Текст книги "Джаз: История. Стили. Мастера."

Автор книги: Юрий Верменич

сообщить о нарушении

Текущая страница: 9 (всего у книги 33 страниц) [доступный отрывок для чтения: 12 страниц]

Скончался Рэй Браун в 2002 г. в возрасте 75 лет.

Избранная дискография

Bass Hit (1956).

Jazz Cello (1960).

Brown’s Bag (1975).

As Good As It Gets (1977).

The Big Three (1982).

Solar Energy (1984).

Live at the Loa – Summer Wind (1988).

Moore Makes Four (1990).

Super Bass (1990).

Three Dimensional (1991).

Майкл и Рэнди Брекер (Michael & Randy Brecker)

Майкл Брекер, тенор-саксофонист (также флейта и сопрано-сакс), родился 29 марта 1949 г. в Филадельфии. Отец и сестра – пианисты, старший брат Рэнди – трубач. Изучал музыкальную теорию в 1965-1969 гг., впоследствии играл в составе с группой «Dreams» (1970-1973), с Джеймсом Тэйлором и в Японии с Йоко Оно (1974). Затем записывался с Хорэсом Силвером, Джоном Ленноном, Хэлом Гэлпером, Билли Кобэмом, Карли Саймон, Доном Себески и со своим братом. Пластинки – «Cityscape» (1983), «Don’t Try This at Home» (1988), «Now You See It, Now You Don’t» (1990).

Рэнди Брекер, трубач (также пианист, ударные), родился 27 ноября 1945 г. в Филадельфии. В 1963-1965 гг. учился на музыкальном факультете университета штата Индиана и брал уроки у частных преподавателей. В 1966 г. начал играть с джаз-роковым составом «Кровь, пот и слёзы», в дальнейшем с Хорэсом Силвером (1967), Дженис Джоплин (1968), выступал с биг-бэндами Дюка Пирсона и Кларка Терри (1969), со Стиви Уандером, Артом Блэки (1970), группой «Dreams» (1971), Джеймсом Тэйлором, Ларри Кориэллом, Деодато (1973), Билли Кобэмом и Идрисом Мухаммедом (1974). Затем был образован секстет с Майклом «Братья Брекер» (1979) в стиле фьюжн и записан один из самых известных альбомов – «Heavy Metal Bebop» (это была их четвёртая пластинка на фирме «Arista»). Пластинки – «Store» (1986), «In the Idiom» (1986), «Toe to Toe» (1990).

Игорь Бриль

Когда открывается занавес и на сцену очередного джаз-фестиваля или концерта выходит Игорь Бриль, то невольно вспоминаются слова композитора Андрея Эшпая: «Не о каждом пианисте скажешь, что он по-настоящему чувствует инструмент, на котором играет. Для Бриля же поэзия фортепианной игры, красота звука – чувства врождённые».

Пианист, композитор и дирижёр Игорь Михайлович Бриль родился 9 июня 1944 г. в Москве в музыкальной семье. Начал играть на рояле с пяти лет, позже окончил музучилище при Московской консерватории. В это время он познакомился с джазом и в 1962 г. уже играл в оркестре под управлением В. Смагина. Фактически с этого момента и начались его профессиональные выступления.

После встречи с нашим выдающимся трубачом Германом Лукьяновым Игорь сотрудничал в его квинтете, а затем, отслужив в армии (где в 1964-1965 гг. играл в духовом оркестре на баритон-горне), он обратил на себя внимание блестящим выступлением в составе трио на московском фестивале «Джаз-65». Вместе с ним тогда играли басист А. Исплатовский и ударник В. Журавский. Многим памятна сыгранная ансамблем композиция Бриля «Пробуждение», а трио стало лауреатом фестиваля.

В 1966-1968 гг. Бриль являлся ведущим пианистом и аранжировщиком в оркестре Ю. Саульского «ВИО-66», что дало ему хороший опыт работы с биг-бэндом, и одновременно учился в музпединституте им. Гнесиных по классу рояля у профессора Т. Гутмана, закончил его в 1971 г. На госэкзамене он с большим чувством стиля исполнил ля-мажорный концерт Моцарта, и в дальнейшем его джазовый пианизм всегда отличался необычным сочетанием академической техники и романтизма с острым свингом в духе Оскара Питерсона. Его любимые композиторы – это Бах, Дебюсси, Прокофьев, а фавориты в джазе – пианисты Джо Завинул, Билл Эванс и Хорэс Силвер.

