Текст книги "Основы дизайна. Художественная обработка металла. Учебное пособие"
Автор книги: Михаил Ермаков
сообщить о нарушении
Текущая страница: 6 (всего у книги 31 страниц) [доступный отрывок для чтения: 12 страниц]
Однако претензии основоположников модерна на абсолютную новизну и полное забвение искусства прошлого несколько преувеличены. Новый стиль возник не в одночасье и не на пустом месте. Он складывался из множества тенденций и направлений, среди которых не последнее место занимало и обращение к историческим стилям. На начальном этапе формирования модерна особенно ощутимо влияние готики.
Творчество художников модерна не избежало и влияния искусства других эпох – крито-микенской культуры, своеобразной пластики этрусков, красоты форм и орнаментики кельтских вещей, итальянского маньеризма конца XVI века. Однако в эпоху модерна обращение к искусству прошлого носило принципиально иной характер, чем в предшествовавший период. Оно заключалось не в заимствовании элементов каких-то определенных стилей и воспроизведении исторических образцов, а в синтезе разных культур, обобщении художественного опыта предыдущих поколений.
Заметное влияние на стиль модерн оказало также знакомство Европы со Страной восходящего солнца, которая долгое время была закрыта для европейцев. Утонченное мировосприятие японцев, культ природы, изысканная декоративность костюма и окружающих их вещей, завораживали художников и не могли не овладеть их воображением. Привлекало и умение японцев видеть и ценить красоту, казалось бы, самых простых материалов. Созвучными представлениям того времени о красоте оказались и излюбленные мотивы японского искусства – изображения хризантем и орхидей, волн и скал, обитателей морских глубин и снежных вершин. Интерпретация всех этих мотивов органично вошла в образную систему модерна.
В орнаментальном декоре флорального направления в ювелирном искусстве модерна нашел отражение волшебный и поэтичный мир растений и животных: изумрудные ящерицы и змеи, пестрокрылые стрекозы и бабочки, величавые подсолнухи и камыши, роскошные орхидеи, элегантные ирисы, нежные ландыши, эффектные цикламены и особенно много любимых поэтами «серебряного века» лилий.
Работы ювелиров модерна были столь прекрасны, что, возможно, впервые публика увидела в украшениях не просто драгоценный аксессуар костюма, а подлинное произведение искусства. В 1890-е годы во Франции даже амбициозные представители «высокого искусства» изменили свое отношение к творчеству ювелиров: их произведения начали допускать на выставки Национального общества изящных искусств, в Обществе французских художников открылась секция прикладного искусства, устраивались персональные выставки художников-ювелиров, их изделия стали публиковаться в журналах, закупаться музеями. Искусство ювелиров модерна получило всеобщее признание на Всемирной выставке, проходившей в Париже в 1900 году.
Лучшим среди ювелиров уже в то время был признан французский художник Рене Лалик, которого считают одним из создателей стиля модерн. Лалик виртуозно владел разнообразными приемами художественной обработки металлов, и в частности техниками эмали. Не случайно современники называли его «ювелиром-поэтом» и «парижским Челлини». Не меньшую славу снискал Рене Лалик как художник по стеклу, которым он увлекся в конце 1900-х годов.
К началу XX века флоральное течение модерна достигло апогея своего развития. И хотя отдельные проявления этого стиля встречались вплоть до 1914 года, формы изделий стали менее изощренными, а волнистые линии заменил геометризированный декор. В архитектуре и произведениях декоративно-прикладного искусства позднего модерна уже прослеживались черты конструктивизма.
Эпоха в конце XIX века привела архитектуру к потере национального, к эклектике, заимствованию чужих форм. Эти черты отразились и в русском прикладном искусстве и, в частности, в каслинском литье. Например, столовые кандерябры выполняются то в виде стилизованных в духе рококо стеблей и листьев, то подражают старинным французским стенникам из золоченой бронзы. Одновременное ними отливались в Каслях «ампирные» канделябры. Черты высокого классицизма видны и в стенном канделябре в форме колонки с узорами на кронштейне. Значительная часть мелкого художественного литья, выпускаемого в Каслях в 1900-е годы, Б. В. Павловский пишет: «… испытывает на себе влияние упаднического направления в искусстве – модерна» [98].
