Текст книги "Лос-Анджелесский окружной музей искусств"

Автор книги: Мария Гордеева

сообщить о нарушении

Текущая страница: 3 (всего у книги 4 страниц)

Американское искусство

Неизвестный художник. Портрет чернокожего моряка. Около 1800

Джон Синглтон Копли (1738–1815) Портрет Хью Монтгомери 1780. Холст, масло. 240x151,7

Американский и английский живописец Джон Синглтон Копли родился в Бостоне. Системного художественного образования он не получил, изобразительному искусству учился самостоятельно, копируя гравюры с картин знаменитых современников, таких как Г. Кнеллер и Д. Рейнольдс. К середине 1760-х Копли стал одним из лучших портретистов своего времени в Америке. В 1774 вместе с семьей он перебрался жить в Лондон, где под влиянием Б. Уэста обратился к историческому жанру живописи.

Хью Монтгомери – участник франко-индейской войны, выступавший в боях против воинственного племени чироки. За ряд побед герой получил звание майора и был избран членом парламента (1780). С этого началась блестящая карьера, в 1793 он стал полковником. В 1796 Монтгомери унаследовал титул двенадцатого графа Элингтона.

Копли изобразил майора командующим наступлением, стоя на пригорке. Художник соединил портретную и историческую живопись. За спиной Монтгомери разворачивается сражение между индейцами и его сподвижниками, побеждающими коренных жителей Северной Америки. В трактовке композиции заметно влияние творчества Рейнольдса.

Бенджамин Уэст (1738–1820) Фетида приносит доспехи Ахиллесу 1804. Холст, масло. 68,6x50,8

Американский живописец Бенджамин Уэст большую часть жизни провел в Англии. Изобразительному искусству он учился сначала у У. Уильямса, затем у Г. Хесселиуса. Несколько лет мастер пробыл в Риме, где познакомился с художниками-неоклассицистами. Под их влиянием он стал создавать большие исторические полотна в этом же стиле. В 1760 Уэст уехал в Лондон, где стал придворным живописцем короля Георга III, это явилось началом его блистательной карьеры. В 1792 мастер сменил Д. Рейнолдса на посту президента Королевской академии художеств.

Идею для данного полотна Уэст взял из «Илиады» Гомера. Во время Троянской войны Ахилл, обиженный на Агамемнона, отказался участвовать в сражении. Патрокл – близкий друг героя, выпросил у него разрешения облачиться в его доспехи и выйти в них на поле брани. Сын троянского правителя Гектор убил Патрокла и забрал доспехи. Ахилл горячо оплакивал смерть товарища. Он пожаловался матери – морской нимфе Фетиде – на свое горе. Она отправилась к Гермесу, и тот за ночь выковал для ее сына новые доспехи. В них Ахилл сразил Гектора, отомстив за друга.

Генри Инман (1801–1846) Ho-Тин (Ветер), вождь чиппева 1832–1833. Холст, масло. 77,5x65,5

Известный американский художник Генри Инман обучался живописи у Джона Уэсли Джарвиса. В 1822 совместно с Томасом Гейр Каммингсом он открыл в Нью-Йорке портретную студию, а в 1825–1826 стал одним из организаторов Национальной академии дизайна. В разное время мастер работал в Нью-Йорке и Филадельфии. В Англии он провел около года, где написал ряд портретов своих известных современников. Из этой поездки художник вернулся с пошатнувшимся здоровьем и зимой 1846 скончался.

Для полотна «Ho-Тин (Ветер), вождь чиппева» Инман взял за основу оригинал Чарльза Бёрд Кинга, который по заказу Бюро по делам индейцев написал серию портретов вождей, прибывших на конгресс в Вашингтон в середине 1820-х. Стоит отметить, что практически все эти картины сгорели во время пожара в художественной галерее Смитсоновского института в 1856.

