Текст книги "Мастера исторической живописи"
Автор книги: Кристина Ляхова
Соавторы: Галина Дятлева
сообщить о нарушении
Текущая страница: 8 (всего у книги 24 страниц) [доступный отрывок для чтения: 9 страниц]
Эжен Делакруа
(1798–1863)
Более остальных художника интересовал исторический жанр. Он создал множество замечательных полотен, рассказывающих о событиях давно минувших дней. Иногда Делакруа выбирал в качестве основы для своей очередной работы сюжет из недавно прочтенной книги, например пьесы Шекспира или стихотворения Байрона. Но, независимо от того, реальным или вымышленным было событие, которое художник стремился изобразить, все его работы являлись удивительно достоверными.
Французский художник Эжен Делакруа родился в Шарантон-Сен-Морисе, неподалеку от Парижа, в зажиточной семье. Есть основания полагать, что он являлся побочным сыном Талейрана.
Семья отправила Эжена учиться в Императорский лицей, который он в 1815 году в возрасте семнадцати лет покинул, чтобы стать живописцем. Делакруа поступил учеником в мастерскую классициста П. Н. Герена. Однако классицистические взгляды мало привлекали Эжена, поэтому через два года он покинул своего первого учителя и в 1817 году был зачислен в Школу изящных искусств. Во время обучения Делакруа более всего интересовался античной культурой, читал Гомера, Горация, Марка Аврелия. Среди художников особенно выделял Микеланджело, Веласкеса и Рубенса; восхищался и работами современников, прежде всего полотнами Давида, Гро и Констебла. На протяжении долгого времени он дружил с Жерико, которого также считал своим учителем.
В 1822 году Делакруа впервые выставил свою работу в Салоне. Это была картина «Данте и Вергилий» (Лувр, Париж); она очень понравилась зрителям за эмоциональность, напоминающую работы Микеланджело.
Через два года в Салоне было показано его новое полотно – «Резня на Хиосе» (1824, Лувр, Париж). Основой для него послужили реальные события, происшедшие в 1822 году, когда турки захватили греческий остров Хиос и жестоко расправились с греками, населявшими его. В этой работе мастер нарушал все академические каноны. Иногда, чтобы добиться наибольшей выразительности, он даже искажал пропорции, поэтому нет ничего удивительного в том, что картина не понравилась художественным критикам.
В 1827 году художник снова вернулся к теме войны греков с турками и написал полотно «Греция на развалинах Миссолонги» (Музей, Бордо).
В 20-х годах XIX столетия Делакруа выполнил множество работ по сюжетам литературных произведений, которые он читал в то время. Например, в 1825 году художник совершил поездку в Англию, где заинтересовался творчеством Шекспира и Байрона. По возвращении он создал литографию на тему произведения Шекспира «Макбет».
Э. Делакруа. «Резня на Хиосе», 1824, Лувр, Париж
Не ограничиваясь просто интересными сюжетами, Делакруа искал новые средства выражения, стремясь, чтобы они соответствовали содержанию и усиливали впечатление, производимое от картины. В 1827 году мастер показал в Салоне две новые работы: «Смерть Сарданапала» (Лувр, Париж) и «Марино Фальеро» (галерея Уоллеса, Лондон). Интерес зрителей больше привлекла вторая картина, на которой художник изобразил смерть венецианского дожа в присутствии Совета Десяти. Пустая мраморная лестница, неподвижные члены совета, на лицах которых застыл ужас, вызывают именно те впечатления, на которые и рассчитывал Делакруа. Первое полотно совсем другое: вместо неподвижности, пустоты, отчаяния здесь царит беспокойное движение вокруг центральной, неподвижной фигуры – восточного владыки Сарданапала. Сюжеты для этих картин были навеяны художнику поэзией Байрона.
В том же году Делакруа выполнил несколько иллюстраций к «Фаусту» Гёте, но вскоре политическая обстановка в стране изменилась, что не могло не отразиться на его творчестве. Делакруа откликнулся на революционные события и поддержал народ, вышедший на улицы, чтобы свергнуть короля и правящую буржуазию. Свое отношение к происходящему художник выразил картиной «Свобода, ведущая народ» (1830, Лувр, Париж).
