Текст книги "Мастера исторической живописи"
Автор книги: Кристина Ляхова
Соавторы: Галина Дятлева
сообщить о нарушении
Текущая страница: 4 (всего у книги 24 страниц) [доступный отрывок для чтения: 9 страниц]
Франсиско Сурбаран
(1598–1664)
Сохранившийся до наших дней цикл из десяти картин, посвященных подвигам Геракла (1634, Прадо, Мадрид), вызывал множество споров. Искусствоведы сомневались, что работы выполнены Сурбараном, несмотря на его характерную манеру. И только недавно, при очередном подробном изучении картин, на них были обнаружены подписи Сурбарана, благодаря которым теперь его авторство не вызывает сомнений.
Испанский художник Франсиско Сурбаран родился в Фуэнте де Кантос, в провинции Бадахос, Эстремадура. Его отец был небогатым торговцем. Заметив склонность мальчика к рисованию, он привез его в Севилью и отдал в мастерскую П. де Вильянуэве, который занимался раскрашиванием деревянных статуй.
Франсиско обучался в мастерской художника два года. Когда ему исполнилось восемнадцать лет, он покинул своего первого учителя и, по некоторым сведениям, посещал мастерскую Х. де Роэласа и Ф. Пачеко. Живя в Севилье, Франсиско общался и даже выполнял совместные работы с Эррерой Старшим, а также дружил с Веласкесом.
О жизни Сурбарана сохранилось не так много сведений. Известно, что он никогда не покидал Испании. В 1617 году, в девятнадцать лет, Сурбаран обосновался в небольшом поселении Льерене, в области Эстремадура, где прожил одиннадцать лет.
Сурбаран получал много заказов от монастырей на создание полотен религиозной тематики. Сам он наиболее часто изображал сцены из жизни монахов, которых впоследствии канонизировали как святых. Некоторым из них он посвящал циклы картин, на которых показывал наиболее важные факты из их биографии.
В 20-х годах XVII века Сурбаран получал заказы от доминиканского ордена, в частности, в 1626 году он выполнил картину для монастыря Сан-Пабло в Севилье, затем «Апофеоз св. Фомы Аквинского» для Главной коллегии Св. Фомы Аквинского в Севилье (1631, Музей изящных искусств, Севилья).
В то же время в 1628–1630 годах художник выполнял заказ для ордена обутых мерседариев. Он создал цикл из шести полотен, посвященных св. Петру Ноласко («Видение св. Петру Ноласко небесного Иерусалима», «Видение св. Петру Ноласко распятого апостола Петра», обе – в Прадо, Мадрид).
Расцвет творческой деятельности художника пришелся на 30–40-е годы XVII столетия. Сурбаран отказался от мистицизма, присущего его ранним работам, и стал изображать своих героев с максимальным реализмом.
Ф. Сурбаран. «Отрочество Богоматери», ок. 1660, Эрмитаж, Санкт-Петербург
Именно тогда он, приехав в Севилью, вместе с Эррерой Старшим создал по заказу францисканцев очередной цикл, посвященный жизни монаха Бонавентуры, которого после смерти церковь признала святым.
Несмотря на то что эти картины были заказаны церковью и изображали факты из жизни святого, их более уместно считать не религиозными, а историческими, так как художник изображал монастырскую обстановку и живших там в действительности людей.
Всех персонажей своих полотен Сурбаран писал с натуры. Что касается монастырской обстановки, то он изображал ее по возможности упрощенно, лаконично, с наименьшим количеством деталей. Герои картин, например св. Бонавентура, предстают рассудительными и умиротворенными. При взгляде на эти лица зритель ощущает их веру и духовную силу.
Композиции спокойны, просты и уравновешенны. Крупные фигуры мастер обычно размещал так, что казалось, будто они находятся параллельно плоскости полотна.
В то же время Сурбаран изображал как бы проход в глубь картины в виде коридора, двери или окна, причем он не всегда правильно сочетался с передним планом, то есть были нарушены правила перспективы. Но, несмотря на это, в целом полотно выглядело гармоничным. Большинство картин выполнены в коричнево-черных и серебристо-серых тонах. Для усиления эффекта мастер использовал яркий, насыщенный красный цвет.
Работы «Св. Бонавентура на Лионском соборе» и «Смерть св. Бонавентуры» по способу художественного выражения кажутся слишком упрощенными, фигуры расположены в пространстве условно и выглядят застывшими. Кроме того, все персонажи имеют одинаковые размеры, независимо от того, находятся они на переднем плане или в перспективе.
