Текст книги "Литературная Газета 6278 ( № 23 2010)"
Автор книги: Литературка Газета
Жанр:
Публицистика
сообщить о нарушении
Текущая страница: 7 (всего у книги 15 страниц)
Похожий на льва…
Театральная площадь
Похожий на льва…
ЗАНАВЕС!
Возвращение режиссёра на родную сцену
Один из первых спектаклей художественного руководителя Кировского областного драматического театра им. С.М. Кирова, заслуженного деятеля искусств России, лауреата Государственной премии России Евгения СТЕПАНЦЕВА был поставлен им на кировской сцене в 1974 году почти сразу по окончании ГИТИСа. Это спектакль «Похожий на льва» по пьесе Рустама Ибрагимбекова.
«Похожий на льва»… Не скрою, эти слова порой у меня ассоциировались с самим Степанцевым. Ещё бы – перспективный ученик самой Марии Кнебель, да и как человек – с самого начала творческой деятельности штучный. Наделённый своей духовной и творческой конституцией, он много обещал, многое из задуманного осуществил практически, но вдруг на некоторое время был оторван от профессии.
Но похожий на льва, казалось бы, бестелесный его призрак обрёл плоть и кровь. При этом он обозначился не как «усталый и старый» герой, но как реальный и полный сил лев, того – с одной стороны, фантасмагорического, а с другой стороны, реального – мира, который мы зовём театром. Евгений Степанцев вернулся на круги своя целительно преображённым как физически, так и творчески. Что-то случилось? Да, он смог то, что не каждому под силу. Индийская мудрость гласит: «Сумей себя преодолеть, чтоб стать самим собой». Он смог!
Первый его спектакль на кировской сцене после вынужденного творческого простоя посвящён 65-летию Великой Победы.
Творческая смелость Степанцева в «Соловьиной ночи» по пьесе В. Ежова в том, что он как постановщик выступает с открытым творческим забралом. В наше смутное для театра в его классическом понимании время, когда стало модным удивлять зрителя от противного, ставя порой в сценическом воплощении материала всё с ног на голову, Степанцев избирает путь ясности, прямоты и определённости в трактовке происходящих событий. Драматургический материал даёт для этого благодатную основу. Война эта для русского народа была Великая Отечественная и освободительная.
Жертвенность, гуманизм русского народа, его неизбывную доброту режиссёр реализует и высвечивает в драматургическом материале как черты русского национального характера. Он считает, что национальная идея жизнеспособна в русских корнях и общая задача тех, кто готов отстаивать Россию, – помешать их выкорчёвке.
История встречи героев спектакля – юной немки и молодого русского солдата – это росток взаимной любви, пытающийся пробиться через устлавшее не только землю, но и зомбирующее сознание человека пожарище войны. Это сама жизнь, которая властно требует права на продолжение.
В осуществлённом спектакле присутствует заложенная в него постановщиком магия притяжения, которая равным образом покоряет и убелённых сединами ветеранов, и подростковое наше поколение. Удивительное и редкое в театре на сегодняшний день единство восприятия: потрясающее и радующее явление! Секрет – в чистоте помыслов как постановщика спектакля, так и его исполнителей. Целомудрие, с которым решается история любви Инги в исполнении Анны Тильк и Петра Бородина – Иван Шевелев, и есть ключ к пониманию особого воздействия этого спектакля на души человеческие.
В кульминационный момент, когда перед нами раскрываются чувства, которые молодые люди испытывают по отношению друг к другу, завораживает гипнотическая пластика движений этой пары. Кажется, что, как в замедленной киносъёмке, эти двое готовы оторваться от земли и воспарить… Чуткую тишину в этом деликатном месте как во время спектакля для ветеранов, так и для школьников можно считать общей минутой откровения для тех и для других.
Интереснейшие живые характеры создают не только исполнители главных ролей Анна Тильк и Иван Шевелев, но в итоге все актёры, занятые в спектакле. Каждый из них ведал, что творил, а потому получился слаженный актёрский ансамбль. Атмосфера спектакля – эффект на наших глазах протекающей жизни, складывающейся из мелочей, нюансов, особых примет своеобычности, присущих семье или заменяющему её большому коллективу. Чему способствуют также выверенные работы художника-постановщика А. Караульного, музыкальное оформление А. Афанасьева, художника по свету Л. Еремеевой, балетмейстера С. Кулдышевой.
