только что встретились после долгой разлуки. Они целуются, они так счастливы, что им хочется бегать, прыгать… Настроение у них приподнятое – кажется, что они способны летать, как птицы!
Почему у него нет рук?
На самом деле он ее, конечно, обнял. Но картина выражает не реальные действия, а чувства. Ему хотелось не просто заключить ее в объятия, а прильнуть к ней всем телом, обвиться вокруг нее – и поэтому он изобразил себя именно так. Кроме того, руки могли бы помешать ему летать…
Она держит букет цветов
Цветы жених ей преподнес на день рождения. Он, наверно, тихонько подошел сзади, чтобы сделать невесте сюрприз. И сам он в таком волнении, что голова у него идет кругом – он уже не понимает, где он и что он. Странный поворот головы и вся поза выражают его состояние. Белла тоже взволнована – ее большие черные глаза удивленно раскрыты.
А где свечки, которые зажигают в день рождения?
Дело происходит в Витебске, на родине художника. В тогдашней России не было обычая зажигать свечи на именинном пироге или торте. Но сам пирог уже готов – он виден слева, на красном столе, покрытом вышитой голубой скатертью. Осталось только разрезать его и сесть за стол.
В доме ярко и празднично
В комнате не так много предметов и обстановка далеко не роскошная, но яркие цвета, особенно красный пол, создают впечатление заполненности. Стены украшены пестрыми женскими шалями с разнообразными узорами в виде цветов, овалов, треугольников… Они тоже оживляют пространство. Картина – настоящий праздник для глаз.
Художник и правда изобразил самого себя?
Да, можно сказать, что это автопортрет – пусть и не совсем точный. Обычно художник, который пишет автопортрет, смотрит на свое отражение в зеркале. Но Шагал и не стремился к портретной точности. Он изобразил себя вместе с Беллой – значит, это он, сомнений тут быть не может.
За окном слева виднеется городская улица и кусочек церкви. Интересно, что освещение снаружи разное: если смотреть сквозь верхнюю часть окна, покажется, что на улице сумерки, а если через нижнюю, то ясный день. Шагал любит объединять воображаемое с вполне реальными деталями. Например, слева открыта только форточка – на улице слишком холодно, чтобы открывать окно целиком. За другим окном, справа, видна приставная лестница. Влюбленным, впрочем, все равно, день сейчас или ночь: они часов не наблюдают…
У стола только одна ножка!
Понятно, что ножек у стола должно быть не меньше четырех, и Шагал это знает не хуже нас. Но изображает он только то, что необходимо для понимания картины. Стол и так прекрасно стоит. А вообще в картине может происходить все что угодно: ведь и у самого Шагала нет рук, а у Беллы вместо двух одна – надо же как-то держать цветы…
Люди по сравнению с предметами очень большие!
Верно, потому что именно они в картине главные. Все остальное – лишь окружающая обстановка. Невеста кажется даже больше жениха, что вполне понятно: Шагал написал эту картину, чтобы показать, какое важное место Белла занимает в его жизни. Используя подобный прием, Шагал обращается к традициям средневековой живописи, когда и люди, и предметы изображались не согласно их реальным пропорциям, а только в соответствии с их значимостью.
Почему кажется, что мебель опрокидывается?
Стол и черный табурет изображены с точки зрения персонажей. Поскольку Марк и Белла парят в воздухе, то не удивительно, что они смотрят на все сверху вниз. Мы же, глядя на картину, видим еще и шали на стене, два окна, цветы. Шагал объединяет два разных угла зрения – наш, то есть зрительский взгляд, и взгляд персонажей. Тем самым он как бы приглашает нас присоединиться к нему, войти в картину.
Все как-то неустойчиво, все вкривь и вкось
Такое впечатление может возникнуть, если рассматривать картину Шагала как отражение реальности. Но если воспринимать эту картину как сказку – а она была задумана именно так, – то она приобретает совсем иной смысл. Шагал родился и вырос в традиционной еврейской семье, и еврейская культура оказала на его творчество огромное влияние. В хасидских сказках много разных чудес: люди и звери там летают, деревья смеются, скрипачи играют на крыше… Шагал всю жизнь помнил эти истории. Они сформировали его мировосприятие.