Самыми удачными из всего цикла являются полотна «Молитва св. Бонавентуры» (Картинная галерея, Дрезден) и «Посещение св. Бонавентуры Фомой Аквинским» (находилась в музее в Берлине, не сохранилась).
Несмотря на то что художник работал над этим заказом не один, четыре картины, в том числе «Молитва св. Бонавентуры», были от начала и до конца выполнены самим Сурбараном.
На последней мастер показал монаха в серо-зеленой рясе, находящегося в своей келье. Он стоит на коленях и читает молитву перед назначением Папы. Руками Бонавентура облокачивается на стол, на котором помещается папский головной убор с тремя венцами, обозначающими три степени власти. Вдруг появляется ангел и сообщает Бонавентуре имя будущего Папы.
В правой части картины мастер поместил самостоятельную композицию, не связанную с изображенной на переднем плане кельей: кардиналов, из числа которых должен быть избран Папа. Они стоят толпой на фоне собора, в красных одеяниях.
В начале 1630-х годов Сурбаран выполнял заказ для ордена картезианцев: полотна «Мадонна де ла Куэвас», «Св. Бруно и Папа Урбан II», «Чудо св. Гуго Гренобльского» (ныне все – в Музее изящных искусств, Севилья). Из трех перечисленных наиболее известна последняя работа, сюжетом для которой послужила легенда о чуде, которое произошло однажды в присутствии св. Гуго: он вошел в трапезную, где монахи ели мясо в один из дней поста, и в ту же минуту все мясо на тарелках превратилось в угли.
Сурбаран писал и портреты. Например, ок. 1633 года он выполнял для ордена мерседариев портреты ученых монахов Иеронимо Переса, Франсиско Сумьеля, Педро Мачадо (все – в Академии Сан-Фернандо, Мадрид), а также портрет доктора Саламанского университета (1630 или 1558, Музей изящных искусств, Бостон).
Ф. Сурбаран. «Оборона Кадиса от англичан», 1634, Прадо, Мадрид
Художник создавал картины и на светские сюжеты. Одна из таких работ, выполненная мастером для украшения дворца Буэн-Ретиро в Мадриде, под названием «Оборона Кадиса от англичан» относится к историческому жанру. Полотно больше напоминает театральную сцену – на переднем плане зритель видит фигуры испанского губернатора и герцога Медина Сидонии, командующего флотом. За ними в перспективе виднеется кадисский берег и море с множеством английских судов.
Примерно в это же время художник выполнил полотно «Король св. Фернандо III» (Эрмитаж, Санкт-Петербург). Фернандо III, живший в 1199–1252 годах, являлся королем Леона и Кастилии.
Среди натюрмортов Сурбарана наиболее известна картина под названием «Натюрморт» (ок. 1634, Прадо, Мадрид). На первый взгляд эта и остальные работы данного жанра чересчур просты по композиции, но при более подробном рассмотрении – настолько правдоподобны, что изображенные на полотне предметы кажутся почти настоящими.
В 1638–1639 годах художник создал картины «Благовещение», «Рождество», «Поклонение волхвов», «Обрезание» для украшения монастыря в городе Херес де ла Фронтерра. Сегодня они хранятся в Музее изящных искусств в Гренобле.
В 50-х годах в творчестве Сурбарана начался спад. Это объясняется тем, что он уже достиг мастерства в пластическом изображении предметов и человеческих фигур, сформировал живописную манеру, перестал развиваться. В картинах мастера стали появляться повторы.
Примерно в это же время он начал подражать творчеству Мурильо.
В 1658 году Сурбаран вновь приехал в Мадрид. Однако заказы перестали поступать, и художник в последние годы жил очень бедно.
Не выезжая из Мадрида, всеми забытый, Франсиско Сурбаран умер в нищете.
Диего Веласкес
(1599–1660)
В 1627 году король высказал желание иметь историческую картину, на которой были бы изображены события 1509–1510 годов – изгнание мусульманского населения с Пиренейского полуострова. Веласкес, опасаясь зависти других придворных живописцев, предложил организовать конкурс на создание этого полотна. Когда пришла пора подводить итоги, зрители единодушно пришли к мнению, что работа Веласкеса является лучшей. К сожалению, до наших дней картина не сохранилась: в XVIII веке во дворце разразился пожар и в огне погибло множество произведений искусства, в том числе и эта работа.