Лидия СМИРНОВА, КИРОВ
Прокомментировать>>>
Общая оценка: Оценить: 0,0 Проголосовало: 0 чел. 12345
Комментарии:
Обратная сторона русского характера
Театральная площадь
Обратная сторона русского характера
ЮБИЛЯЦИЯ
18 июня исполняется 75 лет художественному руководителю Государственного академического Малого театра народному артисту СССР Юрию СОЛОМИНУ.
Река в половодье, и без того широкая, а тут и вовсе вырвавшаяся из берегов, несущаяся во весь опор и сметающая всё на своём пути… Как часто русский характер сравнивают с нею. Но сойдёт бурная вода, и та же река, не утратив ни капли своего величия, обретает спокойную мощь созидания. Вот эта, видимая не всем и не всегда, сторона и отражается во всех без исключения персонажах Юрия Соломина, сыгранных им и в театре, и в кино, и на телевидении. Даже когда играет он человека иной национальности, того же Жана-Батиста Поклена, к примеру, артист всё равно обращается через эту иную ментальность к русской душе, заставляя вибрировать её потаённые струны.
Накал страстей, помноженный на холодную логику разума, – примерно так могла бы выглядеть «формула» творческого метода Соломина, если бы кто-то взялся её вывести. Ибо самой, пожалуй, яркой стороной его дарования является редко встречающееся по нынешним временам умение с лазерной точностью сплавлять в единое пространство «вершины» и «низины» конкретного человеческого характера, которые, собственно, и создают неповторимый ландшафт личности. Герои его героичны на удивление безпафосно, сдержанно, интеллигентно. Даже в тех персонажах, коих к числу героических вроде никак причислить нельзя (ну, скажем, Тригорина), он умудряется вывести на свет божий ту скрытую от посторонних глаз внутреннюю борьбу «верхнего» и «нижнего», которая как раз и требует от человека усилий, называемых героическими.
Вопрос уровня «как ему это удаётся» можно, конечно, отнести к разряду риторических. Но если всё-таки заняться поисками ответа, то, вероятнее всего, обнаружится он в сфере взаимоотношений актёра с окружающим миром. Ключом же к ответу можно считать одну из лучших ролей Соломина – царя Фёдора Иоанновича: душа, неотвратимо увязающая в мерзостях мира, всё равно устремляется к благости.
Соломину удаётся сохранять в себе открытость к миру. Ту непосредственность, которую принято почему-то именовать детской, но которая, по сути, и есть одно из высших проявлений жизненной мудрости.
«Литературная газета» присоединяется к многочисленным поздравлениям и от всей души желает юбиляру долгих лет жизни и новых интересных ролей.
Прокомментировать>>>
Общая оценка: Оценить: 0,0 Проголосовало: 0 чел. 12345
Комментарии:
В гости к Шаховскому
Театральная площадь
В гости к Шаховскому
ПРОВИНЦИЯ
Самой популярной одеждой в последние дни мая в небольшом райцентре – селе Глинка Смоленской области – были фраки и бальные платья. Именно здесь, в нескольких километрах от родного имения князя Александра Александровича Шаховского, села Беззаботы, проходит областной литературно-музыкальный праздник, посвящённый жизни и творчеству основоположника русской классической комедии.
Вот уже третий раз подряд на Глинковской земле собираются любители театра и все, кому интересно творчество знаменитого земляка. Зрителю, искушённому в постановках именитых столичных коллективов, вряд ли покажется интересным скромный сельский театральный праздник, но всё большое, как известно, рождается в глубинке. В первый год проведения праздника «В гостях у Шаховского» витала идея об организации на Глинковской земле театрального фестиваля. Похоже, мечты начинают сбываться. Нынешний праздник более всего напоминал театральный фестиваль. В этом году на сцене Глинковского культурно-просветительного центра встретились сразу три театральных коллектива: студия «Наследники Шаховского» Глинковского центра, студия «Сатирикон» Васинского сельского дома культуры Дорогобужского района и театральный коллектив «Отцы и дети» из города Ельни.
