Текст книги "Как говорить с детьми об искусстве."
Автор книги: Франсуаза Барб-Галль
сообщить о нарушении
Текущая страница: 4 (всего у книги 11 страниц)
О чем рассказывают картины на исторические сюжеты?
На таких картинах изображаются либо сцены из далекого прошлого, либо события, современником которых был сам живописец. Античность и Средние века во все времена давали пищу воображению художников как неисчерпаемый источник сюжетов – героических или вызывающих сильные эмоции. Картины на современные темы создавались обычно по заказу и увековечивали военные победы, коронации или церемонии бракосочетания между особами королевской крови. Существенные перемены наметились в первые десятилетия XIX века, когда всеобщее внимание начали привлекать события, отнюдь не заслуживавшие прославления. Художники обратились к текущей хронике – к тому, о чем в газетах писалось под рубрикой «Происшествия», – и тем самым многократно расширили диапазон живописи. Стало можно критиковать, высмеивать и даже обличать злободневные события политической и общественной жизни.
Пейзаж
Что такое пейзаж?
Пейзаж – это прежде всего изображение природы. На протяжении истории живописи художники создавали самые разные пейзажи: одни предпочитали масштабные панорамы, другие воспроизводили скромные уголки природы в мельчайших подробностях. Пейзаж может быть реальным или воображаемым, сельским, морским или даже городским. Нередко пейзаж составляет часть картины с любым другим сюжетом.
Всегда ли художники писали пейзажи?
Во второй половине XIII века в живописи начинают появляться отдельные элементы пейзажа (например дерево, гора, палисадник). Это не были самостоятельные мотивы: они служили только антуражем или фоном для изображаемых людей и событий. Постепенно пейзаж стал все чаще фигурировать на заднем плане религиозных сцен и вскоре превратился в полноправный пейзажный фон. В XVI веке роль пейзажа в религиозной живописи особенно возрастает, так что многие сцены превращаются в настоящие картины природы, на фоне которых действуют крохотных размеров фигурки персонажей (7). И только с началом XVII века искусство пейзажа утрачивает свою подсобную, декоративную роль и развивается самостоятельно. Характер пейзажей со временем – особенно в XIX веке – становился все более обыденным, но в целом этот вид живописи продолжает процветать и в наши дни.
Всегда ли пейзаж, как фотография, воспроизводит реальную местность?
Начиная с XV века в пейзажах могли возникать узнаваемые черты определенной местности или области, но это носило случайный характер. Чаще художник совмещал в одном пейзажном полотне элементы, увиденные в разных местах или наполовину вымышленные. Он отбирал в природе то, что его привлекало, и в итоге создавал некое идеализированное изображение. Пейзажи, на которых достоверно запечатлен вид реальной местности, восходят к Голландии XVII века. В XIX веке они широко распространяются по всей Европе, и потому у импрессионистов, например, детали ландшафта всегда узнаваемы – будь то мост, скала или проселочная дорога.
Почему художники так часто писали пейзажи?
Помимо воспевания красот природы, пейзаж выполнял много других задач. Прежде всего он прославлял мир как Божье творение; любая травинка была отражением Божественного начала, а пейзаж в целом понимался как символ земного пути человека. Кроме того, пейзаж был способом запечатлеть некую историческую реальность. Так, в Голландии XVII века, только недавно завоевавшей политическую и религиозную независимость, появилось множество пейзажей, которые в совокупности образовали своего рода опись голландских земель. Позднее, в эпоху романтизма, живописцы рассматривали пейзаж как способ выразить состояние души, как зеркало взаимоотношений человека с мирозданием. Наконец, импрессионисты восстановили в правах реальность повседневности, со всеми ее мельчайшими оттенками. Они любовно передавали в своих картинах игру солнечного света, дуновение ветерка, свежесть морозного утра… Природа сопровождает художника в его странствиях и мечтах, она всегда поставляла – и продолжает поставлять – материал для раздумий и для осмысления жизни.
Где пишутся пейзажи – в помещении или на открытом воздухе?
