Текст книги "История мировой культуры"
Автор книги: Татьяна Колядич
Соавторы: Федор Капица
сообщить о нарушении
Текущая страница: 17 (всего у книги 40 страниц) [доступный отрывок для чтения: 17 страниц]
КЛИНОПИСЬ – письменность, знаки которой состоят из групп клинообразных черточек (знаки отпечатывались на сырой глине). Возникла около 3000 г. до н. э. в Шумере и позже была приспособлена для аккадского, эламского, хеттского, урартского и других языков. Археологи обнаружили огромные монументальные тексты, высеченные на камне, а также несколько тысяч табличек из глины, покрытых таинственными знаками.
Первым человеком, который прочитал клинопись, был школьный учитель из немецкого города Геттингена Г. Гротефенд. В 1802 году он опубликовал статью, в которой предложил расшифровку некоторых имен. Независимо от него английский офицер и дипломат Г. Роулинсон, живший в Персии, также разгадал древнеперсидскую письменность и пришел к тем же выводам, что и Гротефенд.
Роулинсон обнаружил, что клинопись была сложной системой, состоящей из 36 фонетических знаков и 5 знаков-логограмм, обозначавших такие понятия, как «царь», «бог», «страна». Кроме того, он установил близость древнеперсидского языка к санскриту – священному языку древней Индии.
Таким образом, было доказано, что письменность древних персов является переходным этапом от иероглифической к алфавитной системе письма.
КЛУБ (англ. club)
Как явление культуры существует в виде общественной организации, добровольно объединяющей группы людей для общения, связанного с различными интересами, а также для совместного отдыха и развлечений. Возникли еще в Древней Греции, но в современном понимании появились в середине XVII века в Англии.
Один из первых клубов был основан в начале XVII века в Англии и назывался Friday street club (Пятничный клуб). Среди его членов был У. Шекспир. Первоначальное значение слова «клуб» – доля, складчина, что отражало главную его особенность – все расходы складывались из взносов его членов.
Затем клубы появились в других странах Европы, а к концу XVIII века и в России. Первым был открыт Английский клуб, название которого возникло оттого, что его основателями были английские бизнесмены, жившие в Петербурге. К числу членов этого клуба принадлежали А. С. Пушкин, И. А. Крылов, В. А. Жуковский. О нем упоминают многие писатели того времени, в частности А. С. Грибоедов в комедии «Горе от ума».
Позже появились клубы представителей самых различных социальных слоев, а в начале XX века и рабочие клубы. Их организация преследовала уже не развлекательные, а гораздо более серьезные задачи – борьбу с пьянством, большевистскую агитацию и т. д.
Любопытно, что в Америке клубы не получили особого распространения, их функцию выполняли холлы и гостиные в американских гостиницах.
После 1917 года в России клубы становятся одним из самых распространенных мест коллективного отдыха. Постепенно они превращаются в важное орудие идеологической агитации и пропаганды нужных системе идей (см. Искусство тоталитарное). Появляется даже особая профессия – клубный работник, которой обучали в специально созданных институтах культуры.
КНИГОПЕЧАТАНИЕ
Современному человеку трудно представить свою жизнь без книг. И тем не менее люди прожили без них большую часть своей истории. Однако потребность в передаче информации была настолько насущной, что независимо друг от друга в разных районах мира были созданы различные приспособления для записи и хранения информации.
В древнем Вавилоне это были глиняные таблички. Они были достаточно дешевы и очень долговечны (обожженная глина практически неразрушима), но из-за малого размера тексты на них были очень короткими. В Египте был создан папирус – легкий, дешевый, но не очень прочный материал. Именно с ним связано превращение книги в товар. Произошло это в Древней Греции, где уже в V веке до н. э. возникла книжная торговля и появились первые библиотеки (кстати, вначале так назывались книжные лавки).
Самый удобный материал для письма был изобретен в Китае. Там не было такого удобного сырья, как папирус, и после многих экспериментов с тряпьем была создана бумага. Уже в VI веке до н. э. был издан императорский указ, по которому бумага стала общеупотребительным материалом для письма.
