Текст книги "Большая Советская Энциклопедия (РО)"

Автор книги: Большая Советская Энциклопедия

сообщить о нарушении

Текущая страница: 50 (всего у книги 61 страниц)

  Балетное искусство формировалось в основном в петербургских и московских труппах, принадлежавших Дирекции императорских театров. В Петербурге в 1800—30-х гг. работал балетмейстер Ш. Дидло, который содействовал выдвижению русского балета на одно из ведущих мест в Европе. Он провозгласил принцип единства музыкальной и хореографической драматургии балетного спектакля. В предромантических балетах Дидло на мифологические сюжеты («Зефир и Флора», 1804: «Амур и Психея», 1809; «Ацис и Галатея», 1816) взаимодействовали сольный и кордебалетный танцы, В героико-трагедийных балетах («Венгерская хижина, или Знаменитые изгнанники» А. Венюа, 1817; «Рауль де Креки, или Возвращение из крестовых походов» Кавоса и Т. В. Жучковского, 1819) балетмейстер психологизировал и драматизировал пантомимное действие. В 1823 Дидло инсценировал поэму А. С. Пушкина для балета «Кавказский пленник, или Тень невесты» Кавоса. В постановках Дидло прославились М. И. Данилова, А. И. Истомина, Е. А. Телешова, А. С. Новицкая, Огюст (О. Пуаро), Н. О. Гольц. С 1812 в Москве работал А. П. Глушковский. Он обратился к темам Пушкина («Руслан и Людмила, или Низвержение Черномора, злого волшебника» Шольца, 1821; «Чёрная шаль, или Наказанная неверность», музыка сборная, 1831) и В. А. Жуковского («Три пояса, или Русская Сандрильона» Шольца, 1826). Глушковский выступил первым теоретиком и историком русского балета, а также подготовил московскую труппу к созданию романтического репертуара. В его спектаклях участвовали Т. И. Глушковская, А. И. Воронина-Иванова.

  В 1-й трети 19 в. русское балетное искусство достигло творческой зрелости, сложилось как национальная школа, для которой стали характерными жизненность, правдивость, глубокая содержательность, виртуозная техника танца. В 1825 в Москве открылся Большой театр, и московская балетная труппа получила технически оснащенную сцену. К началу 1830-х гг. в Москве и Петербурге работали высококвалифицированные балетные коллективы, ставились главным образом пёстрые, пышные зрелища (франц. балетмейстеры А. Блаш и А. Титюс). Большое значение для русской балетной музыки в эти годы имели танцевальные сцены в операх М. И. Глинки, где действенные, повествовательные и описательные характеристики были исполнены национальной определённости и давали симфоническое развитие образов. В 1830-х гг. под влиянием романтизма в корне обновились тематика и стиль балетного театра. Выявились 2 направления романтического искусства. Одно из них утверждало в лирическом плане несовместимость мечты и реальности: фантастические образы главенствовали в балетах Ф. Тальони («Сильфида» Ж. Шнейцгоффера) и Ж. Коралли («Жизель» А. Адана; балеты поставлены в Петербурге в 1835 и 1842). Другое направление тяготело к конкретному драматизму (балеты Ж. Перро«Эсмеральда», 1848, «Катарина, дочь разбойника», 1850, – оба Ч. Пуньи; «Корсар» Адана, 1858, и др.). Романтизм по-новому, эстетически перспективно соотнёс танец и пантомиму, сделав танец кульминацией действия. Искусство романтических танцовщиц М. Тальони и Ф. Эльслер продолжали в традициях русской сцены Е. И. Андреянова (Петербург), Е. А. Санковская (Москва).

  В середине 19 в., когда в русском искусстве процветал реализм, балетный театр ещё отставал в своём развитии. Развлекательные спектакли ставили А. Сен-Леон («Конёк-горбунок» Пуньи, 1864; «Золотая рыбка» Л. Минкуса, 1867), С. П. Соколов («Папоротник, или Ночь на Ивана Купала» Ю. Гербера, 1867). Спектакли представляли собой ряд дивертисментных танцев, почти не связанных сюжетом, и сусально воплощали народную тематику. Однако техника танцовщиц совершенствовалась до виртуозности. Была введена строгая регламентация форм и приёмов. Пантомиме отводилась служебная роль, и она становилась зашифрованным кодом жестов. Танец окончательно разделился на классический и характерный (см. Танец). В условиях, когда творчество теряло содержательность, поэтичность танца сохраняли М. Н. Муравьева, П. П. Лебедева, В. Ф. Гельцер.