В прежние времена художники, сделав ряд предварительных набросков с натуры, завершали работу в мастерской. Они включали в композицию элементы разных ландшафтов, желая показать многообразие природы. Тогда пейзаж был неким идеальным образом мира, красивой декорацией для сюжета. Во второй половине XIX века пейзажисты стали работать на пленэре, то есть на открытом воздухе (19): появились краски в тюбиках – их было проще брать с собой. Картины этого периода свидетельствуют и о переменах в общественной жизни: люди охотнее бывают на природе, садятся в поезд, едут к морю… Живопись на пленэре привела к появлению новых тем, новых эстетических воззрений. Религиозные и мифологические сюжеты уступили место обыденной, повседневной реальности, тому, что каждый мог всегда и везде увидеть сам. Обилие солнечного света освежило и высветлило палитру импрессионистов. Кроме того, у них выработалась новая, близкая по технике к эскизной живописная манера, которая позволяла передать мимолетные, трудно уловимые впечатления, зависящие от переменчивых атмосферных условий.
Жанровые сцены и натюрморты
Когда появились картины, изображающие повседневную жизнь?
Начиная с XVI века сцены из повседневной жизни (мы называем их жанровыми) получали все большее распространение. Они отличались разнообразием и отражали жизнь всех слоев общества. Такие картины не требовали большой начитанности и широких познаний ни от художника, ни от зрителя, поскольку их сюжеты не были связаны с Библией или с античной мифологией. Долгое время они рассматривались как второстепенные, однако продавались лучше, чем картины, более сложные по смыслу, и художники, удовлетворяя растущий спрос, писали их часто и охотно (15). Сам же термин «жанровая живопись» закрепился только в XIX веке.
Как называются картины, на которых изображены неживые предметы?
В разных странах этот жанр называют по-разному. Во Франции с середины XVIII века изображения предметов (дичи, охотничьих трофеев и даров моря, а также цветов и т. д.) стали обозначать термином «натюрморт» (nature morte – букв, «неживая природа»). Англичане используют сочетание still life (букв, «застывшая жизнь»), а немцы – аналогичное по значению Stilleben. Как и пейзаж, натюрморт выделился в самостоятельный жанр в начале XVII века (13). Разумеется, различные предметы фигурировали и в картинах более ранних эпох, но там они были лишь элементами композиции, а не основной темой.
Правда ли, что в натюрмортах присутствуют главным образом предметы роскоши?
Нет. В них могут включаться самые обычные, непритязательные или даже грубо сделанные вещи, которые привлекли художника формой, текстурой (материалом) и цветом. Часто это бывает домашняя утварь, связанная с повседневным бытом, и потому предметы на картине могут многое сообщить зрителю о привычках и характере владельцев, которых на полотне нет.
Некоторые натюрморты называют «ванитас». Что это такое?
Слово «ванитас» (от лат. vanitas) означает «суета», «бренность». Такие натюрморты напоминали о тщете и быстротечности земной жизни и о бессмысленности материальных благ. На одних изображаются предметы, символизирующие смерть (череп) или неумолимый бег времени (песочные часы); на других – скопление всевозможных вещей, которые рано или поздно должны обратиться в прах. Такие натюрморты могут отличаться строгостью или, напротив, поражать роскошью, предостерегая от возможных искушений.
Почему на некоторых натюрмортах собраны вместе цветы, фрукты и овощи, которые растут в разное время года?
Натюрморты писались не только с натуры, но и по памяти. Кроме того, художники пользовались иллюстрациями к трактатам по ботанике, где можно было сразу увидеть гораздо больше разных растений, чем в природных условиях в то или иное время года. Соединяя в одной картине многое, чего в действительности одновременно наблюдать нельзя, художник создавал более полную, более совершенную картину мира. Один букет цветов или одна ваза с фруктами могли таким образом представить сразу все времена года.
Всегда ли натюрморты что-то символизируют?
Нет, далеко не всегда. Так было только в ранний период. Дело в том, что натюрморт (как пейзаж и портрет) впервые возник в религиозной живописи, и даже когда он выделился в самостоятельный жанр, художники, изображая определенные предметы, продолжали наполнять их скрытым смыслом. Так, на картине XVII века (13) виноградная гроздь отсылает к Христу (вино, которое получают из винограда, символизирует кровь Христа, пролитую на кресте, и используется в обряде причащения). Начиная с XVIII века натюрморты постепенно утрачивают свою традиционную символику и приобретают самодостаточность. И в позднейшее время художники часто выбирали предметы, вызывавшие определенные ассоциации, но уже не должны были делать упор на их символический смысл.
Сколько стоит картина
Суммы, за которые живопись продается на аукционах, зависят не только от ценности самой картины, но и от того, к какому периоду творчества художника она относится. Вот для справки некоторые цены, по которым ушли произведения живописи на недавних аукционах.
