Текст книги "История мировой культуры"
Автор книги: Татьяна Колядич
Соавторы: Федор Капица
сообщить о нарушении
Текущая страница: 9 (всего у книги 40 страниц) [доступный отрывок для чтения: 15 страниц]
Д
ДАДАИЗМ – одно из направлений абстрактного искусства. Хронологически располагается между кубизмом и сюрреализмом; истоки, время бытования и активной деятельности ограничиваются всего десятилетием. Однако это течение вошло в историю культуры как бунтарское направление, разрушившее традиционные изобразительные приемы и существенно обновившее технику письма. Многие рассматривали его как отражение общественного сознания периода первой мировой войны, вызвавшей хаос, разрушение, отрицание прежних ценностей.
Датой рождения дадаизма обычно считают 1916 год, когда один из его основоположников румын Тристан Тцара написал манифест к первому из вечеров дадаистов в цюрихском кафе «Вольтер». Подобные вечера постепенно вошли в традицию и стали одним из средств выражения эстетики этого течения.
С 1920 года большинство представителей дадаизма переезжает в Париж. Там также устраиваются вечера с участием Ж. Кокто, П. Элюара, А. Бретона. На одном из них, 21 октября 1921 года, присутствовали русские мастера С. Шаршун и И. Зданевич. Последними выступлениями дадаистов, запомнившимися парижанам, стали «Трансментальный бал» и «Банальный бал».
Не менее экстравагантными были и выставки дадаистов. Самой скандальной оказалась кельнская выставка 1920 года, инициаторами которой явились Арп, Эрнст и Бааргельд. Вход проходил через помещение мужского туалета, зрителям предлагалось оценить «Флюидоспектрик» Бааргельда – аквариум, на поверхности которого плавали пятна краски и женские волосы, а на дне лежал будильник. Эрнст выставил топор и чурбан, чтобы зрители могли активно выразить свое отношение.
Дадаизм быстро распространялся. Возникнув как литературное течение, он проявлялся и в живописи, и в фотографии, и в скульптуре. Его основными центрами стали Цюрих, Кельн, Берлин, Ганновер, Париж и Нью-Йорк.
Само название настраивало на игру, что должно было означать интернациональный характер течения (на французском «дада» – детская игрушка в виде коня, на немецком – «будь добр, слезь с моей шеи», у детей – лепет). По-русски «дада» (да-да) – двойное утверждение. Игровой элемент обусловил тот факт, что во многом программными произведениями стали картина М. Дюшана «Мона Лиза с усами» и монтаж мужского торса с воспроизведением торса Венеры Й. Баадера.
Несмотря на задачу всеобщего отрицания, дадаизм был связан с эстетикой современных ему художественных течений. Его представители смогли нащупать основу будущих художественных течений и придумать некоторые совершенно новые приемы и формы творчества: коллажи (наклеенные на холст опилки, окурки, газеты), «аэрограммы» (картины, созданные при помощи распыления краски пульверизатором), «реограммы» – отпечатки предметов на светочувствительных поверхностях.
Дадаисты первыми стали представлять обыденные предметы как объекты искусства: велосипедное колесо на табурете, сушилку для волос (автор – М. Дюшан (1887–1967), а их методы комбинации предметов явились источником поп-арта.
Под влиянием дадаизма и на основе уже существовавших центров складываются два самостоятельных течения – сюрреализм (основоположник А. Бретон) и немецкий экспрессионизм.
ДАОСИЗМ
Так называют одно из двух основных течений китайской философии и мифологии. Его основателем считают древнекитайского философа Лао-цзы, жившего в VII веке до н. э. В основе даосизма лежит представление о том, что любой предмет материального мира имеет свой путь – Дао – от возникновения до исчезновения (таких фаз бывает семь или девять). Как религия даосизм представляет собой смесь шаманства и веры во всевозможных духов – злых и добрых. Духи же обитают повсюду – в воздухе, на земле, под водой, в горах, даже на планетах и созвездиях. Таким образом, всю свою жизнь человек чувствует себя в зависимости от них и старается предохраниться от злобы одних и получить поддержку других. Верховным владыкой духов является Нефритовый император.
Очень важную роль у даосов играет звездное небо. Свет и тьма связываются ими с борьбой двух начал – Ян и Инь. От них зависит добро и зло, жизнь и смерть. Главным созвездием даосы считали Северное созвездие, т. е. Большую Медведицу.