В 1969-1974 гг. Бриль работал в качестве дирижёра Московского объединения музыкальных ансамблей (МОМА) и преподавал в только что организованной тогда экспериментальной студии джаза при ДК «Москворечье», где обучал молодых музыкантов искусству пианизма и импровизации. Позднее он стал автором «Практического курса джазовой импровизации» (1979), оригинального учебника-пособия для студентов музучилищ.

Первые зарубежные гастроли Бриля со своим трио состоялись в ГДР (Берлин, Дрезден, Лейпциг), затем музыканты посетили Кубу, а осенью 1971 г. Бриль с успехом выступил на одном из крупнейших в Европе международных фестивалей «Jazz Jamboree» в Варшаве. Кроме этого трио при студии «Москворечье», Бриль организовал «Ансамбль современного джаза».

Когда в 1974 г. по решению Министерства культуры в целом ряде музучилищ нашей страны открылись эстрадно-джазовые отделения, Игорь Бриль, естественно, стал педагогом и худруком такого отделения в училище им. Гнесиных в Москве, не прерывая занятий в студии джаза. Следуя духу времени, в 1970-е гг. Бриль образовал секстет с тремя духовыми и электронными клавишными, игравший в манере популярного тогда стиля «фьюжн». С этой группой он продолжал участвовать во множестве джаз-фестивалей – от Белграда (1975) до Тбилиси (1978), включая и города России. В то время им были записаны и выпущены на «Мелодии» собственные долгоиграющие пластинки «Утро земли» (1979) и «Оркестр приехал» (1981) с его композициями «И вновь настанет день», «Балканский орнамент», «Сегодня и завтра» и др. Позже вышел его великолепный диск с певицей Татевик Оганесян (1986).

В 1980-е гг. Бриль нередко принимал участие также в московском концертном цикле «Джаз плюс джаз» (типа публичных джем-сешн), кроме того, у него был акустический квартет с альтистом А. Осейчуком. В этом составе он гастролировал как по Европе, так и в США, где с его музыкантами играли два знаменитых американских джазмена – тенорист Джо Хендерсон и вибрафонист Бобби Хатчерсон. Наконец, в 1991 г. Бриль создал свой современный квинтет с совсем ещё молодыми музыкантами, среди которых два его сына-близнеца, саксофонисты Дима и Саша. За последние годы они побывали на нескольких фестивалях – в Петербурге, Таллине, Джакарте (Индонезия), записали программу на радио и выпустили компакт-диск.

В связи со всеобщей тенденцией переименования нашего прошлого во второй половине 1980-х Московский музпединститут получил статус Академии музыки им. Гнесиных, где ныне существует уже джазовая кафедра и факультет, дающий высшее джазовое образование, и где завкафедрой является И. М. Бриль, а одним из доцентов – Александр Осейчук. В центре интересов Игоря Михайловича как музыканта неизменно остаётся джазовая классика, неисчерпаемые ресурсы джазовой традиции. Он в курсе всего и вся, но никогда не стремится эпатировать публику и знатоков авангардными новшествами. Его по-прежнему привлекает задача соединения классического наследия джаза и современных музыкальных течений. «В душе я – миссионер, – говорит он. – Мне хочется показать всё. И на концертах я нередко преследую миссионерские цели – знакомлю публику с разным джазом, пытаясь привить интерес к нему».

12 ноября 1998 г. И. М. Брилю присвоено звание Народного артиста России.

Дэйв Брубек (Dave Brubeck)

Заметная интеллектуализация джаза 1940-1950-х гг. была связана с приходом на сцену нового поколения молодых джазменов, имевших глубокое, всестороннее музыкальное образование.

Среди новых имён наибольший интерес вызвал талантливый пианист Дэйв Брубек, музыкант из Калифорнии. Он родился в г. Конкорд 6 декабря 1920 г. Мать-пианистка научила его играть на инструменте уже в четыре года, в девять он освоил виолончель, а позднее в колледже в Окленде изучал теорию композиции у знаменитого Дариуса Мийо. С тринадцати лет он играл в местных свинговых составах, на армейской службе в Европе (1944-1945) имел свой небольшой оркестр.