Глинковцы «давали Шаховского». Какие замечательные образы, созданные пером нашего земляка, прошли перед зрителями. Как интересно, как забавно сегодня наблюдать за героями «Нового Стерна». Как смешон Барин, волочащийся за молоденькой крестьянкой Меланьей. Как живо представляются сценки дворянской жизни, разыгравшиеся на знаменитом курорте. «Урок кокеткам, или Липецкие воды», поставь их сегодня какой-нибудь известный театральный коллектив, несомненно, привлекли бы зрителя. А потом все с интересом следили за событиями, происходившими с героями пьесы «Не любо – не слушай, а лгать – не мешай». Очень убедительно выглядел проигравшийся кутила и враль Зарницкин, сколько достоинства было в дворянине Мезецком, как великолепна княгиня Лидина. А как ярок и органичен был шут Митяй. Сколько дельного и правильного звучало из его уст. Удивительно, но во фраках и бальных платьях наши современники чувствовали себя вполне уверенно. А какие мысли об Отечестве, достоинстве и чести звучали в этот день со сцены.
Трудно согласиться с выводами литературоведов, причислявших князя Шаховского к писателям второго плана. «Всякий кладёт свой камень при построении здания народной литературы; велики или малы эти камни, скрываются ли внутри стен, погребены ли в подземных сводах, красуются ли на гордом куполе – всё равно, труды всех почтенны и достойны благодарных воспоминаний», – писал когда-то Аксаков. Сегодня можно смело сказать, что с Шаховского всё начиналось, и продолжением стал тот театр, который есть у нас сегодня.
Из времён князя Шаховского в мир современных театральных постановок зрителям помогли переместиться гости праздника, прибывшие из соседних районов. Настоящим сюрпризом для зрителей стало выступление театральной студии «Сатирикон» из Дорогобужского района. Этот коллектив создан на базе обычного сельского Дома культуры. А играют в спектаклях обычные деревенские жители, многие приходят в студию целыми семьями. Васинцы подкупают искренностью, задором, своим особым куражом. В Глинку они привезли отрывки из спектаклей Леонида Филатова «Про Федота-стрельца, удалого молодца» и «Три апельсина». Жаль, что не передать посредством бумаги, каким обаятельным и забавным был царь, как по-своему мила Царевна, как смешна служанка Смеральда. Васинских актёров зрители провожали дружными аплодисментами и криками «Браво!».
Театральный коллектив «Отцы и дети» на суд зрителей представил современную постановку «Самозванец». Главной темой спектакля стала проблема, заложенная в названии самого коллектива, – взаимоотношения отцов и детей. Вот вам непростой мир подростка: с проблемами в школе, с первой любовью, с непониманием со стороны родителей… Самодеятельные актёры живо и очень точно сыграли все нюансы чувств и переживаний своих героев.
Каждый из коллективов вложил в свои сценические постановки старание, терпение и огромное желание понравиться зрителям. Посмотрев постановки, привезённые на третий областной литературно-музыкальный праздник, посвящённый творчеству А.А. Шаховского, трудно было не заразиться добрым настроением и настоящей любовью к Его Величеству – Театру.
Ирина БУДАЧЕНКОВА, с. ГЛИНКА, Смоленская область
Прокомментировать>>>
Общая оценка: Оценить: 0,0 Проголосовало: 0 чел. 12345
Комментарии:
Счастливая Маргарита
Театральная площадь
Счастливая Маргарита
ПЕРСОНА
Старейшая актриса МХАТ им. Горького Маргарита ЮРЬЕВА служит родному театру 65 лет. О самом важном из прожитого и пережитого за эти годы она рассказала читателям «ЛГ».
– Маргарита Валентиновна, что для вас главное в служении театру?
– Я пришла в Школу-студию не зная, что такое Художественный театр. Только здесь я начала познавать его историю, традиции, принципы, этику театральных отношений, на примере великих актёров усвоила, что означает «верность служения». Судьба привела меня в стены театра, когда страна истекала кровью, и мы, студенты, горели желанием хоть чем-то помочь фронту. Нам указали путь – в госпитали, где нужно, просто необходимо было высокое русское слово, великая литература. И я приходила туда, когда только было возможно, и читала. Читала Лермонтова, Блока и Пушкина, Толстого и Диккенса… Я отдавалась этому безраздельно, так мне хотелось помочь раненым переносить их страдания. По окончании Школы-студии меня приняли в Художественный театр, и с тех пор я принадлежу ему вся без остатка и считаю, что лучше моего театра нет ничего в мире. Станиславский и Немирович-Данченко создали театр переживания, и, чтобы научиться играть в таком театре, нужно отдаваться роли полностью. Только тогда можно создать образ по-настоящему живого человека. Мне выпала честь играть с артистами, которые жили на сцене и умели увлекать зрителя настолько, что он переживал судьбы героев вместе с ними. Только такой театр я признаю, только такому театру готова служить до последнего дыхания.