Важное место в даосизме отведено вере в возможность обрести бессмертие посредством магии и духовного очищения человека. Даосские монахи создали цельную систему физического совершенствования человека, в которую входят дыхательные упражнения, специальная диета, тренировка воли с элементами индийской йоги.
ДЕКАДАНС
Обычно этим словом обозначают особую форму умонастроения, которая отличала многих представителей мировой и русской культуры в конце XIX – начале XX века. В Европе она появилась под влиянием поражения революций 1848 года и постепенно дошла и до России. Внешне она выражалась в преобладании настроений отчаяния, бессилия, душевной усталости.
Подобное неприятие окружающего мира возникает в кризисные эпохи. При этом характерны подчеркнутый индивидуализм, осознание себя носителем высокой, но гибнущей культуры. Важно отметить, что декадентство – это не литературное направление и не название одного из стилей, а сочетание взгляда на действительность как на предмет, не стоящий изображения, и пристального внимания к изображению внутреннего мира личности. Вот почему декадентами называют представителей самых различных художественных направлений той поры – и таких, как А. Блок, З. Гиппиус и Д. Мережковский, и А. Ахматову, и В. Кандинского, и Ф. Сологуба. И список этот можно продолжать и продолжать. Очень показательно также то, что декадентству отдали дань многие представители реалистического направления в русской культуре – художники П. Кончаловский и С. Малявин, писатели И. Бунин и Л. Андреев, композиторы И. Стравинский и С. Рахманинов.
В 90-е годы XIX века чувство «конца» стало своего рода данью моде, а во время революции 1905–1907 годов – ответом на злобу дня. Но проповедь «чистого искусства», в которой критики нередко упрекали декадентов, имела и положительные черты. Она стимулировала творческий поиск, заставляла совершенствовать уже привычные формы, открывала в них новые, неизвестные возможности. Особенно ярко это проявилось в музыке и живописи. Не случайно именно в творчестве декадентов находятся истоки многих течений, определивших лицо мировой культуры XX века.
(См. также Модернизм, Символизм).
ДЕКЛАМАЦИЯ (лат. declamatio – упражнение в речах)
Первоначально декламация означала произнесение речи на заданную тему. Подобная форма риторических упражнений была создана в греческих школах. Она входила в систему подготовки будущих ораторов и политических деятелей, поскольку каждый из них должен был уметь составить соответствующий диалог или монолог. Предметом могли стать любые обстоятельства внешней жизни, главное заключалось в их умелом изложении.
Именно путем убеждения оказывалось влияние на противостоящую сторону в суде, выносились важные решения на общих заседаниях. Постепенно декламация утратила черты импровизации, и ее стали понимать лишь как умение правильно произносить заранее составленный текст. Однако сохранились ее свойства – определенная музыкальность речи, владение дыханием и дикцией. Приемы декламации использовались и в античной драме, причем именно там впервые было отработано произнесение текста несколько нараспев.
В средние века в так называемой «школьной драме» декламация применялась при произнесении прозаических фрагментов неритмизованного текста, например, когда разыгрывали сцены из Библии.
Техника произнесения художественного текста приобрела большое значение с развитием театрального искусства. В мелодрамах XVIII века текст нередко произносили под музыку. Во французском театре даже пытались изображать речь актера в виде своеобразной мелодии.
С развитием оперного жанра декламация заняла свое место и там. В ранних оперных произведениях часть текста не пелась, а произносилась актерами. Такой текст называется речитативом. Он может быть разговорным, то есть произноситься в определенном ритме без музыки, а может быть и музыкальным, положенным на ноты для произнесения под музыку. В этом случае слова необходимо произносить в определенном ритме. Подобный прием широко использован, например, в операх Дж. Россини.
К музыкальной декламации относят и мелодекламацию, то есть чтение художественного текста под музыкальный аккомпанемент. Такая манера исполнения произведений была в употреблении уже в начале XIX века, когда вошло в моду домашнее музицирование.
Когда наступил «серебряный век», поэзия зазвучала в кружках и салонах, где собирались любители искусств и было принято читать стихи и музицировать. Не случайно многие стихотворения, например, К. Бальмонта основаны на звукописи, что как бы обуславливает их чтение на фоне музыки.