Появление бумаги стало причиной и следующего шага – печатания текстов, вырезанных на деревянных досках. Полученные оттиски вначале склеивали в свиток, а затем стали складывать наподобие ширмы или гармошки. Но вскоре обнаружилось, что гораздо удобнее их прошивать. Так книга обрела привычную для нас форму.
Вырезать текст на доске – занятие медленное. Но потребовалось несколько веков, прежде чем появилась наборная печать из отдельных знаков. Ее придумал в XI веке кузнец по имени Пи Шэн. Вначале он предложил набирать текст из глиняных знаков, но очень быстро их стали делать из более прочных материалов – дерева, а затем и из олова.
В Европе книгопечатание появилось лишь в середине XV века. Первоначально их печатали как в Китае – с цельных деревянных форм-матриц. В 40-х годах XV века немецкий гравер, ювелир и резчик по камню Иоганн Гутенберг изобрел книгопечатание. Он первым применил разборный шрифт для печатания книги. Изобретение Гутенберга быстро распространилось по всей Европе. К концу 1500 года книги печатали уже в 200–300 городах. За первые 50 лет существования книгопечатания человечество получило больше книг, чем за сотни лет до этого.
В последнем десятилетии XV века появились первые книги, отпечатанные на славянских языках. Их создателем был краковский типограф Швайпольт Фиоль. Вслед за тем появились издания, напечатанные белорусским гуманистом и просветителем Франциском Скориной. Его книги были широко известны в Белоруссии, на Украине и в Москве, где их встретили недружелюбно, потому что они сильно отличались от рукописных. Только в середине XVI века в Москве появилась первая типография. Но настоящего размаха книгопечатание достигло несколько позже, когда начал свою деятельность Иван Федоров. До Смутного времени в Москве было издано не менее 33 названий книг общим тиражом более 30 тысяч экземпляров.
До XIX века книги печатали вручную и технология мало отличалась от предложенной в XV веке. Создание печатной машины в 1814 году положило начало современной типографии. Так постепенно книгопечатание заняло свое место в человеческой культуре. Появилась полиграфическая индустрия, различные машины – печатные, наборные, переплетные. Книга стала доступна всем и превратилась в элемент общей культуры.
КОВЕР – текстильное изделие, имеющее не только практическое, но и художественное значение. Ковры появились одновременно с развитием шерстного скотоводства, и техника их изготовления постепенно совершенствовалась. Ковры находили самое разнообразное применение в быту и в то же время служили украшением жилища.
Наиболее ранние ковры изготовлялись методом валяния шерсти в полотнища различного размера. С появлением прядения и ткачества стали изготовлять вначале тканые, а затем и ворсовые ковры. Их художественные особенности определялись фактурой ткани (ворсовой или безворсовой, толстой или тонкой), характером материала (шерсти, шелка, льна, хлопка, войлока), качеством красителей (натуральных в древности и средневековье, химических со второй половины XIX века). Эстетическое значение ковра также определяется форматом, соотношением каймы и центрального поля, орнаментальным набором и композицией рисунка, цветовым решением.
Ценность ворсовых ковров определяется характером узловязания, плотностью и высотой ворса: на нитях основы завязывают узелки шерстяной пряжи, концы которых продергиваются наружу и ровно подрезаются, образуя на лицевой стороне поверхности ковра ворс, сообщающий ему особую пушистую фактуру. Ковры самой высокой плотности изготавливали в Иране.
К безворсовым, гладким коврам относятся паласы и килимы, распространенные главным образом на Кавказе и на Украине, а также гобелены и шпалеры. У народов Центральной и Средней Азии и Казахстана распространены войлочные ковры – кошмы. Ковры делаются вручную, а с середины XIX века – и на машинах. Бывают также вязаные и вышитые ковры.
Ковроделие – один из древнейших видов декоративно-прикладного искусства, известный еще античному миру (об этом можно судить по сохранившимся мозаикам, где использованы ковровые узоры). Наиболее известны ковры азербайджанские, армянские, дагестанские, иранские, китайские, персидские, туркменские, турецкие.
КОЛИЗЕЙ (ит. Colosseo)
Культурное значение Колизея обусловлено прежде всего его многофункциональностью. Он был создан для развлечений и стал прообразом и современного цирка, и театра, и просто зрелищного учреждения.
