Текст книги "Рассказы о русском музее"
Автор книги: Юрий Алянский
сообщить о нарушении
Текущая страница: 7 (всего у книги 9 страниц)
Путешествие семи Семионов
Жила-была женщина. Работала мастером на фабрике в Ленинграде.
Однажды, перебирая вещи в шкафу, женщина нашла старый-престарый подзор – кружевную кайму для простыни: в большом городе теперь редко такое увидишь. На этом подзоре, давно превратившемся в рваную тряпку, наивным узором вышиты были терема, кораблики, люди и птицы. Кто-то из знакомых надоумил женщину: снести подзор специалистам, может, он кому и понравится.
Хоть и неловко, казалось, предлагать такую старую и ветхую вещь, женщина отправилась со своей вышитой тряпицей в Русский музей. Ей посоветовали обратиться в Отдел народного искусства. Смущенно шла женщина со своим свертком мимо застекленных стеллажей, где рядами стояли старинные русские деревянные ковши, медные ларцы, головные уборы, игрушки.
Когда работники отдела развернули упакованный в газету сверток, перед ними на стол легла порванная во многих местах вышивка, распознать которую сразу было нелегко. Подзор следовало реставрировать. Лишь тогда удастся составить о нем окончательное представление.
– Откуда досталась вам эта вещь? – поинтересовались научные сотрудники отдела.
Откуда?
Не так-то легко было это припомнить. Много лет лежала она в дальнем углу шкафа – подзоры-то теперь не в моде. Вместе с хозяйкой «пережила» вышитая тряпица блокаду и войну. Была бы она деревянной – может, и сгорела бы в печке на пользу людям. А вышивка – на что могла она сгодиться в те страшные дни? Даже окна не занавесишь. О ней никто и не вспоминал.
А еще раньше, задолго до войны, прислала ее в подарок бабка. Жила бабка в Олонце, и внучка почти не виделась с ней: не ближний край! «Олонец – свету белому конец», – говорили тогда в Карелии.
Дальше история подзора и вовсе терялась.
Отдел народного искусства возник в 1937 году. За четверть века собирательской и научной работы здесь накоплено, систематизировано, изучено около 30 000 экспонатов, примерно десятая доля всех сокровищ музея.
Резьба и роспись по дереву, керамика, изделия из металла, ткани, резьба по кости сошлись сюда из четырех веков и десятков губерний.
Люди издавна стремились украсить свою жизнь и быт. Каждый предмет, что служил им повседневно, пусть бы и самого скромного назначения, должен был выглядеть красиво, радовать глаз. На оконных наличниках появилась резьба. Медные ларцы украсились чеканкой. На полотенцах огнем загорелись красные вышитые петухи. Историки утверждают, что однажды Петру I испекли пряник весом в пуд: какова же была та пряничная доска и как богат был ее резной узор!
Десятки пряничных досок хранятся в Отделе народного искусства. На них – декоративные узоры, иногда – тексты, даты, имена. Тут же, по соседству с орудиями кулинарного искусства, – ковши и солоницы, прялки и светильники, вятские игрушки и народные костюмы, деревянные коньки с крыш и целые фронтоны изб, сани и дуги, шкатулки из Палеха и хохломская роспись из города Семенова Горьковской области, кость из Холмогор и кружева из Вологды…
Теперь ко всем этим сокровищам прибавился подзор из Олонца – над ним склонился один из реставраторов Русского музея.
Техника вышивки не столько сложна, сколько кропотлива. На куске обыкновенного холста равномерно выдергивают нити – вдоль и поперек куска. Оставшиеся нити перевиваются. Сверху, на их основе, простыми белыми нитками вышивается узор.
Однако подзор, попавший в музей (его длина – 170 сантиметров, ширина – 48,5) заинтересовал специалистов несомненными художественными достоинствами. На нем вышит сложный сюжетный рисунок, выполненный с подлинным мастерством и выдумкой.
Теперь, когда подзор вычистили и отреставрировали, следовало установить его возраст и происхождение.