  Во 2-й половине 19 в. русский балетный театр шёл по пути обновления. Балетмейстер М. И. Петипа продолжил в канонах академизма процесс симфонизации танца, начатый романтиками. В балетах «Царь Кандавл» Пуньи (1868), «Баядерка» Минкуса (1877) Петипа сделал основой спектакля ансамбли классического танца. Поиски балетмейстера завершила встреча с композитором П. И. Чайковским. Через 13 лет, после неудачной постановки «Лебединого озера» в Москве балетмейстером В. Рейзингером (1877), Чайковский и Петипа создали балет «Спящая красавица». В музыкально-хореографических кульминациях симфонизированного балетного действия – центральных адажио и вариациях каждого акта – проводилась тема любви, побеждающей зло. Те же принципы балетной драматургии Петипа сохранил и в работе с А. К. Глазуновым («Раймонда», 1898; «Времена года», 1900). Балеты этих композиторов явились вершинами балетного симфонизма 19 в. Балетмейстер Л. И. Иванов, помощник Петипа, наметил выход из академизма, поставив «Щелкунчика» (1892) и сцены лебедей в «Лебедином озере» (1895). Природная музыкальность Иванова помогла ему тонко проникнуть в музыкальные образы Чайковского. Симфоническая хореография танца снежных хлопьев в «Щелкунчике» и сцены лебедей предвосхитили новаторскую образность танца, найденную позже балетным театром 20 в. В балетах Петипа и Иванова выступали Е. О. Вазем, Е. П. Соколова, П. А. Гердт, Н. Г. Легат и др.

  К началу 20 в. русский балет занял ведущее место в мировом балетном искусстве. Его школа обладала стойкими традициями; репертуар включал лучшие спектакли 19 в. Накануне больших общественных сдвигов балет также нуждался в обновлении метода и стиля. Балетмейстеры-реформаторы А. А. Горский и М. М. Фокин выступили за цельность балетного действия, историческую достоверность стиля, естественность пластики; они выдвинули в противовес эстетике балетного академизма принцип живописности. Соавтором спектакля становился не столько композитор, сколько художник. Балеты Горского и Фокина оформляли К. А. Коровин, А. Я. Головин, А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих. Балетмейстеры-реформаторы испытали влияние искусства А. Дункан, пропагандистки «свободного» танца. Горский переделывал балеты Петипа, уточняя их сюжеты («Дон Кихот», 1900; «Баядерка» и «Жизель», 1907), сочинял оригинальные хореографические драмы («Дочь Гудулы» А. Ю. Симона, по роману В. Гюго «Собор Парижской богоматери», 1902; «Саламбо» Л. Ф. Арендса, по роману Г. Флобера, 1910). Фокин ставил одноактные балеты,успешно стилизуя в них искусство ушедших эпох («Павильон Армиды» Н. Н. Черепнина, 1907, «Египетские ночи» А. С. Аренского и «Шопениана» на музыку Ф. Шопена, 1908). Борьба нового и старого отразилась внутри балетных трупп. Классическое наследие балетного театра в Москве защищали Е. В. Гельцер и В. Д. Тихомиров, в Петербурге – О. И. Преображенская, М. Ф. Кшесинская, А. Я. Ваганова, Н. Г. Легат. В спектаклях Горского выступали С. В. Федорова, М. М. Мордкин и др.; в балетах Фокина – А. П. Павлова, Т. П. Карсавина, В. Ф. Нижинский. При всех противоречиях русский балетный театр стал одним из центров исканий современного искусства. С 1909 в Париже начались гастроли русского балета – Русские сезоны, организованный С. П. Дягилевым. Первые сезоны познакомили зарубежного зрителя с искусством композитора И. Ф. Стравинского, балетмейстера М. М. Фокина, В. Ф. Нижинского и др., привлекли в балетный театр многих др. прославленных музыкантов и художников. В 1910—20-е гг. влияние русского балета распространилось по всему миру, что способствовало развитию балетного искусства др. стран.