Колизей был самым большим амфитеатром не только Рима, но и всего античного мира. Он представлял собой гигантский спортивный стадион, вмещавший 50000 зрителей. Для того чтобы они могли быстро войти и выйти (иногда представления продолжались по несколько дней), существовала продуманная система лестниц и внутренних переходов.
Свое название он получил от колосса – гигантской статуи, стоявшей поблизости от амфитеатра. Полагают, что первоначально это было изображение императора Нерона, созданное в 58 году скульптором Зенодором. Его высота составляла примерно 40 метров. Император Веспасиан велел превратить его в статую Гелиоса, а император Адриан перенес статую в амфитеатр Флавиев, который с тех пор и стал называться Колизеем.
Амфитеатр Флавиев, как и другие архитектурные сооружения в Древнем Риме, получил свое название по имени правителя, при котором он был построен. Так велел его именовать император Тит.
В честь открытия Колизея состоялась торжественная церемония, во время которой было убито 5000 животных. Были также проведены стодневные спортивные игры.
По форме Колизей представлял эллипс с окружностью 524 метра, длина большой оси – 188 метров, малой оси – 156 метров (большая ось арены составляет 86, малая – 54 метра). По высоте Колизей был разделен на четыре огромных яруса, а наружный фасад – на три арочные галереи – аркады, располагавшиеся одна над другой. Каждая аркада состояла из 80 арок. На верхнем ярусе, украшенном колоннадой, было укреплено 240 мачт, на которые натягивался тент для зашиты от солнца.
Помост, или арена, использовался для боев гладиаторов, а также для поединков между людьми и животными и между различными видами животных. Его настил был сделан из прочных бревен, поверх которых рассыпали песок. Он позволял быстро убирать кровь и готовить арену для нового выступления. Иногда поверх помоста напускали воду, и тогда перед зрителями демонстрировалось искусство морского боя.
На арене иногда показывали редких диких животных. Под помостом находились клетки, в которых они содержались, и помещения для хранения реквизита.
Вплоть до 405 года в Колизее проводились гладиаторские бои, а до 526 года – травля зверей. Эти представления всегда собирали множество зрителей – от простых римлян до императоров. С принятием христианства в качестве государственной религии эти игры были запрещены, и Колизей перестали использовать. С тех пор руины Колизея использовались как строительный материал, поэтому он не сохранился до наших дней в целом виде. Сегодня это исторический и культурный памятник, находящийся в центре Рима.
КОЛЛАЖ (франц. collage – букв. наклеивание) – особый прием или картина, частично или целиком создающаяся с помощью прикрепления кусочков бумаги, одежды или других материалов на холст или другую поверхность. От основной поверхности эти материалы отличаются по цвету и фактуре. Разнообразие используемых основ и материалов является характерной особенностью коллажа. Так назывались и произведения, исполненные в этой манере.
В начале XX века коллаж использовался представителями кубизма, футуризма и дадаизма с экспериментаторскими целями, как средство разрушения традиционных представлений о пространстве и достижения большей выразительности путем сочетания разнородных материалов. Так, Ж. Брак, представитель кубизма, вводил в свои картины аппликации, подлинные куски бумаги или дерева.
Коллажи создавал и П. Пикассо. Вместе с Ж. Браком он изобрел папье-колле – бумагу с клейким слоем, облегчавшим прикрепление к холсту. Хаусман и Гросс, представители дадаизма, в своих коллажах создавали образы людей с машинками и моторчиками вместо сердец. Любопытны цветные коллажи Матисса, где он использовал цветные кусочки бумаги вместо красок, добиваясь усиления насыщенности их цвета.
КОЛЛЕКЦИЯ (лат. collectio – собирание) – собрание каких-либо предметов или произведений искусств (в том числе книг, рукописей, картин, гравюр, фарфора, монет, марок, открыток).
Обычно собирают однородные предметы или связанные с какой-либо темой. Собирание – это не просто увлечение или, напротив, болезнь какого-нибудь безрассудного человека, стремящегося все собрать по своей теме. Коллекционирование в равной степени можно назвать искусством и наукой, поскольку оно предполагает полное знание о предмете собирания, а следовательно, его тщательное изучение, описание и систематизацию. Именно этим коллекционирование отличается от простого собирательства.