Э. Делакруа. «Смерть Сарданапала», 1827, Лувр, Париж
На картине изображена женщина с обнаженной грудью и босыми ногами. Она немного крупнее, чем остальные человеческие фигуры на полотне, и своим величественным видом напоминает греческую статую. В одной ее руке – флаг Французской Республики, в другой – ружье со штыком. За ней устремляется толпа вооруженных людей. Сквозь клубы порохового дыма виден собор Парижской Богоматери. У ног Свободы лежат убитые и раненые. Рядом с ней выделяются три фигуры: мальчик, напоминающий Гавроша из романа Гюго, рабочий и студент, которому художник придал сходство с собой.
После того как к власти пришел король Луи Филипп, Делакруа стал искать возможность уехать из Франции, и вскоре она ему представилась.
Э. Делакруа. «Свобода, ведущая народ», 1830, Лувр, Париж
В 1831 году он присоединился к делегации, посланной в Африку для установления дружеских отношений с султаном Марокко.
Художник прожил в Африке полгода, успев за это время осмотреть Танжер, Мекнес, Алжир, Оран. Затем он поехал в Испанию, но провел там всего две недели. Все новые впечатления от этого интересного путешествия Делакруа старался зафиксировать на бумаге и, вернувшись во Францию, привез множество рисунков, набросков, этюдов и эскизов. В Танжере он написал несколько пейзажей акварелью, в других городах обращал внимание на наиболее интересные характерные особенности – узкие кривые улицы, дома и их внутреннее убранство, зарисовывал арабских лошадей, черты лиц местных жителей и т. д.
Мотивы, встречающиеся в этих рисунках, он впоследствии использовал для своих картин («Алжирские женщины в своих покоях», 1834, Лувр, Париж; «Еврейская свадьба в Марокко», ок. 1841, Лувр, Париж; «Марокканец, седлающий коня», 1855, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В Салоне 1847 года Делакруа показал пять новых работ, причем четыре из них были воспоминаниями об Африке.
Однако, несмотря на неугасающий интерес к Африке, мастер не перестал писать полотна на исторические сюжеты. Правительство объявило конкурс на темы «Протест Мирабо против роспуска генеральных штатов» и «Буасси д’Англа». Делакруа вместе с другими художниками принял участие в конкурсе. В 1831 году он показал в Салоне одну из наиболее удачных работ: эскиз к картине «Буасси д’Англа».
В 30-х годах Делакруа написал две сложные по композиции картины с батальными сценами: «Битва при Пуатье» (1830, Лувр, Париж) и «Битва при Тайбурге» (1835–1837, Национальный музей, Версаль).
Э. Делакруа. «Битва при Тайбурге», 1835–1837, Национальный музей, Версаль
Особенно интересна вторая работа. В центральной части полотна художник поместил короля Людовика IX на белом коне, вокруг него разместил многочисленные фигуры воюющих. Несмотря на фигуру короля, присутствующую в композиции, Делакруа стремился в первую очередь показать страдания простых воинов.
В 1840 году мастер исполнил произведение «Взятие Константинополя крестоносцами» (Лувр, Париж). Перед зрителем разворачивается трагическая картина – суровые рыцари-крестоносцы верхом на лошадях, медленно двигающиеся по завоеванной земле. Вокруг них видны фигуры жителей города, на переднем плане, прямо у копыт лошади, сидит убитая горем женщина и держит на руках только что умершего ребенка. Однако колорит, включающий фиолетовые, розовые, светло-коричневые, голубые и оливково-зеленые оттенки, не подчеркивает общее, трагическое настроение, а наоборот, как бы символизирует приподнятый дух рыцарей, радующихся победе.
Э. Делакруа. «Взятие Константинополя крестоносцами», 1840, Лувр, Париж
Несмотря на то что Делакруа наиболее известен как художник, писавший картины на исторические темы, его кисти принадлежит множество портретов, пейзажей, натюрмортов и жанровых полотен (например, работы, навеянные путешествием в Африку). Интересны и правдивы портреты Паганини (ок. 1831, собрание Филипс, Вашингтон), Жорж Санд (1834, частное собрание), Шопена (1838, Лувр, Париж).
Делакруа был всесторонне развитым человеком, как уже отмечалось выше, много читал. Кроме того, он обладал литературным талантом, что становится видно после прочтения его знаменитого «Дневника». Художник вел его с 1822 года, записывая наиболее интересные факты, события, собственные размышления. Наиболее интересны страницы, на которых он делится впечатлениями от знакомства с Жорж Санд, Паганини и Шопеном.