В картине, кроме ярких цветов, много серого
Верно. Стены в комнате светло-серые; серый цвет описывает дугу под ногами жениха и окутывает мягким облачком перёд черного платья невесты. В картине соблюдается некое равновесие: художник то четко прорисовывает предметы и формы, то вдруг позволяет кисти самостоятельно, без всякой логики резвиться на холсте. И тогда о правдоподобии можно забыть: краски делают что хотят.
Шагал действительно изображает жизнь, как сказку, – в то время влюбленность несомненно рождала у него такое ощущение. Но в картине отразилось не только его собственное счастливое состояние. Иудаизм учит, что мир, сотворенный Богом, находится в вечном движении: этот процесс бесконечен и ни на миг не может прекратиться. Поэтому Шагал, воспитанный в традициях иудаизма, рисует мир именно так – в движении, во власти постоянных перемен: изображать его застывшим было для художника немыслимо, как немыслимо усомниться в могуществе Бога.
Давал ли художник пояснения к своим картинам?
Подробных комментариев Шагал не оставил, но в своих воспоминаниях он описывает многие моменты, отголоски которых так или иначе чувствуются в его творчестве. Он не раз говорил, что любит «работать, как сапожник»: сапожник, притачивая подметку к башмаку, вертит башмак и так и сяк, поворачивает, как ему удобно. Так же подходил к своим картинам Шагал. Кстати, маленькие дети, когда рисуют, поступают похоже – они вертят бумагу во всех направлениях, не различая верх и низ, право и лево.
Шагал часто рисовал сцены из собственной жизни?
Да, нередко он изображал места, которые когда-то любил, людей, которых знал. В каком-то смысле его живопись можно назвать автобиографичной. Но он часто обращался и к другим сюжетам, в особенности к библейским. В атмосфере его картин всегда есть нечто сказочное; он стремился передать в них собственное отношение к жизни: сколько бы ни было в мире страданий, он всегда наполнен волшебством.
Шагал всю жизнь жил в России?
В России он жил только в юности. В двадцать три года он отправился во Францию изучать современную живопись. Несколько лет спустя он ненадолго вернулся домой, чтобы жениться на Белле, – тогда и была написана эта картина. После этого Шагал жил в основном во Франции, а во время Второй мировой войны был вынужден уехать в США. В 1937 году он получил французское подданство, но родина продолжала жить в его сердце до конца.
– 23–
Механик
Механик
1920. Холст, масло. 115,5 х 88,3 см
Национальная галерея искусства, Оттава, Канада
Фернан Леже
1881, Аржантан, Нормандия – 1955, Жиф-сюр-Ивет, там же
Конечно, это сразу видно – у него на руке татуировка в виде якоря. Татуировка – это рисунок, который делается с помощью накалывания и втирания под кожу особых чернил. Татуировка остается на всю жизнь, смыть ее нельзя, свести очень трудно. Он настоящий моряк – судовой механик.
У него мощные мускулы
Работа в море тяжелая, а работа механика тем более: она требует большой физической силы. Поэтому художник изобразил моряка таким мускулистым и широкоплечим.
Он курит
Наверно, у него перерыв в работе, и он решил отдохнуть и покурить. От его сигареты подымаются клубы дыма, как из печной трубы. Столько дыма от одной сигареты?! Может быть, он слишком много курит…
Волосы у него чем-то напомажены
В то время мужчины мазали волосы специальным средством – брильянтином, чтобы они были гладкие и блестели. Наш механик аккуратно причесан, заботится о своем внешнем виде и наверняка пользуется брильянтином. Пожалуй, он не просто устроил себе перекур: скорее всего у него выходной, он помылся, побрился и готовится сойти на берег.