Старые мастера и живопись Нового времени
• Тициан (1488/1490-1576). «Венера и Адонис». 1555 Ок. 11 млн евро – 1991, аукцион Кристи, Лондон
• Леонардо да Винчи (1452–1510). «Кодекс Хаммера». 1506–1510 Ок. 25,3 млн евро – 1994, аукцион Кристи, Нью-Йорк
• Рубенс (1577–1640). «Избиение младенцев». Ок. 1610 Ок. 75,6 млн евро – июль 2002, аукцион Сотби, Лондон
• Рембрандт (1606–1669). «Портрет 62-летней женщины». 1632 Ок. 32,7 млн евро – 2000, аукцион Кристи, Лондон
• Пьер Огюст Ренуар (1841–1919). «Бал в Мулен де ла Галетт». 1876 Ок. 65,8 млн евро – 1990, аукцион Сотби, Нью-Йорк
• Клод Моне (1840–1926). «Пруд с кувшинками и тропинка у воды». 1900 Ок. 30,5 млн евро – 1999, аукцион Сотби, Лондон
• Ван Гог (1853–1890). «Портрет доктора Гаше». 1890 Ок. 69,8 млн евро – 1990, аукцион Кристи, Нью-Йорк
Современная живопись
• Жан-Мишель Баскиа (1960–1988). «Без названия». 1981 Ок. 248 тыс. евро – ноябрь 2001, аукцион Кристи, Нью-Йорк
• Ив Клейн (1928–1962). «1KB 86». 1959 Ок. 850 тыс. евро – февраль 2002, аукцион Кристи, Лондон
• Френсис Бэкон (1909–1992). «Мужчина в синем VII». 1954 Ок. 1,1 млн евро – февраль 2002, аукцион Кристи, Лондон
• Френсис Бэкон (1909–1992). «Портрет мужчины в очках IV». 1963 Ок. 1,36 млн евро – февраль 2002, аукцион Кристи, Лондон
Почему некоторые картины стоят так дорого?
Всякое выдающееся произведение имеет условную ценность, которая определяется его уникальностью. Уникальность картины зависит либо от мастерства исполнения, либо от замысла художника, заставляющего нас – часто впервые – по-новому взглянуть на мир. Задача живописи не в том, чтобы изобразить нечто уже объективно существующее, а в том, чтобы затронуть наши чувства, вызвать отклик в нашей душе. Именно это происходит, когда мы смотрим на картины Ван Гога (21), Пикассо (25), Жана-Мишеля Баскиа (28).
Кроме того, цена на картину, как на любой другой продукт, зависит от колебаний рынка. Цена поднимается после смерти художника, с которой прекращается его творчество. Добыча алмазов в копях будет продолжаться, а Френсис Бэкон больше уже ничего не напишет. Некоторые художники действительно зарабатывают много денег, но богачей среди них куда меньше, чем среди кинозвезд или футбольных игроков.
Как смотреть на картину
Если вы хотите приучить ребенка к восприятию живописи, этот раздел книги подскажет вам правильный путь. Вы найдете здесь практические советы, которые помогут вашему ребенку рассмотреть картину более внимательно и подойти к ее оценке более осознанно – независимо от ее сюжета, автора и времени создания. Смысл живописи будет открываться детям постепенно. Из объяснений, которыми сопровождается каждая новая для них картина, вам предстоит выбрать то, что может на данном этапе удовлетворить их любопытство. Помните: интерес и любознательность углубляются с возрастом, но всегда зависят от индивидуального уровня развития ребенка.
Красный: от пяти до семи лет (начальный этап)
Первое и самое главное: определить, что вы видите на картине. Это не всегда просто, даже для взрослых. Важно выделить составные части картины, не стараясь пока рассматривать ее как единое целое.
Желтый: от восьми до десяти лет (средний этап)
Вопросы становятся несколько более сложными, и это ведет к более подробному толкованию картины. Тут потребуются сосредоточенные размышления.
Синий: от одиннадцати до тринадцати лет и старше (продвинутый этап)
Теперь живопись рассматривается в связи с внешним миром. Можно говорить о побудительных мотивах художника и об историческом значении картины.
Предложенные возрастные рамки – не циркуляр, которому вы обязаны следовать. Вопросы и замечания могут принадлежать как детям, так и взрослым. Можно читать их подряд, а можно выбирать лишь некоторые (абзацы не связаны друг с другом). Наши вопросы могут подсказать вам другие, ваши собственные. Главное – чтобы каждый в конце концов решился открыть в себе способность видеть.