Работая над портретом Ho-Тина, мастер увеличил размер холста, сделав тем самым образ вождя более монументальным. Он изображен на нейтральном сером фоне, в белой рубахе, поверх которой наброшен темно-зеленый шерстяной плащ. Прямые черные волосы модели коротко подстрижены, за исключением двух прядей, заплетенных в косички. Прическу вождя завершают несколько перьев: страусиное, орлиное и павлинье. Лицо Ho-Тина расцвечено полосами оранжевой и белой краски, таким образом представители племени чиппева украшали себя только в особенно важных случаях. Инман передал характер своего героя через мужественный и гордый взгляд.

Аллен Смит Младший (1810–1890) Юный механик 1848. Холст, масло. 102,2x81,7

Американский живописец Аллен Смит был хорошо известен на Среднем Западе как портретист. Образование он получил в Академии изящных искусств в Нью-Йорке, также посещал занятия в Национальной академии дизайна. В начале карьеры мастер работал в разных жанрах, создавал пейзажи, натюрморты, жанровые полотна, однако после переезда в Детройт в большей степени занимался портретной живописью. Оказавшись в Кливленде, он вновь обратился к написанию жанровых картин, которые достаточно успешно представлял на различных выставках страны.

На полотне «Юный механик» изображен довольно идеализированный сюжет. В столярную мастерскую пришла компания мальчишек, за прилавком их встречает подросток, вероятно, сын хозяина. Хорошо одетый юноша в соломенной шляпе держит в руках неказистый кораблик, который, возможно, сделал сам. По-видимому, он здесь затем, чтобы не просто заказать новую игрушку, но и дать точные указания относительно того, каким должно быть судно его мечты. С большим реализмом художник пишет эту незамысловатую сценку. Много внимания он уделяет деталям, одинаково тщательно прорабатывая каждую щепку на полу, инструменты, складки одежды и узор драпировки. Каждого из персонажей живописец наделяет особой портретной и эмоциональной характеристикой, что придает композиции некоторый литературный оттенок.

Эмануэль Готлиб Лёйце (1816–1868) Миссис Шайлер сжигает свои поля пшеницы при подходе британских войск 1852. Холст, масло. 81,3x101,6

Американский художник немецкого происхождения Эмануэль Готлиб Лёйце в девять лет эмигрировал вместе с родителями. Первые уроки живописи он получил от Джона Р. Смита, затем обучался в Академии художеств в Дюссельдорфе, провел несколько лет в Италии.

Лёйце создавал большие исторические полотна, в 1845 получил за них несколько наград и основал в Дюссельдорфе собственную мастерскую. В 1859 он вернулся в США, где творения художника были высоко оценены публикой.

Сюжетом для данной картины стала реальная история, рассказанная младшей дочерью главной героини. Кэтрин Шайлер (1743–1803), жена генерала Филиппа Шайлера, в сентябре 1777 при приближении английских войск подожгла пшеничные поля собственной усадьбы, чтобы не оставлять им провиант. Сейчас доподлинно неизвестно, действительно ли именно Кэтрин совершила это, но точно установлено, что британцы сожгли ее дом.

Лёйце изобразил кульминационный момент сюжета. Уже собраны вещи, все готово, чтобы покинуть родную землю, но героиня спешит к полю, чтобы уничтожить урожай. Ей помогает старшая дочь, готовясь забросить в пшеницу горящий венок из колосьев. Напуганная маленькая девочка держится за платье матери. Чернокожий мальчишка подает зажженную свечу. Молодой мужчина, указывая на дом, виднеющийся за деревьями, призывает ее поторопиться.

Композиционное построение полотна полно драматизма и экспрессии. Колорит строится на сопоставлении темных и светлых тонов, холодных и теплых цветов. Большое внимание уделено жестам героев, что вносит в работу некоторый оттенок литературного рассказа.

Уинслоу Хомер (1836–1910) Сборщицы хлопка 1876. Холст, масло. 61,1x96,8

Художник и график Уинслоу Хомер – один из основоположников американской реалистической живописи, крупнейший мастер национальной школы. Многие его соотечественники-исследователи считают творчество Хомера самым ярким воплощением сельской жизни США 1860–1870. В отличие от коллег он не ориентировался на достижения европейского искусства, хотя и испытывал его влияние.