– Чем вам запомнились годы ученичества?
– Когда я училась в Школе-студии, её возглавлял ученик Станиславского и Немировича-Данченко – Сахновский. К нам приходили на занятия В.И. Качалов и А.К. Тарасова. Качалову нравилось, как я читала Блока, особенно «О доблести, о подвигах, о славе…», он даже приглашал меня к себе домой: «Ну вот, давай дружить, старый да малый, будем заниматься. Его женой была наш режиссёр Н.Н. Литовцева. Она ставила у нас в студии спектакль «Мария Стюарт», и я очень стеснялась лишний раз позвонить им. Но Василий Иванович неизменно напоминал мне, чтобы я приходила. Есть фотография, на которой запечатлели, как я читаю стихи, а Василий Иванович слушает.
– А первая роль?
– Эдит в «Домби и сыне» давалась трудно, и мне очень помог войти в спектакль А.П. Кторов, мой партнёр. Вообще старшее поколение мхатовских актёров было необычайно щедрым по отношению к молодёжи, они бережно и терпеливо работали с нами, и я стараюсь во всём следовать их примеру. Они относились к театру, как к любимой семье, и для меня всю жизнь театр был именно таким, что бы с ним ни происходило. В Эдит мне нравилось, что она любила свою падчерицу. Это поднимало её в моих глазах, я собирала все силы, чтобы зритель поверил, что люблю всей душой. Театр, сцена должны нести зрителю жажду любви, воспитывать чувство прекрасного. Если говорить о школе актёра, то, наверное, самое сильное впечатление на нас, начинающих, производило то, как работают, готовя роли, большие актёры.
– Вы были одной из любимых учениц Аллы Константиновны Тарасовой.
– Она относилась ко мне с огромной отдачей и теплотой. Именно Алла Константиновна приняла решение ввести меня в спектакль «Анна Каренина». Она говорила: «Вот, я тебе показываю, но мы с тобой такие разные, что ты всё равно будешь играть по-своему, и это хорошо». Сначала я играла с Вронским – Массальским, потом его сменил Вербицкий. Каренина играл Прудкин, а во времена Тарасовой он был Вронским.
– А как возник спектакль «Три сестры», в котором вы играли сначала Машу, а затем Ольгу?
– Я очень любила спектакль, который в 1941 году выпустил Немирович-Данченко, когда играли Тарасова, Еланская и Степанова. Я смотрела его множество раз и никогда не забуду Аллу Константиновну, её удивительные глаза, когда, сидя на диване во втором акте, она, не произнося ни слова, «рассказывала» о своей любви и полностью покоряла зрителя. В 1957 году возник вопрос об обновлении спектакля. МХАТ приглашали за рубеж, и импресарио ставил вопрос об обновлении состава исполнителей. Тогда-то руководство театра и назначило на роль Ольги К. Головко, Ирины – Р. Максимову и меня – на Машу. В спектакль вводил нас педагог и режиссёр И.М. Раевский. Я даже поплакала, считала, что должна играть Ирину, а стала Машей. В Америке писали: «Неправда, что это актрисы. Они настоящие родные сёстры».
– Что для вас Чехов?
– В то время я увлекалась Шиллером, Шекспиром, очень любила поэзию. И вот наступило время Чехова. Поняла: это планета. Я нашла в нём и Шиллера, и Шекспира, и Толстого. Всё воплотилось в нём. Он создал такую драматургию, которую не передашь словами. Она должна быть одушевлена внутренним светом, работой сердца, жаром души. В этом величие Чехова. Здесь живой человек со всем богатством натуры, в том числе и с недостатками.
– Вы застали на сцене Книппер-Чехову?