Эта книга не ставила целью объединить под одной обложкой самые знаменитые картины. Выбор диктовался желанием дать детям начальное представление о многообразии мировой живописи – от Средневековья до современности. В книгу включены произведения, сыгравшие важную роль в истории искусства. Они украшают крупнейшие музеи мира и воспроизводятся в бесчисленных изданиях по искусству.
– 1–
Благовещение
Благовещение
1430–1432. Дерево, темпера. 194 х 194 см Музей Прадо, Мадрид, Испания
Фра Анджелико (Гвидо ди Пьетро, Фра Джованни да Фьезоле)
Ок. 1400, Виккьо ди Муджелло, Тоскана – 1455, Рим
Архангел Гавриил явился Деве Марии возвестить ей о том, что скоро у нее родится сын. Ангел говорит ей, что это будет сын Божий и что имя ему будет Иисус. Он с почтением склоняется перед Марией, сложив руки на груди, а она, сидя со скрещенными руками, тоже отвечает ему поклоном. Эта сцена описана в Евангелии от Луки и называется «Благовещение» («благая весть»).
Почему Мария не удивляется, увидев ангела?
На самом деле ангела видим только мы. Художник изобразил его, чтобы сделать сцену понятнее. Мария его не видит, она только слышит его голос. Конечно, она могла бы выглядеть удивленной и даже испуганной. Некоторые художники рисовали ее именно так, но Фра Анджелико решил подчеркнуть спокойствие Марии. Она внимательно слушает ангела и принимает его слова с глубоким смирением.
Что за люди слева в саду?
Это Адам и Ева. Картина рассказывает две истории сразу: «Благовещение» и «Изгнание Адама и Евы из рая» (Ветхий Завет). Первые люди были изгнаны из рая за то, что ослушались Бога и вкусили плод от Древа познания добра и зла. Над ними парит ангел в розовом; он смотрит, как они удаляются.
И у ангела, и у Марии розовые одежды и светлые волосы
Так художник показывает, что Мария и ангел находятся в согласии и полностью понимают друг друга. Их волосы золотятся на солнце, их одежды похожи по цвету. Щеки у них тоже розовые. Это очень нежный цвет, нежный, как кожа младенца, который скоро родится.
Плащ Марии и потолок над ней одинакового темно-синего цвета
Это не просто потолок: он скругляется кверху и образует темно-синий свод. Свод усеян золотыми звездочками и символизирует небо (отсюда выражение «небесный свод»). Мария находится на земле, но ее окружает Божественный свет. Изогнутые линии свода над Марией перекликаются со складками ее плаща.
Нет, он явился только для того, чтобы сообщить ей благую весть. Он не входит в дом и стоит на пороге, как гость, который не хочет никого беспокоить. Кончики его крыльев и правая нога остаются за колонной: он как бы между двух миров. Ангел – существо небесное и на землю наведывается всего на несколько секунд.
Уста ангела закрыты – не видно, чтобы он говорил
Дело в том, что Мария понимает его сердцем. Архангел Гавриил послан Богом; он приветствует Марию словами, но обращается непосредственно к ее душе.
Почему через картину проходит луч солнца?
Этот луч символизирует Слово Божие. Он пронизывает пространство, словно лазерный луч. На картине изображен тот момент, когда Слово Божие, достигнув Марии, дает начало ее будущему младенцу.
Где все это происходит?
Само событие происходит в доме Марии, но то, что мы видим на картине, явно не похоже на ее жилище в Назарете, в Палестине. Художник изобразил красивый, благородных пропорций дом, напоминающий итальянские постройки XV века – того времени, когда жил и работал он сам. Интерьер выполняет роль театральной декорации. Он нужен для того, чтобы подчеркнуть «расстановку сил» в этой сцене: Мария находится внутри дома, ангел прилетает извне.
На заднем плане видна еще одна комната
Это помогает представить себе, как вы глядят остальные помещения. Фра Анджелико подчеркивает скромность обстановки: простая деревянная мебель, освещенная солнцем скамья. На картине только часть комнаты, остального не видно. Может быть, это сделано намеренно: художник намекает на какую-то тайну. Хотя картина посвящена определенному евангельскому эпизоду, невозможно понять до конца его глубокий смысл.