Испанский художник Диего Родриго де Сильва Веласкес родился в Севилье. Мальчик довольно рано начал рисовать, и отец, заметив, что у сына есть талант, решил обучать его живописи. Первым учителем Диего стал Эррера Старший, но юноша недолго находился в его мастерской.
У наставника был настолько тяжелый и сварливый характер, что Диего, несмотря на то что хотел и любил рисовать, решил покинуть его мастерскую.
Следующим учителем Диего стал Пачеко. В его мастерской начинающий художник задержался надолго.
В 1618 году он стал родственником Пачеко: женился на его дочери.
В начале своего творческого пути Веласкес в основном писал картины на бытовые сюжеты, так называемые бодегонес (от испанского bodegon, что в переводе означает «харчевня, трактир»). Вообще, в тот период в Испании было создано множество бодегонес, но из-за отсутствия подписей и дат довольно сложно сказать, все ли они принадлежат кисти Веласкеса или над ними работали и другие мастера того времени.
Однако можно с достаточной уверенностью утверждать, что наиболее яркие работы были созданы именно Веласкесом. Например, не вызывает сомнения, что им была выполнена картина «Завтрак» (ок. 1617, Эрмитаж, Санкт-Петербург, вариант – в Художественном музее, Будапешт). Она является одной из ранних работ художника. За ней последовали «Старая кухарка» (Национальная галерея, Эдинбург), «Служанка-мулатка» (частное собрание), «Водонос» и «Завтрак двух юношей» (собрание герцога Веллингтона, Лондон). Все эти работы были выполнены в короткий период с 1618 по 1620 год.
Главными героями бодегонес Веласкес делал простых жителей, которых встречал каждый день в своей повседневной жизни: веселых, радующихся легкой жизни парней и прекрасных, гордых девушек, простодушных мальчишек и умудренных жизнью стариков.
Веласкес, будучи испанским художником, не мог обойти такую тему, как создание полотен на религиозные сюжеты («Поклонение волхвов», 1619, Прадо, Мадрид).
Однако эти картины, в отличие от других работ подобного рода, не пронизаны мистическим настроем. Особенно в этом отношении выделяется полотно «Христос в доме Марфы и Марии» (ок. 1620, Национальная галерея, Лондон).
В 1623 году в возрасте двадцати четырех лет Веласкес переехал в Мадрид. Вскоре в жизни художника произошло значительное событие: его талант заметили, и Веласкес был приглашен во дворец в качестве придворного живописца Филиппа IV. Однако подобное назначение имело не только положительные, но и отрицательные стороны. Будущее художника и его семьи стало намного стабильнее, к тому же отпала необходимость писать картины на религиозные сюжеты, которые с удовольствием приобретала церковь, но к созданию которых Веласкес не чувствовал склонности. Помимо этого, у него появилась возможность видеть самые лучшие полотна, скульптуры и т. д., так как в его обязанности входило пополнение собрания Филиппа IV наиболее ценными произведениями искусства.
Были и неприятные моменты: ему как придворному приходилось выполнять множество мелких, утомительных обязанностей, например заниматься организацией торжеств и приемов, оформлением внутренних помещений дворца. Но самое главное: сделавшись придворным живописцем короля, он стал весьма ограничен в заказах – в большинстве случаев должен был писать только то, что хотел увидеть Филипп IV.
И все же Веласкес медленно, но верно продвигался вперед по иерархической лестнице, занимая все более высокие должности. В 1656 году он был назначен гофмаршалом двора.
Несмотря на то что художник практически не покидал Мадрид и часто бывал при дворе, до наших дней дошло очень мало сведений о его жизни.
Д. Веласкес. «Сдача Бреды», 1635, Прадо, Мадрид
Первыми работами живописца стали портреты Филиппа IV, выполненные в 1628 году (Прадо, Мадрид). В них еще заметно влияние мастеров XVI века, в частности А. Санчеса Коэльо, но уже видна характерная для Веласкеса манера: портреты получались парадными и одновременно правдивыми, передающими внутреннюю сущность человека.
Став популярным при дворе, Веласкес приобрел множество недругов, особенно из числа других, менее талантливых придворных художников. Более остальных его недолюбливал мастер Висенте Кардуччо. Однако после конкурса на создание исторической картины, на котором Веласкес занял первое место, его авторитет при дворе укрепился. Тем самым живописец доказал, что его работам заслуженно отдается предпочтение.