Первые коллекции появились в эпоху Возрождения, когда вернулся интерес к античности и начались первые раскопки. Поэтому и предметом коллекционирования стали произведения искусства – статуи, геммы, монеты, позже картины. Страстным коллекционером был, например, знаменитый поэт Франческо Петрарка. Среди наиболее обширных и прославленных коллекций – собрания семей Медичи и Боргезе.
В России самые интересные и примечательные коллекции были собраны русскими меценатами. Промышленники не просто вкладывали свои капиталы в искусство, но и становились ревностными собирателями, нередко впоследствии передавая свои коллекции городам и открывая их для доступа широкой публики. Таковы собрания картин и предметов декоративно-прикладного, театрального искусства, принадлежавшие А. Бахрушину, С. Морозову, П. Третьякову, П. Щукину, ставшие основой музеев. Среди собирателей книг и рукописей можно отметить А. Мусина-Пушкина, Н. Румянцева, И. Розанова. Сегодня в Москве существует даже специальный музей частных коллекций.
В музееведении коллекцией называется также часть музейного собрания, выделяемая по тематическим, хронологическим, стилистическим, типологическим и другим принципам (известна коллекция фаюмских портретов ГМИИ).
КОЛОКОЛА
Колокольный звон воспринимается как непременная принадлежность христианского храмового богослужения, а между тем этот обычай возник задолго до появления христианства. Еще в Древнем Египте ударами гонга отмечалось начало жертвоприношения.
Применение громких звуков в начале магических действий имеет ярко выраженный охранительный характер и находит соответствие, например, в обязательных криках шамана перед началом камлания. Представление о том, что колокольный звон разгоняет нечистую силу, отразилось и в обязательном его использовании перед началом христианского богослужения.
После установления христианства колокольный звон стал использоваться для призыва христиан к богослужению и для оповещения о времени обязательных молитв. Древнейшее свидетельство об этом относится к IV веку н. э. Тогда впервые были использованы колокола, отлитые из меди. Поскольку наиболее развитое литейное производство находилось в римской провинции Кампанья, и колокола стали называться кампанами.
Позднее, около VIII века н. э., в церковном уставе появилось упоминание о четырех различных способах колокольного звона. Самый простой из них – благовест (мерные удары в какой-нибудь колокол), призывающий к богослужению. В праздники применялся перезвон, при котором ударяли во все колокола по очереди. При кончине епископа или священника также производился колокольный звон, одновременно в один или два колокола. Такой звон назывался заупокойным. Четвертый – это трезвон по большим праздникам – во время Пасхи, Рождества или престольного праздника данного храма. При трезвоне звонят «во все тяжкие», то есть сразу во все колокола храма.
Колокола широко используются и при исполнении музыкальных произведений. В современном оркестре они превратились в ударный инструмент, обычно представляющий набор колоколов различных размеров и относительно точной настройки. Для достижения большей чистоты тона и портативности в настоящее время вместо колоколов применяются иногда металлические трубы или бруски. Они используются во многих произведениях самых различных жанров – опере («Иван Сусанин» М. Глинки и «Хованщина» М. Мусоргского), симфониях («Богатырская симфония» А. Бородина), хоровых произведениях («Колокола» С. Рахманинова).
Кроме колоколов в оркестре применяются и колокольчики – набор хроматически настроенных металлических пластинок.
КОЛОКОЛЬНЯ – башня с открытым ярусом для колоколов. Ставилась рядом с храмом или включалась в его композицию. Русские колокольни имели различную форму (круглую, восьмигранную и др.), частично покрывались высокими шатрами с главкой, с XVI–XVII веков возводились ярусные колокольни (Колокольня Троице-Сергиевой лавры, 1741–1769). Эти сооружения становились высотными композиционными центрами в архитектурных ансамблях кремлей, монастырей, иногда городов. В Италии колокольня называлась кампаниллой и представляла собой четырехгранную или круглую многоярусную башню, стоящую отдельно от храма. Распространена в итальянской архитектуре средних веков и эпохи Возрождения. Пример кампаниллы – знаменитая «падающая башня» в Пизе.