Что за птичка сидит на железной перекладине?
Белогрудая черная птичка – это ласточка. Ее присутствие указывает на время действия. Ласточки проводят зиму в жарких странах и возвращаются на родину весной – значит, весна уже наступила. Согласно христианскому (западному) календарю, Благовещение приходится на 25 марта, за девять месяцев до Рождества (25 декабря).
Почему в луче света над головой ангела мы видим белую птицу?
Это голубь; так изображается Дух Святой. Голубь показывает, что весть, принесенная архангелом Гавриилом, идет от Бога. В то время как ласточка обозначает точное время года, голубь символизирует идею вечности.
Присутствует ли в картине Бог?
Да, он изображен дважды. В круглом рельефе между арками мы видим его лик, чуть повернутый в сторону архангела. А в левой верхней части картины можно разглядеть его руки в сияющем круге, как бы напутствующие Божьего посланца – архангела.
Ряд таких картинок в нижней части алтаря называют пределлой. На них изображены сцены из жизни Девы Марии: ее рождение, обручение, встреча Марии и Елизаветы (Мария навещает свою родственницу, которая, как и она, ожидает рождения сына – будущего Иоанна Крестителя; ее муж, священник Захария, тоже получил благовестие от архангела), поклонение волхвов, отрок Иисус в храме, успение Богоматери. Интересно, что сохранилась первоначальная рама этой старинной алтарной картины: такое бывает очень редко.
Почему у Марии на коленях книга?
Похоже, что Мария, отложив книгу, прервала чтение. С исторической точки зрения это неверно. Скорее всего, она не умела читать; к тому же книг в то время не было – тексты записывались на длинных свитках. Показывая Марию с книгой, художник напоминает нам, что в Библии пророк Исайя предсказал рождение Мессии – Спасителя человечества. Для христиан – это младенец Иисус. Книга тем самым символизирует связь между ветхозаветным пророчеством и Благовещением.
Почему в картине, посвященной Благовещению, присутствуют Адам и Ева?
Действительно, две эти темы не совпадают ни во времени, ни в пространстве, однако их объединяет смысл. Адам и Ева символизируют первородный грех и неповиновение Богу, Мария же, напротив, воплощает собой идею покорности воле Божьей. Сближение обеих тем придает особую значительность моменту, с которого начинается история Иисуса, призванного искупить людские грехи. Левая и правая части показывают противоположные действия: Адам и Ева, изгнанные из рая, вот-вот покинут пространство картины, в то время как на другой стороне, в залитом солнцем пространстве, Марии является ангел. Другими словами, слева что-то теряется, справа приобретается.
Почему Фра Анджелико так старательно воспроизводит архитектуру?
Потому что архитектура вообще символизирует идею построения, создания чего-то нового. Смысл картины проясняется благодаря архитектурным деталям. Двойная арка повторяет очертания буквы М – начальной буквы имени Марии. Сама Мария сравнивается с храмом: ее тело – священное пространство, в котором вырастет младенец Иисус. Мы становимся свидетелями момента, когда эта история начинается. На мраморном полу у ног Марии сливаются цвета неба, солнца и природы – голубой, желтый, зеленый… И кажется, что с прилетом ангела все эти цвета сдувает, словно ветром, в сторону Марии. Божественная воля вдохнула в нее новую жизнь.
– 2–
Портрет четы Арнольфини
Портрет четы Арнольфини
1434. Дерево, масло. 82 х 60 см
Национальная галерея, Лондон, Англия
Ян ван Эйк
Ок. 1390/1400 (?) – 1441, Брюгге
Да. Джованни и Джованна Арнольфини стоят рядом и держатся за руки. Они итальянцы, но жили в городе Брюгге, во Фландрии, вдали от своей родины. Там они и заказали художнику свой семейный портрет.
У них есть собачка
Верно: собачка стоит между ними и словно тоже позирует художнику. Она спокойна, как и хозяева. Должно быть, женщину она любит больше и поэтому держится ближе к ней.
Женщина ждет ребенка?
Не обязательно. Художник мог изобразить ее в таком виде просто потому, что в старину (более пятисот лет назад!) в моде были округлые формы. Модные дамы даже подкладывали под платье специальные подушечки.
Они тепло одеты
Такую одежду из бархата, подбитого мехом, носили богатые люди. Кроме того, в городских домах, особенно на севере Европы, бывало довольно холодно. У мужчины на голове шляпа; вероятно, он недавно пришел домой или готовится уходить.