В начале XIX века применение механических методов для массового производства металлической утвари для домашнего обихода привело к быстрому упадку ремесленного мастерства. Новая эстетика дизайна машинной продукции еще не была сформулирована; поэтому вместе с возрождением в XIX веке интереса к различным историческим стилям промышленные изделия имитировали произведения художественного ремесла прошлых эпох. Позднее в Англии Уильям Моррис стал инициатором движения «искусства и ремесла», которое отстаивало возврат к рукодельному творчеству, однако оно оказало лишь незначительное влияние на дизайн. На рубеже XIX–XX веков в стиле модерн, использовавшем элементы различных исторических стилей, создавались металлические изделия элегантных и утонченных форм, напоминающих живое растение.
Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность стиль модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже (см. ниже Каслинский чугунный павильон). После этих лет значение модерна стало угасать.
Л. Тиффани в США был главным представителем модерна в области художественного металла и стекла. Архитектор Л. Салливен создавал детали архитектурного декора сложных и богатых форм в технике литья из железа. Баухауз, школа дизайна в Германии 1920-х годах, оказал наиболее сильное влияние на формирование новой эстетики механизированного производства; согласно этой концепции, внешний вид предметов из металла или других материалов должен выявлять материал и назначение изделия. Дизайн немецких и шведских изделий из серебра, нержавеющей стали и сплавов олова особенно наглядно демонстрирует пластическую красоту и функциональную выразительность этого нового направления в искусстве.
Екатерина Паникаровская пишет:«Черты искателя непроторенных путей, увлеченного романтикой, проявились в творчестве одного из самых загадочных художников XX века – Эрте». Роман Петрович Тыртов, Ромен де Тиртоф (псевдоним – Эрте; годы жизни: 1892–1990 гг.), работал в стиле модерн.
Хронологические рамки эпохи модерна очень узки, немногим более двух десятилетий, но значение этого стиля для развития чугунного художественного литья и ювелирного искусства необычайно велико. Соединив традиции Запада и Востока, античности и средневековья, аристократического и фольклорного искусства, обобщив опыт всего предыдущего художественного развития, художники эпохи модерна создали яркое самобытное искусство.
Ар Деко.
Ар деко –фр. «Art Deco» – сокращение от названия выставки «L’Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Indu-striels Modernes» – это «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств», которая состоялась в 1925 году в Париже.
Данный стиль получил распространение в 1918–1939 гг. во Франции, Западной Европе и Америке. Стимулом к стремительному развитию послужила парижская выставка 1925 г., где демонстрировались последние достижения дизайна в области архитектуры, проектирования интерьера, мебели, изделий из металла, стекла и керамики. В целом ар деко можно рассматривать как переходный момент от модерна к послевоенному функционализму. Для него характерно сочетание монументальных утяжеленных форм с изощренным украшательством, союз элементов модерна, кубизма и экспрессионизма, а также выразительные особенности технического дизайна. В искусстве сохраняются мотивы Ар Нуво, – извилистые линии, изображение фантастических существ, формы волны, раковины, драконов и павлинов, лебединых шей и томных бледных женщин с распущенными волосами, а также сочетание дорогих и экзотических материалов (слоновая кость, черное – эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, «шкурки ящериц» и кожа крокодила). Во всем присутствует устремленность к использованию геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей чистого цвета.
Интерьеры, оформленные в стиле ар деко, производят впечатление суммы отдельных компонентов – мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики, – нежели единой композиции. Многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника». Создавались они с шиком и использовались в украшении фешенебельных отелей, дорогих ресторанов и салонов, поэтому иногда стиль называют «стилем Риц» (англ. Ritz Style).
После открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона и последовавшего за этим событием всплеска интереса к Египту ювелирная фирма Дома Картье начала производить красочные украшения, выполненные в «египетском стиле». Среди них – эффектные подвески из пластин нефрита, декорированные алмазами и рубинами, и знаменитая брошь-скарабей из дымчатого кварца с крыльями из голубого фаянса, украшенными бриллиантами. Особенно часто ювелиры стали создавать яркие декоративные изделия после кризиса 1929 года: так они пытались, привлекая внимание покупателей, выстоять в это трудное время.