Музыкальная декламация и мелодекламация явились синтетическими жанрами, которые помогали глубже проникать в прекрасную мелодику стихотворений. Сегодня подобный прием чтения употребляется достаточно редко.
ДЕКОР (лат. decorare – украшать) – система украшений сооружения или изделия.
Декор выступает в единстве с архитектурным решением зданий и помогает полнее раскрыть своеобразие замысла архитектора. Простой декор сводится к различным видам отделки и покраски стен, а сложный подразумевает их зрительное преобразование. Оно достигается посредством размещения на стенах и фронтонах различных украшений, росписей, наличников.
Часто с помощью декора объединяются в ансамбль постройки, возведенные в разное время. Обычная же его функция следующая: внутренний декор здания формирует настроение и влияет на восприятие всех остальных элементов интерьера – мебели, посуды и т. д.
Декор является одним из средств, способствующих раскрытию выразительности предмета, усиливающих его эстетическое воздействие. Неудачный декор помещения, например, может помешать правильной оценке того или иного произведения искусства.
ДЕРЕВЯННАЯ АРХИТЕКТУРА – обширная область архитектуры, определяемая спецификой строительного материала – дерева – и соответствующими строительными приемами. Дерево является одним из древнейших строительных материалов. Издавна сложились две конструктивные схемы деревянных построек – срубная и каркасная. Любопытно, что они дошли до нашего времени без больших изменений. Причиной этого является устойчивость хозяйственно-бытового уклада, приведшая к единообразию планировки народного жилого дома (в России это изба).
В различных районах сложились не похожие друг на друга типы изб. В районах с холодным климатом преобладают четырехстенные избы на высоком подклете, причем изба и двор располагались под общей крышей. К ним близки сибирские избы, состоящие из нескольких поставленных рядом срубов. Их так и называли – двойни, тройни, и внешне они напоминали закрытую со всех сторон крепость. Более приветливо выглядели избы среднерусской полосы, украшенные нарядной резьбой и большим количеством окон.
В основе избы лежит сруб или клеть с очагом, позже замененным печью, и двух– или четырехскатная крыша. Срубная конструкция образуется горизонтально уложенными бревнами. Длинные жерди, образующие основу крыши, опираются на уступы бревенчатых фронтонов – самцы, – продолжающие торцовую стену сруба. Венчает крышу охлупень – бревно, прижимающее тесовую кровлю.
Срубные жилища распространены в России, Австрии, Германии, Польше, Румынии, Чехии, Словакии, Югославии, скандинавских странах, горных районах Италии и Швейцарии. Местные особенности выражаются в различных размерах, формах и расположении срубов. Размеры бревен ограничивали длину и ширину клети, но можно было значительно увеличивать ее высоту.
Срубное жилище может состоять и из нескольких клетей, разделенных на два-три помещения. Система клетей, соединенных сенями и переходами, называлась на Руси хоромами.
Сочетание четырех или восьми угольных срубов – отличительная особенность архитектуры деревянных церквей. Формы и архитектурные решения шатровых храмов весьма разнообразны. Они могут достигать большой высоты (например, церковь в Кижах).
Не меньшее значение имели и деревянные оборонительные сооружения – остроги. Они также состояли из срубных конструкций, образующих стены с открытым ходом наверху, защищенным бревенчатым «заборолом», и башен, завершенных невысокими шатрами.
В каркасных домах основой конструкции являются опорные столбы с лежащими на них горизонтальными балками. Они образуют раму, которая и заполняется стенными материалами (деревом, глиной или камнем).
Одним из типов каркасного дома является фахверк. Дома каркасного типа встречаются в странах Азии, Африки, Америки, Океании. Фахверковое зодчество распространено во многих странах северной Европы – Австрии, Дании, Германии, Швейцарии. Для каркасных зданий характерно огромное разнообразие внешних форм и планировки. Например, японские каркасные дома отличаются большой легкостью и легким изменением планировки с помощью перестановки внутренних перегородок.
С развитием городов дерево постепенно уступает место камню и кирпичу. Вот почему традиционная деревянная архитектура уже с конца XVII века представлена преимущественно избами и сельскими храмами.
