Текст книги " Великие композиторы "
Автор книги: Автор Неизвестен
Соавторы: Ольга Ушакова
сообщить о нарушении
Текущая страница: 5 (всего у книги 5 страниц)
Чайковский окончил консерваторию с серебряной медалью (1865); к этому времени он уже распрощался со службой, и, когда открылась консерватория в Москве и ему предложили профессуру, он согласился без колебаний. Чайковский преподавал свободное сочинение, теорию музыки, инструментовку и гармонию, причём для занятий составил учебник гармонии – первый русский учебник такого рода.
В Москве были сделаны и первые шаги в сочинении музыки. Одобрения они не вызвали ни у публики, ни у критиков. Опера «Воевода», поставленная в 1869 г. в Москве, успеха не имела; фантастическая опера «Мандрагора» его самого разочаровала, и дальше «Хора насекомых» для неё он не продвинулся; оперу «Ундина» Чайковский закончил, но Дирекция императорских театров её не одоб-
рила, и композитор, крайне раздосадованный происходящим, партитуру оперы уничтожил.
Дальше дела пошли лучше. «Опричник» был поставлен в Петербурге в 1874 г., но особого восторга у публики не вызвал, зато «Кузнец Вакула» (позднее дополненный и переделанный в оперу «Черевички» – на сюжет Н. В. Гоголя «Ночь перед Рождеством») был удостоен первой премии Русского музыкального общества. Далее последовали «Евгений Онегин», «Орлеанская дева», «Мазепа», «Чародейка», «Пиковая дама», – трёхактная опера, созданная в рекордно короткий срок – 4,5 месяца, и одноактная светлая и солнечная «Иоланта».
Чайковский писал не только оперы. Своей мировой славой русский балет никому не обязан в большей степени, чем Чайковскому. Он стал первым композитором, заставившим зрителей не только смотреть, но и слушать балетный спектакль. Он создал 3 балета – «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик». Балетная музыка, которую делали просто удобной для танца, у Чайковского поражает глубиной содержания и богатой эмоциональной окраской.
Он создал свой мелодический язык, он мог передавать в музыке и тончайшие душевные переживания, и масштабность идеи. Все выразительные средства его музыки – мелодия, гармония, оркестровка, форма произведения – обладают огромной силой воздействия на слушателей.
В творчестве Чайковского представлены почти все музыкальные жанры, однако предпочтение он отдавал опере и симфонии, которую считал «исповедью души», «лиричнейшей из всех музыкальных форм». Он написал для оркестра 7 симфоний, среди них «Зимние грёзы», «Манфред», «Патетическая» и др., увертюру-фантазию «Ромео
и Джульетта», фантазии «Буря» и «Франческа да Римини», «Итальянское каприччио» и т. д. Чайковский сочинял музыку для инструментов с оркестром, камерную музыку, церковную и многое другое. Творческое наследие его огромно.
В 1878 г. Чайковский оставил консерваторию, чтобы иметь возможность свободно заниматься творчеством; он был обеспечен пенсией, а сочинения его издавались, ставились и исполнялись. Время от времени он выступал как дирижёр, руководя исполнением своих собственных произведений и в России, и за рубежом, где он пользовался огромным успехом – ведь в его музыке новая русская школа, восходящая к Глинке и Балакиреву, органично слилась с западноевропейской школой. Содержание музыки Чайковского универсально: оно охватывает жизнь и смерть, любовь и ненависть, природу, быт – и глубокие процессы духовной жизни (сомнение, отчаяние и т. п.).
Чайковский умер в 1893 г. в Петербурге, а музыка его и поныне с волнением слушается во всех оперных театрах и концертных залах мира.
ШОПЕН Фридерйк (1810—1849) – польский композитор и пианист. Он родился в деревне Желязова Воля, близ Варшавы. Его отец, родом из Франции, был гувернёром в доме графини, владелицы Желязовой Воли, а когда в Варшаве открылась гимназия, он получил там место учителя французского языка. Он и дома занимался французским с учениками, сыновьями польских аристократов. Детство Шопена проходило в «аристократической среде»: он близко познакомился со
многими из учеников отца, был вхож в лучшие польские дома и получил прекрасное светское образование.