В древнерусской архитектуре для подвешивания колоколов использовались два вида архитектурных сооружений. Наиболее широко распространена колокольня – надстроенное над храмом или поставленное рядом с ним шатровое или башенное сооружение с проемами для подвешивания колоколов. Значительно меньше распространена звонница. Она имела вид небольшой стены или вытянутого прямоугольника, в кладке которого делались специальные проемы для колоколов. Звонницы наиболее широко распространены на севере России.
КОЛОННА – основной элемент несущей конструкции архитектурных ордеров, имеющий цилиндрическую форму. Возникла как простейший элемент стоечно-балочной конструкции. Колонной мог служить ствол дерева (крито-микенская культура) или стебель лотоса, папируса, пальмы (Египет).
Колонна могла быть частью здания или стоять отдельно. В последнем случае она обычно увенчивается скульптурой и служит памятником (Александровская колонна с фигурой ангела). В этом случае колонна является своеобразной подставкой для статуи. Отдельно стоящие колонны использовались и как дорожные указатели.
Колонны бывают монолитными (храм Аполлона в Коринфе) или собранные из нескольких частей (барабанов), поставленных друг на друга. Обычно колонна сужается кверху, иногда получая при этом криволинейные очертания или «припухлость» (энтазис), и украшается вертикальными желобками – каннелюрами, спиралевидными канавками, а также различными изображениями, орнаментом. Ствол колонны обычно покоится на простой или сложной подставке – базе – и увенчивается капителью. Нижний барабан капители также украшался фигурами или орнаментом.
В истории архитектуры колонны сыграли свою роль как важный элемент композиции фасадов и внутреннего пространства зданий. Они выполняли как практическую, как и художественную функцию, поэтому имели значение и пропорции колонны, и характер обработки, и соотношение высоты и диаметра колонны с размерами всего сооружения. В ряде случаев колонны использовались в качестве опор для арок или сводов.
Фигура, заменяющая колонну, называется кариатидой или атлантом. Ряды колонн, объединенных горизонтальным перекрытием, образуют колоннады. Чаще всего они являются переходным звеном от окружающего здание пространства к интерьеру. Снаружи к зданию примыкает ряд портиков или галерей, которые и соединяются с ним посредством ряда колонн. Иногда колоннада может связывать несколько зданий в единое архитектурное целое. Внутри здания колонны обрамляют большие залы, организуя ритм парадного интерьера.
Иногда колоннада используется и как самостоятельное сооружение (преимущественно в садово-парковой архитектуре).
КОЛОРИТ (лат. color – цвет) – система цветовых сочетаний в произведениях изобразительного искусства. Закономерное сочетание цветов помогает глубже выразить замысел художника, передать его настроение, богатство и красоту окружающего его мира, раскрыть внутренний мир персонажа.
Одним из средств передачи является прием валёра (от франц. valeur – букв, цена, ценность) – передача последовательной градации света и тени в пределах какого-либо цвета. Его применение позволяет тоньше и богаче показывать предметы в световоздушной среде, достигать особой глубины и богатства колорита, тонкости цветовых отношений и переходов. Классический образец валёра – картина «Лунная ночь на Днепре» А. И. Куинджи.
Главное, исходное свойство колорита – богатство и согласованность цветовых оттенков, передающих многообразные свойства предмета. Исторически сложились две традиции в его трактовке. Одна происходит от традиций средневекового искусства и основана на применении системы из ограниченного количества цветов. При этом каждый цвет несет и определенную символическую нагрузку. Например, красный означает мученическую смерть, зеленый – надежду, синий – божественную чистоту. Носителем этой традиции является, например, иконопись.
Для второй характерно стремление как можно ярче, точнее и полнее передать цветовую картину мира с использованием тона, валёра и рефлексов. Для обогащения колорита используется также лессировка – нанесение тонких или полупрозрачных слоев краски для достижения нужной интенсивности цвета.
Колорит может быть теплым (преимущественно красные, желтые, оранжевые тона) и холодным (синие, зеленые, фиолетовые). По характеру цветовых сочетаний – спокойным и напряженным, по степени насыщенности и яркости цвета – ярким и блеклым, светлым и темным.