В конце XIX – начале XX века архитекторы нередко обращались к приемам народной деревянной архитектуры для строительства дач, выставочных павильонов, зданий железнодорожных станций. В XX веке использование дерева сводится к применению клееных балок, различных продуктов деревообработки – оргалита, ДСП, фанеры.
ДЕРЕВЯННЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Деревянными духовыми называют обширную группу музыкальных инструментов, объединенных материалом – деревом, а также способом извлечения звука – движением воздуха, вызванным дыханием музыканта.
Дерево издавна применялось для изготовления народных инструментов. Древнейшим является свирель-сиринга. Это закупоренная с одного конца деревянная трубка. Звук вызывается колебанием заключенного в ней воздушного столба.
Следующим по времени появления является дудка, где для извлечения звука используется специальная свистулька, вставленная в резонаторную трубку с отверстиями. Эти инструменты представлены практически у всех народов мира. Делали их из самых различных материалов – тростника и бамбука, керамики и рогов животных, морских раковин и веток растений. С развитием профессиональной музыки на их основе и были созданы те инструменты, которые можно увидеть в современном симфоническом оркестре. Поговорим о каждом из них подробнее.
Древнейшим музыкальным инструментом является флейта. Она дает незатейливые свистящие звуки, получаемые при колебании воздушного столба в трубке, куда исполнитель вдувает воздух через специальное отверстие. За долгие годы существования флейты было создано множество конструкций, но наиболее часто в оркестре применяют лишь три: самую маленькую – пикколо, среднюю (соль) и большую.
Кларнет намного моложе флейты. Он появился в XVII веке, хотя предки его звучали еще в Древнем Египте. Звук в кларнете извлекается при прохождении через узкую щель, куда музыкант дует через специальный мундштук – бочонок. Ясное и чистое звучание и прекрасный тембр хорошо сочетаются с другими музыкальными инструментами.
Гобой внешне напоминает кларнет, хотя устроен несколько иначе. Музыкант дует в него через узкую трубку – трость, отчего звук получается несколько гнусавым и не таким громким, как у кларнета. Говорят, что он напоминает человеческий голос. Появился гобой во Франции в XVII веке на основе реконструкции народного предка – шалмея. Важным качеством гобоя является точность звука по высоте, поэтому нота ля первой октавы, сыгранная гобоем, служит для настройки всех оркестровых инструментов.
Очень близок к гобою английский рожок. У него несколько округлый раструб, придающий звуку неповторимую мягкость. Может быть, поэтому английский рожок солирует в характерных, затейливых танцах.
Фагот по устройству аналогичен гобою, но в отличие от него сложен вдвое. Благодаря колену звук у него более низкий и не такой громкий. Однако он достаточно подвижен и может звучать с сильным комическим эффектом, особенно заметным при быстрых пассажах. Для удобства музыкант дует в фагот через изогнутую трубку. Предком фагота является большая деревянная труба – бомбарда. Она была такой длинной, что играли на ней вдвоем – один музыкант держал ее, а другой играл. Вот почему создатели фагота и сложили ее вдвое.
В симфоническом оркестре деревянные духовые инструменты составляют одну из основных групп. Не менее широко они встречаются и в камерных ансамблях.
ДЕТАЛИЗАЦИЯ
Понять данный прием и сложно, и вместе с тем просто. При восприятии того или иного произведения мы прежде всего вспоминаем какие-либо подробности, на которые обращает внимание художник, – например, щит, на который опирается Александр Невский на картине П. Корина. Этот образ (щит – защита Родины) объединяет все три картины в одно произведение – триптих. Иногда деталь помогает понять содержание картины. Черно-белый пол на историческом полотне Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея» напоминает о непримиримом столкновении двух персонажей.
Таким образом, деталь играет важную роль в восприятии того или иного произведения. Благодаря деталям мы можем точнее представить себе эпоху, когда создавалось данное произведение. Например, увлечение изображением бытовых предметов в натюрморте характерно для фламандской школы живописи.
Конечно, чрезмерное нагромождение деталей может привести к превращению картины в склад забытых и ненужных вещей, но иногда и оно помогает художнику передать свое отношение к изображаемому. Так, в картине П. А. Федотова «Свежий кавалер» мы видим множество мелких бытовых подробностей. Вначале кажется, что они лишь загромождают полотно, но вскоре становится ясно, что они четко передают саркастическую насмешку автора над героем.