Первые навыки рисования юноша приобрел, занимаясь с матерью – художницей-любительницей Хенриеттой Бенсон Хомер. Затем он обучался в вечерней школе при Национальной академии художеств в Нью-Йорке. В период гражданской войны молодой человек работал иллюстратором в городском еженедельнике «Harper's».

Уже первые произведения мастера отличались яркими характеристиками отдельных персонажей, реалистичностью, благодаря чему он добивался монументальности и цельности композиции.

В период 1874–1876 Хомер жил в штате Вирджиния, здесь он создал серию акварелей и картин, посвященных жизни чернокожих. Критики довольно тепло приняли эти произведения, написанные с большим вниманием к деталям.

На данном полотне художник изобразил двух афроамериканок, возвращающихся домой после долгого рабочего дня. Молодые девушки представлены в картине без тени иронии. Живописец с симпатией и уважением показывает своих героинь высокими, стройными и гордыми, чтобы придать им большую значительность Хомер занижает линию горизонта, отчего фигуры начинают доминировать в композиции. Посредством деталей мастер рассказывает зрителю о тяжелом труде этих девушек. Сбор хлопка изнурительная, а иногда и болезненная работа. Под мягкими и пушистыми волокнами скрываются довольно колючие коробочки. Художник не уходит в натурализм и не показывает израненных рук, но, если обратить внимание на то, как фартук одной из них зацепился за ветку куста, станет ясно, насколько она жесткая. Тонкая наблюдательность, внимание к деталям являются отличительной чертой искусства Хомера. «Вся история южного рабства» – так охарактеризовал это полотно друг мастера X. Смит.

Мэри Кэссет (1844–1926) Мать, моющая своего ребенка 1880. Холст, масло. 100,3x65,8

Известная американская художница Мэри Кэссет начала обучаться живописи в Пенсильванской академии изящных искусств в Филадельфии, однако много внимания уделяла самообразованию. В 1866 Кэссет переехала во Францию, где прожила большую часть жизни. В Париже вместе с К. Писсарро она продолжила изучать живопись, в период с 1879 до 1886 принимала участие в выставках импрессионистов. Основной темой творчества мастера были женские образы, материнство.

Данное полотно относится к раннему периоду и считается одной из первых работ, посвященных взаимоотношениям матери и ребенка. Художница изображает молодую женщину, уютно расположившуюся в кресле и нежно придерживающую лежащее на коленях чадо. Рядом с ней, на подставке, стоит чаша с водой. Героиня с нежностью смотрит на проснувшееся дитя, собираясь его умывать. Композиционное построение картины фрагментарно, оно направлено на то, чтобы сфокусировать внимание зрителя на главных персонажах. Художница вводит орнаментальные мотивы (на спинке кресла и обоях) для акцентирования вертикальности холста. Колорит строится на сочетании белых, голубых, зеленоватых и розовых оттенков. Перемешивающиеся мазки создают серебристую, мерцающую поверхность. В 1904 Кэссет за ее вклад в искусство была удостоена ордена Почетного легиона.

Теодор Робинсон (1852–1896) Долина Сены, Живерни 1887. Холст, масло. 41,3x33

Известный американский художник-импрессионист Теодор Робинсон изучал живопись в Чикагском институте искусств, а затем в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке. В 1876 он переехал в Париж, где обучался в частной студии О. Дюрана и Школе изящных искусств. В 1879 Робинсон вернулся на родину, но уже через пять лет снова оказался во Франции. Поворотным моментом в его жизни стало знакомство с Клодом Моне. Художник посетил мастерскую мэтра импрессионизма в Живерни под Парижем, где был поражен его полотнами. Впечатление оказалось настолько сильно, что американец начал работать в новом стиле, колорит его картин стал более светлым, а мазки более корпусными и динамичными. В течение следующих нескольких лет живописцы довольно часто творили вместе. В этот период и было создано полотно «Долина Сены, Живерни», изображающее крутой берег реки, «разрезанный» маленькими разноцветными «лоскутами» земельных наделов. Сочетание четкой геометрии полей с широкой полосой воды и маленькими деревьями придает пейзажу сходство с декоративным узором.