  После Октябрьской революции 1917 для русского балета открылись новые перспективы. Горский, руководивший труппой Большого театра до 1922, ставил классику («Щелкунчик», 1919) и новые спектакли («Стенька Разин» А. К. Глазунова, 1918; «Вечно живые цветы» на музыку Б. В. Асафьева, 1922, и др.). Балетмейстер К. Я. Голейзовский от поисков в хореографических миниатюрах перешёл к работе над развёрнутыми балетами («Иосиф Прекрасный» Василенко, 1925, и др.). В 1927 Л. А. Лащилин и Тихомиров поставили «Красный мак» («Красный цветок») Р. М. Глиэра, наполнив революционным содержанием канонической формы балетного спектакля. В Ленинграде в 1920-е гг. балет возглавил Ф. В. Лопухов. Хранитель наследия и экспериментатор, он поставил танцевальную симфонию «Величие мироздания» (на музыку 4-й симфонии Л. Бетховена, 1923), первый балет о революции «Красный вихрь» В. М. Дешевова (1924). Затрагивая темы истории, поэтизируя народно-революционную героику, Голейзовский и Лопухов обновляли формы балетной выразительности. Балетная пластика обогащалась красками народных обрядов и игр, приёмами акробатики и спорта (опыты Голейзовского и Лопухова нашли последователей). Ведущими исполнителями в Москве в 1920-е гг. были Е. В. Гельцер, В. В. Кригер, М. Р. Рейзен, Л. А. Жуков и др., в Ленинграде – Е. П. Гердт, Е. М. Люком., О. П. Мунгалова, В. А. Семенов, Б. В. Шавров и др. На рубеже 20—30-х гг. в театр пришли выпускники советской балетной школы: М. Т. Семенова, Г. С. Уланова, Н. М. Дудинская, О. В. Лепешинская. Искусство мужского танца развивали А. Н. Ермолаев, В. М. Чабукиани, К. М. Сергеев, М. М. Габович, А. М. Мессерер. Героические образы воплощали Ермолаев и Чабукиани, психологическую сложность характеров, от лирики до трагедии, раскрывалась в творчестве Улановой и Сергеева. Кордебалет становился активным выразителем настроения народных масс. В 1930-х гг. балет обогатился народной героикой, синтезом форм классического и национального характерного танца в постановках В. И. Вайнонена («Пламя Парижа» Асафьева, 1932) и Чабукиани («Сердце гор» А. М. Баланчивадзе, 1938).

  В 1930—40-х гг. ведущим стал жанр хореографической драмы, представленный балетами «Бахчисарайский фонтан» Асафьева в постановке Р. В. Захарова (1934) и «Ромео и Джульетта» С. С. Прокофьева в постановке Л. М. Лавровского (1940) и др. В них музыка, танец, пантомима, живопись подчинялись режиссёрской разработке сценарной драматургии, в основе которой были темы истории и классической литературы.