У него на руке тонкие кольца
Действительно, для таких массивных пальцев кольца тонковаты. Возможно, это подарок от женщины (или от двух). А может быть, он сам думает кому-нибудь их подарить и только что надел – на всякий случай.
Он изображен на фоне разных механических форм
Это его мир: за спиной у него металлические части каких-то механизмов, трубы, болты, винты. Он знает, как все это устроено, как этим пользоваться и как поддерживать судовые машины в рабочем состоянии.
Он ведь механик, и его тело сродни механизмам, с которыми он работает. Он сам похож на них. Об очень сильном человеке иногда говорят, что у него стальные мускулы. То же самое можно сказать и о нашем механике.
Художник использует всего несколько красок
Это правда, но зато цвета очень яркие. Их распределение в картине строится на контрасте – черного с белым, желтого с черным. Это похоже на свет, который то гаснет, то загорается вновь. Цвета не соответствуют конкретным предметам, но задают картине определенный ритм. Задний план абсолютно плоский, и это подчеркивает объемность персонажа, который занимает весь передний план.
Почему на заднем плане не видно конкретных предметов?
Художник стремился создать общее впечатление, а не изобразить какие-то реальные предметы или место. Работа у механика грязная и утомительная, но в картине это никак не проявляется – там нет ни намека на машинное масло, грязь, пыль, шум… Художник оставляет на полотне лишь то, что ему нравится в технике: простые линии, гладкие поверхности. Он совмещает их, объединяет или противопоставляет друг другу: кривые линии – прямым, горизонтали – вертикалям, узкие полосы цвета – широким. Все это выстраивается в единое стройное целое.
На картине все резкое и жесткое
Леже выбирает формы, напоминающие о промышленном производстве: детали для разных механизмов часто красили в яркие цвета. И зритель легко узнаёт среду, в которую художник помещает своего персонажа. Картина передает идею механического мира: жесткие формы, четкие движения, абсолютная точность и полная согласованность. Художник хочет показать, что механик – истинный сын машинной эпохи и в каком-то смысле сам – отличная машина.
Почему Леже не стал изображать реальное место?
Потому что тогда бы смысл картины сузился: если бы художник воспроизвел какой-то определенный, узнаваемый порт, корабль или машинное отделение, это был бы пейзаж или документальный репортаж. Но Леже преследовал иную цель: он не собирался писать портрет конкретного человека, его интересовала целая категория людей. Картина Леже – изображение обобщенное: это может быть любой механик с какого угодно судна.
У него мускулы, как у матроса Пучеглаза!
Этот популярный персонаж комиксов тоже моряк – не случайно они похожи. Бицепсы у обоих неправдоподобно большие: это подчеркивает их силу и отличает от других людей. Кроме того, матрос Пучеглаз появился в американских комиксах в 1929 году – примерно в то же время, к которому относится творчество Фернана Леже. Можно сказать, что оба моряка принадлежат к одному поколению.
Да, его лицо совершенно невозмутимо, лишено всяческого выражения. Кажется, ничто не в силах изменить черты этого механического лица. Оно словно составлено из отдельных частей, как конструктор. Лоб, например, похож на изогнутую железную пластину, ограниченную линией бровей: такому лбу морщины не страшны… Фернан Леже стремится передать не чувства, а дух эпохи. В 1924 году он даже обратился к кинематографу и создал первый фильм с использованием движущихся неодушевленных предметов: «Механический балет».
Почему механик стоит прямо, а лицо повернуто в профиль?
Это сделано для большей наглядности и выразительности. Профиль позволяет четче обрисовать контуры носа и подбородка, не отвлекаясь на выражение глаз. В то же время, показывая в прямом развороте широкие плечи и мощную мускулатуру персонажа, художник дает нам ощутить физическую реальность его тела. Здесь, кстати, Леже следует древнейшим традициям живописи: в таком ракурсе изображали людей в Древнем Египте.