– Да! Когда мы стали репетировать «Трёх сестёр», Ольга Леонардовна пригласила нас к себе домой, мы долго и подробно говорили о Чехове. На её 90-летие мы играли первый акт. Она сидела одна в ложе у сцены и вдруг в сцене Маши громко произнесла: «У Лукоморья дуб зелёный, златая цепь на дубе том…» Зал замер…
– Когда речь заходит о МХАТе, часто говорят, что великий театр ушёл навсегда. Вы согласны с этим?
– Нет, не согласна. Правда, люди стали другие и тем не менее в сегодняшнем театре есть спектакли, которые завораживают. Да, другое время, но всё-таки в душах актёров, которые ещё служили в том МХАТе, живут и традиции, и школа, и отношение к искусству. И это проявляется в том, что они делают на сцене, и молодёжь схватывает это, если, конечно, относится к своему труду в театре как к служению. В своё время Н.В. Гоголь выразил замечательную мысль: театр – кафедра, с которой очень многое можно сказать зрителю. В этом – правда театра. И сегодня у нас в репертуаре спектакли, которые делают это. В России есть глубина духовной работы, правда любви и сострадания, и этим живёт настоящий русский театр. Я не буду много говорить о новых веяниях на театре, скажу об одном: я никогда не приму пошлость и грязь на театральной сцене! Мы живём не в лучшее для театра время, и наша задача пронести над пропастью распада великие завоевания искусства Художественного театра.
– Более двадцати лет вы работаете в театре, которым руководит Т.В. Доронина. Были спектакли, в которых вы играли вместе?
– Конечно. Например, «Братья Карамазовы», «Валентин и Валентина», «Три сестры». Татьяна Васильевна играла Машу, я – Ольгу. Она прекрасный и очень требовательный партнёр.
– Чем сегодня, по-вашему, жив родной ваш театр?
– С уверенностью могу сказать, что мы стремимся сохранить традиции, завещанные великим МХАТом, сохранить думающего, умеющего сострадать и любить зрителя, который должен уходить из театра с новыми душевными силами. Знаете, я считаю себя очень счастливым человеком, потому что жизнь подарила мне возможность служить такому театру.
Беседу вела Галина АЛЕКСАНДРОВА
Прокомментировать>>>
Общая оценка: Оценить: 5,0 Проголосовало: 1 чел. 12345
Комментарии:
Не отменяя классику
Театральная площадь
Не отменяя классику
РУССКИЙ МЮЗИКЛ: НОНСЕНС ИЛИ НОРМА
Это сладкое слово – МЮЗИКЛ – россияне впервые услышали весной 1960 года после гастролей в Москве американского бродвейского Марк Хеллигер-театра, показавшего «живую» «Мою прекрасную леди» Фредерика Лоу. То есть у России было время выяснить и природу жанра, и художественные границы его. Было время на споры и на практические шаги по освоению чужих и созданию собственных сочинений. В тот момент, когда «ЛГ» объявила очередной виток дискуссии о мюзикле, в Екатеринбурге завершился очередной Третий Международный конкурс оперетты и мюзикла им. Владимира Курочкина.
Зримый аргумент в вечном споре, но, главное, площадка для тех, кто, собственно, мюзикл играет, увлечён им и ни в каких дискуссиях не участвует. Сценическая практика и есть участие. Поколение сегодняшних артистов лишено впечатлений полувековой давности, их тяга к мюзиклу вызвана насущной потребностью и питается впечатлениями куда более свежими. Они вряд ли знают, что именно на этой конкурсной сцене, где они сейчас выступали, и родился первый отечественный мюзикл в постановке Владимира Акимовича Курочкина – «Чёрный дракон» Доменико Модуньо.
Смотр в Екатеринбурге ориентирован в будущее. Философия Свердловской музкомедии, проводящей акцию, – в создании оригинального репертуара и воспитании нового актёра, способного этот репертуар реализовать.
Регламент конкурса в Екатеринбурге сочетал три равноправные номинации: оперетту, мюзикл и хореографию. И без особого труда заполнил все три, собрав свыше 60 участников из Екатеринбурга, Москвы, Санкт-Петербурга, Новосибирска, Одессы, Баку, Новоуральска, Краснодара, Красноярска, Железногорска, Минска, Северска, Твери, Мытищ, Саратова, Уфы, Нижнего Новгорода, Хабаровска, Энгельса, Петрозаводска, Оренбурга. Славная география!