  В 1930-х гг. в РСФСР организовано 17 новых балетных коллективов. Начали работать балетные труппы в Москве – Музыкального театра им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко (балетмейстеры Н. С. Холфин, В. П. Бурмейстер и др.) и в Ленинграде – Малого оперного театра (с 1964 – Малый театр оперы и балета, балетмейстеры Лопухов, Лавровский, В. А. Варковицкий, Б. А. Фенстер и др.). Открылись музыкальные театры с балетными труппами, затем – студиями и школами в Воронеже, Горьком, Казани, Куйбышеве, Перми, Саратове, Уфе, Свердловске (основан в середине 20-х гг.). В 1940—50-х гг. были созданы театры в Новосибирске и Челябинске, Петрозаводске, Сыктывкаре, Улан-Удэ и др. городах. В театрах автономных республик появляются значительные спектакли: «Журавлиная песня» Л. Б. Степанова (1944, Уфа, балетмейстер Н. А. Анисимова), «Шурале» Ф. З. Яруллина (1945, Казань, балетмейстеры Л. А. Жуков и Г. X. Тагиров), «Красавица Ангара» Л. К. Книппера (1959, Улан-Удэ, балетмейстер М. С. Заславский) и др. (см. разделы Театр и Музыка в статьях об автономных республиках РСФСР, а также статьи о театрах оперы и балета соответствующих республик). Всюду основой репертуара служила русская классика, в то же время каждый национальный театр воплощал сюжеты и темы своей истории и литературы. Во время Великой Отечественной войны 1941—45 ведущие мастера театров Москвы и Ленинграда работали на периферии, что способствовало росту местных балетных трупп. Вскоре после войны были показаны патриотические балеты «Татьяна» А. А. Крейна (1947) и «Берег счастья» А. Э. Спадавеккиа (1948) в постановке Бурмейстера. В 1940—50-х гг. продолжают создаваться балеты по произведениям литературы: балетмейстер Захаров ставит «Медный всадник» Глиэра по А. С. Пушкину (1949), балетмейстер Фенстер – «Тарас Бульба» В. П. Соловьева-Седого по Н. В. Гоголю (1955) и др. В балетных труппах оперных театров РСФСР ставятся национальные спектакли: «Гаянэ» А. И. Хачатуряна (балетмейстер Н. А. Анисимова, 1942), «Шурале» Яруллина (балетмейстер Л. В. Якобсон, 1950) и др. Музыка выступает основой хореографического действия в постановках талантливых балетмейстеров, начавших работать в конце 1950-х гг. Ю. Н. Григорович создаёт в 1957 новую редакцию балета «Каменный цветок» Прокофьева, где действие опирается на философско-поэтическое содержание музыки. В 1961 Григорович ставит «Легенду о любви» А. Д. Меликова, в 1967—«Спартак» Хачатуряна (предшествующие постановки этого балета осуществляли Якобсон в 1956 в Ленинграде и И. А. Моисеев в 1958 в Москве). Григоровичу принадлежат также постановочные версии балетов Чайковского: «Щелкунчик» (1956), «Лебединое озеро» (1970), «Спящая красавица» (1973). Прочная музыкально-хореографическая основа определяет практику балетмейстера И. Д. Бельского: им осуществлены спектакли «Берег надежды» А. П. Петрова (1959), «Конёк-горбунок» Р. К. Щедрина (1963), «Икар» С. М. Слонимского (1974 – в Ленинграде, предшествующая постановка В. В. Васильева, 1971, в Москве) и опыты балетной театрализации музыки Д. Д. Шостаковича: «Ленинградская симфония» (7-я симфония, 1961) и «Одиннадцатая симфония» (1966). Разнообразие творческих экспериментов характерно для Якобсона, начавшего работать ещё в 1930-х гг. Им поставлены хореографическая поэма «Двенадцать» Б. И. Тищенко (1964), балет «Страна чудес» И. И. Шварца (1967), хореографические миниатюры на музыку В. А. Моцарта, Чайковского, К. Дебюсси, А. Берга, Стравинского, Прокофьева, Шостаковича; чередуя лирику и гротеск, трагедию и сатиру, сказочность и быт, балетмейстер обогащает лексику современного танца. Творчески воплотили в танце образы современности балетмейстеры Н. Д. Касаткина и В. Ю. Василев в «Героической поэме» Н. Н. Каретникова (1964); ими поставлен также балет «Сотворение мира» А. П. Петрова (1971). В Новосибирске постановками «Золушки» и «Ромео и Джульетты» Прокофьева (1964—65) дебютировал балетмейстер О. М. Виноградов. В Москве и Ленинграде он показал современные балеты на национальные темы: «Асель» В. А. Власова (1966), «Горянка» М. М. Кажлаева (1968), «Ярославна» Тищенко (1974). В 50—60-е гг. балетный театр пополнился новыми исполнителями, на сцену пришли М. М. Плисецкая, Р. С. Стручкова, И. А. Колпакова, А. И. Осипенко, Ю. Т. Жданов, Н. Б. Фадеечев, А. А. Макаров, Б. Я. Брегвадзе, Е. С. Максимова, Н. И. Бессмертнова, Н. И. Сорокина, В. В. Васильев, М. Л. Лавровский, М. Э. Лиепа, Г. Т. Комлева, А. И. Сизова, Ю. В. Соловьев, А. В. Гридин, Н. А. Долгушин и др. С их творчеством связаны новые успехи русского балетного искусства.