Он скорее робот, чем человек
Нет, это человек, но он уже отчасти связан с миром роботов. Он состоит из таких же форм, как и механизмы, которыми он управляет. Леже считал, что его картины должны быть понятны тем, кто работает на заводах и проводит там большую часть своей жизни. Он показывал вещи обыденные, повседневные, знакомые простым рабочим, и поэтому в его живописи мы видим не роскошное убранство дворцов, не шелк, не золото, а прямые линии, простые цвета. Это было не только эстетическое, но и социальное кредо художника.
У Леже есть и другие похожие картины?
Да, для него было очень важно отдавать дань уважения народным массам, которые обеспечивают технический прогресс. Не случайно механик изображен в профиль, как римские императоры на античных монетах или как коронованные особы эпохи Возрождения. Леже облагораживает образ рабочего, придавая ему черты истинного героя своего времени. Благодаря усилиям таких людей должен возникнуть прекрасный, гармоничный мир – мир, где машины будут поставлены на службу человеку и освободят его наконец от цепей прошлого. Картина была написана через несколько лет после Первой мировой войны, и в ней воплотились мечты гуманиста, искренне верившего в строительство нового общества, светлого и справедливого.
– 24–
Композиция с красным, синим и желтым
Композиция с красным, синим и желтым
1930. Холст, масло. 45 х 45 см
Художественный музей, Цюрих, Швейцария
Пит Мондриан (Питер Корнелис Мондриан)
1872, Амерсфорт, близ Утрехта – 1944, Нью-Йорк
Да, конечно, картина – правда, не совсем обычная. Многие художники вместо повседневной жизни выбирают что-то более интересное и привлекательное – и тогда мы видим роскошные пейзажи, парадные портреты, сюжеты с фантастическими существами (драконами и т. д.). А иногда художник предпочитает представить мир более простым, чем он есть. Именно так поступил Мондриан.
Что же изображает эта картина?
Ничего определенного. Однако она побуждает зрителя задуматься о намерениях художника. Предположим, он не хотел изображать готовые, законченные вещи, а показал то, из чего их можно было бы собрать или построить. Это похоже на игру, когда из отдельных разноцветных кусочков составляют то, что захотелось…
Может быть, художник не умел рисовать по-настоящему?
Ничего подобного! Мондриан в совершенстве владел и рисунком, и живописью; он прекрасно умел рисовать «как следует» и занимался этим много лет. Но это не приносило ему удовлетворения – он искал чего-то другого. Мало-помалу он удалял из своих картин все, что казалось ему лишним и ненужным. В какой-то момент на полотне остались только три цвета и прямые линии – и результат вполне удовлетворил художника.
Мондриан рисовал по линейке?
Вполне возможно. Это строго выверенная, тщательно продуманная картина. Он вымерял расстояния с помощью полосок прозрачной бумаги, намечал линии углем и только потом брался за кисть.
Красный, синий, желтый…Почему именно эти три цвета?
Это очень важные цвета. Смешивая их в разном соотношении, можно получить много других – зеленый, фиолетовый, оранжевый, а также бесконечное количество оттенков. Но в то же время сами эти три цвета из других составить нельзя. Поэтому их называют основными цветами.
Тут есть еще черный и белый
Без черного и белого нельзя сделать цвет темнее или светлее. Черные линии организуют картину, разделяя пространство на прямоугольники, различные по размеру, вытянутые вертикально или горизонтально. Белые вставки создают ощущение пустоты, света, воздуха; с ними легче дышится. Разноцветные прямоугольники насыщены цветовой энергией. Так, красный может ассоциироваться с огнем, кровью, закатом… Черные линии придают изображению устойчивость, удерживают его в равновесии.
Художник действительно заставляет их вступать в общение. Происходит что-то вроде диалога – они либо спорят, либо соглашаются друг с другом. Например, красный квадрат настолько мощный и тяжелый, что мог бы вырваться за пределы картины: кажется, его нельзя остановить, тем более что сверху и справа его не сдерживает даже черная рамка. Но горизонтальные отрезки черного (слева вверху и справа внизу), которые шире остальных черных линий, введены в картину словно нарочно для того, чтобы удерживать красный квадрат на месте. Они как бы говорят ему: «Стоять!» Не будь этих коротких черных отрезков, неизвестно, что бы еще учинил непокорный красный…
Почему картина не обведена общей черной линией?