Данная картина является первым импрессионистическим полотном Робинсона, приобретенным Лос-Анджелесским окружным музеем искусств для своей коллекции.

Джон Сингер Сарджент (1856–1925) Портрет миссис Эдвард Л. Дэвис и ее сына Ливингстона Дэвиса 1890. Холст, масло. 218,8x122,6

Американский портретист Джон Сингер Сарджент получил образование во флорентийской Академии художеств и в парижской мастерской Э. Карлос-Дюрана, испытывал влияние Э. Мане, Ф. Халса и Д. Веласкеса. Мастер преимущественно жил в Париже и Лондоне, но периодически возвращался на родину. После очередного приезда в США в конце 1889 он начал пользоваться популярностью и получил огромное количество заказов от представителей высшего общества Нью-Йорка и Бостона.

На этом портрете живописец изобразил высокопоставленных персон на темном фоне, чтобы вывести на первый план их взаимоотношения, показать характеры каждого. Мать и сын представлены совершенно естественными: здесь нет пафоса, искусственности и притворства. Дэвис-младший нежно держит мать за руку, которой она приобнимает его за плечи. Этот жест говорит о теплых и доверительных отношениях между героями, в которых нет и намека на сентиментальность. Колорит полотна художник фактически выстраивает на сочетании всего двух цветов – черного и белого, но даже такими скупыми средствами он прекрасно показывает высокий социальный статус моделей.

«Портрет миссис Эдвард Л. Дэвис и ее сына Ливингстона Дэвиса» является первой значительной работой, выполненной живописцем в Вустере, штат Массачусетс.

Томас Икинс (1844–1916) Борцы 1899. Холст, масло. 122,9x152,4

Томас Икинс – американский живописец, график, теоретик искусства, фотограф, один из основоположников национальной реалистической школы живописи. Обучался он в Пенсильванской академии изящных искусств, после занимался в парижской Академии художеств под руководством Ж. Л. Жерома.

Для творчества Икинса характерно острое чувство современности. Передаче энергии живописного реализма он научился у старых мастеров. Художник довольно часто использовал эффект резкой светотени, что привносило в произведения драматизм. Большую часть его наследия составляют портреты. Своих моделей мастер писал, как правило, в привычной для них среде, чтобы полнее раскрыть перед зрителем характер героя. Важное место в творчестве мастера принадлежит изображению спортсменов. С большим интересом он писал полуобнаженные фигуры гребцов и борцов, показывал напряжение мышц, стремительное движение. При этом Икинс всегда оставался объективным и никогда не приукрашивал натуру. Чтобы добиться наибольшей точности, он нередко использовал фотографии в качестве подготовительного материала.

Одним из интереснейших полотен, посвященных спортивной тематике, являются «Борцы». Весь первый план занимают фигуры двух молодых мужчин. Живописец очень внимательно и анатомически точно передает напряжение мышц, выступивших вен; бледные спины контрастируют с загорелыми руками, шеями и лицами – во всех деталях мастер стремится быть достоверным. За борцами зритель видит ноги стоящих за веревкой, ограничивающей ринг, тренера и еще одного спортсмена, наблюдающего за схваткой. На заднем плане юноша занят упражнениями на спортивном тренажере для гребцов. Интересно композиционное решение картины. Икинс намеренно обрезает фигуры стоящих в правой части, чтобы не отвлекать внимание от главного, ради чего задумано полотно, – борьбы. Работая над произведением, художник сделал целый ряд фотографий, стараясь найти наиболее выразительные ракурс и позу для главных персонажей. «Борцы» – последняя завершенная работа мастера, изображающая спортсменов.