  Балетные труппы работают (1975) во всех 42 музыкальных театрах республики. Танцовщиков готовят 6 хореографических училищ, среди них Московское хореографическое училище, Ленинградское хореографическое училище им. А. Я. Вагановой и училища др. городов РСФСР, из которых крупнейшее – Пермское училище; балетмейстеров – Государственный институт театрального искусства им. А. В. Луначарского (Москва) и Ленинградская консерватория им. Н. А. Римского-Корсакова. Балетное искусство республики отличается идейностью, глубиной содержания, четко выраженной гуманистической направленностью. С 50-х гг. многие балетные коллективы с успехом гастролируют за рубежом. Опытные хореографы и педагоги выезжают в различные страны, осуществляют постановки, участвуют в создании национальных хореографических школ. Артисты балета многих стран учатся в хореографических училищах и стажируются в лучших театрах РСФСР. Русский советский балет стал ведущим в мировом балетном искусстве, он оказывает громадное воздействие на развитие балета всех континентов.

  Лит.: Плещеев А., Наш балет (1673—1899), 2 изд., СПБ, 1899; Борисоглебский М. В. (сост.). Материалы по истории русского балета, т. 1—2, Л., 1938—1939; Красовская В., Русский балетный театр от возникновения до середины XIX в., Л. – М., 1958; её же, Русский балетный театр второй половины XIX века, Л. – М., 1963; её же, Русский балетный театр начала XX в., ч. 1—2, [Л., 1971—1972]: Слонимский Ю., Дидло, Л. – М., 1958; его же, Мастера балета, Л., 1937; его же, Советский балет, М. – Л., 1950: его же, П. И. Чайковский и балетный театр его времени, М., 1956; Эльяш Н., Пушкин и балетный театр, М., 1970; М. Петипа. Письма. Материалы. Воспоминания. Статьи, предисловие Ю. Слонимского. Л., 1971.

  В. М. Красовская.

  XV. Драматический театр

  Возникновение элементов театрального искусства связало с трудовыми процессами и культовыми обрядами. Например, в народных играх появились драматическое действие, диалог («Ленок», «А мы просо сеяли...», «Игумен»). Первыми носителями театральной культуры были скоморохи. Упоминания о них (летопись Нестора) и их изображения (фрески Софийского собора в Киеве) относятся к 11 в. 16 – 1-я половина 17 вв. – время расцвета искусства скоморохов. Большое распространение имели кукольные представления; особой популярностью в 17—19 вв. пользовались зрелища, героем которых был главный персонаж русского народного театра – Петрушка.

  К 16 в. относятся зачатки церковного театра, возникновение церкового действия. Наиболее распространёнными театрализованными представлениями были «Пещное действо», обряды «Хождение на осляти» и «Умовения ног». Однако русский церковный театр не получил широкого развития. В 1672 при дворе царя Алексея Михайловича был создан первый придворный театр. В репертуар входили пьесы на библейские сюжеты. В 1676 (после смерти царя) театр закрылся. В 1702 по указанию Петра I в Москве вновь открылся государственный театр и на Красной площади была построена «Комедиальная храмина», вмещавшая несколько сотен человек (здесь играла приглашенная в Россию нем. труппа И. X. Кунста).

  В 70—80-х гг. 17 в. при Славяно-греко-латинской академии в Москве появился русский школьный театр, крупнейшим деятелем которого был поэт и драматург Симеон Полоцкий. В начале 18 в. школьный театр прославлял военные победы Петра I, выражал идеи об укреплении Русского государства, развитии просвещения. Выдающееся произведения школьного театра петровского времени – трагикомедия Феофана Прокоповича «Владимир, славянороссийских стран князь и повелитель...» (пост. 1705).