На помощь ученым пришел сравнительный сюжетно-стилевой анализ. В хранилище отдела имелись и другие подзоры. Они-то и помогли восстановить, разумеется, в самых общих чертах, «биографию» приобретенной вышитой тряпицы.
Сюжет вышивки был несомненно сказочным: где, как не в сказке, водятся птицы с женскими головами и морские чудовища с наполовину человеческим туловищем?! «Сказочные» вышивки делались обычно на Севере.
Подзор «Сказка о семи Семистах». Фрагмент
Пришлось обратиться к фольклору. Вскоре стало очевидно, что безвестная мастерица вышивала на подзоре сюжет по мотивам сказки о семи Семионах, родных братьях; ее можно найти в любом сборнике северных, да и вообще русских сказок.
Но самое удивительное заключалось в том, что возраст подзора оказался равным… двум векам! Олонецкая вышивальщица работала над этим куском холста во времена Ломоносова и Шубина! Впрочем, как говорят сотрудники Отдела народного искусства, приобретенный Русским музеем подзор равен какому-нибудь шубинскому портрету – в скульптуре или полотну Антропова – в живописи не только возрастом, не и красотой.
Длинное же путешествие совершили семь братьев Семионов, пока не обосновались навсегда в Русском музее!
Помните?
Жил-был старик со старухой, и было у них семь сынов, семь близнецов. Всех их назвали Семионами.
Каждый из Семионов владел какой-нибудь премудростью. Один был великий кузнец, другой – стрелок, каких не бывало, третий видел так далеко, что и вообразить невозможно, четвертый умел мастерить корабли, пятый – ловить на лету дичь, шестой – опускать корабль в подводное царство и возвращать его оттуда назад. А седьмой Семион был вором.
«Искусство» этого последнего Семиона особенно приглянулось царю Адору. Много лет пытался царь Адор высватать себе в жены царевну Елену Прекрасную, да никак не мог. Вот и поручил Семиону-вору похитить невесту и доставить к нему во дворец.
Братья смастерили корабль и отправились по морю в путь. Каждый из братьев показал на деле свое умение. Так была добыта Елена Прекрасная.
Язык сказки не переводится «дословно» на язык художественной вышивки. И все-таки на подзоре нетрудно узнать приключения Семионов. Вот старинные терема, где, стоя на стенах, стрелки целятся из луков: это отец Елены Прекрасной преследует похитителей своей дочери. Вот и корабль с телячьей головой, на палубе – Елена Прекрасная с одним из стерегущих ее братьев. А вот и подводное царство, куда другой Семион временно опустил корабль, чтобы избежать погони: здесь плавают чудища с трезубцами и рыбьими хвостами. В «небе» – волшебные птицы; может быть, это лебеди, в одного из которых обернулась Елена Прекрасная, чтобы вернуться домой? Ей это не помогло: Семион-стрелок и Семион-ловец дичи стоят на страже…
Вся композиция полна динамики, действие развивается напряженно и драматично. Олонецкая вышивальщица, трудясь над подзором, сама превратилась в народную сказительницу. И из рук ее вышло произведение, отмеченное свежестью, чистотой, мастерством.
* * *
И другое путешествие завершилось в стенах Русского музея.
Осенью 1963 года сюда прибыл автофургон. «Станция» назначения – Отдел народного искусства. Станция отправления – Балахна, старинный поволжский город. Из фургона выгрузили аккуратно уложенные доски.
Еще незадолго перед тем эти доски составляли фронтон, наличники, пилястры жилого дома. Теперь его облицовка переехала с берегов Волги в музей.
Чтобы отыскать этот дом и полюбоваться им, следовало совершить путешествие на Волгу. До Балахны можно доехать поездом. Волжские просторы, старинные церкви настраивают здесь путешественника на особый, задумчивый лад. Тут же, рядом – крупнейший в стране бумажный комбинат. История и современность порой причудливо переплетаются, не мешая, а обогащая одна другую.