Таким образом, история Дома Картье наглядно иллюстрирует процесс становления стиля ар деко. Окончательно он сформировался к началу 1920-х годов, а своего апогея достиг к середине десятилетия. Временем его триумфа стала Выставка декоративных искусств и современной промышленности, проходившая в 1925 году в Париже. Собственно, именно на этой выставке стиль получил окончательное признание, а позднее ее сокращенное название – «Ар деко» – стало названием стиля. Успех ювелиров, работавших в стиле ар деко, был феноменальным. Формальным признанием нового стиля можно считать то, что высшую награду выставки – Золотую медаль – получил за украшения в стиле ар деко парижский ювелир Жорж Мобуссен.
В поздних формах ар деко приближается к геометрическому конструктивизму. В Италии и Германии элементы стиля, соединяясь с формами неоклассицизма, перерастали в архитектуру нового ампира – фашистского стиля третьего Рейха. Ар деко называют последним из художественных стилей, который соединял абсолютно не совместимые элементы. Вероятно, именно этим он и оказал значительное влияние на дальнейшее развитие многих видов искусства.
Но развитие стиля не стояло на месте. Он родился в век науки и техники и в значительной мере испытал влияние его достижений. Один из ювелиров, участников выставки, писал, что «полированная сталь, тусклый никель, тень и свет, механика и геометрия – все это предметы нашего времени. Мы видим их и живем с ними каждый день. Мы люди своей эпохи, и это основа всех наших настоящих и будущих творений…» Не удивительно, что ради достижения художественной выразительности ювелиры прилагали немало усилий в поисках новых материалов и разрабатывали новые технологические приемы [96].
Принято считать, что стиль ар деко господствовал в мире искусства немногим более двух десятилетий, от конца Первой мировой войны и до начала Второй. Однако образный строй и приемы, разработанные мастерами ар деко, оказались настолько жизнеспособны и универсальны, что его влияние ощущали ювелиры всех последующих поколений. И в этом кроется удивительный феномен ар деко.
В то время как развитие ювелирного искусства в первой половине XX века удерживалось практически в рамках двух стилей – вначале ар нуво (модерна), а затем ар деко, в так называемом «высоком искусстве» происходили бурные процессы: рождались многочисленные и зачастую весьма противоречивые эстетические воззрения, возникали новые стили и стилевые направления. Это было частью тех быстро сменяющих друг друга событий, которые в то время происходили в науке, технике, да и в целом в обществе.
Чипаруса Дмитрия (1886–1947), можно назвать выдающимся мастером XX века декоративной скульптуры из бронзы и слоновой кости в стиле ар деко. Его произведения служат образцом исключительного уровня исполнительского мастерства и художественного вкуса.
Произведения скульптуры 1920–1940-х годов представляют собой уникальный материал для изучения эпохи ар деко в целом. Декоративная скульптура воссоздает перед нами образ жизни и общество того времени.
В 1930–1950-х годах отмечают проявление «советского ар деко». В качестве характерных примеров приводятся работы скульпторов Н. Данько, И. Ефимова, В. Мухиной – произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени обобщенностью и геометризацией формы. Кроме того, присутствует пышная, вызывающая декоративность набивных ситцевых тканей, украшенных советской агитационной атрибутикой. В конце XX века смелые контрасты обобщенной, геометризованной формы и яркого цвета, открытые стилем ар деко, возрождаются в дизайне и моде: оформлении интерьеров, ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике. Течением в архитектуре ар деко в России так и не стал, но все же некоторые образцы позднего его проявления имеются – многие станции метро в Москве и Санкт-Петербурге выполнены именно в данном стиле.
Знаменательно, что в последнее десятилетие XX века ювелиры в дизайне все чаще стали придавать своим произведениям некий философский смысл, обращаясь к идеям вербально насыщенного концептуального искусства, выражающего глубинную сущность явлений. Одним из первых и наиболее выдающихся мастеров этого направления был замечательный итальянский скульптор, ювелир и психолог Бруно Мартинацци. Начиная со своих первых ювелирных работ 1960-х годов, он, отталкиваясь от концепций поп-арта и от классической мифологии, сумел передать ощущение гармонии и одновременно напряжения современного мира (золотые броши и браслеты «Золотые пальцы», «Губы», «Хаос» и другие) [96].