Эжен Делакруа умер в Париже. Его творчество оказало значительное влияние на художников конца XIX – начала XX века, особенно на тех, кто впоследствии занимался развитием новых колористических решений.
Эдуард Мане
(1832–1883)
В 1863 году император Наполеон III организовал Салон Отверженных, где экспонировались работы, представленные для участия в Салоне, но по тем или иным причинам отвергнутые жюри. Среди них оказались картины Мане «Викторина Мёран в костюме эспада», «Молодой человек в костюме махо» и его знаменитый «Завтрак на траве». Реакция зрителей на работы Мане была резко отрицательной. Император, посетивший выставку, заявил, что подобные произведения «оскорбляют нравственность».
Французский художник Эдуард Мане родился в Париже, в состоятельной семье. Родители дали ему прекрасное образование и надеялись, что Эдуард сделает административную карьеру. Однако Мане с детства любил рисовать. Его дядя, полковник Фурье, всячески поощрял увлечение племянника – он водил Эдуарда в Лувр и показывал работы всемирно известных мастеров живописи, а также оплачивал его уроки рисования в колледже Роллен. Когда пришло время продолжать образование, Эдуард, несмотря на неудовольствие родителей, принял решение стать художником и прославиться в сфере искусства. После того как Мане два раза провалил вступительные экзамены в морское училище, родители смирились с выбором сына и дали согласие на то, чтобы он начал учиться живописи.
В 1850 году восемнадцатилетний Мане поступил в Школу изящных искусств, где его учителем был Кутюра. Наставник не оказал большого влияния на формирование художественной манеры начинающего живописца. Посещая его мастерскую, Мане уже тогда стал относиться к академическим традициям резко отрицательно, несмотря на то что Кутюра пытался внушить ему противоположную точку зрения, которой придерживался и сам.
Проучившись у Кутюра шесть лет, Мане ушел от него и стал самостоятельно изучать творчество знаменитых итальянских и испанских мастеров прошлого – Джорджоне, Тинторетто, Тициана, Веласкеса, Гойи и других, посещая Лувр и делая копии с понравившихся ему работ.
Покинув Кутюра, Мане, который был со своим учителем в очень плохих отношениях, уничтожил все полотна, рисунки и даже наброски, выполненные в мастерской наставника. Из ранних работ сохранилась лишь картина «Любитель абсента» (1858–1859, Новая глипотека Карлсберга, Копенгаген), на которой начинающий художник показал встреченного им в Лувре посетителя – опустившегося пьяницу, который раньше был истинным ценителем искусства. Мане хотел выставить эту картину в Салоне, но жюри отвергло ее.
Среди мастеров живописи современности Мане отдавал предпочтение Делакруа. В 1857 году он посетил художника, которому было уже пятьдесят девять лет, и попросил разрешения сделать копии с его картины «Данте и Виргилий». Эти копии сохранились до наших дней – они выставлены в Метрополитен-музее в Нью-Йорке и в галерее в Лионе.
В 1860 году Мане написал картины «Портрет родителей художника» (Лувр, Париж), «Гитарист» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк), «Мальчик с собакой» (собрание Гольдшмидт-Ротшильд, Париж), «Портрет мадам Брюне» (частное собрание, Нью-Йорк). Две первые работы он через год выставил в Салоне. На этот раз картины были благосклонно приняты критикой, зрителями и удостоены «Почетного упоминания».
Мане уделял творчеству все свободное время, стремясь найти собственный путь в живописи. За 1862 год он успел написать два натюрморта («Устрицы», Национальная галерея, Вашингтон; «Гитара и шляпа», Музей Кальве, Авиньон); несколько портретов («Лола из Валенсии», Лувр, Париж; «Викторина Мёран в костюме эспада», Метрополитен-музей, Нью-Йорк и др.), а также полотно «Палуба корабля» (Национальная галерея Виктории, Мельбурн).
По всей вероятности, к этому же году относится работа «Музыка в Тюильри» (Национальная галерея, Лондон), хотя некоторые исследователи творчества Мане датируют эту работу 1860 годом. Это небольшое, но очень выразительное полотно. Сложно отнести его к какому-либо определенному жанру, так как в нем соединились пейзаж, групповой портрет и жанровая сцена. Кроме того, художник изобразил на этой картине многих известных людей того времени – композитора Ж. Оффенбаха, поэта Ш. Бодлера, писателя и критика Т. Готье, критика З. Астрюка, художника А. Фантен-Латура и своего брата Э. Мане.