На противоположном, левом берегу Волги – широкая пойма, за ней высокий берег. Туда можно перебраться на катере или пароме. В полутора километрах от берега и расположено село Николо-Погост (сейчас оно входит в Городецкий район Горьковской области). Здесь – тоже старинная церквушка, ей минуло более двух веков. На одной из улиц села и стоял этот красивый, весь испещренный резьбой дом, – дом Мохова.
Дмитрий Мохов был одним из многих волжских баржевкков – владел несколькими баржами и гонял их в поволжские города с различными товарами. В 1866 году – почти сто лет назад – построил Мохов избу, поручив местным мастерам-резчикам разукрасить ее побогаче. Это дело Мохов полностью доверил мастерам, положившись на их вкус и опыт.
Тогда-то и возникло в Николо-Погосте замечательное комплексное произведение народного искусства.
Фрагмент резьбы «дома Мохова»
Архитектурная резьба по дереву – одно из «генеральных» направлений русского народного искусства. В Русском музее ей отведено почетное место. Север и Волга хранят иного ее выдающихся образцов. В Горьковской области художественная резьба украшает избы, фасады домов, ворота надворных построек. Сельские художники-резчики, порой до сих пор безвестные, с помощью набора долот и стамесок создавали богатые барельефные изображения. Чаще всего причудливые, фантастические растения «обвивали» снизу доверху фронтоны изб. Мастерство деревенских архитекторов и художников-резчиков совершенствовалось десятилетиями, веками. Художественные традиции, приемы, понятия о прекрасном расцвели здесь на животворной почве народного творчества. Дом Мохова оказался одним из самых интересных среди изб, украшенных резьбой. Его обнаружил М. П. Званцев, горьковчанин, специалист по местному народному искусству. А вскоре знаменитому дому довелось «позировать» и перед объективом киноаппарата: московский искусствовед И. В. Маковецкий снял фильм о народном искусстве Заволжья.
В резьбе дома Мохова почти нет сюжетных повторений. Рисунки на карнизах и наличниках – разные. К тому же, кроме обычных «растительных» сюжетов, мы видим здесь фигуры людей, львов, птиц и рыб. Почти все «герои» изображения – мужчины и женщины – держат в вытянутой вверх руке стебли орнаментальной ветви. Человеческие фигуры вырезаны с удивительным мастерством, они виртуозно вписаны в пространство доски, где, казалось бы, не очень-то развернешься.
Своими пропорциями, гармоничностью узора резьба дома Мохова может соперничать с россиевскими орнаментами, хотя перед нами не дворец, а простая изба!
Дом Мохова оказался целым художественным комплексом. Обычно резьба украшает только карниз избы или наличники окон, дверь или крыльцо. Здесь же резьба красуется со всех сторон, на всех досках, покрывающих сруб. Потому-то и возникло решение приобрести дом Мохова для Русского музея. В зале продолжится радостное шествие его резных героев. Здесь отметит дом Мохова и свой столетний юбилей.
Еще много лет будет эта изба, вновь восстановленная на дворцовом паркете, радовать глаз драгоценной резьбой, производя чарующее впечатление изумительных деревянных кружев, сплетенных могучей, волшебной рукой…
* * *
Если составить карту географических районов, откуда стекались в Русский музей его экспонаты, – она захватила бы Европу и Азию. Иконы явились пришельцами из Новгорода, близкого от Ленинграда, если мерить километрами, и такого далекого, если измерять годами: речь ведь идет о древнем Новгороде! Гусар Давыдов на полотне Кипренского – «москвич». «Последний день Помпеи» был написан Брюлловым в Италии. Портрет сыновей Серова – в финской деревушке Ино. Марины Айвазовского родились в Феодосии, на берегу Черного моря. На Севере родились многие произведения русского народного искусства; места их рождений – Олонец, Архангельск, Вологда. С берегов Волги прибыл дом Мохова.
А одна очень веселая компания пестрых и смешных экспонатов приехала в музей из слободы Дымково. Впрочем, Дымково из вятской слободы давно уже превратилось в пригород современного города Кирова.