Европейское искусство XVIII–XX веков

Ганс Тома. Источник (Весна). 1895

Александр Франсуа Депорт (1661–1743) Пейзаж с собакой и куропатками 1719. Холст, масло. 112x144

Знаменитый французский живописец Франсуа Депорт прославился как мастер натюрморта, пейзажа и полотен анималистического жанра.

Художественное образование он получил в парижской мастерской фламандца Н. Бернара, а затем в Королевской академии живописи и скульптуры. В ученические годы молодой человек много рисовал с натуры, копировал картины и гравюры фламандских художников, писал портреты, создавал картоны для шпалер и театральные декорации.

В конце XVII века Депорт фокусирует свое внимание на анималистическом жанре, натюрморте и пейзаже. В 1700 он был назначен королевским живописцем охотничьих сцен и животных. Для Людовика XV художник создал портреты его любимых собак. В пейзажах мастер с большим вниманием относился к изображению растений, передавая их практически с ботанической точностью.

Депорт является автором новой разновидности натюрморта, которая получила название буфеты. В них он изображал драгоценную посуду, фарфор, различную снедь.

С исключительным мастерством художник передавал повадки и пластику движений животных, умел показать их в разных ракурсах и позах. В полотне «Пейзаж с собакой и куропатками» он объединил жанры живописи, в которых работал.

Жан Батист Симеон Шарден (1699–1779) Мыльные пузыри. После 1739. Холст, масло. 60x73

Жан Батист Шарден – выдающийся французский живописец эпохи Просвещения, один из главных представителей реалистического направления в европейском искусстве XVIII века. В разное время он учился у П. Ж. Каза, Ш. Бренна, Ж. Ю. ван Лоо и Н. Н. Куапеля.

Популярность у публики имели бытовые сцены из жизни мелкой буржуазии, третьего сословия и простого трудового народа. В них отсутствуют назидательность и сентиментальность. Самые обычные сюжеты, такие как приготовление пищи, стирка, рукоделие, занятия с детьми, приобретают особое, почти ритуальное значение.

С большой теплотой Шарден изображал на своих полотнах детей. Он умело передавал непосредственность их поведения: любопытство, задумчивость, сосредоточенность, наивную доверчивость, растерянность.

Одним из любимых занятий ребят в XVIII столетии было пускание мыльных пузырей. На данной картине показан юноша, меланхолически выдувающий через соломинку радужный шар. Мальчуган рядом с ним привстал на цыпочки, чтобы разглядеть, как «растет» пузырь. Колорит холста решен в приглушенной охристо-коричневой гамме. Художник прекрасно передал материальность всего изображенного: выщербленный камень, из которого сложен парапет, стакан с мыльной водой, одежду героев и сам переливающийся, тонкий и прозрачный мыльный шар. Этот простой бытовой сюжет скрывает в себе иносказательный смысл, заимствованный из голландской живописи XVII века на тему vanitas. Мыльные пузыри считались символом быстротечности бытия и пустой траты времени. Чтобы подчеркнуть эту идею, мастер сделал главным героем полотна подростка, находящегося на пороге взрослой жизни. Таким образом художник передает основную мысль произведения – не стоит тратить драгоценное время на легкомысленные развлечения.

Помпео Джироламо Батони (1708–1787) Портрет сэра Виндхама Кначбулл-Виндхама 1758–1759. Холст, масло. 233,1x161,3

Известный итальянский живописец Помпео Батони учился у Д. Бруджери, Дж. Ломбардии, С. Конки и А. Мазуччи. Он создавал алтарные образы, картины на мифологические, аллегорические и исторические сюжеты, однако наиболее популярен был как портретист. Среди европейской знати считалось модным иметь свое изображение кисти этого мастера. Данная картина написана в Риме, в зрелый период творчества художника, когда он создавал преимущественно портреты. В них Батони стремился привнести в парадную композицию, включающую элементы барокко, изысканные тональные отношения, идеализированные античные виды. На полотне изображен английский аристократ. Он, как и многие его современники, совершал путешествия по Европе с целью познакомиться с другими странами и культурами. Молодой человек представлен стоящим на террасе, одной рукой он указывает на антикизированый пейзаж, за спиной у него находится бюст Афины – все определяет сферу интересов модели, демонстрируя восхищенность искусством Древнего Рима.