Что это за комната?
Это не обязательно спальня, хотя справа видна широкая кровать под красным балдахином. В богатых домах такая роскошная кровать (похожая на королевское ложе) могла служить просто украшением – на ней никто не спал. Супруги Арнольфини, вероятно, позировали художнику там, где они обычно принимали гостей.
На полу стоят башмаки
Деревянные башмаки в левом углу картины скорее всего принадлежат господину Арнольфини. Их надевали поверх кожаной обуви, чтобы она меньше пачкалась: в то время мостовых не было, и на улицах скапливалась масса грязи и всяких отбросов. Хозяин оставлял свои уличные башмаки у дверей. На заднем плане можно разглядеть легкие красные туфельки без пяток – домашние туфли хозяйки.
Фрукты добавляют теплую цветовую нотку в темную часть картины. Апельсины тогда привозили из Испании, и стоили они очень дорого. Они были слишком кислые, и их не ели, а использовали для того, чтобы ароматизировать воздух. Возможно, яблоко на подоконнике напоминает о райском саде – о Древе познания добра и зла.
На стене в глубине комнаты висит круглое зеркало
Это старинное выпуклое зеркало; такие зеркала изготавливали из дутого стекла, добавляя свинец для получения отражающей поверхности. Выпуклое зеркало отражает то, что находится не только прямо перед ним, но и сбоку – вот почему в нем видно окно. В зеркале отражаются – со спины – и супруги Арнольфини, а перед ними можно различить еще двух человек – одного в синем, другого в красном. Вероятно, это сам художник с помощником.
Что написано над зеркалом?
Подпись и дата создания картины выглядят так, словно художник расписался большими замысловатыми буквами прямо на стене. По обычаю того времени надпись сделана на латыни – языке учености: Johannes de eyckfuit hie. 1434, что означает: «Ян ван Эйк был здесь. 1434». Как правило писали fecit или pinxit («сделал» или «написал»), но в этом случае художник предпочел подчеркнуть свое присутствие, а не авторство.
Что мы видим на стене рядом с зеркалом?
Это четки. Обычно четки делались из дерева, но эти дорогие, из хрусталя. Они повешены здесь для того, чтобы госпожа Арнольфини, поглядевшись в зеркало, не забывала помолиться. На десяти миниатюрных медальонах, вделанных в раму зеркала, изображены сцены страстей Христовых: когда хозяйка прихорашивалась перед зеркалом, они лишний раз напоминали ей о том, что нельзя пренебрегать христианским долгом ради пустого тщеславия.
Почему днем в канделябре горит свеча?
Точного объяснения нет. Пламя свечи обычно символизирует духовный свет, так что зажженная свеча и естественное освещение в принципе не исключают друг друга. Здесь можно усмотреть и дополнительный смысл: мотив взаимного дополнения двух источников света – природного и духовного.
Почему Джованни Арнольфини стоит с поднятой рукой?
Этот жест тоже объяснить трудно. Некоторые историки искусства думают, что Арнольфини произносит торжественную клятву по случаю помолвки или бракосочетания с Джованной: в то время подобные церемонии можно было проводить у себя дома, без официальных лиц. Другие полагают, что дело происходит после свадьбы, когда Арнольфини впервые вводит в дом молодую жену.
Почему они не улыбаются?
Наверное, в их жизни это важный момент, память о котором они оба хотят сохранить. Торжественность изображения соответствует значительности происходящего, хотя мы доподлинно не знаем, что именно происходит. Супруги на портрете серьезны и исполнены чувства собственного достоинства. По-видимому, художнику было на руку сосредоточенное, даже несколько застывшее выражение их лиц – так он мог легче добиться портретного сходства.
Джованни происходил из богатого рода торговцев тканями и был поставщиком двора герцога Бургундского – Филиппа Доброго. Судя по историческим источникам, за одиннадцать лет до создания портрета он продал герцогу серию шпалер, первоначально предназначавшихся для Папы Римского. Его позиции при дворе укреплялись, и со временем он даже получил почетное звание камергера. Джованна также происходила из зажиточной семьи торговцев тканями и мехами. Тот факт, что супруги Арнольфини могли заказать свой портрет самому Яну ван Эйку, придворному живописцу герцога Бургундского, говорит об их состоятельности и высоком общественном положении.
Заказывал ли похожие портреты кто-нибудь еще?