Их привезла из Кирова в Ленинград, в музей, Екатерина Иосифовна Косс-Деньшина, художница, отдавшая своим любимцам много творческого труда, выдумки, фантазии, сердечного тепла. Да и как могло обойтись тут без сердца, если речь идет об игрушке?
Вятские глиняные игрушки знакомы всем, их любят не только в нашей стране, но, пожалуй, во всех частях света. Яркие посланцы вятичей горделиво красуются на многих международных выставках, смело представляя русскую народную культуру, вкус, юмор. Сделанные из простой глины, вятские игрушки способны угодить самому взыскательному ценителю.
Родились эти пестрые фигурки в глухое время и в глухом краю, более ста лет назад, в курной избе, в быту которой недоставало веселья. Эти маленькие персонажи изображали деревенскую бабу или городского гуляющего кавалера, провинциальную красотку или усатого офицера. Кстати, вятские игрушки – ровесники федотовского «майора». Продувные, бесшабашные офицерики повторялись дымковскими игрушечных дел мастерами.
Игрушка сродни сказке. И к компании вятских глиняных фигурок присоединились животные, прежде всего – помощник крестьянина – конь. Потом пошли звери поудивительнее. И так же, как причудливо смешивались моды в нарядах потешных модников и щеголих, так смешивались порой внешние признаки реальной фауны. Но это лишь усиливало выразительность глиняного зверинца.
Игрушки дымковских мастеров
Технология производства вятских игрушек – незатейлива; фигурка вручную лепится из глины, белится в молочном растворе мела, высушивается и раскрашивается. Краски берутся самые яркие: малиновые, зеленые, желтые, синие, сусальное золото, Тут уж не бывает полутонов, тонких красочных переходов, глухого колорита.
После революции дымковским промыслом увлекся вятский художник А. Деньшин. Он возглавил работу неграмотных народных мастеров, С приходом Деньшина вятская игрушка стала наряднее, богаче, сложнее. Все эти годы жена художника, Косс-Деньшина, продолжала совершенствовать игрушку. Веселые яркие экспонаты, появившиеся в витрине Русского музея, – плод вдумчивых усилий современных мастеров.
В Отделе народного искусства хранится такое количество игрушек, что их хватило бы на добрую половину ленинградских детских садов, к тому же игрушки тут на все вкусы: глиняные, деревянные, сделанные из папье-маше, из шишек и соломы, бирюльки из кости. Но те, что приехали в музей из Кирова, наверное, – самые яркие и нарядные.
Они сделаны умелыми руками дымковских мастериц: самой Е. И. Косс-Деньшиной, А. А. Мезривой и О. И. Пенкиной. Здесь – лихие всадники на конях и козлах, баба с ведрами и дама с собачкой, няня с двумя мальчишками и вожак с медведем; тянут свою упрямую репку «классические» дедка, бабка, внучка и Жучка; балалаечник беззаботно выплывает верхом на рыбе; мишка, не боясь уколоться, лезет на елку; лошадь с жеребенком грациозно замерла, повернув голову; олень стукнул оземь всеми четырьмя копытами…
Есть в витрине музея, отведенной вятичам, и нечто новое. Это – «прилепы», изразцы, которые сейчас составили параллельное скульптурным игрушкам направление творчества дымковцев. Вятская игрушка начинает завоевывать бастионы архитектуры: изразцы с изображениями тех же излюбленных персонажей дымковских мастеров могут использоваться в украшении любого интерьера дома, сельского клуба, кинотеатра, чайной.
Вятская игрушка – обитательница миллионов домов, она продается в любом магазине подарков, в киосках изделий народных ремесел, на ярмарках и сельских базарах. Она украшает и витрины Русского музея. Потому что она – искусство, любимое народом.