Для художественного литья советского периода характерны механизация литейного производства, освоение новой техники, внедрение новейших технологий литья, таких, как кокильное, оболочковое, центробежное и др. Кроме того, на новой основе развивались и старые способы литья. Например, статуарное литье по восковой модели, в котором сложные составы формовочных смесей из органических компонентов (опилки, конский навоз, коровья шерсть и т. п.) заменяются неорганическими материалами, позволяющими отливать монументальные фигуры не только бронзовые, чугунные, но и титановые с высокой степенью точности.
Стиль ар деко воспринимается как ретро стиль, стиль роскоши и достатка. Интерьеры, выполненные в этом стиле, как правило, не отличаются функциональностью, а служат скорее для украшения жизни. Он стремится к удовлетворению индивидуальных вкусов заказчика и разнообразию – свободно оперируя историческими знаками и символами, ар деко обращается к новым материалам, цвету, световым эффектам и этим отличается от исторических предшественников.
М. О. Окроян создал двухтомный каталог, составленный на русском и английском языках, представляет собой энциклопедическую монографию о декоративной скульптуре стиля Ар Деко.
«На страницах двухтомного альбома воспроизведено более 700 скульптур авторов французской, немецкой и австрийской скульптуры, издание дополнено рядом великолепных живописных работ как русских художников начала XX века, так и представителей западноевропейских течений модернизма – экспрессионизма, фовизма, сюрреализма» [38].
Стиль кантри.
Изначально стиль кантри возник в Англии в XIX веке. Его родоначальник Уильям Моррис отстаивал традиционные формы и возрождал ремесла, которые стали постепенно забываться с развитием фабричного производства (см. выше).
Одна из особенностей этого стиля состоит в том, что каждый представляет его по-своему. Это может быть и русский народный стиль с матрешками и деревянными ложками, и американский с лоскутными одеялами – пэчворк, и средиземноморский с яркими цветами с преобладанием синего и белого. Общий его принцип – естественный, незамысловатый уют любого деревенского дома, независимо от того, где этот дом находится. Поэтому кантри так полюбился владельцам современных загородных домов.
Полоски на тканях, из которых шьются занавески и подушки, на чехлах и ковриках, простая, нарочито грубая керамика, старая мебель, чей возраст не скрывается, а подчеркивается, – так называемый «псевдоантиквариат», уже упомянутый пэчворк, все, что связано, вышито, украшено своими руками, – все эти особенности присущи стилю кантри.
Со словом «кантри» связано еще одно очень популярное во всем мире слово – бунгало. Бунгало – это не вилла, не основательный загородный дом, но тем не менее это строение, в которое можно приехать отдохнуть на пару дней в любое время года. У нас это иногда называют дачей. В прочем дело не терминологии. У классического бунгало первый этаж полностью застеклен. В отечественных условиях это не всегда возможно. Для интерьера бунгало больше всего подходит стиль кантри, причем часто его смешивают с любыми другими современными стилями. Самая подходящая мебель в данном случае – плетеная. Сегодня благодаря наличию в продаже искусственного и натурального ротангового полотна (ротанг – лиана, которую называют еще ротанговой пальмой; ее используют для изготовления плетеной мебели). Пол бунгало, как правило, делается «холодным», то есть из керамики или камня, и покрывается ковриками. К этой обстановке прекрасно подойдут ручные гобелены и изделия, выполненные в технике макраме.
Вытеснив ручное производство, промышленность не смогла дать взамен подлинно красивых вещей, и в конце XIX века декоративно-прикладное искусство Западной Европы и России находилось в состоянии глубокого кризиса. Рынок был наводнен огромным числом предметов, рассчитанных на самый низкий вкус. Характер промышленного производства предметов быта, мебели, одежды требовал творческой мысли художников, способных создать подлинные произведения декоративно-прикладного искусства в единичных экземплярах и при большом тиражировании вещей. Эту задачу предстояло решать художникам нового времени.