  С 30—40-х гг. 18 в. при русском дворе гастролировали иностранные труппы (итальянская, нем. театр К. Нейбер, франц. драматический театр). В 1752 в Петербург пригласили ярославскую любительскую труппу Ф. Г. Волкова. Наиболее талантливые актёры труппы были определены для обучения в шляхетский кадетский корпус. В 1756 императрица Елизавета повелела Сенату «учредить Русский для представления трагедии и комедии театр». Основу театра составили актёры труппы Волкова – И. А. Дмитриевский, Я. Д. Шумский и др.; в репертуар вошли трагедии А. П. Сумарокова. Большое значение для русской сцены имели сатирические комедии Д. И. Фонвизина («Недоросль», пост. 1782) и В. В. Капниста («Ябеда», пост. 1798), обличавшие деспотизм и произвол крепостнической монархии. В 1779 в Петербурге на Царицыном лугу стала играть русская труппа антрепренёра К. Книппера. В 1757 при Московском университете был организован Университетский театр, в 1780 на его основе – Петровский театр; в 1824 – московский Малый театр. В Петербурге в 1832 для спектаклей драматической труппы построено здание Александрийского театра. В конце 18 – начале 19 вв. получили распространение частные дворянские крепостные театры (Шереметевых, Юсуповых, Воронцовых), заложившие основы русской провинциальной сцены. Крепостные театры талантливыми актёрами, богатством и пышностью постановок не уступали порой казённым театрам. В историю театра вошли имена крепостных актёров – П. И. Жемчуговой, Т. В. Шлыковой-Гранатовой и др.

  Отечественная война 1812 вызвала подъём гражданских патриотических настроений в русском обществе. На сцене с успехом шли трагедии В. А. Озерова, начали ставиться пьесы У. Шекспира и Ф. Шиллера. Значительное место в репертуаре заняли морально-дидактические комедии А. А. Шаховского, М. Н. Загоскина, водевили Н. И. Хмельницкого, а также сатирические комедии И. А. Крылова. Большое влияние на театральную жизнь оказывали идеи декабристского романтизма (деятельность Н. И. Гнедича. П. А. Катенина и др.). Игра трагедийных актёров начала 19 в. А. С. Яковлева и Е. С. Семеновой потрясала зрителей подлинным трагизмом, силой страсти и искренностью переживаний.

  Ещё в 1766 для надзора за деятельностью театра была создана Дирекция императорских театров. В годы реакции после подавления восстания декабристов над театрами учреждается особый контроль. В 1826 они поступили в ведение министерства двора. Была утверждена государственная монополия на театры, просуществовавшая до 1882. Контроль над репертуаром осуществляла тайная полиция (цензурой пьес, предназначенных к постановке, занималось 3-е отделение императорской канцелярии). На сцене шли переводные водевили и мелодрамы, пьесы Н. В. Кукольника, Н. А. Полевого, П. Г. Ободовского. Против такого репертуара выступали В. Г. Белинский, Н. В. Гоголь и др., утверждавшие необходимость отражения в театре правды жизни, обращения к важнейшим проблемам современности. Лучшие произведения русской драматургии проникали на сцену с большим трудом, часто в искажённом цензурой виде. Так, «Горе от ума» А. С. Грибоедова было поставлено лишь в 1831 (соч. 1824), «Борис Годунов» а 1866 (соч. 1825). Долгое время находились под запретом драмы В. Гюго, ряд пьес Шекспира, Шиллера. Общественным и театральным событием стала постановка «Ревизора» Н. В. Гоголя (1836). В труппе Малого театра в этот период играли актёры демократического направления во главе с П. С. Мочаловым и М. С. Щепкиным, с деятельностью которых связано становление 2 основных направлений в русском театре – романтизма и реализма. Искусство Мочалова порывало с законами эстетики классицизма, утверждало свободу творчества актёра-художника. Огромное значение для развития сценического реализма, утверждения его как ведущего творческого метода имела деятельность Щепкина – актёра, педагога, теоретика русского театра. Принципы Щепкина были развиты и углублены актёром Александрийского театра А. Е. Мартыновым. В русле демократического направления развивалось творчество актёров В. Н. Асенковой, В. И. Живокини и др. Иное направление в русском театре представляло проникнутое монументальной парадностью творчество петербургского трагика В. А. Каратыгина.

  Общественный подъём, вызванный развитием освободительного движения с конца 50-х гг., бурный экономический рост страны, философско-публицистические статьи революционеров-демократов – Н. Г. Чернышевского, Н. А. Добролюбова – оказали большое влияние на театр. Увеличился интерес к русской драме, отражающей современную действительность. Мелодрама и водевиль уступили место бытовой драме и комедии. Новый этап в истории театра начинается с появлением пьес А. Н. Островского, получивших наиболее точное и яркое воплощение на сцене Малого театра («Не в свои сани не садись», 1853, «Бедность не порок», 1854, «Гроза», 1859, «Доходное место», 1863, и многие др.). Островский дал русской сцене обширный реалистический национальный репертуар. На его драматургии выросла плеяда актёров (П. М., М. П. и О. О. Садовские, Л. П. Косицкая, С. В. и П. В. Васильевы и др.), сформировалась школа сценической игры.