Своеобразна роль детали в скульптуре. Вот, например, меч на памятнике Минину и Пожарскому работы И. П. Мартоса. Он не только показывает, что изображенные на памятнике – воины, но своей прямотой символизирует их стойкость. Поэтому скульптурная деталь чаще всего является символом, а не просто изображением предмета.
Встречаются детали и в музыкальных произведениях, только там они особенные – звуковые. Это короткие цитаты из хорошо знакомых слушателям мелодий. Например, в напряженную финальную сцену Кармен и Эскамильо в опере Ж. Бизе «Кармен» вплетены фрагменты из песенки тореадора и выходной арии Кармен. Они как бы оттеняют напряженный сюжет, подводят зрителей к главному – трагической развязке.
Совершенно иначе использована музыкальная деталь П. И. Чайковским. В балете «Лебединое озеро» сцену бала открывают несколько небольших танцев, в которых использованы хорошо известные народные мелодии. Своей незамысловатостью они еще ярче выделяют финал картины – адажио принца и злой Одиллии, околдовавшей его.
В симфонических произведениях также встречаются детали: например, в симфонических иллюстрациях Г. Свиридова к повести А. С. Пушкина «Метель» звучат фрагменты народных песен («Степь да степь кругом»). Они порождают необходимый автору образ заметенного метелью поля скорее, чем пространная симфоническая картина.
ДЖАЗ
Корни джаза – в музыкальном фольклоре привезенных в Америку негров. Начиная с XVII века они жили, работали и развлекались в ином этническом окружении. Их исконная музыкальная культура постепенно смешивалась с европейской, также завезенной в Америку, и в результате к середине XVIII века сложился особый род музыки, преимущественно увеселительного, танцевального характера.
Собственно джаз появился в Новом Орлеане между 1900 и 1905 годами. В это время там возникло множество самодеятельных оркестров, которые и назывались «джазы-банды». Однако широкой публике их искусство стало известно лишь с 20-х годов XX века. Первая пластинка с записью музыки «джаз-банды» вышла 26 февраля 1917 года. С этого времени и началось постепенное распространение джаза сначала в Америке, а затем и в других странах мира.
Быстрому распространению джаза способствовали и его природные качества: импровизационность, повышенная эмоциональность исполнения, ритмическая изощренность.
Свежее, оригинальное искусство нью-орлеанских пионеров джаза (так называемый hot jazz – горячий джаз) уже в 20-е годов было быстро вытеснено «коммерческим» джазом Бродвея. В последующие десятилетия джаз дал многочисленные ответвления и школы («свинг», «би-боп», стиль «прогрессив», симфоджаз и т. д.), выдвинул крупных композиторов (Дж. Гершвин, Д. Эллингтон, Л. Армстронг) и исполнителей (певица Э. Фицджералд, кларнетист Б. Гудмен, пианист Арт Татум и др.). Джазу органически присущи черты легкого жанра, что подчас маскирует его художественную самобытность.
В СССР джаз получил распространение с середины 20-х годов. Родоначальником (хотя и не первенцем) этого направления следует считать «Tea-джаз», организованный в 1929 году певцом и музыкантом Л. О. Утесовым. Тесно связанный на протяжении многих лет с советской массовой песней, джазовый стиль в эстрадном искусстве нашей страны нередко именовали «песенным джазом».
Из музыкантов, много сделавших для утверждения и распространения джаза в 30–50-е годы, следует назвать выдающегося композитора И. О. Дунаевского (1900–1955), а также композитора и дирижера А В. Варламова, одного из первых советских профессиональных композиторов, работавших в области джаза, автора более 350 эстрадных пьес; пианиста и композитора А. Н. Цфасмана, трубача и дирижера Я. Б. Скоморовского, дирижеров и аранжировщиков В. Н. Кнушевицкого, Л. А. Дидерихса, Н. Г. Минха, В. А. Людвиковского, О. Л. Лундстрема, Ю. В. Силантьева и др.