Эта работа чуть не погибла на первой же выставке – зрителям она так не понравилась, что они постарались проткнуть ее зонтиками. Подобная реакция ожидала и многие последующие произведения Мане. Особенно не понравилось буржуазной публике полотно «Завтрак на траве». Из-за такой реакции художник два года не решался показать свою новую работу – картину «Олимпия» (1863, Музей Орсэ, Париж). Однако в 1865 году он все же выставил ее в Салоне.
В середине 60-х годов Мане отказался от композиционных особенностей и художественных приемов выражения, используемых старыми мастерами. Это время можно назвать переходом от раннего к зрелому периоду творчества художника.
Именно тогда мастер создал историческое полотно «Бой „Кирседжа“ и „Алабамы“» (1864, Художественный музей, Филадельфия). Бой двух кораблей произошел в конце Гражданской войны между буржуазным Севером и рабовладельческим Югом недалеко от французского порта Шербур, поэтому Мане вполне мог стать случайным свидетелем этого события.
Э. Мане. «Бой „Кирседжа“ и „Алабамы“», 1864, Художественный музей, Филадельфия
Э. Мане. «Казнь Максимилиана», 1867, Кунстхалле, Мангейм
Судно «Алабама», принадлежавшее южанам и занимавшееся разбоем в Атлантическом океане, постаралось укрыться от корабля северян во французском порту (Франция официально поддерживала южан). Однако «Кирседж» настиг «Алабаму» раньше, чем она успела достигнуть порта, и в море разыгралось сражение, привлекшее внимание многочисленных зрителей.
Бой продолжался долго и окончился победой северян. «Алабама» пошла ко дну. Мане, чьи симпатии были на стороне южан, решил запечатлеть это событие на полотне, и это ему удалось. Все, кто действительно видел сражение, отмечали, что это событие отражено с поразительной точностью.
В 1867 году Мане выполнил полотно «Казнь Максимилиана», основой для которого послужили события, произошедшие в Мексике. В 1861 году там началась англо-франко-испанская интервенция, а через три года австрийский эрцгерцог Максимилиан I Габсбург был провозглашен мексиканским императором, однако его власть распространялась не на всю страну, а только на районы, занятые французской армией. В 1867 году французские войска были выведены из страны, а Максимилиана взяли в плен и расстреляли.
Среди других полотен этого периода можно отметить картины «Мальчик-флейтист» (1866, Музей Орсэ, Париж), «Балкон» (ок. 1868–1869, Лувр, Париж) и др.
В конце 60-х годов XIX столетия Мане заинтересовался новым жанром – портретом. Одной из первых работ этого направления стало полотно под названием «Портрет Э. Золя» (1868, Музей Орсэ, Париж). Эта работа довольно интересна и необычна по композиции.
Художник показал Золя, сидящего в естественной, непринужденной позе в своем кабинете, за столом, заваленным бумагами. На стенах кабинета можно увидеть изображение «Олимпии», гравюру с картины Веласкеса «Вакх» и японскую гравюру.
В последующие годы Мане выполнил портрет Берты Моризо с веером (1872, Лувр, Париж); портрет своего друга, поэта Малларме (1876, Лувр, Париж); портрет «Джордж Мур» (1879, Метрополитен-музей, Нью-Йорк); полотно «Читающая журнал» (ок. 1879, частное собрание, Чикаго).
В 1871 году Мане стал свидетелем событий Парижской коммуны и сделал несколько набросков того, что происходило в городе.
Самой известной его работой стала акварель «Расстрел коммунаров» (1871, Музей изобразительных искусств, Будапешт).
В 70–80-х годах мастер создал несколько пейзажей и жанровых полотен: «В лодке», 1874, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Нана», 1877, Художественный музей, Гамбург; «В зимнем саду», 1878, Национальная галерея, Берлин; «У папаши Латюиля», 1879, Музей, Турне; «Подавальщица пива», 1879, Национальная галерея, Лондон.