Создание колорита – настоящее искусство. Не случайно лучшими колористами всегда были выдающиеся художники – Д. Веласкес, Я. Вермеер Дельфтский, Тициан, Ж. Шарден, К. Коро, В. Суриков, И. Левитан, И. Репин. Вот почему И. Крамской говорил: «Художник-колорист в настоящем смысле слова находит на палитре именно тот тон и цвет, какой есть в действительности или какой он большему числу людей кажется».
В скульптуре и архитектуре также очень важна система цветовых отношений. Но там она обычно называется полихромией.
КОМИЧЕСКАЯ ОПЕРА
Этот жанр возник в конце XVIII века в Италии как своеобразная реакция на появление серьезной оперы (opera-seria). Таковы «Свадьба Фигаро» (1796) В. Моцарта, «Сокол» (1786). Классическими считаются «Фальстаф» Дж. Верди, «Любовь к трем апельсинам», «Дуэнья» С. Прокофьева.
Для комической оперы характерен несложный, обычно романтический сюжет, завершающийся счастливым концом. Поэтому и музыка ее ближе к бытовой, популярной, а арии по характеру приближаются к песням. Действие всегда развивается быстро, динамично, основывается на недоразумениях, размолвках, путаницах и сопровождается розыгрышами, сюрпризами, переодеваниями. Основное содержание раскрывается не в музыкальных номерах, а в разговорных диалогах, которые часто произносятся под музыку, речитативом.
По мере распространения в странах Европы комическая опера изменялась, впитывая приемы и образы различных литературных и театральных жанров. В Германии появился зинпппиль (дословно – представление с песнями) – спектакль, в котором сочетались вокал и драма, смешные сценки и дуэты героев. Во Франции обязательной частью комической оперы стали танцевальные сцены, в Италии – черты традиционной комедии масок. Такова, например, опера Г. Доницетти «Любовный напиток».
КОМПОЗИЦИЯ – важнейший организующий элемент любого произведения искусства, с помощью которого объединяются в единое целое все его компоненты, изобразительные средства и реализуется замысел художника. Поэтому основное качество композиции – логичность, четкость формы и соотнесенность частей. Прямое значение этого слова и происходит от лат. compositio – составление, соединение, связь.
Композиция имеется в любом художественном произведении: картине, романе, постройке, скульптуре, концерте, опере. Ее значение и основная задача заключаются в том, чтобы подчеркнуть основную мысль, идею произведения, чтобы каждая из его частей заняла свое, только ей предназначенное место.
Самым наглядным воплощением композиции отличаются пластические искусства, где восприятие зависит от гармонии художественной формы, расположения предметов на плоскости и формирования пространства по законам соразмерности и пропорциональности. Все эти качества и определяются композицией, правильным распределением и соотнесением составляющих частей, деталей, цветового решения.
В архитектуре композиция тесно связывается с функциональным назначением зданий, сооружений и комплексов, их конструктивными особенностями и местом в общем ансамбле. Здесь нужно говорить об объемно-пространственном решении, которое создается с помощью симметрии и асимметрии, контрастного сопоставления элементов, ритмического соотношения деталей. Важна и система пропорций, соразмерность сооружения и его отдельных форм с особенностями его зрительного восприятия.
Композиция в изобразительном искусстве определяет компоновку, расположение людей и окружающих их предметов на пространстве картины, соотношение объемов, света и тени, пятен цвета. Существует несколько типов композиций, сложившихся в различные исторические эпохи.
В истории композиции бывали периоды господства общепринятых канонов, устойчивых приемов, которые приводили к резкой ограниченности композиционных средств (в древневосточном, античном, средневековом искусстве, в искусстве Возрождения). Таковы, в частности, академические приемы композиции.
С другой стороны, наблюдалось движение от жестких канонических схем к свободным композиционным приемам. Таково искусство нового времени, где художник стремится прежде всего к предельному самовыражению, отвечающему его представлению об окружающем его мире и природе человека. Здесь соразмерность частей позволяет раздвинуть рамки объема или пространства картины.