* * *
Перед вами развернулись в своей неповторимой красе некоторые экспонаты народного искусства, которыми музей гордится. Они помогают знакомству с богатыми коллекциями отдела, с работой его научных сотрудников. Труд их нелегок: предметы народного искусства не всегда попадают в музей в газетном свертке, как это случилось с подзором. Их приходится искать и находить в далеких уголках страны. Сотрудники отдела изучают и собирают произведения не десятков, не сотен, а сотен тысяч авторов.
Искусство народа рождается повсеместно и ежечасно. И сейчас, когда пишутся эти строки или когда вы читаете их, руки мастеров-виртуозов режут дерево, ткут нарядные ткани, точат кость, мнут глину, куют металл…
В 1896 году, за два года до открытия Русского музея, в Нижнем Новгороде состоялась очередная Всероссийская промышленная и художественная выставка. На ней, как уже известно читателю, мещане злобно освистали Врубеля и изгнали из художественного отдела два его декоративных панно. Не нашлось на выставке места и народному искусству, и это – в «столице» Поволжья, которое по праву могло считаться его заповедным краем!
Максим Горький писал на страницах газеты «Одесские новости», корреспондентом которой состоял: «Специального отдела кустарных производств России на выставке нет, да, кажется, и ни на одной из пятнадцати предшествовавших не было. А между тем наши кустари, право же, заслужили своего особого уголка. Как бы это было хорошо посмотреть на труд наших кустарей, сконцентрированных в одном здании, построенном теми же кустарями. Здание в стиле великорусской избы, с резными украшениями… – и в нем кустари всей страны – себеплеты-олонцы, кружевницы балахнинские, слесаря из Горбатова, игрушечники из Семенова, гармонщики-вятичи и все другие самобытники мастера, имя же им легион».
Мечта Горького обрела зримые черты в залах Русского музея. Здесь восстановлена резная изба из родных его нижегородских мест. А вокруг – разнообразные изделия не только кустарного промысла, но всех вообще видов народного искусства.
Украшая свою жизнь, создавая шедевры, мастера из народа обычно не думают о музее.
Зато в музее думают и мечтают о них, сберегают и показывают бессмертные создания народного гения.
В. Пророков. Рисунок из серии «Это не должно повториться», фрагмент
ПУЛЬС ВРЕМЕНИ
Музей – и пульс времени?
Музей – и острое ощущение современной жизни со всем ее многообразием, сложностью, движением вперед?
Да, именно так.
Русский музей живет напряженно – в научных экспедициях его сотрудников, в изучении старых картин, в сбережении их для потомков. Но, пожалуй, самым «подвижным», изменчивым, чутким к движению жизни является Отдел советского изобразительного искусства. Он расположен, как и Отдел народного искусства, в так называемом «флигеле Бенуа», подъезд которого выходит на канал Грибоедова.
Первые произведения советских живописцев и скульпторов появились в музее после 1927 года, когда страна отметила десятилетие Октября, когда молодое искусство молодой республики предъявило народу свои первые победы.
С тех пор экспозиция отдела менялась неоднократно. И это закономерно: искусство современных художников рождалось в борьбе, в гуще горячих событий, в дни народной радости и горя. Искусству наших дней некогда «отстаиваться»: оно должно, не старея, не ржавея, не теряя своей злободневной остроты, работать, вдохновлять, восхищать, вызывать у людей чувства любви и ненависти. И это прекрасно, что, молодое, не всегда еще проверенное временем, оно уже входило в залы величайшей сокровищницы национального гения. С острыми линиями и горячими красками нового искусства в залы музея входила Революция.
Современная экспозиция отдела открылась весной 1962 года. Несколько позднее в ней прибавились залы графики. Сейчас советскому искусству отведено почти столько же залов, сколько в 1898 году, в день вернисажа, – всем коллекциям музея. Около пятисот полотен, статуй, рисунков, гравюр представляют современность. Здесь бьется пульс времени, врезаются в память его приметы. Не все в экспозиции отдела равноценно. Но почти каждое произведение может рассказать людям будущего о наших горячих днях…
Создатели новой экспозиции стремились к тому, чтобы современное искусство стало здесь художественной летописью времени, живой художественной энциклопедией.