В 1880 году Мане заболел и не мог покидать дом, однако писать не прекратил. Одной из самых удачных работ этого периода стала картина «Бар в Фоли-Бержер» (1881–1882, институт Курто, Лондон). После ее окончания художник почти перестал передвигаться даже по дому. Он умер 30 апреля 1883 года.
Многие художники в произведениях исторического жанра пытались выразить свое отношение к современной им действительности. Так, польский мастер Ян Матейко, создавая картины, показывающие переломные моменты далекого прошлого, стремился вызвать у зрителя раздумья о судьбе своей родины, поставленной польской аристократией на грань национальной катастрофы.
Ян Матейко
(1838–1893)
В Варшавском национальном музее хранится написанная Яном Матейко в 1867 году картина «Приговор Матейко». Это небольшое, полное иронии произведение стало своеобразным ответом на критику консервативных журналистов, обрушившуюся на художника после появления полотна «Рейтан в Варшавском сейме». Матейко изобразил себя прикованным, подобно преступнику во времена Средневековья, к позорному столбу на краковском рынке. Сановники, расположившиеся на балконе, читают приговор.
Польский живописец Ян Матейко родился 24 июня 1838 года в Кракове. Его отец, чех по происхождению, был учителем музыки. С детства мальчику прививалась любовь к музыке и истории (старший брат Яна, Францишек, являлся доцентом исторических наук). Ян прочитал множество книг по археологии и истории.
В гимназии он не блистал знаниями, кроме уроков истории, его привлекало только рисование. Уже в гимназических его рисунках заметен недюжинный талант художника.
В 1852 году Матейко поступил в краковскую Школу изящных искусств. Большое влияние на формирование его как мастера исторического жанра оказал один из руководителей Школы – Владислав Лущкевич. Он не был особо одаренным художником, но его исторические композиции отличались правдивостью и почти документальной точностью. Лущкевич совершал со своими воспитанниками длительные путешествия по стране, во время которых молодые живописцы изучали местность и архитектурные памятники, делали зарисовки дворцов, костелов, руин старинных замков. Большое внимание Лущкевич уделял рисованию моделей.
Я. Матейко. «Станчик». Фрагмент, 1862, Национальный музей, Варшава
Стремясь стать художником исторического жанра, Матейко внимательно читал старинные польские летописи, стихи поэтов-романтиков, произведения Шекспира, изучал памятники старинной архитектуры в Кракове. И конечно же писал: во время обучения в Школе молодой художник создал множество этюдов, эскизов, зарисовок. В их числе пейзажи, изображения лошадей, людей, жанровые сценки и даже карикатуры.
Окончил Школу Матейко в 1858 году. Увлекшись исторической живописью, он много времени отдавал работе в библиотеке Ягеллонского университета, где работали историки. В зале библиотеки молодой художник часами делал зарисовки в альбоме.
С целью совершенствования мастерства Матейко посетил Мюнхен (1859), а затем Вену (1860). К этому времени он твердо решил посвятить себя монументально-исторической живописи. Позднее художник побывал в Париже, Венеции, Константинополе, но, несмотря на яркие впечатления, полученные в этих поездках, главное место в его творчестве занимали родные мотивы.
Ранние живописные работы Матейко наполнены размышлениями о причинах упадка Польши. Виновными в этом живописец считал польских магнатов.
В 1862 году была написана первая значительная картина Матейко – «Станчик» (Национальный музей, Варшава), носящая черты автопортрета. Художник изобразил придворного шута, в унынии сидящего в высоком кресле. В глубине картины видна веселящаяся толпа придворных, не задумывающихся над судьбой своей родины. Печальное лицо Станчика выражает укор, направленный властителям и государственным деятелям Польши. Шут, видящий приближение катастрофы, которая вскоре разрушит сложившиеся устои, является олицетворением гражданской совести человека.
Я. Матейко. «Колокол Зыгмунта». Фрагмент (королевская семья), 1874, Национальный музей, Варшава
Поражение освободительного восстания 1863 года привело к глубокому потрясению в среде польской интеллигенции. События современности отразились в написанном вскоре полотне «Проповедь Скарги» (1864, Национальный музей, Варшава). Картина привлекла к молодому художнику внимание общественности. Показав эпизод из истории времен короля Зыгмунта III, Матейко выразил свои мысли о причинах упадка Польши. Посетив лагерь повстанцев, готовящихся принять участие в восстании, художник убедился, что патриотические устремления народа были использованы в корыстных интересах высших сословий. Вельможи, слушающие гневную речь Скарги в Сейме, давно уже лежат в могилах, но зритель понимает, что в исторические костюмы одеты современники мастера, те, кто привел страну к ее униженному положению.