Этностиль.
Существует масса разновидностей этностиля: японский, китайский, английский, африканский, французский. Этностиль формируется под воздействием географических и культурных традиций, климата, человеческого темперамента.
Одно из главных достоинств этностиля – использование экологически чистых материалов, которые, как принято считать, снимают напряжение, вызванное современным ритмом жизни. Насыщенные цвета, изогнутые формы, необычная фактура создают ощущение реальности, обладающей магическими свойствами.
Наиболее распространенным является африканский стиль, который считается самым экзотическим.
Африканские маски, деревянные блюда для фруктов, стилизованные фонарики, покрывала, расписанные вручную специальной краской, придают жилищу нужный для этностиля колорит. Мебель должна быть деревянной, украшенной резьбой, кованной из железа или плетеной из ротанга или ивы.
Цвета Африки – очень теплые и приятные, блестящие ткани из хлопка, льна и вискозы в красках заморских пряностей и экзотических фруктов.
Рустикальный стиль.
Этот стиль – один из вариантов кантри. Характерная черта – имитация поверхности природного материала, для которого характерны естественные неоднородные краски, будь то камень, дерево, штукатурка или ткань. Стиль характеризуют как деревенский, простой, зачастую даже грубоватый, однако в простом деревянном доме он так же уместен, как кантри. Особую выразительность ему придадут элементы мебели из натуральных ошкуренных бревен и жердей, ткани грубой фактуры, печь из неокрашенного кирпича ит.д.
Стиль применим и в коттеджах, но эффектнее выглядит в простых деревянных домах.
Стиль Хай-тэк.
1. Стиль Хай-тэк часто называют интерьером высоких технологий. По-сути дела, этот стиль прямо противоположен экологическому, восточному. Основной его принцип – формирование окружающей среды из сборных технических деталей, а также стекла, металла и бетона.
Интерьеры в стиле хай-тэк – это гармоничное сочетание пространства и света, формы предметов и их цвета плюс идеальные пропорции. В цвете и материале никаких особых предпочтений у такого стиля нет. Можно применять все что угодно: краску, которая дает гладкую, блестящую поверхность, штукатурку, жидкие или объемные обои с интересным рельефом, керамическую плитку или натуральный камень, ламинированное дерево, линолеум.
Мебель должна быть похожа на офисную. Для изготовления применяются современные материалы из пластика, кожзаменителя, полированного металла.
1. Интерьерыэтого стиля отличают четкость и конкретность, деловитость. Рисунков нет, декоративных элементов тоже. Поверхности стен, потолка и пола должны быть идеально гладкими и чистыми, и, соответственно, мебель, ткани, посуда также должны быть гладкими и блестящими.
Свет в стиле Хай-тэк также важен, как и фактура. Кроме общего света, который дает основной источник, используются всевозможные светильники, вмонтированные в мебель. Светильники могут быть на кронштейнах, подставках. Зеркала в таком интерьере могут быть вообще без рам.
Он в той или иной форме оказывал влияние на творчество ювелиров, мастеров художественного литья, мыслящих современными категориями века «боингов» и «феррари». Возможно, не без влияния этого дизайна в ювелирном искусстве последних двух десятилетий XX века ощущалось увлечение украшениями минималистских форм, для выполнения которых использовались новейшие способы выражения, приемы и материалы.
Хай-тэк пробудил у дизайнеров вкус к использованию суперсовременных материалов в 90-х годах прошлого века. Сегодня отмечается новый всплеск интереса к технологическим достижениям. Лазерная обработка текстильных изделий, использование металлических нитей превращают ткань в произведение искусства. Это может быть текстиль прозрачный, бронзового, золотого, стального тонов. Говоря о материалах рассматриваемого стиля, нельзя не упомянуть пластик – один из любимых помощников для дизайнера. В Голландии выпустили стулья с использованием плетеного волокна карбона и армида – получилось своеобразное хайтэковское макраме. К числу новейших отделочных материалов относятся и акриловые натяжные потолки – это тоже элемент хай-тэка.