Дома Дэйв продолжил образование у Мийо и Шёнберга, затем возглавил экспериментальный октет (1946), трио (1949), завоевавшее премию журнала «Down Beat», и, наконец, в 1951 г. создал свой «Dave Brubeck Quartet» (рояль, альт-саксофон, контрабас и ударные), прославивший его имя. Вскоре этот квартет приобрёл широкую известность (вначале особенно в колледжах), которая сопутствовала ему долгие годы.

Хотя сам Брубек называет своими фаворитами свинговых пианистов А. Тэйтума, Ф. Уоллера и Т. Уилсона, его собственный фортепианный стиль отличается исключительной гармонической сложностью, он использует полифонию, политональность, обращение аккордов и другие классические приёмы, пытаясь уйти от стандартных «вариаций на тему». Его композициям присуща ритмическая изощрённость, у него встречаются весьма необычные для джаза размеры вальса и даже 5/4 («Take Five»). Альбом квартета под названием «Time Out», изданный в 1959 г. миллионным тиражом, стал первой золотой пластинкой в современном джазе, а пьеса Брубека «Blue Rondo A La Turk» (в размере 9/8) из этого альбома получила награду «Грэмми».

Несмотря на то что Дэйв никогда не держал собственного пресс-агента, он имеет поразительную популярность. Начиная с 1958 г. квартет объехал весь мир – от Польши до Новой Зеландии. В декабре 1959 г. он выступил в Карнеги-Холле, исполнив специально написанный композитором Говардом Брубеком (братом Дэйва) «Диалог для джазового комбо и симфонического оркестра», которым дирижировал Леонард Бернстайн.

Квартет часто появляется и на джазовых фестивалях, но ряд критиков считает, что музыка Брубека лишена свинга и что контрапункт в его произведениях чаще приводит к мысли о фуге, чем о блюзе. Критики препираются, а Брубек тем временем продаёт астрономическое количество пластинок и его имя пользуется громадным авторитетом у публики во всех странах. Он записывал кул-джаз, босса-нову и свои «Впечатления о Японии», с ним пели Кармен Мак-Рэй, Джимми Рашинг и Луис Армстронг, есть у него диск и с Бернстайном. В 1978 г. наша «Мелодия» по лицензии выпустила тот самый диск Брубека «Time Out».

В 1967 г. пианист временно расформировал свой состав и создал ансамбль «Два поколения Брубеков», в который вошли три его сына – Дариус, названный в честь Мийо, Крис и Дэнни. Он также занимался тогда сочинением музыки для хора и оркестра (оратории и кантаты), для театра и кино (фильм «Следующая остановка – Гринвич-Виллидж», реж. П. Мазурский), но в начале 1970-х вернулся к работе с квартетом, в котором его постоянным сотрудником многие годы был выдающийся альтист Пол Дезмонд (1924-1977), а помимо него с ним в разное время играли саксофонисты Дж. Маллиген и Дж. Бергонци.

С 1984 г. в квартет пришёл кларнетист Билл Смит. Сын Брубека Крис (бас) играет с отцом непрерывно с 1977 г., а барабанщик Рэнди Джонс, англичанин по происхождению, в квартете последние десятилетия. Таков сегодня «Dave Brubeck Quartet», впервые выступивший в Москве и в Ленинграде в апреле 1987 г.

Избранная дискография

All Night Long (1960).

Take Five (1961).

Time In (1966).

Blues Roots (1968).

Brubeck on Campus (1973).

Tritonis (1980).

Moscow Nights (1987).

Once When I Was Young (1992).

Time Signatures (1992).

Каунт Бэйси (Count Basie)

Однажды Уиллис Коновер, всемирно известный радиокомментатор по прозвищу «Мистер Джаз», проницательно заметил: «Луис Армстронг – это сердце джаза, Дюк Эллингтон – это душа джаза, а Каунт Бэйси – это ноги, на которых стоит джаз!»

Его биография типична для джазмена. Вильям «Каунт» Бэйси родился 21 августа 1904 г. в небольшом городе Рэд-Бэнк (штат Нью-Джерси). Он был единственным сыном в своей семье и начал учиться музыке у матери. Освоив рояль, Билл отправился в Гарлем, подобно другим молодым музыкантам, где в начале 1920-х всему задавали тон пианисты стиля страйд (Фэтс Уоллер, Лайон Смит и т. д.).

Пройдя эту школу, Бэйси работал в гастрольной труппе, которая ездила по Среднему Западу, но неожиданно развалилась в Канзас-Сити. Там он вначале устроился пианистом в состав «Blue Devils», затем оказался в бэнде Бенни Моутена, а после его внезапной смерти в 1935 г. возглавил оставшуюся группу. Это и был первый оркестр Бэйси, состоявший из девяти человек.

Они играли в местном «Reno Club», откуда велась радиотрансляция, и как-то диктор в шутку предложил объявлять Билла как американского «Графа» (т. е. Count). С тех пор и появился один-единственный Каунт Бэйси.

Его бэнд случайно услышал по радио великий энтузиаст джаза и открыватель талантов Джон Хэммонд и в 1936 г. привёз его в Чикаго, где оркестр произвёл фурор. Он отличался исключительно горячей свинговой ритм-группой, игравшей в манере «фоур-бит», неизменной приверженностью к блюзовой структуре и простыми аранжировками с использованием риффов при значительной свободе импровизирующих солистов. А ведь свинг, блюз и импровизация – это и есть те три кита, на которых стоит джаз.

Новый свинговый стиль так и назвали – «Kansas-City Style», и в 1937 г. оркестр Бэйси стал сенсацией Нью-Йорка. Он выступал в танцзале «Roseland» и записывал пластинки, с ним пели грациозная и кипучая Билли Холидэй и, конечно, «Mister 5x5», мастер шаутинг-блюза Джимми Рашинг, а в январе 1938 г. Бэйси превзошёл даже Чика Уэбба, «короля» «Savoy Ballroom» в сердце Гарлема.

Об уникальных приёмах игры самого Бэйси в ритм-группе как пианиста и лидера написаны целые исследования, но для успеха бэнда не менее важны были и его первоклассные солисты, особенно тенористы Лестер Янг, Чу Берри, Дон Байес, Бадди Тэйт и др. Фактически в разные годы у него побывали почти все хорошие саксофонисты джаза.

После периода 1950-1951 гг., когда по экономическим причинам он ограничился септетом, Бэйси собрал новый биг-бэнд с новыми «звёздами», включая великолепного блюзового певца Джо Вильямса. За последующие 30 лет Бэйси ежегодно записывал несколько альбомов (всего около 150), и они всегда пользовались огромной популярностью («April in Paris», «Atomic Mr. Basie», «Just the Blues», «Beatles Bag»). Его слушают не только профессиональные музыканты, но и просто любители джаза, покупатели шлягеров, знатоки блюза, молодые и старые меломаны и даже представители классической музыки, потому что Бэйси всегда стоял на позициях мэйнстрима и привлекал людей своей искренностью.

С 1954 г. оркестр Бэйси часто гастролировал по Европе, а в октябре 1957 г. оказался первым американским биг-бэндом, игравшим перед королевой Англии. Он был также единственным негритянским оркестром, игравшим 13 недель в том же году на крыше фешенебельного отеля «Уолдорф-Астория» в Нью-Йорке. С тех пор он объездил весь мир, и на его концертах всюду аншлаги.

Музыка Каунта Бэйси почти полвека была музыкой светлой стороны жизни, полной радостного ожидания ритмического праздника. Но его последние годы не были лёгкими. Ему пришлось перенести сердечный приступ, пневмонию и артрит, поэтому на сцену к роялю он выезжал на коляске. В апреле 1983 г. умерла его жена Катрин, с которой он прожил сорок лет, а сам Бэйси скончался от рака 26 апреля 1984 г. Потом его оркестром руководил его бывший сайдмен-тенорист Фрэнк Фостер, а с 1995 г. – тромбонист Гровер Митчелл.

В нашей стране за 1978-1985 гг. «Мелодия» выпустила 5 долгоиграющих «гигантов» прославленного «графа», который когда-то начинал свой путь в джаз как «The Kid from Red Bank».

Избранная дискография

Super Chief (1936-1942).

Blues by Basie (1939-1950).

Basie’s Best (1942-1946).

Beaver Junction (1944-1947).

Kansas City Style (1945-1954).

Paradise Squard (1952).

April in Paris (1955-1956).

Basie Bash (1956).

Atomic Mr. Basie (1957).

Just the Blues (1960).

Loose Walk (1972).

Last Decade (1974-1980).

Prime Time (1977).

Warm Breeze (1981).

Farmers Market Barbecue (1982).

Coner Pocket (1983).

Иосиф Вайнштейн

Есть вещи, события, люди, без которых невозможно представить себе ту или иную эпоху. Они оставляют свой неизгладимый след во времени, постепенно превращаясь в легенду, живущую в нашей памяти. Так, для большинства джазфэнов бывшего Союза в течение тридцати лет (1950-1970-е гг.) ленинградский джаз был немыслим без оркестра И. В. Вайнштейна.

Иосиф Владимирович родился в Петрограде 28 октября 1918 г. и свой первый оркестр собрал уже в 1938 г., будучи студентом музучилища. Война застала его в осаждённом Ленинграде, и с этих блокадных дней у него сохранился уникальный пригласительный билет от 16 октября 1943 г. на концерт джаз-ансамбля под управлением военного дирижёра майора Вайнштейна. Тогда его выступления обычно открывались фрагментами из 7-й симфонии Шостаковича.

После войны Вайнштейн окончил дирижёрский факультет консерватории и вскоре создал танцевальный биг-бэнд, ставший самым популярным в городе. Они играли во дворцах культуры им. Первой Пятилетки, Ленсовета, Горького, и в те годы этот оркестр был, по существу, основным джазовым коллективом Ленинграда. Слава его вышла далеко за пределы танцевальных залов, где он работал, и перенеслась в другие города. Тысячи энтузиастов приходили на его выступления, и танцующих в зале было куда меньше, чем слушателей, плотной стеной стоящих возле эстрады. Только здесь можно было услышать в «живом» виде пьесы Г. Миллера, Г. Джеймса, Р. Энтони, Н. Хефти, К. Бэйси, Кв. Джонса, т. е. классику джаза.

К 1957 г. Вайнштейну удалось объединить в своём составе лучшие силы города, включая двух выдающихся джазменов – саксофониста Г. Гольштейна и трубача К. Носова. Это также была своего рода школа, через которую за 30 лет прошло столько музыкантов, что «из них можно было бы собрать 30 биг-бэндов», вспоминал Вайнштейн. Так что в середине 1960-х это был фактически лучший джазовый оркестр страны с неотразимым драйвом, великолепными инструменталистами, блестящими группами, прекрасными аранжировками (одна из наиболее удачных – «Я шагаю по Москве»). В 1966 г. он стал лауреатом джаз-фестивалей в Ленинграде и Таллине.

После переезда Гольштейна и Носова в 1967 г. на работу в Москву на первый план в бэнде вышли саксофонисты Вс. Левенштейн (будущий Сева Новгородцев) и М. Звонарев, а также тромбонист Ал. Канунников, альтист О. Кувайцев, пианист Вл. Панкевич. В 1968 г. оркестр Вайнштейна перешёл на концертную работу. За прошедшие годы им были записаны 4 долгоиграющих диска (причём один в 1967 г. вышел в США) и десятки телепередач, бэнд стал победителем джазового конкурса газеты «Комсомольская правда». Несмотря на изменения в составе, Вайнштейн умел сохранять джазовый дух ансамбля и так организовал работу, что оркестр не переставал быть творческой лабораторией.

В 1974 г. Вайнштейн одним из первых в Ленинграде создал варьете на базе биг-бэнда, одновременно выступая с концертными программами в Театре эстрады. Он всегда был истинным лидером, катализатором и главным стержнем своего коллектива, но два инфаркта, заработанные им на ниве пропаганды джаза, заставили его отойти от прежней активной деятельности, и к концу 1970-х оркестр начал постепенно рассыпаться.

Отпраздновав своё 60-летие и не дожидаясь третьего удара, Вайнштейн стал собираться к дочери в Канаду, где она обитала уже несколько лет вместе с мужем-стоматологом. «Отметив 28 октября 1981 г. 28-летие оркестра, я ставлю точку», – сказал он. Его выпустили в Канаду только после третьего инфаркта в 1983 г., и там успели починить сердце. Операция длилась 55 часов, и он прошёл через две клинические смерти, но выкарабкался. К 75-летию Вайнштейна на петербургском телевидении состоялся телемост с Торонто.

Оркестра у Иосифа Владимировича уже больше никогда не было, но нам остались его пластинки и воспоминания об этом первоклассном биг-бэнде. К своему 80-летию он посетил свой родной Петербург ещё раз.

Катерина Валенте (Caterina Valente)

Она появилась на свет 14 января 1931 г. в семье, представлявшей четвёртое поколение эстрадных артистов, работавших преимущественно в цирке. Отец Хосе Валенте был виртуоз-аккордеонист, мать Мария долго жила в России, где училась петь, но в цирке ей часто приходилось работать музыкальным клоуном. Все остальные дети – Нина, Сильвио и Пьетро позднее также стали музыкантами. «Хотя мои родители были итальянцами, я родилась во Франции – они оказались в это время в Париже. Моим домом всегда была вся Европа. Я начинала как танцовщица, а мой профессиональный дебют как певицы состоялся в Швеции в 1947 г. на сцене одного театра. Кроме того, мне всегда хотелось уметь играть на саксофоне как самом джазовом инструменте, но потом я освоила гитару, а мать научила меня пению».

Однако Катерина ещё долго была связана с цирком, где в 1950 г. впервые вышла замуж за жонглёра Эрика ван Арко, который затем стал её менеджером. «Я начала записываться в 1958 г., это была джазовая пластинка на 78 оборотов с известным оркестром Курта Эдельхагена. Следом я записала „single" с трубачом Четом Бейкером в Германии на „Polydor", это были тоже джазовые стандарты. Я провела ряд концертов с Эдельхагеном в Париже и выступала с ним на джаз-фестивале во Франкфурте. Два концерта у меня были с Джерри Маллигеном и снова записи с Четом Бейкером («Cat and Chet»).

Первой певицей для меня всегда была Билли Холидэй, и, конечно, я восхищалась Эллой Фитцджеральд и Пегги Ли. Но я никогда не брала за образец кого-либо из них конкретно и никого не копировала. Мне всегда нравился инструментальный джаз, и я хотела, чтобы мой голос звучал как инструмент.

Поэтому все интервалы с оркестром я обычно пела с трубами, очень высоко. Это интересно, и я счастлива, что у меня большой диапазон, но это не всегда необходимо. Я всё же предпочитаю петь спокойные песни с хорошим текстом, и людям это нравится».

После записей на пластинках пришло телевидение. «Меня стали всюду приглашать, и в 1955-1956 гг. я работала в Штатах, где познакомилась со всеми своими кумирами. Затем были кинофильмы – начиная с 1954 г. я снялась в двенадцати музыкальных картинах в Германии, Франции и Италии».

Её величайшими хитами в те годы были «Ganz Paris», «The Breeze And I», «Malaguenja», «Flamingo», «Harlem Nocturne» (с оркестром Вернера Мюллера). В 1965 г. по анкетам профессионального журнала «Musikmarkt» Валенте была признана лучшей европейской певицей. Любопытна оценка Катерины Валенте выдающимся американским критиком Леонардом Фезером. В своей монументальной «Энциклопедии джаза» (1960) он писал: «Несмотря на то, что её знают в основном как популярную артистку из мира кино и эстрады, а не как джазового исполнителя, она в большей степени именно джазовая певица, чем многие другие вокалисты, которых так называют в США. Её музыкальная концепция, фразировка и тембр просто исключительны».

В течение нескольких лет в Париже регулярно выходила специальная телепередача под названием «Bonjour, Catherine!».

«А в начале шестидесятых я впервые поехала в Бразилию и встретилась там со всеми людьми босса-новы – то были Антонио Карлос Жобим, Жоао Жильберто, Луис Бонфа. В этой прекрасной музыке есть свинг, мелодия и поэзия, и я решила переключиться на босса-нову, записав несколько альбомов. Именно тогда я перешла с джазовой гитары на концертную».