На самом деле иезуит Скарга был просто ловким политическим авантюристом, никогда не произносившим проповедей в Сейме, но художник показал его именно так, как он представлен в интерпретации поэта-романтика А. Мицкевича. Как и у Мицкевича, Скарга Матейко – символ патриотизма и гражданственности.
Я. Матейко. «Битва под Грюнвальдом». Фрагмент эскиза, 1878, Национальный музей, Варшава
Ко времени написания картины «Проповедь Скарги» Матейко исполнилось всего 26 лет, но в ней он предстал уже крупным мастером живописи. Вызывает восхищение тщательно продуманная композиция.
Вертикальные линии подчеркивают напряженный драматизм разворачивающихся перед глазами зрителей событий. С глубоким психологизмом написаны лица героев, их жесты и движения.
Такой же обличительной силой проникнуто полотно «Рейтан на Варшавском сейме» (1866, Национальный музей, Варшава). Картина, первоначально названная автором «Рейтан – падение Польши», вызвала яростные нападки представителей крупных польских помещиков и аристократов.
В конце 1860-х годов взгляд Матейко на историю несколько изменился. Если раньше причину упадка Польши художник видел в социальной несправедливости и деспотизме магнатов, то теперь главной бедой он считал отсутствие сильной королевской власти. С этого времени в произведениях мастера появляются иные темы, его интересуют события, связанные с возвеличиванием Польши. Меняется манера письма Матейко и художественно-образная система.
Размеры картин становятся больше, увеличивается количество представленных на них персонажей, преобладает панорамность композиции. Вместо одного события живописец стремится показаться сразу несколько, что отрицательно сказывается на восприятии.
Таково полотно «Люблинская уния» (1869, Национальный музей, Варшава), посвященное трехсотлетию представленного на нем события, а также композиция «Стефан Баторий под Псковом» (1872, Национальный музей, Варшава), где наряду с такими качествами, как реалистичность и психологизм, бросается в глаза явное прославление деспотичного короля. В то же время критики справедливо отмечают, что «Стефан Баторий под Псковом» – одно из лучших произведений Матейко – восхищает своей выразительностью, мастерством композиционного построения и гармонией цвета.
В этом же 1872 году художником был выполнен документально-исторический портрет «Коперник» (Национальный музей, Краков), в котором отразился интерес автора к эпохе Возрождения. К теме Возрождения художник обращается и при создании полотна «Колокол Зыгмунта» (1874, Национальный музей, Варшава). Замысел этой картины появился еще в то время, когда Матейко учился в Школе изящных искусств, но написана она была уже зрелым мастером.
«Колокол Зыгмунта» представляет зрителю яркий образ польского общества периода Ренессанса. Хотя важное место на полотне отведено изображению королевской семьи, придворным и духовенству, картину ни в коей мере не следует воспринимать как прославление власти. Главный герой картины – сам колокол, созданный талантливым художником и мастерами, отлившими его. Одухотворенной силой веет от лица мастера Бегама, дающего указания своим помощникам. Вся эта группа людей, поднимающих тяжелый колокол, является воплощением человеческого труда, его силы, мощи, ценности.
В 1874 году Матейко начал подготовительную работу над картиной «Битва под Грюнвальдом» (1878, Национальный музей, Варшава). В течение нескольких лет он занимался только ею. Художник наблюдал за лошадьми, делал рисунки, запечатлевающие их движения, создавал портретные зарисовки, изучал различные виды оружия, читал документальные источники, в частности «Летопись» Бельского и описание Грюнвальдской битвы историка Длугоша. Чтобы проникнуться духом этого события, мастер посетил место битвы под Грюнвальдом и Танненбергом. Он занимался поиском человеческих типов, соответствующих его представлениям о героях Грюнвальда: Завиши Черного, князя Витольда, Жижко из Троцнова.
Прежде чем прийти к верному композиционному решению, Матейко написал несколько вариантов картины. Полотно, хранящееся в Варшавском национальном музее, имеет такую композицию, при которой зритель как бы находится в самой гуще событий. Именно этого впечатления добивался художник, стремившийся поразить зрителя, сделать участником, а не просто сторонним наблюдателем битвы.