Вскоре после этого Веласкес начал картину «Вакх» (1628–1629, Прадо, Мадрид). Мастер изобразил компанию испанских бродяг, устроивших пирушку вместе с античным богом Вакхом. Фигура Вакха является центральной, перед ним на коленях стоит один из бродяг, судя по одежде, бывший солдат. Бог украшает его голову венком из виноградных листьев. У испанцев веселые лица, и все же на них можно прочитать и следы тяжелых невзгод и лишений, которые им пришлось испытать в прошлом.
Несмотря на то что художник ввел в картину мифический персонаж (Вакха), эту работу в некотором роде можно считать одним из бодегонес, которые он создавал в начале своего творческого пути. Соединение мифа и реальности кажется обычным, естественным.
Изображая пирушку на природе, Веласкес, естественно, не мог не уделить внимание пейзажу. Однако он ограничился тем, что только слегка наметил его основные элементы.
Колорит картины довольно необычен для испанской живописи того времени: фигуры бродяг написаны в красно-коричневых тонах, присутствуют светло-красные и перламутрово-серебристые оттенки. Некоторые из исследователей делают предположение, что Веласкес общался с Рубенсом, приехавшим в те годы в Мадрид по дипломатическому поручению, после чего переписал полотно, изменив колорит. Как бы то ни было, впоследствии Веласкес совершенствовался в этом направлении, и сегодня его называют одним из талантливейших колористов.
Почти сразу же после окончания картины, в 1629 году, Веласкес с согласия короля отправился в путешествие по Италии. Он осмотрел Геную, Рим, Неаполь и Венецию. Художник привез из этой поездки полотно «Кузница Вулкана» (1630, Прадо, Мадрид). Основой для данной работы послужил мифологический сюжет: бог огня Вулкан, находящийся в своей кузнице в окружении циклопов, узнает от Аполлона о том, что его жена, богиня любви Венера, не верна ему.
Несмотря на мифологическую основу, художник, как и в «Вакхе», изобразил не богов и фантастических чудовищ, а обычных людей: циклопы похожи на мужчин, не отличающихся особенной красотой. Один из них стоит спиной к зрителям, двое – боком, еще один – лицом, но далеко, в глубине помещения, поэтому разглядеть их лица нет возможности. Вероятно, эти «циклопы», как и обычные люди, имеют по два глаза.
Вулкан стоит у наковальни и одной рукой придерживает щипцами металлическую полоску, в другой держит молот. На его лице можно прочитать гнев и неудовольствие от только что услышанного известия.
Д. Веласкес. «Филипп IV» («Ла Фрага»), 1644, музей Фрик, Нью-Йорк
Фигуру Аполлона мастер поместил в левой части картины. Из всех остальных только он одеянием и всем обликом более всего действительно похож на бога. Однако над его головой виден нимб (его обычно изображали только над головами христианских святых).
Работа представляет большой интерес в композиционном плане: обычно мастера Возрождения изображали в левой части полотна идеальный пейзаж, который был виден через большое окно или проем в стене. Веласкес отступил от традиций и изобразил интерьер обычной кузницы, довольно точно выписав все ее элементы. Из-за этого картина кажется еще более реальной.
Совершая поездку по Италии, Веласкес по-новому взглянул на правила колорита. По всей видимости, на эту работу большое влияние оказало творчество венецианских живописцев: они использовали чистые и яркие, сочные тона. В «Кузнице Вулкана» тоже присутствуют яркие золотистые и розовые оттенки.
В 1631 году художник, полный новых впечатлений, вернулся в Мадрид и снова занялся обязанностями придворного живописца. В его работах этого периода заметны попытки изображать воздух и свет.
Он отказался от темных, мрачных тонов и резких линий, их заменили легкие, плавные очертания фигур, которые как бы окутывает воздушная светло-серебристая дымка. Все чаще мастер стал использовать коричнево-зеленоватые и голубовато-серые сочетания, а также выполнять в пределах одного цвета плавные переходы от одного тона к другому.
Большинство картин Веласкеса этого периода являлись портретами. За фигурой человека мастер изображал пейзаж, чаще всего – горы Кастилии и ясное небо с легкими, почти прозрачными облаками. Довольно часто он писал модели в охотничьих костюмах, верхом на лошади (в этом случае пейзажный фон был оправданным). Одной из наиболее удачных работ 1634–1636 годов является конный портрет маленького инфанта Бальтасара Карлоса (Прадо, Мадрид).
В 1635 году Веласкес закончил картину «Сдача Бреды» (Прадо, Мадрид), которую сегодня признают одной из лучших работ европейских живописцев исторического жанра. Кроме того, многие исследователи полагают, что именно ее следует считать первой настоящей исторической картиной.