Основные принципы композиции коренятся в обобщении накопленного многими мастерами практического опыта. Человек всегда видит заинтересованно – как действующее и мыслящее существо; намеренно или непроизвольно он выделяет те или иные стороны видимого, отстраняя другие. Уже в исходном, чувственном восприятии предметных качеств и свойств заключается, следовательно, зародыш важнейших композиционных требований: выявление существенного и изъятие незначительного. Эту практическую сторону композиции отразили слова русского художника И. Крамского: «Композиции… нельзя научиться до тех пор, пока художник не научится наблюдать и сам замечать интересное и важное. С этого только момента начинается для него возможность выражения. Когда он поймет, где узел идеи, тогда ему остается формулировать, и композиция является сама собой».
В каждом из жанров сложились свои приемы композиционного решения: например, фреску компонуют иначе, чем картину или книжную иллюстрацию. Это поняли еще древние греки, правда, на примере скульптуры. Любая статуя была скомпонована так, чтобы со всех сторон предмет изображения представал в наиболее выгодном для зрителя ракурсе. Икона или статуя на алтаре средневекового собора воспринимается лишь с определенной точки, которая зависит от ее будущего местоположения в храме.
В искусстве Возрождения преобладали устойчивые и закрытые типы композиции, обусловленные существованием центра произведения, в котором происходит основное действие и где находятся главные герои. Отсюда и пошла закрытость, замкнутость картины, стягивание изображения от ее сторон.
В открытой композиции преобладают центробежные, разнонаправленные линии. В искусстве барокко открытая композиция часто соединяется с динамической (основные оси пересекаются под острыми углами, преобладают диагонали, круги и овалы). Еще один тип композиции, где основные композиционные оси пересекаются под прямым углом в геометрическом центре произведения, называется устойчивым или статическим.
Искусство музыкальной композиции – одно из сложнейших. Можно придумать прекрасную мелодию – и не знать, что с ней делать дальше. Поэтому композитор должен обладать не только талантом, но и обширными знаниями, позволяющими создать произведение на основе первоначальной мелодии.
Как процесс сочинения музыкального произведения композиция получила распространение начиная с XIII века, практически одновременно с изобретением записи музыки. Само же слово композитор появилось позже, поскольку лишь с XVI века сочинение музыки стало считаться профессией. Постепенно композиция сформировалась как самостоятельная музыкальная дисциплина и ее приемам стали обучать в музыкальных учебных заведениях – консерваториях.
Обобщая сказанное, сделаем вывод о том, что понятие «композиция» выходит далеко за пределы чисто художественных, узкоспециальных требований. Конкретное же композиционное решение прямо зависит от соответствующего ему жизненного содержания и в основном определяется им. В границах, определяемых содержанием, композиционное решение зависит также от характера задачи и от индивидуальной манеры художника.
КОНСЕРВАТОРИЯ
Если попытаться провести сравнение, то окажется, что консерватория имеет такое же значение для музыканта, как для художника академия.
Первоначально в Италии в XVI веке так называли приюты для беспризорных, где детей воспитывали и давали им музыкальное образование. В одной из таких консерваторий даже преподавал известный итальянский композитор А. Вивальди. Дети становились обычно певчими церковных хоров. Постепенно консерватория и стала восприниматься как музыкальное учебное заведение.
В современном понимании консерватория – высшее учебное заведение, при котором обычно существует и школа, где обучаются одаренные дети. При консерватории имеется также аспирантура и ассистентура. Таким образом, консерватория – это целый комплекс музыкальных учебных заведений.
Конечно, сегодня высшее музыкальное образование можно получить и в других специальных заведениях – академиях, институтах, высших школах музыки, колледжах. Однако консерватория остается ведущим учреждением среди них и, пожалуй, самым престижным, поскольку готовит обычно не музыкантов-практиков, а композиторов, певцов, исполнителей, дирижеров.
Консерватории существуют во всех странах. Русская педагогическая школа считается одной из ведущих. До революции было пять консерваторий, первой из них стала Петербургская, она была основана в 1862 году А. Г. Рубинштейном. В 1866 году открылась Московская консерватория, возглавленная Н. Г. Рубинштейном. Сейчас в России около 20 консерваторий.