Хотя на первый взгляд полотно кажется перегруженным фигурами (в чем не раз упрекали художника критики), каждую деталь можно без труда рассмотреть.
Я. Матейко. «Присяга Пруссии на верность Польше». Фрагмент, 1882, Национальный музей, Краков
По силе своего воздействия «Битва под Грюнвальдом» оставила позади себя все другие произведения польской исторической живописи XIX столетия. Художник выделяет отдельных героев и вождей, но в общем картина воспевает мощь простых воинов, людей из народа, ведь именно они, безвестные солдаты, нанесли сокрушающий удар Великому Магистру, предводителю немецкого Тевтонского ордена. «Битва под Грюнвальдом» – апофеоз народов (польского, русского и литовского), объединившихся в начале XV столетия, чтобы остановить продвижение грозного врага на восток. Картина принесла Матейко небывалую славу: после окончания работы над ней ему подарили королевский скипетр как символ «царствования в искусстве». Такой чести не удостаивался ни один художник ни до Матейко, ни после него. «Битву под Грюнвальдом», прославляющую победу польского оружия, увидели зрители не только в Польше, но и в других европейских странах. Картина побывала даже в Берлине.
Последней значительной картиной Матейко стала написанная через несколько лет «Присяга Пруссии на верность Польше» (1882, Национальный музей, Краков). Художник запечатлел на полотне момент принесения присяги польскому королю Зыгмунту I ложного прусского «вассала» на главной площади Кракова. Это произведение показало, что Матейко отказался от прежнего критического отношения к историческим событиям. Не спасает положения даже облик шута – Станчика. Он задумчив, но в его лице нет укора, взгляд его лишился прежней проницательности. «Присяга Пруссии», посвященная истории Польши эпохи Возрождения, по мнению многих исследователей, стала лебединой песней художника.
В последнее десятилетие жизни живописное мастерство Матейко значительно снизилось. Он увлекся внешней выразительностью образов, перестав обращать достаточное внимание на колорит. Краски на многих картинах мастера, созданных в этот период, стали блеклыми и почти серыми, а фигуры – манерными. В таком духе выполнены малореалистичные, лишенные прежней драматической напряженности картины «Ян Собесский под Веной» (1883, Ватикан) и «Жанна Д’Арк» (1886, Национальный музей, Познань). Преувеличенная пафосность соединена в них со стремлением к тщательной передаче многочисленных деталей старинных костюмов и обстановки.
В 1890 году Матейко завершил работу над циклом «Портреты князей и королей польских». Хотя при написании портретов художник пользовался историческими документами, образы, созданные им, получились идеализированными, далекими от реальности.
Большую роль художник сыграл в деле защиты памятников. Он не только боролся за сохранность и восстановление старых памятников (старинные стены, окружавшие Краков; Вавельский замок, полуразрушенный австрийцами), но и способствовал созданию новых (памятник Мицкевичу в Кракове). Кисти Матейко принадлежат замечательные росписи Мариацкого костела в Кракове.
Кроме исторических картин, в творческом наследии польского мастера множество прекрасных портретов близких, друзей, детей художника. Эти работы Матейко отличаются искренностью и правдивостью. Так же реалистичны и портреты представителей аристократических кругов, сановников, ректоров Ягеллонского университета. Большой интерес представляют автопортреты, в которых художник попытался дать анализ собственной личности. Замечателен его последний автопортрет, написанный за год до смерти (1892, Национальный музей, Варшава), открывающий перед зрителем душу мастера, терзаемую борьбой противоречий и нарастающим одиночеством.
Историческая тематика, хотя и не в такой мере, как французских, привлекала и художников из других стран Европы и Америки. Так, в историческом жанре на рубеже XIX–XX веков работали швейцарский мастер Фердинанд Ходлер, американец Уинслоу Хомер и др. С появлением в XX веке множества новых художественных направлений интерес к историческому жанру не угас. К сюжетам далекого и близкого прошлого обращались итальянский неореалист Ренато Гуттузо, основатель мексиканской школы монументальной живописи Диего Ривера, родоночальник кубизма испанец Пабло Пикассо и даже знаменитый испанский сюрреалист Сальвадор Дали.