Картины, скульптура, графика расположены по монографическому принципу, так, чтобы показать, пусть немногими вещами, творчество каждого из представленных мастеров.
Даты создания произведений начинаются с года 1917-го. Этой датой, например, датирована картина И. Владимирова «Арест царских генералов»: молодые красногвардейцы весело улыбаются, подсаживая тучных генералов в свой грузовик… 1918 год представлен «Ледоходом» Г. Горелова (на этом небольшом полотне ледоход впервые в нашем искусстве стал образом больших общественных сдвигов) и революционно-романтическим «Степаном Разиным» Б. Кустодиева.
Будто страницы огромного альбома раскрываются перед посетителем в экспозиции советского отдела. В «альбом» вместились тревожная ночь гражданской войны – и портреты больших советских ученых, ненависть к фашистам – и любовь к человеку, залитая солнцем Армения и строгие, прекрасные контуры Ленинграда.
Пульс времени, поступь истории…
* * *
Однажды в Отделе советского искусства двое посетителей остановились перед работами Козьмы Сергеевича Петрова-Водкина. Молодая женщина переходила от одного полотна к другому. Мужчина, ее спутник, выполнял роль экскурсовода с несомненным знанием предмета. Люди эти, судя по всему, приехали в Ленинград издалека и пришли в Русский музей специально для того, чтобы посмотреть произведения советских мастеров.
Долго стояли они перед портретом девушки в лесу.
– Посмотри, у девушки немного утомленное лицо, – говорила молодая женщина своему спутнику. – Это, наверное, потому, что лес утомляет человека, опьяняет, если долго в нем находиться…
– А вот его знаменитая «Селедка», – показывал ее провожатый. – В свое время она произвела фурор смелостью и точностью видения вещей, какие вообще свойственны Петрову-Водкину. Помнишь его натюрморт «Черемуха в стакане»? Он тоже находится здесь, в музее.
Наконец, они подошли к картине «1919 год. Тревога».
– Это одна из лучших картин художника, – снова заговорил приезжий. – Посмотри, как цвет может выразить и определить тему вещи: красные, коричневатые, теплые тона простой комнаты рабочей семьи – и холодная, густая синева улицы, вечера за окном, огромного, еще не упорядоченного тревожного мира. Сама контрастность цветовых сочетаний создает у Петрова-Водкина тревожное настроение.
Я. Петров-Водкин. «1919 год. Тревога»
Это верно. Вечерняя тревога – она прозвучала в неурочном заводском гудке, или в дробном цокоте лошадиных копыт, или в выстрелах под окнами дома – передается каждому, кто остановится перед картиной. Тревога – не только в сумрачной синеве за окнами; она и в повороте головы женщины, жены рабочего, раздевающей дочку перед сном, и в выразительной спине ее мужа, который стоит у окна и старается разглядеть, что происходит на улице, и в скомканной «Красной газете» на табуретке, и в напряженной позе испуганной девочки-подростка…
Люди отходят от этой картины, благодарные художнику за его лаконичный рассказ, за его озабоченность судьбами людей, горячие симпатии к своим героям.
Петров-Водкин, человек, одаренный весьма разносторонне, кроме яркого и разнообразного художественного наследия оставил две написанные им книги. Обе – автобиографичны. Первая, «Хлыновск», повествует о детстве и юности художника, о его предках и родных, об окружавших мальчика людях. Книга написана сочным и острым языком, и с ее страниц выпукло встает глухая пора русской провинции, обычаи, нравы, характеры. Вторая книга художника – «Пространство Эвклида» – повесть о зрелости, о впечатлениях и встречах, о мастерстве живописца и предмете искусства. Обе книги уже давно стали библиографической редкостью. Но они многое объясняют тому, кто отойдет от картин Петрова-Водкина заинтересованным, увлеченным…
* * *
Когда в 1929 году к Михаилу Васильевичу Нестерову обратились с предложением написать портрет академика И. П. Павлова, выдающийся русский советский художник, мастер портрета, ответил, что он – «не портретист» и не считает себя вправе браться «не за свое дело».