Художник изобразил на ней событие десятилетней давности: падение голландского города-крепости Бреды. Это была значительная победа испанцев в войне с Нидерландами, в целом неудачной для Испании.
Взглянув на полотно, зритель как бы становится свидетелем самого торжественного момента взятия крепости: командующий гарнизона голландец Юстин Нассау передает ключи от городских ворот испанскому полководцу Спиноле, который в ответ оказывает милость побежденным солдатам, даруя им свободу.
Глядя на фигуры Нассау и Спиноле, можно сразу же понять, что они чувствуют. Испанец уверен в себе, полон внутреннего достоинства, сдержан.
Голландец также держится достойно, в его поклоне нет ничего угоднического, а только внутренняя усталость, грусть от поражения. Те же чувства и мысли можно прочитать на лицах воинов – испанцы серьезны как люди, выигравшие трудный бой, но потерявшие своих товарищей. Некоторые из голландцев смотрят в землю, в глазах других видна растерянность, но чувствуется, что их дух не сломлен.
В правой части композиции изображены испанские воины с копьями, которые они держат вертикально (благодаря этому «лесу» в Испании картина так и называется – «Копья»).
Мастер получал множество заказов на написание портретов. Причем к нему обращался не только король и члены царской семьи. Веласкес создал множество портретов знаменитых людей того времени: вельможи дона Хуана Матеоса (ок. 1632, Картинная галерея, Дрезден), скульптора Мартинеса Монтаньеса (ок. 1637, Прадо, Мадрид), графа-герцога Оливареса (ок. 1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург), итальянского кардинала Камилло Анстальи (1640-е, собрание испанского общества, Нью-Йорк) и др.
Д. Веласкес. «Портрет Иннокентия X», 1650, галерея Дориа-Памфили, Рим
Для этих и многих других портретов характерны легкие линии, намечающие очертания силуэта. Краски мастер клал тонким слоем так, что в некоторых местах просвечивает холст; для того чтобы подчеркнуть какую-либо характерную деталь внешности, художник использовал более плотный мазок. Лица моделей еле-еле намечены легким движением кисти, и тем не менее довольно ясно видны строение и характерные черты. Среди всевозможных тонов в портретах преобладали темные, типичные для одежд придворных того времени. Однако краски не казались скучными, например в черных тканях Веласкес видел и изображал множество других оттенков.
В 1644 году художник создал очередной парадный портрет Филиппа IV (музей Фрик, Нью-Йорк). Король позировал ему в городе Фрага, находящемся довольно далеко от Мадрида, на востоке страны, в Каталонии. В честь города портрет получил название «Ла Фрага».
В этой картине преобладают яркие, сочные, насыщенные цвета. Король одет в шелковый малиновый костюм, украшенный жемчужно-серыми тонкими кружевами. В волосах Филиппа IV можно заметить темные золотисто-коричневые рефлексы. В руке король держит темную шляпу с ярко-красным страусиным пером.
Однако костюм, шляпа и мастерски написанное перо остаются, к сожалению, единственными элементами, достойными внимания. Веласкеса не зря называли при дворе «художником истины»: он изобразил Филиппа IV таким, каким он был на самом деле – скучным, вялым и неуверенным в себе, заурядным человеком.
Среди многочисленных портретов, выполненных Веласкесом, имеются портреты королевских шутов. Они зачастую были уродцами: карликами с короткими руками и ногами, на их лицах можно было прочитать признаки болезней. Однако, изображая их по своему обыкновению правдиво, Веласкес делал это не для того, чтобы обидеть шутов, посмеяться над их физическим уродством, а напротив, он подчеркивал их достоинства: богатый внутренний мир, доброту, отзывчивость, терпимость к недостаткам других, которой иногда не хватает здоровым людям. Таковы портреты Диего де Аседо по прозвищу Эль Примо (1644, Прадо, Мадрид) и Себастьяно Мора (ок. 1648, Прадо, Мадрид).
В 1649 году Веласкес опять отправился в Италию, на этот раз для приобретения наиболее интересных и представляющих ценность произведений искусства. В то время художник находился в зените своей славы, его имя было широко известно не только в Испании, но и за рубежом. В Италии о нем тоже много слышали и прислушивались к его мнению.