  Ярчайшим выражением освободительных устремлений русского театра стало искусство трагической актрисы М. Н. Ермоловой, создавшей образы Эмилии Галотти («Эмилия Галотти» Лессинга), Лауренсии («Овечий источник» Лопе де Вега), Катерины («Гроза» Островского), Иоанны д'Арк и Марии Стюарт («Орлеанская дева» и «Мария Стюарт» Шиллера). Жизненной правдой, тонкостью психологического анализа было отмечено искусство И. В. Самарина, С. В. Шумского, блеском мастерства – творчество В. В. Самойлова, М. Г. Савиной. Широкое распространение в крупных городах России получают провинциальные театры, давшие русской сцене таких актёров, как П. А. Стрепетова, М. Т. Иванов-Козельский, В. И. Андреев-Бурлак, Н. X. Рыбаков, М. И. Писарев и др. Среди мастеров русского театра конца 19 – начала 20 вв. – Г. Н. Федотова, А. И. Южин, К. А. Варламов, В. Н. Давыдов. После отмены в 1882 монополии императорских театров возникают частные театры (в т. ч. московский Театр Корша, располагавший первоклассной труппой). Прогрессивный характер носила деятельность актёра и режиссёра Малого театра А. П. Ленского, стремившегося к обновлению театрального искусства, воспитанию актёров высокой культуры.

  Выдающееся событие в истории русского и мирового театра – открытие в 1898 созданного К. С. Станиславским и Вл. И. Немировичем-Данченко Московского Художественного театра (МХТ), где была осуществлена реформа репертуара, режиссуры, актёрского искусства (см. Московский Художественный академический театр). Большое общественное значение имел созданный В. Ф. Комиссаржевской в 1904 Драматический театр в Петербурге, на сцене которого ставились пьесы М. Горького и драматургов, группировавшихся вокруг издательства «Знание» (С. А. Найденов и др.).

  В 1910-х гг. в театральном искусстве обострилась борьба различных тенденций. Режиссёрское искусство В. Э. Мейерхольда (в театре Комиссаржевской, в Александрийском театре), связанное с поэтикой символизма, с принципами условного театра, и А. Я. Таирова (в организованном им в 1914 Камерном театре), с его неприятием натурализма, нередко сближалось с модернистскими, антиреалистическими тенденциями. В этот период возникает ряд экспериментальных театральных студий: Студия Ф. Ф. Комиссаржевского (1910), 1-я Студия МХАТ (1912) и Студия Е. Б. Вахтангова (1913) в Москве, Студия Мейерхольда на Бородинской ул. в Петрограде (1914) и др.

  Подлинное обновление русского театра, его выход на новые пути развития связаны с Октябрьской революцией 1917. По декрету Совнаркома (1917) театры передавались в ведение Народного комиссариата просвещения. В 1919 принят подписанный В. И. Лениным Декрет СНК об объединении театрального дела, провозгласивший национализацию театра. Политика Коммунистической партии и Советского государства, вдохновленная идеями В. И. Ленина о партийности и народности искусства, указала театру путь к овладению революционным мировоззрением, способствовала постепенному становлению метода социалистического реализма в театре, определив тем самым основное направление его развития. Старейшие русские театры сделали первые шаги к сближению с новым, рабочим зрителем, переосмысливая классику – трактуя её в некоторых случаях в плане «созвучия революции» («Посадник» А. К. Толстого, 1918, «Старик» Горького, 1919, оба в Малом театре). Монументальные и патетические образы «Мистерии-буфф» Маяковского (поставлена Мейерхольдом в 1918) положили начало созданию спектаклей политически острых, проникнутых духом революционной романтики, способствовали развитию агитационного театра. Своеобразной его разновидностью явились массовые представления, ставившиеся на улицах и площадях.