Нет, эта картина – единственная в своем роде. Портрет в рост, то есть такой, на котором человек стоит и виден целиком, был в то время новым словом в живописи. Портреты в рост получили распространение впоследствии, но не ранее начала XVI века, то есть семьдесят лет спустя. Такой тип портрета долго оставался привилегией аристократов и членов королевских семей.
Правда ли, что ван Эйк изобрел масляную живопись?
Нет, масляная живопись уже насчитывала несколько веков существования. Но ван Эйк внес огромный вклад в ее развитие. Масляные краски, которые изготовляли в его время, отличались от прежних тем, что сохли гораздо быстрее. Ван Эйк использовал это новшество и разработал особую технику живописи. Он накладывал один на другой несколько тончайших слоев прозрачной краски (техника лессировки), что позволяло с необычайной точностью передавать оттенки цвета и переливы света. Раньше для получения светлых оттенков в краску добавляли белила; теперь эта необходимость отпала, а колорит полностью сохранял свою яркость. Такая «текучая» живопись значительно расширяла возможности художника, позволяла выписывать мельчайшие детали, а живописная поверхность, яркая и блестящая, напоминала роспись по эмали.
Правда ли, что сюжет картины до конца не разгадан?
Да, это так. Выдвигались различные предположения, об этой картине были написаны целые тома, однако многие вопросы и поныне остаются без ответа. По какому случаю был написан этот портрет, не похожий ни на какой другой? Почему мужчина поднял руку? А собачка – просто любимица хозяйки или символ верности? Почему художник подписал картину столь эффектным и необычным способом? Кто такие на самом деле люди, позировавшие художнику? Эта картина – одна из самых загадочных в истории живописи.
– 3–
Святой Георгий
Святой Георгий
Ок. 1455–1460. Холст, масло. 56,5 х 74 см
Национальная галерея, Лондон, Англия
Паоло Уччелло (Паоло ди Доно)
1397, Флоренция – 1475, там же
Картина рассказывает о битве храброго рыцаря со страшным драконом. Кровь дракона уже пролилась на землю. За битвой наблюдает юная девушка; это, должно быть, королева или королевская дочь, потому что на голове у нее корона.
Кто эта девушка?
Она пленница, рыцарь явился избавить ее от дракона. Она стоит у левого края, и кажется, что на картине ей отведено совсем немного места. Она могла бы укрыться в пещере, но там так темно, что ей, наверное, страшно туда войти.
Откуда взялся дракон?
Скорее всего он вылез из пещеры: это его логово. Пещера, вероятно, огромная, мрачная, и там полно всяких других ужасных тварей.
Но ведь драконов на самом деле не бывает!
Конечно, дракон – существо вымышленное. Настоящие, невыдуманные дикие звери вообще существа довольно опасные, а в драконе собраны вместе самые страшные черты разных животных: пасть огромная, с острыми клыками, лапы когтистые, как у льва или у медведя, крылья словно у гигантской бабочки или летучей мыши, хвост чешуйчатый, как у змеи, кожа зеленая, будто у крокодила. Да еще он изрыгает огонь!
Почему же принцесса не боится?
Она уверена, что рыцарь ее спасет. Бояться больше нечего. Она спокойно стоит и ждет окончания битвы. Дракон уже не опасен – она даже держит его на поводке, как собачку.
А рыцарь победит?
Разумеется. Он уже серьезно ранил дракона. Кроме того, он сидит на белом коне, а белый – цвет победы. Свет всегда побеждает тьму, так и рыцарь непременно победит темные силы, обитающие в пещере. В небе за его спиной клубятся тучи, словно он ведет за собой целое небесное войско.
Чем закончится эта история?
Окончательной победы не будет. На картине мы видим раненого дракона, однако он еще жив. Если бы художник показал смерть дракона, это означало бы, что зла на земле больше нет, что оно побеждено навсегда. Увы, это не так. Со злом можно бороться, можно обходить его стороной, можно заставить его отступить, но полностью от него избавиться никогда не удастся. Добро не может победить зло раз навсегда. И это знает святой Георгий, посланный самим Богом, чтобы отразить натиск злых сил.
Святой Георгий нанес дракону только один удар?
На картине изображен момент, когда он наносит решающий удар. Святой Георгий действует без колебаний; это небесный воин, он тверд и непреклонен, он точно знает, что и как он должен совершить. И свою миссию он выполняет.
Сцена кажется неправдоподобной