Живя в Риме, Веласкес написал немало портретов, но многие из них до наших дней не сохранились. Одной из самых удачных работ, принесших ему еще большую известность, стал портрет его собственного ученика и подмастерья Хуана Парехи (1649, собрание Раднор, Солсбери). Веласкеса сразу же приняли в члены римской Академии Св. Луки, а картину выставили в Пантеоне на всеобщее обозрение.
Следующая работа мастера – портрет Папы Римского Иннокентия X (1650, галерея Дориа-Памфили, Рим) – оказалась еще более удачной.
Веласкес оправдал свое прозвище, изобразив Папу таким, каким он был в жизни: сильным, целеустремленным, готовым ради достижения своей цели на многое, жестоким, хитрым, мстительным стариком. Взглянув на работу знаменитого испанца, Папа воскликнул: «Слишком правдиво!» Однако он принял картину и подарил живописцу золотую цепь.
Несмотря на множество заказов и поручения Филиппа IV, которые нужно было выполнять, Веласкес находил время для изображения итальянской природы. Он написал несколько пейзажей с видами парка около виллы Медичи (1650–1651, Прадо, Мадрид). Время, отпущенное художнику на его творческую командировку, подошло к концу, и в июне 1651 года он был вынужден вернуться в Испанию. На родине он писал в основном портреты королевской семьи, среди которых правдивый, как всегда, портрет Филиппа IV (1657, Прадо, Мадрид, версия в Лондоне), а также портреты инфант, хранящиеся сегодня в музеях Мадрида, Вены и Лувра.
Д. Веласкес. «Менины», 1656, Прадо, Мадрид
Через несколько лет после возвращения в Испанию Веласкес создал два замечательных произведения: «Менины», 1656 и «Пряхи», 1657 (обе – в Прадо, Мадрид). Наибольший интерес вызывают «Менины», что в переводе с португальского означает «молодые девушки-дворянки, фрейлины инфанты» (отсюда другие названия этой картины – «Придворные дамы», «Фрейлины»).
Довольно необычна композиция картины: в центре зала стоит маленькая инфанта в окружении фрейлин, находящаяся здесь для того, чтобы развлекать своих родителей – короля и королеву, которые позируют художнику. В левой части возвышается холст, натянутый на подрамник; перед ним стоит художник, задумчиво глядит на натуру, держа в руках палитру и кисти. Сама королевская чета как бы находится на месте зрителей, поэтому не видна, лишь их лица отражаются в зеркале, висящем на стене в глубине зала. Впервые художник выполнил не парадный портрет, а запечатлел будничную жизнь королевской семьи: инфанта Маргарита стоит немного скованно, возможно, она тоже устала. Рядом с ней показаны карлики и фрейлины, одна из них, юная Агостина Сарэтикету, находится перед инфантой, протягивая ей стакан с водой. Справа стоит пожилая, грозная, полная карлица Мария Барбола, а рядом с ней – маленький молодой карлик, толкающий ногой огромную собаку, растянувшуюся на полу. На заднем плане виднеется гофмаршал королевы Хосе Ньето: он раздвигает гардины, давая солнечному свету проникнуть в комнату.
Эту работу уже сложно назвать обычным портретом. Скорее, в ней сочетаются черты группового портрета и картины на бытовые сюжеты. Кроме того, мастер попытался показать королевский быт, не приукрашивая его, но и не принижая людей. Юная инфанта Маргарита и карлица Мария Барбола размещены таким образом, что зритель невольно сравнивает их друг с другом, неожиданно находя между такими разными людьми некоторое сходство.
В конце жизни Веласкес был избран кавалером ордена Сантьяго. Для того чтобы получить это звание, художнику пришлось предъявить доказательства чистоты родословного древа (он происходил из обедневшей дворянской семьи). Кроме того, Веласкес вынужден был долго доказывать, что он всю жизнь занимался живописью не ради заработка, а «ради своего удовольствия и по повелению короля».
Веласкес дожил до шестидесяти одного года. Его жизнь и творчество прервала трагическая случайность: в 1660 году на острове Фазанов было организовано большое торжество по случаю обручения испанской принцессы Марии-Терезии с французским королем Людовиком XIV. Художник, присутствовавший на этом празднике, заболел малярией. Он вернулся в Мадрид, некоторое время хворал и умер 6 августа 1660 года.
В XVIII столетии исторический жанр продолжал развиваться. К исторической тематике обращались французский живописец Жан Марк Наттье, немецкая художница Анжелика Кауфман, итальянцы Джованни Батиста Тьеполо и Франческо Гварди и многие другие европейские мастера.