В конкурсном репертуаре лидировали номера из «Кабаре» и «Чикаго». Я не комментирую сейчас этот факт, просто констатирую – Россия и ближнее зарубежье продолжают ускоренными темпами усвоение мировой музыкальной культуры. Если раньше «Хелло, Долли!», «Скрипач на крыше», «Целуй меня, Кэт», даже «Моя прекрасная леди» приходили к нам спустя 20–30 лет после их написания, то сейчас репертуар значительно быстрее схватывается и переносится на нашу сцену. При этом новые скорости сопровождаются и новыми подходами. Их можно назвать системными, и екатеринбургский конкурс эти подходы красноречиво демонстрировал.
Это в первую очередь оснащённость: современный вокал, режиссура, хореография, костюм, свет, антураж. Казалось бы, что в этом наборе уж такого волнующего? А то, что наконец эти составляющие синтезированы в актёре, а не разбросаны по отдельности. Мюзикл начинает пониматься как художественный синтез, а не набор средств. Конечно, я не стану утверждать, что все выступившие явили подобный синтез уже сейчас. Но тенденция обозначилась.
Лидеры на этом направлении всё те же – молодые артисты Свердловской музкомедии. Их воспитывают в этой вере со студенческой скамьи на курсе Кирилла Стрежнева. Приходя в театр, они владеют многими навыками и очень убедительны в новом репертуаре. Сейчас выдвинулись следующие имена: Игорь Ладейщиков, Ирина Макарова, Светлана Ячменева, Татьяна Мокроусова, Полина Зверева. Идея художественного синтеза и впечатляющая театральная культура всегда отличают выступления конкурсантов из Минска. И сейчас они прибыли на конкурс сплочённой командой: Илона Казакевич, Алексей Гриненко, Григорий Круковский, Ивакири Рина; а также их лидер – феноменальный Дмитрий Якубович, в конкурсе не участвовавший, но наполнявший конкурсную сцену очевидным художественным присутствием.
В силу особой творческой природы, обаяния и интеллекта выделился Игорь Ладейщиков (первая премия в разделе мюзикла), молодой артист и режиссёр собственных маленьких спектаклей. Созданные и продуманные до мелочей, сверхтехничные по замыслу и воплощению, они даже отвлекали от собственно внутренних задач роли. А он выступил в разнообразном репертуаре: пел Волшебника из «Обыкновенного чуда» и Остапа из «12 стульев» (оба мюзикла Геннадия Гладкова) и тётку Чарлея из «Донны Люции» Оскара Фельцмана.
Скажем об оперетте. Она вовсе не нуждалась в защите, когда на сцене появлялись и с таким профессиональным достоинством её представляли Наталья Коваленко из Энгельса (первая премия), Людмила Локайчук из Екатеринбурга (вторая премия), Фарид Фархад-оглы Алиев из Баку (первая премия у мужчин), Людмила Мешкова (третья премия) и Юлия Панченко из Одессы. Как видим, стоит укрепить этот жанр мастерством и культурой, как он сам себя защитит в любом эстетическом споре. Сами собой отпадут традиционные обвинения в адрес оперетты, которые время от времени отпускают по её адресу в полупрофессиональных кругах.
Интересно сложилась хореографическая номинация. Не очень многочисленная, но профессионально убедительная, она выявила своих лидеров: Елену Быкову из Новоуральска (первая премия), Григория Круковского из Минска (вторая премия), Павла Алейникова из Екатеринбурга (третья премия), дуэт из Краснодара Татьяну Крюкову и Николая Фоменко (первая премия в дуэтах).
Конкурс в Екатеринбурге необыкновенно результативен и значим для профессионального самосознания молодого актёрского цеха страны. Эта инициатива, проведённая, как всегда, на отличном организационном уровне, собирает реальные силы завтрашнего дня. И после их выступлений жизнь нашего музыкального театра не кажется ни унылой, ни недостаточной. Это сладкое слово – мюзикл – уже не химера, не спекуляция и не заоблачная мечта.
Александр КОЛЕСНИКОВ, ЕКАТЕРИНБУРГ – МОСКВА
Прокомментировать>>>
Общая оценка: Оценить: 0,0 Проголосовало: 0 чел. 12345
Комментарии:
