Текст книги "Джаз: История. Стили. Мастера."

Автор книги: Юрий Верменич

сообщить о нарушении

Текущая страница: 10 (всего у книги 33 страниц) [доступный отрывок для чтения: 12 страниц]

Избранная дискография

The Colours of Chloe (1973).

Yellow Fields (1975).

The Following Morning (1977).

Colours: Silent Feet (1978).

Fluid Rustle – bass, tarang (1979).

Colours: Little Movements (1980).

Later That Evening (1982).

Chorus (1985).

Orchestra (1988).

Pendulum (1993).

Бен Вебстер (Ben Webster)

Кто-то заметил, что звучание джаза в XX в. «теноризировано». Субъективно может показаться, что это так и есть, ибо отличных тенористов в истории джаза были дюжины и среди них немало великих.

Знаменитый тенор-саксофонист Бен Вебстер родился 27 февраля 1909 г. Вначале учился играть на рояле и скрипке, а саксофон освоил фактически самостоятельно. Он родился на Среднем Западе и являлся «воспитанником» буйной джазовой школы Канзас-Сити, где джем-сешн и музыкальные битвы «до зарезу» были обычным образом жизни. В 1932 г. он приехал в Нью-Йорк, где в конце 1930-х началось его постоянное сотрудничество с Дюком Эллингтоном. Запись сохранила нам множество прекрасных соло Бена с этим прославленным оркестром. Стилистически он находился под сильным влиянием Коулмена Хокинса и играл на своём теноре с ещё более сочным, тёплым и ярким тоном, не теряя при этом свингового напора. Критик Леонард Фэзер назвал его как-то «Кларком Гэйблом тенор-саксофона».

В дальнейшем Бен играл со своими комбо, а с середины 1960-х жил и работал в Европе. Лиризм и красоту его музыки не затронули новые веяния в джазе, поэтому его любили и уважали критики, фэны и музыканты всех поколений, начиная с 1940-х гг. вплоть до наших дней. Вебстер умер 20 сентября 1973 г. в Амстердаме. В серии «Джаз-галерея» в 1990 г. «Мелодия» выпустила его сборный диск.

Избранная дискография

King of the Tenors (1953).

Soulville (1957).

At the Renaissance (1960).

Ben and Sweets (1962).

Stormy Weather (1965).

At Work in Europe (1969).

Did You Call (1972).

My Man (1973).

Джо Вильямс (Joe Williams)

О блюзе можно писать и говорить бесконечно, потому что эта музыка исходит из самого сердца. Ныне все знают блюз, ибо рано или поздно приходят к нему, или же блюз приходит к ним.

Джозеф Горид Вильямс родился 12 декабря 1918 г. в местечке Кордил, штат Джорджия, но с трёх лет постоянно жил в Чикаго и считает его своим родным городом. Его мать пела в хоре и играла на органе в церкви. «Я всегда слышал музыку и любил петь. Я часто слушал городские блюзы ещё мальчиком, бывая на Южной стороне Чикаго».

Желание петь блюз пришло к нему от Биг Джо Тёрнера в ранние 30-е годы, и в шестнадцать лет он начал выступать сперва просто за чаевые в одном клубе, где работал посудомойщиком. Его профессиональный дебют состоялся в 1937 г. с оркестром джазового ветерана-кларнетиста Джимми Нуна, а затем Вильямс пел в Чикаго и ездил в турне со многими именитыми лидерами вроде Лайонела Хэмптона, Энди Кирка, Кэба Кэллоуэя и Коулмена Хокинса. Одно время он работал даже с самим Флетчером Хэндерсоном. Его репертуар в те годы по необходимости был обычной смесью популярных песен, баллад и стандартов, но он всегда предпочитал именно блюз.

Частичный запрет профсоюза музыкантов на запись пластинок в середине 1940-х гг. задержал появление Джо Вильямса в центре джазовой сцены на добрый десяток лет. Они нашли друг друга с Каунтом Бэйси лишь в 1950 г. в том же Чикаго, когда пианист возглавлял септет, отказавшись на пару лет от биг-бэнда по экономическим причинам. Тогда Джо впервые пел с Каунтом, и как только этот лидер вновь собрал оркестр, он пригласил к себе чикагского вокалиста. Это был очень удачный музыкальный союз, который принёс феноменальный коммерческий успех.

Вильямс пришёл в бэнд под Рождество 1954 г. и спустя несколько месяцев записал с ним «Every Day I Have The Blues», тему блюзового пианиста и композитора Мемфиса Слима (настоящее имя Питер Чэтмен) в аранжировке саксофониста оркестра Эрни Уилкинса. Эта запись моментально превратила Джо Вильямса в «звезду» международного класса. Впоследствии у него были и другие хиты с оркестром Бэйси («Аll Right, Okay, You Win», «Going To Chicago», «Roll’em, Pete», «In The Evening», «Cherry Red»), в которых уникальные голосовые качества певца сочетались с высоким музыкальным мастерством и блюзовым чувством.

«Это самый свингующий оркестр в мире, и вся наша группа музыкантов до последнего человека получала огромное удовольствие от этой работы», – говорил Вильямс. Они играли всюду, от подвала джаз-клуба «Бёрдлэнд» до крыши отеля «Уолдорф Астория» – в 1957 г. оркестр оказался первым негритянским биг-бэндом, который появился в этом элегантном и дорогом месте. «Мой сын номер один!» – так Бэйси обычно объявлял Вильямса на всех концертах. Но через несколько лет Джо решил идти своей дорогой и в июне 1961 г. покинул бэнд, имея ангажементы на год вперёд. «Я должен был работать в Бостоне, и Бэйси был настолько великодушен, что сам приехал туда и представил меня в первых двух шоу. Он вёл себя как мой поклонник номер один!»

Далее Джо Вильямс выступал с самыми разными джазменами, на фестивалях джаза в Ньюпорте и Монтеррее, на гастролях в Европе и Японии, а также в студиях записи. Есть великолепные диски, которые он в разное время записывал в течение 1960-1970-х гг. с оркестром Тэда Джонса/Мела Льюиса, квинтетом Джорджа Ширинга, октетом Дэйва Пелла и т. д. В фолк-опере Кэннонболла Эддерли «Big Man» он спел главную партию, а в 1983 г. превзошёл себя, когда на концерте в Карнеги-Холле исполнил a capella знаменитый спиричуэлс Дюка Эллингтона «Come Sunday».

Все эти годы (вплоть до 1989 г.) в анкетах критиков и читателей журнала «Down Beat» Джо Вильямс неизменно занимал первое место среди джазовых вокалистов. С 1975 г. он жил в Лас-Вегасе с четвёртой женой, англичанкой Джиллиэн, которую встретил ещё в 1959 г. От третьего брака у него есть сын Джо и дочь Энн.

Лишь в 1993 г. «Русский диск» выпустил его сборную пластинку по заказу клуба филофонистов.

«Я верю, что пока певцы блюза могут затронуть чувствительную струнку в сердцах людей, это искусство не умрёт. Блюз похож на женщину, в которой каждый день открываешь что-то новое. Блюз и я уже много лет вместе. У меня бывали хорошие времена и плохие дни, когда я не мог получить работу. Но всегда, когда я пел, я надеялся и мечтал о прекрасном завтрашнем дне».

Умер Джо Вильямс в Лас-Вегасе 29 марта 1999 г.

Избранная дискография

Every Day I Have The Blues (1955-1956).

The Overwhelmin (1963-1965).

Joe Williams Live (1978).

Prez Conference (1979).

Nothin But the Blues (1983).

I Just Wanna Sing (1987).

Ballad and Blues Master (1987).

In Good Company (1989).

Jump for Joy (1990).

Кути Вильямс (Cootie Williams)

Одним из специфических способов звукоизвлечения у медных духовых инструментов в джазе является «граул» – эффект, напоминающий ворчание («growl»). Это достигается с помощью плунжерной и других сурдин и представляет собой подражание вокальным интонациям, что распространено в инструментальной музыке негров. Граул был типичен для так называемого «стиля джунглей», который ещё в 1920-е гг. изобрёл великий художник джаза Дюк Эллингтон и часто применял его на практике с помощью своих непревзойдённых солистов. Выдающимся мастером игры в манере граул был его трубач Кути Вильямс.

Чарльз Мелвин «Кути» Вильямс родился 24 июля 1908 г. на Юге США в г. Мобайл (штат Алабама) и имел непосредственный опыт общения с негритянской традицией и ранним джазом. Он был знаком с блюзом, регтаймом и церковной музыкой, с шести лет играл на ударных, а в четырнадцать освоил ряд духовых инструментов и остановился на трубе. Поработав в разных оркестрах, в восемнадцать лет Кути приехал в Нью-Йорк, где подружился с Луисом Армстронгом и попал под его влияние.

Вскоре он стал первой трубой в биг-бэнде Флетчера Хэндерсона, тогда он играл ещё открытым звуком и звучание его было сильным и чистым. Но его способности раскрылись только с приходом к Эллингтону, который предложил ему работу в 1929 г. В оркестре Дюка он научился граул-эффектам у трубача Баббера Майли и тромбониста «Трики Сэм» Нэнтона и превратился в одну из ведущих «звёзд» ансамбля. Именно Вильямс во многом определял знаменитое «эллингтоновское звучание».

Его самыми известными записями тех лет были «Echoes Of Harlem» (1936) и особенно «Concerto For Cootie» (1940), истинный трёхминутный шедевр, который превратился потом в популярный стандарт «Do Nothing Till You Hear From Me». Дюк создавал, по его словам, «говорящую музыку», и он знал, что лучшим «выговором» в его оркестре обладает Кути Вильямс.

После двенадцати лет работы с Эллингтоном в ноябре 1940 г. Вильямс решил уйти в оркестр Бенни Гудмена, и это так шокировало джазовый мир, что пианист, бэнд-лидер и композитор Рэймонд Скотт сочинил тогда тему под названием «Когда Кути оставил Дюка». Но Дюк понимал желание Кути поиграть с величайшим свинговым бэндом тех дней и даже снабдил деньгами на первое время. С Гудменом Вильямс солировал как в большом составе («Solo Flight», «Superman»), так и в секстете («Breakfast Feud», «Wholly Cats»), но через год надумал возглавить собственный оркестр, которым с переменным успехом руководил вплоть до конца 1940-х. Именно в его оркестре суждено было проявить себя ряду новых талантов, он предоставлял работу, оказывал поддержку и помощь Чарли Паркеру, Баду Пауэллу и Телониусу Монку, вместе с которым написал знаменитую пьесу «Round Midnight».

В начале 1950-х он оставил себе малый состав, где его джазовые качества несколько отступили на задний план перед возросшим спросом публики на ритм-энд-блюз. Вильямс играл на танцах в «Savoy Ballroom», ездил в Европу (1959), а потом с квартетом работал в джаз-клубах Нью-Йорка, воскресив свой прежний стиль, лучше отражавший его оригинальную личность. Но всё же лучшим вариантом было его возвращение к Эллингтону спустя двадцать два года, осенью 1962 г., с которым он потом оставался до самого конца. Сам Кути говорил, что это сделало его счастливым человеком. К тому же он пристрастился к виски во время своего лидерства в 1950-х, а вернувшись к Дюку, снова перешёл на кока-колу.

Неподражаемые соло Кути Вильямса в стиле граул были главной привлекательной особенностью оркестра Эллингтона в течение последнего десятилетия его существования. Они украшали также его концерты на гастролях в СССР в 1971 г., когда мы услышали «живьём» всю граул-классику Дюка – «Black And Tan Fantasy», «The Mooche», «Creole Love Call», сюиту «Harlem» в исполнении Кути Вильямса. Вне сцены он оказался именно таким, каким мы его себе представляли: не очень разговорчивый, неторопливый и уверенный в движениях, настоящий мастодонт, легендарный ветеран джаза, отлично сознающий, кто он такой, и знающий себе цену, а потому могущий позволить себе носить на лице ту непроницаемую маску, какую он хочет. Но перед объективом фотоаппарата даже мрачноватый Кути засиял широченной улыбкой.

Вместе с Эллингтоном Вильямс записывал все три его знаменитых концерта священной музыки, а когда после смерти Дюка в мае 1974 г. оркестр взял на себя его сын Мерсер, чтобы уберечь этот великий бэнд от развала, Кути явился главным стержнем сохранения эллингтоновских традиций. Он участвовал в записи первого альбома Мерсера «Continuum» (на «Fantasy»), но осенью 1975 г. покинул оркестр по состоянию здоровья.

В дальнейшем Кути Вильямс иногда выступал в клубах как солист, но это бывало редко, так как он постоянно болел и по меньшей мере один раз был госпитализирован. Он умер в Нью-Йорке 15 сентября 1985 г. Этот уникальный трубач оставил после себя десятки изумительных записей, сделанных преимущественно с Эллингтоном, часть которых в разное время выпускалась и в нашей стране, по лицензии и без, включая те самые «Священные концерты» («Мелодия», 1988).

Избранная дискография

Sextet And Orchestra: 1944 Recordings (1944).

The Big Challenge (1957).

Cootie and Rex (December 1957).

Тони Вильямс (Tony Williams)

Один из самых известных барабанщиков и композиторов современного джаза (впоследствии бэнд-лидер) родился 12 декабря 1945 г. в Чикаго. Учиться музыке начал с десяти лет в Бостоне, его преподавателем по ударным инструментам был Ален Доусон, автор пособия «Руководство для современного барабанщика». Вильямс также получил ряд советов и наставлений от тенориста Сэма Риверса, с которым сотрудничал в серии экспериментальных концертов с «Импровизационным ансамблем» г. Бостона.

В декабре 1962 г. Вильямс переехал в Нью-Йорк, где выступал в джаз-клубах и на концертах с комбо саксофониста Джеки Мак-Лина. Там его услышал Майлс Дэвис и пригласил на работу в свой квинтет, где Тони был активным участником в 1963-1969 гг., заслужив восторженные отзывы как со стороны музыкантов, так и критиков в качестве молодого и впечатляющего представителя совершенно нового, более свободного стиля игры на ударных в джазе 1960-х гг. Вильямс упрочил свою репутацию благодаря записям и выступлениям с квинтетом Майлса Дэвиса как один из самых молодых барабанщиков-новаторов, способствующих изменению лица современного джаза, и в 1964 г. занял первое место по анкете критиков журнала «Down Beat» как «новая звезда» в классе ударных.

Природные музыкальные наклонности Вильямса были направлены на авангардный джаз того времени, если судить по его собственным композициям, написанным для своей первой пластинки «Life Time» в качестве лидера. Покинув затем группу Дэвиса, он организовал собственный состав, включавший гитариста Джона Мак-Лафлина и клавишника Ларри Янга, которые представили смесь модального и фри-джаза с рок-музыкой. Когда в 1971 г. Мак-Лафлин создал свой оркестр под названием «Mahavishnu», вместо него к Вильямсу пришёл гитарист Тед Данбар, и они появлялись на джаз-фестивалях в Нью-Йорке в 1972-1973 гг.

В 1975 г. состав Тони Вильямса был расформирован, в него пришли совершенно новые молодые музыканты, которые тогда же записали альбом «Believe It» (на фирме «Columbia»), и критики отмечали: «Вильямс, будучи когда-то одним из самых поэтичных барабанщиков в современном джазе, теперь играет музыку, сочетающую энергию рока и яркий импровизационный талант».

Тони Вильямс также записывался (кроме квинтета Майлса Дэвиса, всего 13 дисков) с Херби Хэнкоком, Джеки Мак-Лином, квартетом Стэна Гетца (плюс Стэнли Кларк и Чик Кориа), оркестром Рона Картера (1973), с Сонни Роллинсом, Хэнком Джонсом и Уинтоном Марсалисом в конце 1980-х.

Он умер от сердечного приступа 23 февраля 1997 г. в Калифорнии.

Андреас Волленвейдер (Andreas Vollenweider)

Андреас Волленвейдер родился в Цюрихе, в Швейцарии, 4 октября 1953 г. Его отец был одним из ведущих органистов Европы, а мать – художницей. С юных лет Андреаса окружала богемная публика – художники, поэты, скульпторы, танцовщики и музыканты. Волленвейдер освоил многие музыкальные инструменты: гитару, фортепиано, флейту и арфу. Играя на арфе, Волленвейдер выработал свой необычный, неповторимый стиль, совершенствуя его в дальнейшем.

Свои первые пластинки Андреас записывал с ансамблем, который назывался «Poetry & Music», а в 1979 г. в Швейцарии вышел его первый сольный альбом под названием «Eine Arte Suite en Teflen». В США этот альбом был мало известен. В 1980 г. он организовал собственное трио «Andreas Vollenweider & Friends», куда входили Педро Хальдесанн – синтезатор, перкуссия, и Вальтер Кайзер – ударные, с которым записал несколько альбомов, в частности «Behind the Gardens...» на студии CBS. Альбом получил признание в самых широких кругах ценителей и любителей музыки, а следом вышел макси-сингл «Peace Verde». Эти два альбома были внесены в список самых популярных «Billboard’s» поп, джазовой и классической музыки – небывалое достижение для молодого музыканта.

Андреас усовершенствовал механизм арфы, электрифицировав её звучание, что иногда напоминает современную музыку в духе группы «Pink Floyd» или так называемую «New Age Music».

Четвёртый альбом Волленвейдера стал в США «золотым». А в 1987 г. вышел диск «Down to the Moon», который сделал его номинантом премии «Грэмми». После изнурительного творческого марафона Андреас позволил себе небольшой тайм-аут.

Творческое вдохновение, накопленное за время перерыва в музыкальной деятельности, Волленвейдер реализовал в своём новом диске «Dancing with the Lion» (1989), компания грамзаписи включила его в концертную программу, но в марте случилось несчастье – Волленвейдер сломал руку. После выздоровления, в сентябре, он записывает «Book of Roses» (1991), затем «Eolian Minstrel» (1993) с вокалисткой Элизой Гилкинсон, а одной из последних его работ явился «Kryptos» – красивейший альбом, записанный с Цюрихским симфоническим оркестром.

Избранная дискография

The Trilogy.

Behind The Gardens, Behind The Walls, Under Tree (1980).

Cavema Magica (1983).

White Winds (Seeker's Journey) (1984).

Down To The Moon (1986).

Dancing With The Lion (1989).

Book Of Roses (1992).

Eolian Minstrel (1993).

Kryptos (1998).

Cosmopoly (2000).

Сара Воэн (Sarah Vaughan)

Такой голос бывает раз в сто лет. Эта необыкновенная негритянская певица со своим уникальным вибрато во внутреннем музыкальном мире многих джазфэнов на протяжении десятилетий неизменно занимала первое место среди всех джазовых вокалисток. Рядом поставить было просто некого, потому что не с чем было сравнивать. Несмотря на глубокое уважение к «первой леди джаза» Элле Фитцджеральд, многим безоговорочно и бесповоротно нравилась именно Сара с её непредсказуемым волшебством в каждой строчке песни.

Сара Воэн родилась в Ньюарке, штат Нью-Джерси, 27 марта 1924 г. Отец её был плотником и в свободное время играл на гитаре. Мать мечтала видеть дочь концертной пианисткой и не предполагала, что она будет привлекать толпы людей в Карнеги-Холл только своим голосом, а не ловкостью пальцев. Благодаря настойчивости матери Сара изучала игру на рояле и органе с семи до пятнадцати лет, а также пела в местном баптистском хоре.

В 1942 г. она появилась на сцене театра «Аполло» в Гарлеме и, подобно Элле Фитцджеральд, победила в конкурсе вокалистов-любителей. В 1943 г. Сара уже работала с оркестром Эрла Хайнса как пианистка и певица, а в 1944 г. пришла в блестящий боп-бэнд Билли Экстайна. Этот певец очень сильно повлиял на неё, он был её товарищем и партнёром, и вплоть до конца 1950-х гг. они не раз записывались дуэтом.

Но в основном её музыкальное мышление сформировали инструменталисты – Паркер, Гиллеспи, Майлс Дэвис, Клиффорд Браун, ведущие музыканты би-бопа тех лет, с которыми она работала. При исполнении песен её всегда больше интересовала музыка, чем слова, поэтому она нередко записывала «песни без слов» (в манере «скэт»), используя голос как инструмент.

В 1946 г. Сара в первый раз вышла замуж за трубача Джорджа Трэдвелла. Через 10 лет они разошлись, но некоторое время он ещё оставался её менеджером. Потом она трижды побывала замужем и имела приёмную дочь.

Уже через год после начала её сольной карьеры ни один клуб Нью-Йорка не мог платить ей тех денег, которых она стоила. Её первым хитом стала песня «It’s magic», а в 1950-е каждый год продавалось по миллиону её пластинок («Tenderly», «Misty»). В 1959-м её великим хитом была «Broken Hearted Melody».

В любую песню она могла вдохнуть новую жизнь, но её лучшие джазовые записи были сделаны с малыми группами или биг-бэндами вроде коллективов Каунта Бэйси и Квинси Джонса. Сара работала почти со всеми выдающимися джазменами, они дали ей ласковое прозвище «Сасси». Будучи пианисткой, она вообще могла бы аккомпанировать себе сама, но последние двадцать пять лет выступала со своим трио.

В молодости она была очень красивой, и публика её смущала – «то ли они приходят в клуб поглазеть на меня, то ли послушать». Но потом всё встало на свои места. Её пение всегда отличалось необычайным драйвом в каждой фразе, бесподобным вибрато в каждой ноте. Манера заполнения интервалов, разделение половинных нот в восьмые, а четвертей – в шестнадцатые, её бесконечные разнообразные мелодические вариации – всё это имитировать было невозможно. От нормального сопрано она могла резко соскользнуть к низкому контральто, словно падая в пролёт лестницы, по выражению одного критика. Имея диапазон в 2,5 октавы, с годами её голос становился всё ниже, вплоть до уровня баритона.

Её фаворитом была оперная певица Леонтина Прайс. Сара сама, вероятно, могла бы петь в опере. Для этого у неё имелся главный инструмент – голос, но мир оперы не был её миром. Она предпочитала оставаться большой «звездой» джаза.

В 1965 г. она выступала перед президентом Джонсоном в Белом доме, а в 1982 г. получила награду «Грэмми». Её хорошей подругой была другая великая джазовая певица Кармен Мак-Рэй.

Последние годы Сара Воэн жила в собственном доме в Сан-Фернандо Вэлли (Калифорния). Она умерла в Лос-Анджелесе 3 апреля 1990 г. от рака лёгких. В октябре Кармен записала диск «Сара» её памяти.

Избранная дискография

In Hi-Fi (May 1950).

Great Show on Stage (1954-1956).

Linger Awhile (1956).

Misty (July 1958).

After Hours (1961).

Sassy Swings the Tivoli (1963).

Sassy Swings Again (1967).

Live in Japan (1974).

Duke Ellington Songbook (1979).

Send in the Clowns (1981).

Brazilian Romance (1987).

Sassy Swings and Swings (1992).

Sarah Vaughan on Mercury.

Фил Вудс (Phil Woods)

Вудс родился 2 ноября 1931 г. в Спрингфилде, штат Массачусетс, и рано начал играть на унаследованном от дядюшки альте. В 1948 г. он приехал в «Мекку джаза» Нью-Йорк, где занимался композицией у знаменитого пианиста и педагога Ленни Тристано и окончил Джульярдскую школу музыки как кларнетист, проучившись там 4 года.

Главным кумиром для Вудса всегда был Чарли Паркер, он в совершенстве освоил его гибкий и страстный стиль и, в конечном счёте, приспособил его для своих собственных целей более успешно, чем любой другой альтист наших дней. Хотя негритянские джазмены зачастую ставились критиками выше белых, Фил Вудс играл с таким же «афроамериканским» чувством (soul), вдохновением, мелодической изобретательностью и блестящей техникой. (Между прочим, в 1956 г. Фил женился на вдове Паркера и стал отчимом его младшего сына.)

В 1950-1960-е гг. Вудс очень много и активно записывался с самыми различными составами на десятках разных фирм, немного работал как солист и в биг-бэндах, в частности, у Квинси Джонса (1959-1961), с которым записал прекрасный альбом «Quintessence». В составе большого сборного оркестра Бенни Гудмена весной 1962 г. он приезжал к нам в турне по Союзу и охотно играл на дружеских встречах с нашими джазменами, как и другие сайдмены Гудмена (в памяти мифический ночной «джем» с американцами в Ленинградском госуниверситете).

В 1960-е гг. Фил Вудс, будучи уже известным музыкантом, вёл жизнь занятого профессионала – гастроли, студии записи, работа на ТВ в Нью-Йорке, педагогика, а летом он являлся музыкальным директором джазовой «клиники» в городе Нью-Хоуп (штат Пенсильвания), где у него тогда был дом. «Но в своей работе я никогда не шёл на компромисс, и мне не приходилось изменять своему искусству, чтобы заплатить по счёту. Я никогда не менял свой курс и оставался именно джазовым солистом на альт-саксофоне, который пытался честно работать и немного писал музыку».

Вудс объехал весь мир, но особенно часто бывал в Европе, где в 1970-е успешно выступал на фестивалях и в клубах со своей европейской группой «Phil Woods & His European Rhythm Machine», состоящей из местных музыкантов. Для французского телевидения он сочинил балет «Peace», а с оркестром Мишеля Леграна записал «музыку настроения» – пластинку под названием «Images». Одно время его интересовали бразильские и латиноамериканские мелодии, и он записал диск «Floresta Canto». Как композитор он также создал произведение расширенной формы «Rights of Swing» (по аналогии с «Rites of Spring» Стравинского), а его камерные пьесы «Four Moods For Alto & Piano» и «Three Improvisations» для квартета саксофонов впервые прозвучали на концерте в нью-йоркском Таун-Холле.

В 1980-е мы постоянно видели «Phil Woods Quintet» в первой тройке лучших джазовых комбо по всем анкетам. На «Jazz Jamboree 88» (Варшава) в его квинтете играли удивительный трубач Том Харрел, оригинальный пианист Хэл Галпер, басист Стив Гилмор и барабанщик Билл Гудвин. Этот состав сохранился и по сей день. Он является украшением любого фестиваля, это классика современного джаза.

«Я горжусь тем, что меня называют джазовым музыкантом, потому что джаз – это просто то, что я делаю, что я есть и чем живу. Главной целью артиста всегда было что-то сказать людям. И когда я выхожу на сцену играть, то делаю всё лучшее, что могу».

Избранная дискография

Woodlore (1955).

Young Bloods (1956).

Bin! Feathers (1957).

Rights of Swing (1960).

Musique Du Bois (1974).

Live from the Showboat (1976).

More Live (1979).

Three for All (1981).

At the Vanguard (1982).

Integrity (1984).

Bop Stew (1987).

Evolution (1988).

Flash (1989).

All Bird’s Children (1990).

Real Life (1990).

Live from New York (1991).

Вячеслав Ганелин

На протяжении 15 лет в 1970-1980-е гг. в советском джазе наверняка не было более часто обсуждаемого среди любителей и экспертов малого джазового состава (комбо), чем трио «Г-Т-Ч». Его выступления повсеместно вызывали огромный интерес серьёзных критиков и молодых дилетантов, внимательных аналитиков и скандальных тусовщиков того времени. Эта необыкновенная музыка была самым тесным образом связана с индивидуальными особенностями участников трио, фактическим стратегом и признанным лидером которого неизменно был Слава Ганелин.

Композитор и пианист Вячеслав Шевелевич Ганелин родился 17 декабря 1944 г. в подмосковном городке Красково. На рояле он начал играть с четырёх лет, а джазом заинтересовался в 1961 г., живя в Вильнюсе. Первым самым крупным джазовым форумом для него стала сцена знаменитого международного фестиваля в Таллине, где в мае 1967 г. Слава выступил со своим трио, тогда ещё обычного вида (фортепиано, бас и ударные). Но более важной для его будущего оказалась «историческая встреча» с барабанщиком В. Тарасовым в 1969 г., с которым вначале был образован дуэт.

В. Ганелин окончил Литовскую консерваторию (1968) по классу композиции и работал там зав. музчастью Русского драмтеатра. Однако вскоре он стал известен по всей стране благодаря своим выступлениям на джаз-фестивалях и концертах. Его дуэт с Тарасовым произвёл фурор и вызвал много споров на фестивалях в Горьком (октябрь 1970) и Донецке (февраль 1971), показав программу «Opus a Due» в форме цикла коротких пьес авангардного направления, но уже в марте 1971 г. к ним присоединился саксофонист из Свердловска В. Чекасин, и следующие полтора десятилетия ансамбль существовал как трио «Г-Т-Ч».

Трио поражало слушателей совершенно необычной музыкой. Программа «Триптих» имел большой успех на фестивале в Донецке (март 1973) благодаря использованию непривычных тогда электронных приёмов, фонограмм, световых эффектов, общемузыкального имиджа и т. п. В дальнейшем трио Ганелина также предпочитало выступать не с исполнением отдельных номеров, а с развёрнутым циклом пьес, объединённых какой-либо центральной идеей, и с тех пор почти ежегодно ансамбль представлял новую программу, часто непохожую на все предыдущие. Это были такие произведения, как «Ad Libitum» (1974), «Ех Libris» (1975), «Con Anima» и «Росо а Росо» (1976), «Concerto Grosso» (1977), «Домашнее музицирование» (1979), «Ancora Da Capo» (1980), «Con Fuoco» и «Poi Segue» (1981), «Simplice» (1984) и «Non Troppo» (1985).

Сам Ганелин обычно играл в трио на рояле, электрооргане, бассете (клавишный бас) и некоторых других вспомогательных инструментах. Помимо поездок и выступлений с трио, он продолжал также заниматься и своей основной работой в театре. Ганелин является автором двух опёр на национальную тематику – «Чёртова невеста» (1973, позже был снят одноимённый фильм) и «Рыжая лгунья и солдат» (1977), балета «Пугачёв» (1970), ряда детских мюзиклов, сочинений для оркестра и песен на стихи литовских поэтов.

Трио и его музыканты были лауреатами большинства всесоюзных и международных джаз-фестивалей, регулярно появлялись на сценах в Москве, Ленинграде (фестиваль «Осенние ритмы») и во многих других городах нашей страны. С 1976 г. «Г-Т-Ч» начало выступать и за рубежом – в Варшаве, Дортмунде, Западном Берлине, Финляндии и Югославии, но самым выдающимся триумфом стали двухнедельные, состоявшие из сплошных аншлагов, гастроли в Англии (1984) и США (1986).

Музыку трио можно было назвать композиционным фри-джазом (так считали и западные критики), а сам Ганелин однажды сказал: «Мы строим импровизацию как процесс непрерывных структурных преобразований. При этом мы используем все формальные достижения современной музыки и все традиционно свойственные джазу компоненты – артикуляцию, свинг и т. д.». За эти годы фирма «Мелодия» выпустила примерно полдюжины пластинок с записями разных программ «Г-Т-Ч» и почти столько же дисков вышло на зарубежных фирмах – польской «Музе», немецкой «Амиге», английской «Leo Records», американской «East Wind».

В середине 1980-х гг. пути музыкантов разошлись, и они начали всё чаще выступать отдельно. Ганелин больше времени стал посвящать сочинению иной музыки (не обязательно джазовой), и после поездки в Штаты его трио распалось. Сам он теперь уже много лет вместе с женой и дочерью живёт в Тель-Авиве, где продолжает работать по своей специальности. В те годы местная пресса писала, что «в израильский джаз пришло второе дыхание в лице замечательных советских музыкантов». Однако чуда не произошло, и Ганелин не стал пророком в своём историческом отечестве. Он по-прежнему играет музыку образца 1970-1980-х гг., а новое развитие не пришло. И в отсутствие единомышленников он иной раз предпочитает музицировать наедине с компьютером...

В июле 1996 г. на 31-м по счёту джаз-фестивале в финском городе Пори устроители решили вновь собрать музыкантов, которые когда-то удивляли мировое джазовое сообщество своей оригинальной музыкой. Вячеслав Ганелин выступил здесь с трио в новом составе из числа других его литовских коллег прошлых лет (саксофонист П. Вишняускас и барабанщик А. Готесман). Но эта реанимация оставила у слушателей впечатление, что у него пропал заряд, главный стержень – вроде бы все звуки те же, а музыка не та. Всё же когда существовало «Г-Т-Ч», для Славы Ганелина, несомненно, это было лучшее время его музыкальной жизни. А может быть, и не только в музыкальной.

Георгий Гаранян

Не только нашим любителям джаза, но и достаточно широкой публике хорошо знакомо это имя. Мы видели его на этикетках пластинок и в титрах кинофильмов, слышали по радио, читали в газетах и журналах. Удивительна судьба этого музыканта, который из студента технического вуза превратился в первоклассного джазового лидера нашей страны.