2. Мебель.Формы и пропорции мебели тщательно продуманы, она похожа на офисную: кожзаменитель, пластик, полированный металл. Удачно подобранные стулья, кресла или диван из хромированного металла и кожзаменителя смотрятся очень стильно, и что не маловажно – практичны и удобны. Вместо шкафа, стенки и горки лучше поместить стеллажные модули с закрытыми и открытыми секциями. Они могут быть из любого материала, например, пластиковые, стеклянные или деревянные полки, укрепленные на металлическом каркасе из полированных труб. Еще один нюанс: все поверхности мебели должны быть ровными и гладкими, а металлические элементы и фурнитура должны быть серебристые, блестящие.
3. Светздесь также важен, как и фактура. Кроме общего света, который дает основной источник, используются всевозможные виды освещения. Гармонично здесь будут смотреться современные светильники на кронштейнах, подставках, а также вмонтированные в мебель. Вообще светильники – благодатная почва для техногенной эстетики, царства металла и пластики, простых форм и линий, эргономики и безупречной функциональности. Жесткие композиции создают системы токовых шин. Очень красиво в этой обстановке смотрятся стеклянные плафоны из молочного или цветного матового стекла простой формы, которые гармонируют с декоративными стеклянными или металлическими элементами – вазами, посудой, статуэтками.
4. Цвет.Особенностью современных интерьеров в стиле хай-тэк является то, что они строятся больше на пространства и света, чем на сочетании цвета и рисунка. Идея диктует и соответствующее колористическое решение. Цвета в таком интерьере должны быть чистыми и конкретными, без всяких полутонов: черный, белый и серый в основе, а красный, синий, зеленый и желтый – как дополнение. Рисунков нет, декоративных элементов тоже, расцветки минималистические (стиль минимализма: выкидывается все лишнее, оставляется минимум, только самое необходимое) – если не однотонная ткань, то в крайнем случае, двухцветная. Этот стиль не терпит небрежности, вычурности и излишества – все должно быть ровным и гладким: бескомпромиссно чистые, чаще блестящие поверхности стен, потолка, пола, оконных рам, дверных коробок. И естественно, минимализм – интерьеры этого стиля отличает четкость и конкретность, можно даже сказать – деловитость.
5. Декор.Создавая интерьер в стиле хай-тэк, нужно помнить, что при всей кажущейся простоте он требует качественного продумывания и отбора всех элементов. Любой чужеродный стакан или картина испортят впечатление. Мебель, ткани, посуда также должны быть гладкими и блестящими. Блеск как бы увеличивает пространство, добавляет света, создает ощущение стерильности. Тот же блеск создают и зеркала. Они могут быть вообще без рам, но обязательно следует хорошо продумать, куда их повесить. Стандартные занавески будут в такой обстановке немного неуместны. А вот жалюзи, абсолютно любые, как никогда кстати. Естественно, что фарфор и хрусталь в такой обстановке будут неуместными. Фаворит стиля – посуда «техно» из матового цветного стекла или глазурованного фаянса, одноцветная, без орнамента и рисунков, четкой геометрической формы в виде шара, цилиндра, конуса, призмы.
Китч в интерьере.
Определение «китч-интерьер» появилось относительно недавно и означает оно новомодную категорию интерьеров. Основной идеей китча является насмешка над историей и художественными традициями, вкусами и стилями. Это своего рода нигилизм в архитектуре, отрицающий все ее предыдущие достижения. Это когда откровенная безвкусица становится принципом выбора, а бьющая в глаза несочетаемость цветов и предметов интерьера – его основной отличительной чертой. Например, позолоченная лепнина по карнизу, на ярко-синем потолке – крупные блестящие звезды, у стен симметрично стоят кадки с пальмами, а пол выложен керамической плиткой с восточными мотивами.
Вещи в стиле китч входят в моду, когда старые образцы хорошего тона приедаются и вызывают тоску, а новая эстетика еще не сформировалась. Исторически это обычно совпадает с какими-то кризисами: социальными или экономическими, когда обстановка становится нестабильной, а общество ждет перемен. И по этому мода на вещи в таком стиле достаточно кратковременна.