  Большое значение в процессе развития театральной культуры имели творческое взаимодействие и соревнование старейших русских театров, выделенных в группу академических, – Малый, МХАТ, Александрийский (ныне Ленинградский театр драмы им. Пушкина), и вновь организованных – 3-я студия МХТ (1921, позднее Театр им. Вахтангова), Театр РСФСР 1-й (1920, в 1923—38 Театр им. Мейерхольда), Театр Революции (1922, с 1954 – Театр им. Маяковского), Театр им. МГСПС (1923, с 1938 – Театр им. Моссовета) – в Москве, Большой драматический театр (1919, ныне – им. Горького) – в Ленинграде, Театр «Красный факел» (1920, Одесса, – с 1932 в Новосибирске) и др. В 1918—20 начали работать первые театры для детей. Во 2-й половине 20-х гг. возникли театры рабочей молодёжи (ТРАМ), позднее часть из них была преобразована в театры Ленинского комсомола.

  В 20-е гг. театры создали ряд постановок, посвященных современности. В спектаклях «Виринея» Сейфуллиной и Правдухина (1925, Театр им. Вахтангова, режиссер А. Д. Попов), «Шторм» Билль-Белоцерковского (1925, Театр им. МГСПС, режиссер Е. О. Любимов-Ланской), «Любовь Яровая» Тренева (1926, Малый театр, режиссер И. С. Платон, Л. М. Прозоровский), «Бронепоезд 14-69» Иванова (1927, МХАТ, художественный руководитель Станиславский, режиссер Н. Н. Литовцева, И. Я. Судаков) и др. получила новаторское художественное разрешение проблема взаимоотношений личности и массы, утверждался новый тип героя эпохи революции и Гражданской войны. Важное значение в развитии этого процесса имел 1-й Всесоюзный съезд советских писателей (1934), на котором (прежде всего в докладе и выступлениях Горького) была дана развёрнутая характеристика принципов метода социалистического реализма литературы и искусства. 30-е гг. явились в развитии русского театра периодом утверждения этого основного метода как определяющего в сценическом искусстве, находившего всё более глубокое и разностороннее отражение.

  Социалистический по содержанию, национальный по форме советский театр развивался в процессе живого обмена творческим опытом между деятелями сцены различных народов. Интернациональная природа советского социалистического театра более отчётливо проявилась и в тех новых творческих взаимоотношениях, которые сложились между русским театром и театральной культурой народов автономных республик, вошедших в состав РСФСР. Располагающий огромным историческим опытом, прочными демократическими традициями, русский театр выступил надёжным помощником в развитии театра др. народов, объединившихся в Российскую Федерацию (см. раздел Театр в статьях об автономных республиках РСФСР). В формировании национальных театров, начавшемся весьма интенсивно в советскую эпоху, огромное значение имело использование наследия русской классической драмы и произведений русских советских авторов.

  Тематический диапазон репертуара театров РСФСР неуклонно расширялся. Небывалое в мировом сценическом искусстве развитие получила в 30-е гг. тема созидательного труда, разносторонне раскрытая в пьесах В. В. Маяковского («Баня»), А. Н. Афиногенова, В. П. Катаева и др. Пьесы Н. Ф. Погодина («Поэма о топоре», «Мой друг») нашли особенно убедительное воплощение (имевшее значение для всего советского театра) в Московском театре Революции, в постановке Попова. Героическое звучание приобрели посвященные Гражданской войне пьесы В. В. Вишневского – «Первая конная» (1930, Московский театр Революции, режиссер А. Д. Дикий), «Оптимистическая трагедия» (1933, Камерный театр, режиссер Таиров). О социалистической перестройке деревни рассказывали «Хлеб» Киршона (1931, МХАТ), «После бала» Погодина (1934, Московский театр Революции). Формирование нового мировоззрения советской интеллигенции раскрывалось в спектаклях «Страх» Афиногенова (МХАТ и Ленинградский академический театр драмы, оба – в 1931), «Скутаревский» Леонова (1934, Малый театр). Бойцы и командиры Советской Армии стали героями спектаклей «Последний решительный» Вишневского (1931, Театр им. Мейерхольда), «Бойцы» Ромашова (1934, Малый театр), «Парень из нашего города» Симонова (1941, московский Театр им. Ленинского комсомола, режиссер И. Н. Берсенев).