Франсуа-Андре Венсан (1746–1816) Демокрит среди абдеритов. Около 1790. Холст, масло. 45,7x55,3

Французский художник Франсуа-Андре Венсан – один из основателей неоклассицизма. Первые уроки живописи и рисунка он получил у своего отца, затем продолжил образование у Ж.-М. Вьена. Совершив путешествие в Италию, Венсан после возвращения в Париж успешно представил свои работы в Салоне, они пользовались популярностью.

Полотно «Демокрит среди абдеритов» мастер написал по одноименной басне Жана де Лафонтена. Ее сюжет состоит в том, что древнегреческого философа, родившегося в городе Абдеры во Фракии, соплеменники сочли безумцем. Для исцеления к нему пригласили известного врачевателя Гиппократа. Он пришел к «больному», когда тот сидел у ручья и размышлял: «Над самой важною из всех своих идей: / Где у животных и людей, / В сердцах или в мозгу, таится ум?» В заключение своего рассказа баснописец делает вывод: «Народ – судья, увы, негодный!»

Жан-Антуан Гудон (1741–1828) Сидящий Вольтер. Около 1779–1795. Гипс, дерево, металл. 133,4x90,2x83,8

Француз Жан-Антуан Гудон, самый известный скульптор XVIII века, прославился как мастер психологического портрета. Образование он получил у М. Слодца, Ж. Пигаля и Ж. Лемуана, был стипендиатом Французской академии в Риме. Произведения ваятеля отличаются многогранностью психологической трактовки. Точно воспроизводя внешний облик моделей, среди которых были его выдающиеся современники, такие как Ж.-Ж. Руссо, О. Г. Мирабо, Д. Дидро, Дж. Вашингтон, улавливал изменчивость их настроений, не забывая о сохранении целостности образа.

К шедеврам Гудона относится статуя «Сидящий Вольтер». Французский философ эпохи Просвещения позировал художнику незадолго до своей смерти. Мыслитель сидит в кресле, чуть подавшись вперед, словно вслушиваясь в слова собеседника. На его лице читается усталость и одновременно с этим скрытая экспрессия, готовность немедленно вступить в дискуссию. Мастер облачает героя в одежду, подобную античной тоге, широкими, тяжелыми складками драпирующую его фигуру, придавая ей величественность.

Антуан Луи Бари (1796–1875) Нереида, поправляющая ожерелье. Около 1836. Гипс, воск. 31,6x18,4x13,9

Французский скульптор Антуан Луи Бари был разносторонне одарен. Занятия ваянием, живописью, графикой он совмещал с ювелирным делом и изготовлением топографических карт. Художественное образование Бари получил в мастерских А. Гро и Ф. Бозио.

Творец стал известен как анималист. Отдавая дань романтическим устремлениям эпохи, он часто изображал экзотических животных. В разных музеях Европы хранятся созданные им статуэтки львов, тигров, слонов, жирафов, пантер, верблюдов и других существ. Скульптуры мастера отличаются динамизмом, пластической выразительностью, реалистичностью, где-то даже анатомической точностью в передаче движений и повадок зверей.

Нередко Бари исполнял композиции, включающие в себя как животных, так и людей, например «Борьба Тесея с Минотавром» (1834, Лувр, Париж), «Борьба Тесея и кентавра» (1849, музей Метрополитен, Нью-Йорк). К их числу относится и «Нереида, поправляющая ожерелье».

Диас де ла Пенья (1807–1876) Мужчины в восточных костюмах. Около 1845. Холст, масло. 47,63x27,94

Полное имя французского живописца и графика (испанца по происхождению), представителя барбизонской школы звучит Нарциссо Виргилио Диас де ла Пенья, однако в истории искусства он более известен как Диас де ла Пенья.