Но всегда существует определенное количество людей, в характере которых присутствует некий нигилизм от природы, им нравится ставить окружающих в недоумение, опровергать авторитеты. Такие люди в любую эпоху экстравагантно одеваются и столь же оригинально обставляют свое жилье. Так что китч как стиль присутствует постоянно. Как правило, китч рождается от чрезмерного богатства и пресыщенности или, наоборот, от вопиющей, бросающей вызов, бедности. Но в любом случае – это стремление эпатировать, таким образом, проявив свою неординарность.
Как правило, излюбленной темой стиля китч являются псевдоисторическая архитектура и интерьеры. Остроконечные башни и башенки загородных коттеджей, в обилии «украшающих» такие произведения, узкие готические окна-витражи в сочетании с современными жалюзи и рулонными ставнями и соответствующее внутреннее убранство: огромную «рыцарскую» гостиную украшает электрический камин. Все это типичный китч, но не ироничный, а серьезный. Когда хозяин не то, что не замечает подделок, он уверен, что они производят впечатление подлинников.
И тогда бархат заменяют на плюш, позолоченные багеты – на толстые лепные рамы, покрытые бронзовой краской «под золото», а «картины» заказывают у базарного мастера, с непременным сохранением сюжета. Мраморные барельефы стен и колонн можно нарисовать, чем тратиться на настоящий благородный камень. А вот проделав все это, можно наслаждаться скопированной красотой и кичиться собственным «богатством». Так что русский аналог слова китч существовал давно и, что самое интересное, довольно точно отражал смысл понятия.
Помимо китча, возникающего как подделка под «благородство» на полном серьезе, есть, как мы уже говорили, китч как стиль в искусстве.
В странах Запада, где изысканными и стильными интерьерами никого не удивишь, существовали одно время даже рекомендации в журналах по дизайну, как можно оформить самому жилище, превратив его в произведение искусства в стиле китч: оборвать обои с части стены и по трафарету закрасить образовавшиеся отверстия. Можно также для превращения вашего шкафа в дизайнерский шедевр обмотать его ножки серебристой изолентой.
Это как раз то, когда руководствуются даже известные мэтры-дизайнеры, с юмором создавая иногда шедевры-пародии.
Так, на Миланской мебельной выставке 2002 года, как писалось в репортажах, «было много мебели в стиле неукрощенного, бьющего через край роскошного китча». Например, «дворцовые» кровати и затейливые диваны с атласной обивкой и золочеными ножками. А известный дизайнер Филипп Старк однажды удивил всех, уродливыми (но достаточно смешными) гномиками, выполненными в базарно-лубочном стиле и использованными в виде ножки стола. А потом он создал и люстру в виде стеклянных полок, на которых стоят хрустальные вазы-плафоны, и назвал этот светильник «Шрамы роскоши». Этот остроумный предмет – добрая ирония старого мэтра над теми, кто любит демонстрировать свое богатство.
Но бывает и китч-интерьер от бедности, у него другой облик. В таких интерьерах основными материалами являются полиэтиленовые занавески, самодельные перегородки, настенная живопись из аэрозольных баллончиков с ярко-кислотными красками и мебель, найденная на свалке. Такой интерьер менее подражателен, чем его богатый родственник, а ирония в нем уступает место агрессии. Жить в таком интерьере можно только с определенным состоянием души.
Вывод
Рассматривая достижения древних цивилизаций и средневековых мастеров, мы можем только удивляться и восхищаться находчивостью наших далеких предков: столь современным кажутся сегодня их быт и культура. И думается, что более поздние мастера не так уж много изобрели кардинально нового с той поры в сфере художественной обработке металлов и в дизайне.
Особо стоит отметить, что с тех пор и по сегодняшний день, художественная обработка металла остается уникальной и самобытной сферой деятельности. Но именно по этой причине, желая выделить свой дом из ряда подобных, владельцы особняков, коттеджей и загородных домов стремятся украсить дом декорированными коваными и литыми изделиями из металла.
На сегодняшний день художественная обработка металла переживает своего рода Эпоху Возрождения. Все более возрастающий интерес к этой сфере декоративных работ определяет моду на изделия из металла. Более того, художественная обработка металла в наши дни получила статус элитарного мастерства.