ДИВЕРТИСМЕНТ (фр. divertissement – увеселение, развлечение)
Первое значение этого слова связано с названием цикла из нескольких разнохарактерных музыкальных пьес, подобных сюите. Он был распространен в начале XVIII века. В свою очередь понятие стало названием жанра музыкального или драматического произведения, состоящего из ряда отдельных номеров. Такое произведение обычно имело легкий танцевальный или маршевый характер (дивертисменты Гайдна, Моцарта), а позже – блестящие виртуозные произведения (например, «Венгерский дивертисмент» для фортепиано в 4 руки Шуберта).
Дивертисментом также называлось развлекательное представление, включавшее номера разнообразного характера: танцы, песни и т. п. В XVIII и первой половине XIX века оно давалось в перерывах между действиями в оперных или балетных спектаклях. В операх и балетах дивертисментами называют вставные номера или сцены, не связанные с сюжетом произведения. Таков, например, дивертисмент (серия танцев), которым заканчивается балет П. И. Чайковского «Щелкунчик» или танцы в сцене бала в балете «Спящая красавица».
Наконец, дивертисментом именуют и эстрадный концерт разнообразного содержания, поскольку понятно, что отдельные номера могут составлять и единое целое.
ДИЗАЙН
Термин происходит от англ. design – чертить, проектировать. Им обозначают разновидность художественно-проектной деятельности по созданию промышленных изделий и формированию целостной предметной среды, окружающей человека.
Дизайн, или, как его иногда называют, художественное конструирование, – неотъемлемая составная часть современного процесса создания промышленной продукции. Созданное художником-дизайнером изделие становится эталоном для будущего промышленного производства.
Дизайн возник одновременно с переходом от ручного к машинному производству и оформился в самостоятельный вид искусства в конце прошлого века, когда повсеместно стало развиваться массовое производство изделий широкого потребления. Первоначально он заключался в стремлении возродить старинные ремесленные традиции, но уже в самом начале XX века утопичность такого подхода стала очевидной. В двадцатые годы были заложены теоретические и практические основы современного дизайна. Им занимались в разных странах. Можно назвать имена русского инженера В. Г. Шухова, архитектора И. Рерберга и немцев П. Беренса и В. Гропиуса (см. Баухауз).
В 30–40-е годы дизайн интенсивно развивается как в Европе, так и в США, открываются даже соответствующие факультеты вузов. В России развитие дизайна связано с деятельностью ВХУТЕМАСа, где работали теоретики и практики прикладного искусства. Однако затем эта линия в развитии прикладного искусства была насильственно прервана, и лишь в 60-е годы началось ее медленное возрождение. Специализированные же организации (например, ВНИИ технической эстетики) появились лишь в середине 60-х годов.
ДИКСИЛЕНД – наименование джазовых ансамблей, возникших в 1910-х гг. в США и состоявших исключительно из белых музыкантов. Само же название dixieland, буквально означающее по-английски «земля Дикси», происходит от бытовавшего в США наименования южных штатов страны.
Подобного рода ансамбли играли джазовую музыку так называемого нью-орлеанского стиля, характерными чертами которого были коллективная импровизация и простой аккомпанемент в сочетании с острым ритмом.
На рубеже 20-х годов такие ансамбли получили широкое распространение и в Европе. Впитав в себя многие приемы европейской техники, коллективы этого типа впоследствии перешли на исполнение главным образом танцевальной (или развлекательной) музыки.
Один из подобных современных ансамблей сегодня работает в Санкт-Петербурге, он так и называется – «Диксиленд».
ДИОРАМА (греч. dia – через, насквозь и horama – вид, зрелище) – лентообразная картина, размещаемая на полукруглом подрамнике, в которой живопись дополняется предметным планом, состоящим из бутафорских и реальных предметов и сооружений. Таким образом, диорама приближается к театральной декорации. С театром диораму объединяет искусственное освещение с использованием световых эффектов, подобие сценической рамы, откуда осуществляется ее обозрение.
Обычно диорама имеет вид сравнительно невысокого полуцилиндра значительных размеров, внутри которого всю вертикальную поверхность занимает живопись, а горизонтальную – предметный план, «макет». Зритель отделен от пространства диорамы большим проемом в передней стенке, напоминающим театральную рампу. В прошлом отличительные свойства диорамы были основаны главным образом на особой технике исполнения: живопись наносилась на полупрозрачную поверхность, что позволяло использовать подсветку с задней стороны. При этом разрушалась свойственная картине односторонность освещения и возникала иллюзия объема. В современных условиях этот же эффект достигается с помощью особым образом направленного освещения. Для размещения крупных диорам строятся специальные павильоны.