Большое влияние на молодого художника оказало творчество Эжена Делакруа. Он также был увлечен красотой и экзотикой Востока, поэтому в работах живописца довольно часто звучат мотивы ориентализма.

На данном полотне главный герой в богатом национальном костюме гордо стоит в центре. За ним находятся женщины, с ног до головы закутанные в белые одежды, только темнокожая рабыня не скрывает своего лица. Звучное синее небо и светлые облачения спутниц выгодно подчеркивают красоту и роскошь мужского одеяния.

Нужно отметить, что наиболее ярко мастер проявил себя в пейзажах. Он любил писать небольшие лесные поляны, чащи, где темные стволы величественно возвышаются на фоне вечерних небес. Довольно часто свои ландшафты де ла Пенья оживлял различными бытовыми сценками.

Эжен Делакруа (1798–1863) Святой Себастьян и святая Ирина 1858. Холст, масло. 38,1x50,8

Эжен Делакруа – выдающийся французский живописец и график первой половины XIX века. Он получил образование у художника-классициста Пьера Нарсиса Герена, однако наставник практически не оказал на него никакого влияния. Молодой творец много времени уделял посещению Лувра, где изучал полотна старых мастеров, особенно его восхищали картины фламандца Питера Пауля Рубенса и англичанина Джона Констебля. В своем дневнике Делакруа писал: «Надо видеть Рубенса, надо Рубенсом проникнуться, надо Рубенса копировать, ибо Рубенс – бог живописи». Увлечение его работами можно отметить в ряде этюдов художника. Многие произведения Делакруа, преимущественно раннего периода, проникнуты глубоким драматизмом и внутренним напряжением героев, например «Резня на Хиосе» (1824–1824, Лувр, Париж), «Свобода, ведущая народ» (1830, Лувр, Париж).

Интонации творчества мастера изменились после совершения им в 1831 путешествия по Северной Африке. Художник посетил Танжер, Мекнес, Оран и Алжир. Красота пряного Востока его пленила. Делакруа начал писать необычайно выразительные и динамичные полотна, изображающие сцены охоты на хищников, скачки, битвы всадников, различные жанровые мотивы. В этих картинах главная роль всегда принадлежит колориту, передающему все многообразие красок Востока. Цвет приобретает повышенную эмоциональную выразительность за счет многочисленных рефлексов и контрастов.

Это же буйство колорита можно отметить и в произведениях, созданных на религиозные сюжеты. Одно из них представлено в экспозиции музея. На нем Делакруа изобразил святого Себастьяна, которого император Диоклетиан за веру в Христа приказал привязать к столбу и пронзить стрелами. После того как воины оставили безжизненное тело святого, пришла святая Ирина со служанкой, чтобы его похоронить. Обнаружив, что Себастьян жив, она перенесла его в тайное место, где излечила раны.

Эдгар Дега (1834–1917) Сестры Беллели (Джулия и Джованна Беллели) 1865–1866. Холст, масло. 92,1x72,4

Эдгар Дега – выдающийся французский художник-импрессионист, скульптор и график. Он учился в Школе изящных искусств, совершил ряд поездок по Италии, где знакомился с искусством старых мастеров. Живописец обращался к разнообразным сюжетам, но к числу его любимых тем можно отнести изображение скачек, танцовщиц балета, прачек и обнаженных.

На данном портрете Дега представил своих молодых родственниц – дочерей тетки Лауры. Художник уже писал их несколькими годами ранее в «Портрете семьи Беллели» (1858–1860), когда сестры были еще детьми. На этом полотне Джулии 15 лет, а Джованне – 17. Компонуя портрет, мастер не располагает моделей фронтально, не облачает в красивые и праздничные наряды, а представляет в простых, лишенных украшений платьях. Их фигуры занимают практически все пространство холста. Колорит работы строится на сочетании различных коричневых оттенков, черного цвета и небольших белых акцентов.