В действительности же отказ Нестерова имел глубокие причины. Художник не был тогда лично знаком с Павловым, а по фотографиям и портретам, сделанным другими, не увидел в лице ученого тех «признаков чрезвычайных, манящих, волнующих», без которых для него не существовало искусства, лишь они могли воспламенить вдохновение Нестерова. Ремесленническая же, «заказная» работа художнику претила. Нестеров вспоминал лица Льва Толстого и Менделеева, воплощенные им на полотне, и невольно делал невыгодные для Павлова сравнения.
Но вот их познакомили. О том, как это произошло и к чему привело, великолепно рассказал в своих воспоминаниях сам Михаил Васильевич Нестеров:
«Не успел я осмотреться, сказать несколько слов, ответить на приветствие супруги Ивана Петровича, как совершенно неожиданно, с какой-то стремительностью, прихрамывая на одну ногу и громко говоря, появился откуда-то из-за угла, из-за рояля сам „легендарный человек“. Всего, чего угодно, а такого „выхода“ я не ожидал. Поздоровались, и я вдруг почувствовал, что с этим необычайным человеком я век был знаком. Целый вихрь слов, жестов неслись, опережая друг друга. Более яркой особы я и представить себе не мог. Я был сразу им покорен, покорен навсегда. Иван Петрович ни капельки не был похож на те „официальные“ снимки, что я видел, и писание портрета тут же мысленно было решено. Иван Петрович был донельзя самобытен, непосредствен. Этот старик 81 года был „сам по себе“, и это было настолько чарующе, что я позабыл о том, что я не портретист, во мне исчез страх перед неудачей, проснулся художник, заглушивший все, осталась лишь неутолимая жажда написать этого дивного старика».
Вот почему в павловских портретах Нестерова, в частности в его портрете Ивана Петровича, написанном в 1930 году и хранящемся в Русском музее, столько внутреннего, эмоционального, духовного начала. Вот почему, глядя на портрет, узнаешь об огромной симпатии, какую художник испытывал к своей «модели». Вот почему внешнее сходство – не конец, а лишь начало, отправная точка творчества Нестерова-портретиста. И вот почему Павлов на его портрете так по-человечески обаятелен.
М. Нестеров. Портрет И. П. Павлова
Он сидит на веранде своего домика в Колтушах за книгой. Может быть, это любимые им Пушкин или Шекспир. Может быть, ученый труд зарубежного физиолога, «коллеги», «опровергающего» павловское учение, – таких было тогда немало. Глаза Павлова будто источают активную целеустремленность, накал мысли.
Перед нами – мыслитель-боец.
Репин, работал в свое время над портретом Павлова, ассоциировал ученого с Сократом. На портрете Нестерова – не философ-идеалист, а человек, в чертах которого откровенно видна напряженность сегодняшней, сиюминутной борьбы, увлеченность, азарт, павловский неугомонный нрав. Портрет работы Нестерова – не отвлеченное изображение ученого, а показ его интеллектуального, творческого горения.
Подписью к портрету могли бы послужить мудрые слова самого Павлова: «Большого напряжения и великой страсти требует наука от человека».
Заслуга художника Михаила Васильевича Нестерова и заключается в том, что это напряжение, эта страсть ясно видны на портрете.
* * *
Через несколько лет после создания нестеровского портрета Павлова другой старейший советский художник задумал воплотить образ другого русского гения, правда, давно ушедшего. К работе над портретом Достоевского приступил скульптор Сергей Тимофеевич Коненков, ныне Герой Социалистического Труда, лауреат Ленинской премии.
Известна фотография 1858 года, сделанная семипалатинским фотографом. На ней запечатлен рядовой Сибирского 7-го линейного батальона Достоевский.