«Великим композитором наших дней, которого я хорошо знаю, является Мишель Легран. Однажды мы решили что-нибудь сделать вместе, и результатом были восемнадцать наших концертов в парижской „Олимпии" в 1972 г. Нас сопровождали хор и оркестр из 60 человек, но в этом шоу также было много джаза и всякой импровизации».

В 1971 г. во время гастролей в Лондоне Катерина познакомилась с английским пианистом по имени Рой Бадд, который стал её аранжировщиком и вторым мужем (они прожили вместе до 1980 г.). Её постоянный дом – в Лугано (Швейцария), но со своими концертами за эти годы она посетила все континенты (кроме Австралии) и десятки стран. Она свободно говорит на шести языках и поёт ещё на пяти. «Когда я в Англии, то стараюсь петь 80 процентов своих песен по-английски, в Испании – на испанском и т. д. Я стараюсь больше петь на языке той страны, в которой нахожусь, это приятно для публики».

Избранная дискография

Hi-Fi Nightingale.

Arriba Caterina.

Caterina a la Carte.

Continental Favorites.

Fire & Frenzy.

Greatest in Any Language.

Miss Personality.

Plenty Valente.

Schlagerparade.

Super-Ponies.

Toast to the Girls.

Around the World (1960-1973).

Александр Варламов

Знакомство с джазом началось у многих из нас после войны с советских пластинок, и среди них даже непредвзятый слух сразу отметил немногочисленные довоенные записи оркестра, отличавшегося необыкновенной интеллигентностью, вкусом и точностью исполнения, одним словом, мастерством. Это был оркестр А. В. Варламова.

Вот уж кому Бог дал испытать полный набор контрастов жизни. Александр Владимирович родился 6 (19) июня 1904 г. в Симбирске (Ульяновске) в музыкальной и актёрской семье (его прадед А. Б. Варламов был автором популярных до сих пор романсов, мать – оперной певицей). Здесь он с успехом окончил частную музыкальную школу и в 1922 г. приехал в Москву, где поступил сначала в ГИТИС, но вскоре перешёл в музыкальный техникум им. Гнесиных. Его педагогами были М. Ф. Гнесин, Р. М. Глиэр, Д. Р. Рогаль-Левицкий.

После окончания техникума по классу композиции Варламов работал зав. музыкальной частью Театра миниатюр, а с 1934 г. руководил джаз-оркестрами. Тогда же состоялись его первые сессии записи (с негритянской певицей Целестиной Коол), но самые знаменитые пластинки были наиграны в 1938 г. его септетом «Горячая семёрка» и в 1939 г., когда Варламов уже возглавлял (до А. Цфасмана) оркестр Всесоюзного радиокомитета. Его составы играли новинки американского джаза в аранжировках лидера, пьесы В. Янга, Р. Роджерса, Г. Уоррена, Дж. Макхью, а также собственные композиции Варламова (при этом иногда он сам пел). В те годы он написал музыку к 13 художественным кинофильмам.

Осенью 1940 г. Варламов стал главным дирижёром (после В. Кнушевицкого) Государственного джаза СССР, а с началом войны для выездов на фронт он организовал оригинальный «Мелоди-оркестр», почти целиком смычковый.

Но тут его судьба совершила крутой поворот. Виолончелист оркестра написал на него донос, как это часто тогда происходило, и в январе 1943 г. прямо на репетиции Варламова арестовали. Обвинения против него были сущим бредом, в частности, он якобы ждал захвата Москвы фашистами, чтобы возглавить в столице мюзик-холл. «Где собирались его открыть?» – спросили «врага народа». «Да здесь же, на Лубянке!» – ответил Варламов. В результате он получил восемь лет лагерей, а стукач – ордер на машину. Вначале музыкант оказался на лесоповале на Северном Урале, но потом начальник Ивдельлага поручил ему собрать оркестр из заключённых, среди которых нашлись прекрасные профессионалы. В 1948 г., когда всюду началась суровая борьба с джазом, этот лагерный бэнд разогнали, и Варламову пришлось работать нормировщиком.

После освобождения его направили в бессрочную ссылку в Караганду, где он всё же мог вернуться к своей специальности – преподавал в музыкальной школе, работал в театре, писал музыку к спектаклям. Лишь спустя 3 года после смерти Сталина Варламова реабилитировали, и в 1956 г. он опять стал москвичом. Его сразу же восстановили в Союзе композиторов, и он начал снова сочинять музыку – эстрадную, инструментальную, джазовую, песни, танцы, рапсодии, концерты, включая партитуры к 60 мультфильмам. Но такого блестящего оркестра у него уже больше никогда не было.