Жан Франсуа Милле (1814–1875) Нормандская доярка 1871. Холст, масло. 80x55,6

Жан Франсуа Милле – выдающийся французский живописец и график середины XIX века. Образование он получил в мастерской Поля Делароша, много времени проводил в Лувре. В полотнах художников испанской и итальянской школ его привлекали обобщенность форм, лаконичные колористические решения, возвышенная одухотворенность обыкновенных вещей и образов. Все это будет характерно для большинства картин Милле.

Главной темой для него стало изображение крестьянского труда, быта и жизни. В конце творческой деятельности мастер увлекся пейзажем, полотно «Нормандская доярка» относится к позднему периоду. Женская фигура занимает большую часть холста, она кажется очень темной из-за того, что находится против солнца (в контражуре), поэтому важное значение здесь приобретает силуэт, который живописец трактует довольно скульптурно.

Жан Батист Камиль Коро (1796–1875) Сена и старый мост в Лиме 1872. Холст, масло. 40,6x66

Камиль Коро – французский живописец и гравер, один из основоположников национальной школы пейзажа. Он работал преимущественно в жанре пейзажа и портрета, писал также картины на мифологические и религиозные сюжеты. Коро учился у А. Мишаллона и В. Бертена – художников-академистов, совершил ряд путешествий в Италию, где оттачивал свое мастерство, также посещал Бельгию, Нидерланды, Англию, Швецию, много ездил по Франции.

Для пейзажей Коро характерны прозрачный серебристо-жемчужный колорит, богатство валёров (различные по светосиле оттенки одного и того же цвета), придающее им неуловимую трепетность. Главным средством, наполняющим полотно жизнью, мастер считал тончайший рассеянный свет пасмурного дня. Природу художник представлял как место, где действует простой человек, одухотворяющий ее. В работах Коро всегда есть определенная эмоциональная окраска, настроение. Многим его картинам свойственна атмосфера тишины, мечтательности и задумчивости. Эти интонации присущи и пейзажу «Сена и старый мост в Лиме».

Камиль Писсарро (1830–1903) Тропинка к Пуилё, Понтуаз 1881. Холст, масло. 56x47

Камиль Писсарро – французский живописец, график, представитель импрессионизма. Художественное образование он получил в парижской Школе изящных искусств и Академии Сюиса.

Главной темой творчества мастера стал сельский пейзаж, однако он обращался и к городским видам, которые показывал как живой организм, постоянно меняющийся в зависимости от времени года и освещения. В своих работах художник большее внимание уделял именно освещению и световоздушной среде. Изображая ландшафты, он любил вводить стаффажные фигурки людей, чтобы оживить композицию.

Довольно часто в полотнах Писсарро встречается мотив дороги. Он несет в себе не только смысловую нагрузку, но и помогает гармонично выстроить пространство. В картине «Тропинка к Пуилё, Понтуаз», в которой простой сельский пейзаж получил новое прочтение, художник воссоздал удивительную гармоничную взаимосвязь между природой и крестьянскими постройками. Цветовые пятна, окрашивающие стволы озаренных солнцем деревьев, находят отражение в оттенке крыш зданий. Длинные синие тени, перерезая дорожки и падая на стены каменного забора, зрительно увеличивают количество деревьев. Практически растворяются в пейзаже стройные женские фигуры, идущие по песчаной тропинке. Их голубые фартуки по цвету перекликаются с прозрачной синевой неба.

Альфред Сислей (1839–1899) Сан-Мамес. Утро 1884. Холст, масло. 91,4x116,8

Альфред Сислей (англичанин по происхождению) – французский художник-импрессионист, работавший в основном в жанре пейзажа. Живопись он изучал в Париже в мастерской Ш. Глейра, где познакомился с О. Ренуаром, Ф. Базилем, К. Моне. В ранних полотнах художника ощутимо влияние К. Коро и Ш.-Ф. Добиньи. Постепенно под влиянием Моне стилистика его произведений меняется: мазок становится темпераментнее, а колорит – контрастнее, а с 1880 картины приобретают заметную долю декоративности.