Писателю Федору Михайловичу Достоевскому было тогда тридцать семь лет – возраст расцвета, пора наивысших творческих возможностей. Но в неловкой позе перед фотоаппаратом сидит солдат. Он выглядит старше своих лет. На лысеющей голове приглажены негустые волосы, усталый взгляд устремлен куда-то в сторону.
Руки Достоевского сложены крест-накрест на коленях, большие натруженные руки солдата, знающие тяжесть лопаты и ружья. Эти руки узнали холод и унизительный плен кандалов, когда Достоевского, приговоренного царским судом к смертной казни, вели на расстрел, чтобы за несколько секунд до залпа объявить о царской «милости» – замене казни сибирской ссылкой…
В одном из залов Отдела советского искусства вы найдете портрет Достоевского, сделанный скульптором Коненковым.
Писатель изображен на склоне лет. В лице – трагические следы пережитых тревог. Высокий лоб хранит печать душевных бурь. Это – психологический портрет, в котором прежде всего выявлено настроение, внутреннее состояние человека.
Особенно выразительны руки. Они лежат в знакомом по фотографии жесте, вытянутые вперед, одна на другой, усталые, крупные руки мыслителя, землекопа, солдата, писателя.
Эти руки освобождены от кандалов, оставили лопату и ружье. Но им достался груз ничуть не легче – перо и бумага, которым предстояло донести до нас страдания обездоленных, смятенных, страстно ищущих выхода людей, героев Достоевского. Тяжко было этим рукам, когда они тянулись к униженным и оскорбленным, чтобы коснуться головы рыдающей Нелли, или швыряли в огонь камина сто тысяч, проклятые деньги, погубившие своей страшной властью Настасью Филипповну.
Достоевский погружен в свои думы. Он сосредоточен. Он странствует в тревожном мире своих униженных жизнью героев.
А руки отдыхают. Надолго ли их покой? И какие новые мудрые или горькие слова выведет перо, когда они снова разомкнутся?
* * *
Историю страны, жизнь людей, цветение земли пересекла война. Великая Отечественная война.
Не было такого художника, кто не поставил бы свой карандаш, кисть, резец на службу обороне.
С. Коненков. Портрет Ф. М. Достоевского
«Я хочу, чтоб к штыку приравняли перо» – эти слова Маяковского приобретали новый смысл.
В рядах армии искусств страстно сражались с полчищами фашистов трое художников, неразлучно творящих вместе вот уже сорок лет: Кукрыниксы. За этим коллективным псевдонимом стоят народные художники СССР Михаил Васильевич Куприянов, Порфирий Никитич Крылов и Николай Александрович Соколов.
Миллионы зрителей знают Кукрыниксов прежде всего как мастеров политической сатиры, карикатуристов. Однако творческое наследие художников огромно по широте и разнообразию жанров: станковая живопись, иллюстрации к произведениям русских классиков и современных писателей, портреты героев страны, пейзажи, дружеские шаржи. В живописи Кукрыниксов большое место заняла тема борьбы с фашизмом. Широко известна их картина «Конец» (Третьяковская галерея), изображающая последние минуты гитлеровской ставки. Полотно Кукрыниксов «Великий Новгород» (другое название картины – «Бегство фашистов из Новгорода») экспонируется в зале Русского музея.
Видели вы, как вздымают руки поверженные на землю бронзовые статуи?
Видели, как снова гибнут поэты и герои, уже нашедшие бессмертие на пьедестале?
Взгляните на картину «Великий Новгород»…
Кукрыниксы. Бегство фашистов из Новгорода
Памятники старины, гордость, любовь, память народа, превращены в руины. Дома разрушены. Население угнано. У подножия древнего Софийского собора мечутся фашисты. Они очень смахивают на волков: воровато, пригнувшись, трусят по черному снегу, один – с канистрой, наполненной бензином для поджога, другой – с факелом. Это – бешеные волки. Они не боятся огня, они сеют его сами. Они нападают не от голода, а от тупого, скотского желания уничтожать. И все-таки они бегут, бегут, пригнувшись в страхе и спешке. Бегут, потому что горячее факелов горит под их ногами земли.