В 1979 г. ему присвоили звание заслуженного деятеля искусств РСФСР (к 75-летию). Но испытания судьбы не прошли даром, и, хотя композитор постоянно работал, в последние годы жизни он почти совсем ослеп и его глазами была жена Ксения Александровна, саксофонистка «Мелоди-оркестра», которая ждала его с того самого 1943 г. Мы видели Варламова вместе с ней последний раз в Москве в 1982 г. на 60-летии советского джаза, одним из классиков которого он был. 8 сентября 1990 г. в «Советской культуре» появился некролог под названием «Рыцарь джаза».

Удивительно мало печатных материалов осталось об этом уникальном человеке, талантливом и скромном, а всё его джазовое наследие в записях уместилось фактически на одном долгоиграющем «гиганте», выпущенном «Мелодией» в 1975 г.

Эберхард Вебер (Eberhard Weber)

Басист, виолончелист и композитор. Родился в Штутгарте (Германия) 22 января 1940 г. в музыкальной семье. Игре на виолончели начал обучаться с шести лет. В середине 1950-х серьёзно увлёкся джазом и овладел басом. Профессиональным музыкантом стал в относительно позднем возрасте – в тридцать два года, до этого работая директором театра, участвуя в коммерческих радио– и телепередачах. В числе музыкантов, оказавших влияние на Вебера и на формирование его стиля, были Майлс Дэвис, группа «Weather Report» и особенно басист Скотт Ла Фаро.

В 1970-1973 гг. Эберхард работал с разными джаз-роковыми группами как сессионный музыкант и одновременно экспериментировал с конструкцией электробаса, добиваясь более проникновенного лирического звучания. Он добавил пятую струну, что расширяет диапазон инструмента и придаёт ему более выразительное звучание. С этим новым звуком он записал свой первый сольный альбом «The Colours of Chlое» на студии «ЕСМ» в 1974 г. Дебют был высоко оценён критиками и ценителями. В 1975 г. Вебер сотрудничал с Гэри Бёртоном и гитаристом Ральфом Таунером, и это был уникальный случай, когда джазовый басист был представлен как солист-мелодист. В этом же году он собрал свою группу «Colours», которая просуществовала пять лет. В её составе играли саксофонист и флейтист Чарли Мариано, клавишник Райнер Брюнингхаус, перкуссионисты Джон Кристенсен и Джон Маршалл. Для записей своих альбомов Вебер приглашал и классических музыкантов. Его группа «Colours» существовала до 1981 г., записав ещё шесть дисков на «ЕСМ», а новый состав (квинтет), созданный в следующем году, имел более концертную концепцию с некоторым уклоном в музыку Востока. Вебер стал особенно интересоваться композицией с 1972 г., представил свою сюиту для двенадцати виолончелей и джазового квартета на Берлинском джаз-фестивале в 1974 г., а среди своих фаворитов называл американского композитора и пианиста Стивена М. Райха (р. 1936). Параллельно он участвовал в сессиях с такими джазменами, как Билл Фризелл (гитара), Поль Мак-Кэндлесс (орган), Лайл Мэйс (орган), Ральф Хюбнер (ударные), в 1975-1987 гг. был участником «United Jazz & Rock Ensemble», подобно Барбаре Томпсон, Чарли Мариано, Альберту Мангельсдорфу, Джону Хайсмену. Этот коллектив, игравший в стиле симфонического джаз-рока, способствовал появлению «European Jazz Orchestra», к которому впоследствии присоединился Ян Гарбарек в 1982 г.

С 1985 г. Вебер начал записываться как солист. В дополнение к созданию музыки для записи его альбомов Эберхард пишет музыку для кинофильмов и телевидения. Музыка Вебера отличается особой атмосферой, она капризна, гипнотична и полна глубокого лиризма.

Сегодня этот талантливый музыкант очень известен и любим всеми ценителями джазовой музыки. Он также продолжает экспериментировать и радует своих слушателей новыми студийными работами.