Музыкальный талант открылся в нём рано. Играть на фортепьяно он начал с 7 лет, а в 11 уже пробовал сочинять музыку. Очень помог Шопену князь Радзивилл, благодаря материальной поддержке которого юноша сумел завершить свое музыкальное образование: он обучался под руководством Эльснера в Высшей музыкальной школе в Варшаве – и Эльснер писал о нём: «Необычайное дарование, музыкальный гений».
Успехи Шопена в игре на фортепьяно были столь велики, что его с восторгом принимали на благотворительных концертах, а в печати появились его сочинения; первые полонезы Шопена были изданы в 1827 г. В ранних его произведениях широко используются польские народные мелодии – Шопен пишет вальсы, мазурки, песни для фортепьяно. С огромным успехом прошли его концерты в Вене и Варшаве, где он исполнял свои произведения, выказав при этом удивительный импровизаторский талант.
В ноябре 1830 г. Шопен уезжает из Варшавы в гастрольную поездку – уезжает, чтобы не вернуться. После поражения знаменитого польского восстания 1830—1831 гг. он до конца жизни жил в эмиграции, в Париже, куда он прибыл осенью 1831 г.
Часто выступая в концертах, Шопен приобрёл большую известность, много учеников из аристократических семей, много друзей и почитателей. Он близко сошёлся с Листом, познакомился с Шуманом и Мендельсоном, встречался со многими представителями польской эмиграции, в том числе с Адамом Мицкевичем, и сочинял музыку. В 30—40-е годы были созданы самые его лучшие фортепьянные произведения, а главной их темой стала Родина.
Шопен выезжал в гастрольные поездки в Германию, Англию и Шотландию; зиму 1838—1839 гг. он провёл на острове Мальорка (Испания) и вернулся в Париж совсем больным. У него открылась чахотка.
Умер Шопен в октябре 1849 г. в Париже. Тело его было погребено на кладбище Пер-Лашез, рядом со знаменитыми музыкантами, а сердце композитора его сестра привезла в Варшаву – оно было замуровано в колонне костёла св. Креста. Так Шопен после смерти вернулся на родину.
ШОСТАКОВИЧ Дмитрий Дмитриевич (1906—1975) – русский композитор, пианист, педагог, музыкально-общественный деятель. Он родился в Петербурге, в интеллигентной семье. В его среде было принято обучать детей музыке – и первые же уроки показали, что у мальчика большое дарование. Он рос открытым, очень дружелюбным, жадным до знаний человеком; был смешлив и склонен к юмору.
В 1919 г. Шостакович поступил в Петроградскую консерваторию по классам фортепьяно и композиции. Когда юноше исполнилось 16 лет, умер отец; матери пришлось бороться с нуждой, но она старалась дать детям должное образование.
Дипломной работой Шостаковича стала 1-я симфония (1925), принёсшая ему международное признание. После этого он пробует себя в разных жанрах: 2-я (1927) и 3-я (1929) симфонии, опера «Нос» (по Н. В. Гоголю, 1930), балеты «Золотой век» (1930) и «Болт» (1931), фортепьянные сочинения. В этот период Шостакович знакомится с
произведениями Малера, пророческая музыка которого оказала на него большое влияние и определила дальнейший его путь как симфониста.
В 1932 г. композитор пишет оперу «Леди Макбет Мпен-ского уезда» («Катерина Измайлова», по Н. С. Лескову), в 1933 г. – фортепьянный концерт, а в 1935 г. в Ленинграде был поставлен его балет «Светлый ручей», полный веселья и задора. Однако и веселье, и задор под влиянием жизненных ударов скоро исчезли из произведений Шостаковича.
В январе 1936 г. в газете «Правда» – официальном партийном органе тех лет – была опубликована статья под названием «Сумбур вместо музыки», где в грубой до неприличия форме подверглась разгрому опера «Леди Макбет», до этого прошедшая с успехом в Оренбурге, Ленинграде и Москве. Для Шостаковича это стало ударом; с этого времени он отказался от жанров, связанных со словом (кроме заказных – ради заработка).
Ещё будучи молодым и малоопытным композитором, «он понял: за талант, за счастье творчества надо платить судьбе» (С. Хентова) – и он пишет симфонии, отражая в них своё видение жизни и места в ней человеку. Начало этому положено 4-й симфонией (1936), которую удалось исполнить только в 1962 г.
Во время Великой Отечественной войны – вначале в блокадном Ленинграде, а затем в Куйбышеве (ныне – Самара), куда был эвакуирован Шостакович, – он создал 7-ю, «Ленинградскую», симфонию, которая помогала изнемогающим от голода и холода людям собраться с силами для жизни. По свидетельству коллег-музыкантов, знаменитый «эпизод нашествия» из этой симфонии был сочинён ешё до войны, поэтому можно считать, что 7-я
симфония – протест не только против войны, но и против любого тоталитаризма.
В эвакуации Шостакович стал преподавать в консерватории; именно у него в классе оркестровки учился М. Ростропович, ставший не только учеником, но и настоящим его другом. Ученики Шостаковича называли его своим музыкальным отцом: он старался направить их к достойному творческому пути в житейских испытаниях и бурях.
В 1948 г. появляется партийное постановление «Об опере “Великая дружба" В. Мурадели» (см. сноску на с. 69), в котором осуждается творчество композиторов-новаторов и основной удар направлен на Шостаковича и Прокофьева. Это заставляет его на время отказаться от симфонического творчества; некоторые произведения Шостаковича попали в список запрещённых, и, чтобы отвести удар, он пишет кантату «Над Родиной нашей солнце сияет» и т. п., занимается музыкой к кинофильмам – для заработка. Стараясь, несмотря на тяжёлые обстоятельства, сохранить верность правде, композитор пишет «в стол»: он создаёт произведения о трагических событиях эпохи – 4-й квартет, 1-й концерт для скрипки с оркестром, «Из еврейской народной поэзии» и т. п., увидевшие свет только после 1953 г.
После смерти Сталина композитор вновь возвращается к музыке, связанной со словом. Появляются вокальные симфонии – 13-я (на стихи Е. Евтушенко, 1962), обличающая зло и утверждающая гуманистические идеалы, и 14-я (на стихи Ф. Гарсии Лорки, 1969), посвяшённая теме насильственной смерти.
Шостакович был удостоен многих правительственных наград – и Ленинской премии, и различных Государственных; он выезжал за границу в составе официальных делегаций и был членом Советского комитета защиты мира.
Всемирного комитета зашиты мира, почётным членом многих зарубежных академий искусств и почётным доктором многих университетов, – однако работал он дома за роялем, взятым напрокат (в день 60-летия композитор получил в подарок от Ростроповича рояль «Стейнвей»).
Все перипетии жизни Шостаковича не могли не сказаться на его здоровье. Он перенёс 2 инфаркта и скончался в Москве в 1975 г.
ШТРАУС Иоганн (сын) (1825-1899) -австрийский композитор, скрипач и дирижёр. Он родился в Вене. Его отец, тоже Иоганн, добился больших успехов на музыкальном поприще. Он организовал собственный оркестр, игравший под его управлением танцевальную музыку для богатых жителей Вены; музыку эту он сам сочинял, за что получил титул «короля вальсов».
Оркестр отца часто репетировал дома, и дети с интересом следили за происходящим. Особенно музыкой интересовался маленький Иоганн: он рано стал учиться игре на фортепьяно, пел в церковном хоре, и уже в 6 лет играл свои произведения – танцы, – хотя родители не хотели, чтоб он стал музыкантом.
Отец был для мальчика кумиром – и он мечтал превзойти его. Штраус поступил в Политехническое училище – но там только числился: на самом деле он втайне от родителей занимался музыкой и зарабатывал деньги, давая уроки фортепьянной игры (на эти деньги он учился играть на скрипке).
В 19 лет Иоганн собрал небольшой оркестр, и 15 октября 1844 г. состоялся его дебют в качестве капельмейстера и
композитора в казино, расположенном в предместье Вены. Это стало настоящей сенсацией. На следующий день газеты писали: «Добрый вечер, Штраус-отец. Доброе утро, Штраус-сын!»
Отец, которому было всего 40 лет, пришёл в ярость. Он воспользовался своими связями – и сын смог играть только в 2 небольших заведениях, в казино и в кафе. Для него наступили суровые будни, а он имел репутацию человека легкомысленного и расточительного.
Осенью 1849 г. Штраус-отец скоропостижно скончался, и эта печальная дата открыла сыну путь к вершине. Знаменитый оркестр отца избрал Штрауса-сына своим дирижёром, и в 1852 г. он уже играл при дворе императора.
В 1854 г. Штраус получил приглашение от русской железнодорожной компании, владевшей линией, которая связывала Санкт-Петербург с Царским Селом и Павловском, выступить со своим оркестром в Павловском вокзале и в парке, где располагались дворцы царя и великого князя Константина.
Музыкант согласился, и 18 мая 1856 г. начался его первый сезон в России. Публика была очарована его вальсами и польками; он создаёт вальс «Прощание с Петербургом» (1858).
Штраус становится всё более известным. Он пишет вальсы-шедевры – «На прекрасном голубом Дунае» (1867), который стал неофициальным гимном Вены, затем «Сказки Венского леса» (1868), «Вино, женщины и песни» (1869), «Радости жизни» (1870), «Венская кровь» (1873), «Весенние голоса» (1883) и др., а также польки-шедевры – «Анна», «Трик-Трак» и др.
Под влиянием Оффенбаха Штраус начал писать оперетты. В музыке его господствует танец – это прежде все-
го вальс, – а также чардаш, полька, галоп, мазурка, кадриль и др. Первая оперетта – «Индиго и сорок разбойников» – имела огромный успех, а третья – «Летучая мышь» (1874) – сделала своего создателя поистине бессмертным.
Теперь Штраус был признан во всём музыкальном мире – однако продолжал лихорадочно работать: он боялся, что Муза покинет его, и он ничего больше не сможет написать.
После оперетты «Ночь в Венеции» (1883) Штраус пишет своего великолепного «Цыганского барона» (1885). Его премьера состоялась накануне 60-летия композитора – и стала настоящим праздником, а 50-летие со дня первого выступления Штрауса-сына, 15 октября 1894 г., отмечалось всей Веной, и поздравления прислали Бисмарк, Верди, Леонкавалло и другие знаменитости.
Штраус умер от воспаления лёгких в Вене в 1899 г.; его похоронили на Центральном венском кладбище, рядом с могилой Брамса.
ШУМАН Роберт (1810—1856) – немецкий композитор, музыкальный критик. Он родился в Цвиккау (Саксония), в семье книгоиздателя. Мальчика рано потянуло к музыке, и в 7 лет его стали учить игре на фортепьяно, а с 13 лет он уже выступал как пианист. Родители не подозревали, что музыка скоро станет главным и единственным увлечением сына; они хотели видеть его юристом, и по окончании гимназии Шуман поступил на юридический факультет Лейпцигского университета (1828), а затем перешёл в университет Гейдельберга. Однако музыка постепенно вытесняла юридические науки.
Юноша познакомился с лучшим фортепьянным учителем Лейпцига, Фридрихом Виком, и стал брать у него уроки. Поставив перед собою цель сделаться пианистом-виртуозом, он занимался столь неумеренно, что повредил правую руку, и с карьерой пианиста пришлось распроститься.
Шуман переключился на изучение теории музыки и композиции; 1830-е гг. прошли под знаком создания фортепьянных произведений («Бабочки», «Карнавал» и др.), а в 1831 г. он впервые выступил как музыкальный критик.
Шуман стал одним из основателей музыкального журнала (1834) в Лейпциге и 10 лет был в нём главным редактором и автором; он стремился преобразовать жизнь с помощью искусства: его статьи, написанные с воодушевлением и со знанием дела, рассказывали о молодых талантах и бичевали посредственности.
В 1840 г. Шуман женился на Кларе Вик, дочери своего бывшего учителя, который хотел для неё – к тому времени великолепной пианистки – партии лучшей, чем малоизвестный композитор. Однако известность была не за горами.
В первый год после женитьбы Шуман с головой ушёл в семейную жизнь, создав множество прекрасных песен о любви. Затем он постепенно переходит к более крупным формам и в течение 1841 г. пишет 3 симфонии, а в 1842– 1843 гг. – 3 струнных квартета, ораторию и фортепьянные квинтет и квартет. Оратория «Рай и Пери» (на сюжет «восточного романа» Т. Мура «Лалла Рук»), исполненная в 1843 г. в Гевандхаузе, принесла автору настоящий успех.
С открытием Лейпцигской консерватории его пригласили вести классы композиции и чтения партитур, одна-
ко из-за нервной болезни Шуман вынужден был, по совету врачей, работу оставить.
Он сопровождал жену в гастрольной поездке в Россию, где и игра Клары Шуман, и сочинения самого Шумана вызвали всеобщий восторг, – а по возвращении поселился в Дрездене, где вновь принялся за композицию.
Его музыка, страстная и мужественная, воспевала красоту и силу высоких чувств, являя собой нескончаемый поток впечатлений и мыслей, тонких и изменчивых.
Шуман пишет романсы и баллады, музыку к драматической поэме «Манфред» Дж. Байрона (увертюра и 15 музыкальных номеров), оперу «Геновева» (на основе средневековой легенды), фортепьянные произведения и многое другое. С 1850 г. он жил в Дюссельдорфе, где выступал как дирижёр – однако недолго. Нервная болезнь прогрессировала: он постоянно слышал музыку и по ночам вскакивал с постели, чтобы записать услышанное. Странные комбинации звуков и галлюцинации доводили Шумана до изнеможения, и однажды в припадке безумия он бросился с моста в Рейн (1854). Лодочники вытащили его из воды. 2 года провёл он в лечебнице для душевнобольных и умер в 1856 г. в Энденихе, близ Бонна.
Клара Шуман пережила его на 40 лет; именно она подготовила к печати первое полное собрание сочинений своего мужа, великого композитора-романтика, чьё творчество оказало сильнейшее воздействие на музыкальное искусство 2-й половины XIX в., в том числе и на творчество многих русских композиторов.
Акт (лат. «действие») – одна из законченных частей, на которые делится сценическое произведение. Акты отделяются друг от друга антрактами и состоят из картин, сцен, эпизодов и т. п.
Ангажемент (фраиц. «приглашение») – приглашение артиста или театрального коллектива на определённый срок для участия в спектаклях, концертах и т. п.
Антракт (от франц. «между» и «действие») – перерыв между актами (действиями) спектакля.
Антрепренёр (франц. «предприниматель») – владелец или содержатель частного зрелищного предприятия (театра и т. п.).
Ария (итал. «воздух») – законченный музыкальный номер в опере, оратории или кантате, который исполняется одним певцом в сопровождении ор-KecTpav
Балет (от лат. «танцевать») – вид театрального искусства, где все танцуют под музыку, представляя танцем перипетии сюжета; состоит из одного или нескольких актов. Термин возник в конце XVI в. в Италии для обозначения танцевального эпизода в опере, а позднее балет стал самостоятельным видом искусства.
Водевиль (по названию долины в Нормандии, где в начале XV в. возник этот жанр) – пьеса лёгкого, комедийного характера, в которой диалоги чередуются с куплетами, романсами и танцами.
Вокал (от лат, «голосовой») – искусство пения.
Вокальная музыка – музыка для пения: песня, романс, кантата, оратория, опера й т. д.
Духовой оркестр – коллектив музыкантов, играющих на духовых (деревянных и медных или только медных) и ударных инструментах. В Египте, Персии, Греции, Индии существовал с древнейших времён и служил для сопровождения различных торжеств и военных действий; в Европе появился в XVII в.
Духовые инструменты – музыкальные инструменты, у которых источником звука служит колебание воздушного столба; к ним относятся флейты, кларнеты, гобои, грубы и т. д.
Дуэт (от лат. «два») – музыкальное произведение для 2 исполнителей, а также исполнение такого произведения.
Импровизация (от лат. «неожиданный») – самый древний тип музицирования: процесс сочинения музыки происходит во время её исполнения.
Инструментальная музыка – музыка, исполняемая на музыкальных инструментах, в противоположность вокальной (т. е. пению).
Инструментовка, или оркестровка – изложение музыки для исполнения её всеми музыкальными инструментами оркестра или камерно-инструментального ансамбля.
Камерная музыка – музыка для домашнего музицирования или для исполнения в небольшом помещении; сонаты, трио, квартеты, квинтеты, романсы и т. д. Термин вошёл в обиход в XVI—XVII вв. В противоположность оркестровой или хоровой музыке, камерная музыка предназначена для небольшого состава инструментов – от одного исполнителя-солиста до нескольких, объединяемых в ансамбле.
Камерный (от дат. «комната») – предназначенный для небольшого помещения или небольшого крута слушателей. К. ансамбль – группа исполнителей камерной музыки, а также произведение для нескольких исполнителей (инст-
рументалистов или вокалистов). К. оркестр – оркестр небольшого состава, ядром которого является ансамбль исполнителей на струнных инструментах.
Кантата (от итал. «петь») – произведение торжественного характера, состоящее из нескольких законченных номеров и исполняемое певцами-со-листами и/или хором в сопровождении оркестра. Появилась в XVII в.
Кантор (от лат. «певец») – в католической церкви – певчий; в протестантской – учитель и дирижёр хора, органист, нередко автор духовной музыки; в синагоге – главный певец хора.
Капелла (от лат. «часовня») – первоначально (VIII в.) состав духовных лиц при дворе (включая певчих) и место отправления церковной службы. С XV в. – церковный хор, в XVIII в. – инструментальный ансамбль (оркестр). А капелла – хоровое пение без инструментального сопровождения.
Капельмейстер (от нем. «хор, оркестр» и «руководитель») – в XVI—XVIII вв. руководитель вокальной или инструментальной капеллы, позднее – театрального, военного, симфонического оркестра. В настоящее время руководителя оркестра называют дирижером, а хора – хормейстером.
Квартет (от лат. «четвёртый») – музыкальное произведение для 4 исполнителей, а также ансамбль этих исполнителей.
Квинтет (от лат. «пятый») – музыкальное произведение для 5 исполнителей, а также ансамбль этих исполнителей.
Клавир (нем.) – общее название струнных клавишных инструментов: кла-викорд, клавесин (или чембало), фортепьяно.
Композиция (от лат. «составление, сочинение») – сочинение музыки и передача ее в виде законченного музыкального произведения, которое можно исполнять по нотной записи (в отличие от импровизации).
Концерт (итал. «согласие» от лат. «состязаюсь») – музыкальное произведение, основанное на контрасте 2 групп исполнителей; солирующих инструментов (или вокалистов) и всего оркестра или же солирующего инструмента (вокалиста) и оркестра. Так же называется и публичное исполнение музыки, обычно по заранее составленной программе; как форма общественного музицирования концерт был введён придворным музыкантом Дж. Банистером в Лондоне в 1672 г. для городских слушателей за входную плату.
Либретто (итал. «книжечка») – краткое изложение содержания оперы, оперетты или балета; словесный текст оперы или оперетты, а также литературный сценарий балетного спектакля.
Месса (от лат. «посылаю, отпускаю») – главный обряд суточного богослужебного цикла в католической церкви; аналогичен православной литургии. Текст мессы обычно поётся (иногда читается) под музыку. Одной из разновидностей мессы является реквием (заупокойная служба).
Музыка (греч. «искусство муз») – искусство, отражающее действительность в звуковых художественных образах.
Опера (от лат. «произведение, сочинение») – вид театрального искусства: музыкально-драм этическое произведение, где все поют и играют под музыку; состоит из одного или нескольких актов. Опера возникла в Италии на рубеже XVI—XVII вв. и вначале называлась «драма на музыке»; термин «опера» появился в середине XVII в.
Оперетта (итал. «маленькая опера») – вил театрального искусства: музыкальное произведение комедийного характера, где все поют и играют, танцуют и разговаривают. Оперетта возникла в 1850-е гт. во Франции.
Оратория (от лат. «говорю, молю») – крупное музыкальное сочинение для певцов-солистов, хора и оркестра; оно имеет драматический сюжет и исполняется на концерте. Оратория зародилась примерно в одно время с оперой и кантатой, и по масштабу она меньше оперы, но больше кантаты.
Оркестр (от греч. «площадка перед сценой») – коллектив музыкантов, играющих на различных инструментах и вместе исполняющих музыкальное произведение. Оркестры появились в начале XVII в., когда возникли такие жанры музыки, как опера, оратория, концерт.
Партитура (от лат. «распределяю») – нотная запись музыкального произведения для оркестра, хора, камерного ансамбля и т. п.; в ней сведены вместе партии всех отдельных голосов (инструментов).
Пианино (итал. «маленькое фортепьяно») – разновидность фортепьяно. Изобретено американцем Дж. И. Хокинсом (1800) и австрийцем М. Мюллером (1801) независимо друг от друга.
Пианист – музыкант, играющий на фортепьяно.
Полифония (от греч. «многочисленный» и «звук») – многоголосие.
Реквием (лат. «покой, отдых») – траурная заупокойная месса; музыкальное произведение траурного характера для хора и оркестра. Название происходит от начальных слов песнопения «Requiem aetemam dona eis, Domine» («Вечный покой даруй им. Господи»),
Речитатив (от лат. «читать вслух, рассказывать») – вокальная музыка, близкая к естественной речи.
Рояль (от франц. «королевский») – разновидность фортепьяно. Это слово впервые появилось в качестве эпитета в 1774 г., когда дрезденский мастер И. Вагнер создал инструмент большого размера под названием clavecin royale.
Симфоническая музыка – музыка для исполнения симфоническим оркестром: симфония, сюита, симфоническая поэма, рапсодия, увертюра, концерт.
Симфония (от греч. «созвучие») – ведущий жанр оркестровой музыки, сформировавшийся в середине XVIII в.; обычно состоит из 4 частей.
Тапёр (от франц. «хлопать, стучать») – музыкант (пианист, баянист, аккордеонист), играющий за плату на балах, в танцевальных залах, ресторанах и т. п.
Увертюра (от лат. «начало») – музыкальное вступление к опере, балету, оратории и т. п., а также самостоятельное сочинение для оркестра в одной части.
Фортепьяно (от итал. «громко» и «тихо») – собирательное название дтя струнных ударно-клавишных инструментов: роялей и пианино.
Хорисг – тот, кто поёт в хоре.
Издательский Дом «Литера» приглашает к сотрудничеству авторов Наши телефоны: (812) 560-8684, (812) 325-4741 E-mail: [email protected] http://www.litera.spb.ru
По вопросам реализации обращаться в Санкт-Петербурге: оптовый отдел (812) 441-3649 региональный отдел (812) 441-3650 E-mail: [email protected]
в Москве: (495) 641-2322 E-mail: [email protected]
Серия
«Словарик школьника»
9785944 552952
notes
1
В печально знаменитом постановлении ЦК ВКП(б) от 10 февраля 1948 г., осуждающем антинародное творчество ряда композиторов, упоминаются Прокофьев, Шостакович, Хачатурян и др., «в чьём творчестве особенно наглядно представлены формалистические извращения... чуждые советскому народу и его художественным вкусам».
Их музыка, как утверждает текст постановления, отрицает основные принципы классической музыки, проповедует дисгармонию как выражение «новаторства» и отказывается от мелодии в пользу «сумбурных, невропатических сочетаний, превращающих музыку в какофонию, в хаотическое нагромождение звуков. Эта музыка сильно отдаёт духом современной модернистской буржуазной музыки Европы и Америки, отображающей маразм буржуазной культуры, полное отрицание музыкального искусства, его тупик».
ЦК ВКП(б) постановило: музыку эту осудить, недостатки ликвидировать и «призвать советских композиторов проникнуться сознанием высоких запросов, которые предъявляет советский народ к музыкальному творчеству».