Как и панорама, диорама дает иллюзию обширного пространства и изображает преимущественно батальные сцены, например, «Взятие Ростова» М. Б. Грекова (1929), «Форсирование Днепра войсками Советской Армии» А. А. Горпенко, А. М. Стадника, П. И. Жигимонта (1948).
ДИПТИХ
Первоначально диптихом называли две дощечки, покрытые с одной стороны резьбой или росписью, а с другой – воском, на котором можно было писать острой палочкой – стилем. Они скреплялись друг с другом наподобие книжного переплета и использовались как записная книжка, были особенно распространены в Древнем Риме.
С принятием христианства диптихи стали использовать для записи текстов молитв и имен усопших, поминавшихся при богослужениях. Позже диптихами стали называть и небольшие иконы, скрепленные боковыми сторонами. Это были образы святых, перед которыми можно было молиться дома и в пути. Постепенно это же название закрепилось и за двумя картинами, объединенными общим замыслом.
ДИРИЖЕР
Если спросить не музыканта, чем занят дирижер во время концерта, то ответ, скорее всего, будет такой: он показывает музыкантам, как играть, то есть когда начинать и когда заканчивать. Конечно, на самом деле все обстоит гораздо сложнее и роль дирижера намного важнее.
Главное качество дирижера – умение воплотить свой замысел исполнения того или иного произведения и реализовать его с помощью музыкантов-исполнителей. А в оперном спектакле роль дирижера еще сложнее, поскольку он управляет не только оркестром и хором, но и солистами и должен всех их объединить в единый исполнительский ансамбль. Чтобы понять, откуда же он все-таки появился перед оркестром или хором, обратимся к истории.
В оркестрах XVIII века дирижера с палочкой не было. Вместо него перед музыкантами находился концертмейстер со скрипкой в руке. Он начинал исполнение произведения и следил за тем, чтобы все остальные музыканты играли слаженно и мелодично. Если же в исполнении участвовал хор, то им управлял капельмейстер, который аккомпанировал певцам на клавесине. В то время дирижер стоял лицом к публике, а не к оркестру. Этот обычай пришел из обихода придворных оркестров, когда никто не смел поворачиваться спиной к августейшей особе, сидевшей в ложе.
Начиная с первой половины прошлого века дирижер уже не играл, а лишь управлял оркестром. Первыми встали спиной к публике знаменитые композиторы Ф. Мендельсон и Р. Вагнер. За последнее столетие дирижерское искусство развилось в самостоятельную отрасль музыкального исполнительства. Оно начиналось с творчества композиторов и дирижеров Г. Малера, П. Чайковского, С. Рахманинова.
Музыку XX века невозможно представить без имен дирижеров Л. Стоковского, А. Тосканини, Г. Караяна, К. Аббадо, Зубина Меты, Г. Н. Голованова, Е. А. Мравинского, Г. Н. Рождественского, М. Л. Ростроповича, Ю. Х. Темирканова, Е. Ф. Светланова.
(См. также Оркестр).
ДИСКО – одно из течений танцевального рока. Возникло в связи со шлягерами групп «АББА» и «Бони М». Название получило в связи с популярностью дискотек. В основе этого популярного танца лежит четкий ритм и приятная мелодия, позволяющая танцевать даже неподготовленному человеку. В песнях стиля диско, в отличие от настоящего рока, не затрагиваются никакие социальные проблемы.
ДИСКОТЕКА
Первоначальное значение слова – собрание или хранилище пластинок (по аналогии с фильмотекой или пинакотекой).
В 20–30-е годы, когда грампластинки стали пользоваться огромной популярностью, дискотеками стали называть большие шкафы, где хранились пластинки, в небольших барах, ресторанах и закусочных. Появились и специальные люди, ставившие для посетителей пластинки. Они и явились предшественниками современных диск-жокеев.
С середины 70-х гг. в нашей стране дискотеками стали называть музыкально-танцевальные вечера, во время которых посетители слушали пластинки или магнитофонные записи популярной музыки. Ведущий такого вечера и стал называться диск-жокеем.
Дискотеки быстро завоевали популярность во всем мире и стали одной из любимых форм проведения досуга людьми самого разного возраста.