Если бы художник ввел такую линию, она превратилась бы в ограду и заперла картину крепко-накрепко. Мондриан не замыкает пространство – он держит все цвета в свободном состоянии, не ограничивая наше поле зрения. Двери остаются открытыми – мы можем перемещаться по картине по своему усмотрению: входить в нее, скользить по ней, выходить, когда захочется… Изучив картину как следует, мы, может быть, отчетливее представим себе пространство, в котором находимся сами, и формы, которые нас окружают. В каком-то смысле это тренировка для глаз и для ума.
Картина похожа на план квартиры
Действительно, тут есть что-то общее. Любое строительство начинается с плана – например, в плане квартиры показывают, где должны пройти стены, как будут расположены комнаты, для ясности раскрашивают их в разные цвета… План (или проект) наглядно представляет то, что мы хотим увидеть в результате. По Мондриану, живопись вообще – воплощение разумного начала и стабильности.
А может быть, это целый дом в разрезе?
Вполне возможно: представим себе здание, которое идет под снос. Передняя стена уже разрушена, внутренняя планировка дома стала доступна взгляду… Мы видим то, что было когда-то комнатами, и по следам окрашенных стен или по сохранившимся обоям можем догадаться, где была спальня, где гостиная или детская. В этих пустых прямоугольниках прошла не одна жизнь… Мондриан несомненно не раз наблюдал подобные сцены и умел почувствовать город как чистую форму.
А может быть, и карта города с улицами и проспектами…
Пожалуй, это тоже правда. Приблизительно такие очертания можно увидеть с высоты птичьего полета; никаких указаний на масштаб или размеры нет. Кстати, спустя много лет после создания этой картины (и других в том же роде) Мондриан попал в США и пришел в полный восторг от Нью-Йорка. Планировка города, с разветвленной сетью улиц, пересекающихся под прямым углом, оказалась удивительно похожа на его картины. Этот мир художник сразу ощутил как свой.
Все картины Мондриана похожи друг на друга
Да, его картины основаны на одном и том же беспредметном принципе, но соотношение цветов и пропорции полос и прямоугольников в каждой работе свои. На некоторых белый занимает почти все пространство, и полотно кажется легким и безмятежным. На других линии расположены густо, как прутья тюремной решетки, и картина производит гнетущее впечатление – от нее буквально хочется бежать. Используя самые простые средства, художник умеет пробудить у зрителей широчайшую гамму чувств. Он работает, как композитор, который с помощью семи нот создает бесконечное разнообразие мелодий. Недаром наша картина называется «Композиция».
Написать такую картину проще простого
Да, пожалуй, с технической точки зрения это не так и сложно. Но есть другой, более высокий уровень сложности, связанный со смыслом. Подражать внешней манере Мондриана – одно, но поставить себя на место художника, вернуться в его время, пережить то, что пережил он, – совсем другое. Мондриан потратил долгие годы на то, чтобы выработать свой стиль. И сегодня, когда мы смотрим на его картину, мы не должны забывать, что за этим произведением, таким обманчиво простым по форме, стоит целая совокупность идей, мыслей, устремлений, которые привели к его созданию. Не будет преувеличением сказать, что это труд всей жизни.
В картине есть что-то механическое
Такое впечатление создают геометрические формы – особенно при первом, беглом взгляде на картину. В ней сразу чувствуется строгость замысла, но при ближайшем рассмотрении можно заметить и кое-что еще: например, мазки на черных полосах – они как будто слегка подрагивают… Значит, рука художника не так тверда: он тоже поддается эмоциям. Оказывается, что и линии не просто методично и последовательно наносятся на холст – они действительно пересекаются. Мондриан, как ткач из нитей, создает из них ткань своего произведения. Мы словно видим холст под микроскопом, различая в переплетении нитей скрытую от глаз основу живописи.
