Текст книги "Национальный музей дизайна Купер-Хьюитт Нью-Йорк"

Автор книги: Ирина Капустина

сообщить о нарушении

Текущая страница: 1 (всего у книги 4 страниц)

И. Капустина
Национальный музей дизайна Купер-Хьюитт Нью-Йорк

Официальный сайт музея: www.cooperhewitt.org

Адрес музея: 2 East 91 st Street, Нью-Йорк.

Телефон: 212 849 84 00.

Информация для посетителей: В настоящий момент музей закрыт на реконструкцию, открытие запланировано на 2014[1]1
  Режим работы: пн-ср 10:00–17:00, пт 10:00–20:00, сб 10:00–18:00, вс 12:00–18:00. вход – 18 USD, льготный – 9-12 USD. Прим. верст.


[Закрыть].

Здание музея

Нью-Йоркский Музей дизайна Купер-Хьюитт был основан в 1896 внучками знаменитого американского промышленника, изобретателя, политика и филантропа Питера Купера – Сарой Купер-Хьюитт, Элеонорой Гарньер-Хьюитт и Эммой Грин – первоначально как Объединенный музей искусств Купера в рамках куперовского Фонда развития науки и искусства.

Серьги. Вторая половина XIX века

История возникновения музея неразрывно связана с личностью Питера Купера (1791–1883) и его меценатской деятельностью. Купер вырос в бедной, многодетной семье и своей фантастической карьерой обязан исключительно собственному предпринимательскому таланту и целеустремленности. Проделав путь от мелкого ремесленника до крупнейшего промышленника и богатейшего человека Америки, он значительную часть жизни посвятил благотворительности, связанной, прежде всего, с образовательными проектами. В конце 1840-х на средства Купера был открыт бесплатный образовательный комплекс для молодежи из рабочих семей, а в 1859 – знаменитый Куперовский институт, где бесплатно читались различные курсы по многим техническим дисциплинам и создан куперовский Фонд развития науки и искусства.

Идею основания музея декоративных искусств в столице американского дизайна – Нью-Йорке навеяло совместное путешествие сестер Хьюитт по Европе. Огромное впечатление на них произвели Музей прикладного искусства в Париже и Музей Виктории и Альберта в Лондоне. Сестры обратились в Фонд своего знаменитого деда. От известного банкира, предпринимателя и мецената Пирпонта Моргана были получены в дар первые коллекции – собрание европейских и восточных тканей от III до XV века. Более пятидесяти лет музей формировал фонды, во многом за счет частных пожертвований.

В 1968 он перешел под опеку и ведомство Смитсоновского института и оказался переименован в Музей декоративного искусства и дизайна Купер-Хьюитт.

Свое окончательное помещение и адрес музей обрел лишь в 1976, им стал бывший особняк еще одного знаменитого американского мецената – Эндрю Карнеги. Здание было задумано не только как частный дом для его семьи, но и как своеобразный офис для поддержки благотворительных проектов, которыми после ухода от дел в 1901 Карнеги занимался вплоть до своей смерти в 1919. Отсюда он вел работу по финансированию строительства бесплатных публичных библиотек и культурных и образовательных учреждений.

В 1994 название в последний раз изменили на Национальный музей дизайна Купер-Хьюитт, а в 1995 музей закрылся на капитальную реконструкцию, в результате которой к нему были присоединены два соседних исторических таунхауса, что позволило помимо музейных фондов разместить на территории комплекса Центр для исследований в области дизайна, включающий учебный факультет, открывшийся в 1998.

Сегодня Национальный музей дизайна Купер-Хьюитт является единственным музеем в США, посвященным исключительно историческому и современному дизайну, и крупнейшим в мире собранием декоративно-прикладного искусства. Его уникальная коллекция составляет 250 тысяч единиц хранения и представляет историю всемирного дизайна с VI века до н. э. по настоящее время. Редчайшие графические эскизы, собрания керамики, стекла и фарфора, мебели и текстиля, костюмов и музыкальных инструментов, предметы быта, изделия крупнейших мировых дизайнерских брендов, раритеты науки и техники – все это повествует об эстетическом развитии человеческой цивилизации более чем за 26 столетий ее истории.

Футляр. 1770–1780

Здесь и богатейшая в мире коллекция текстиля, состоящая из тридцати тысяч образцов тканей из двадцати трех стран мира, и вся история обоев – от образцов кожи ручного тиснения XVII века до изделий из бумаги и тканей современных дизайнеров. В фондах музея хранится уникальное собрание стекла (от античных предметов до изделий Рене Лалика и Луиса Комфорта Тиффани) и фарфора (в том числе такие раритеты, как советский агитационный фарфор, продукция английских марок «Боу», «Веджвуд», «Челси», «Дерби», венецианские марионетки).

Музей имеет богатейшую библиотеку, содержащую более 60 тысяч томов, причем пять тысяч из них – редчайшие старинные книги. В архиве – документы и фотографии, посвященные деятельности известных дизайнеров и истории дизайнерских брендов.

В свободном доступе находится лишь малая часть огромной коллекции – большинство единиц хранения музея, библиотеки и архивов можно увидеть лишь по предварительной записи. Такая договоренность требуется и для посещения Центра исследований.

Радио. Около 7 970

Музей ведет активную просветительскую деятельность: тематические выставки сменяют друг друга, демонстрируя материалы, поступающие от коллекционеров четырех основных направлений: прикладное искусство, промышленный дизайн, рисунки и гравюры, ткани и стеновые покрытия. Раз в три года здесь проходит «National Design Triennal» – экспозиция лучших работ американских дизайнеров. Музей ведет регулярные кураторские образовательные программы, включающие передвижные выставки, семинары и мастер-классы с выдачей дипломов на местах. Начиная с 2000 он ежегодно вручает Национальную премию дизайна, самую престижную награду США в этой области. Богатейшие фонды, а также активная деятельность и программы делают музей важнейшим образовательным учреждением в области дизайна не только в стране, но и во всем мире.

Веер. 1710–1720

Ситечки для чая. Конец XIX – начало XX века

XVII–XVIII века

Тарелка. 1753–1758

Жиль-Мари Оппенор (1672–1742) Письменный стол. Вертикальная проекция 1675–1700. Бумага, красный мел. 23,6x36,1

Этот изящный рисунок письменного стола выполнен известным французским архитектором, художником и декоратором Жиль-Мари Оппенором. Он родился в семье чернодеревщика королевского двора и с ранних лет был приобщен к созданию мебели и орнаментов в отцовской мастерской. В конце 1680-х юный Жиль-Мари входил в плеяду молодых одаренных художников прославленной школы Жюля Ардуэн-Мансара, первого королевского архитектора, и участвовал в разработках концепции полного обновления в соответствии с новейшими требованиями моды Версальской интерьерной декорации. Работая среди самых выдающихся мастеров своего времени, Оппенор достиг настоящей виртуозности в искусстве оформления интерьера. В 1692–1699 он продолжил обучение во Французской академии в Риме, после возвращения из которой во Францию приобрел большую популярность и множество заказов, считаясь одним из лучших парижских художников. В период регентства герцога Филиппа Орлеанского (1715–1723) Оппенор достиг вершины карьеры, фактически являясь ведущим придворным декоратором, занимая должности директора королевских мануфактур и генерального директора королевских парков и садов.

Оппенора справедливо считают одним из создателей стиля рококо. Еще во время работы в Версале он противопоставил тяжелой помпезности Большого стиля Людовика XIV легкость и воздушность изящных орнаментальных решений, основанных на возрождении искусства ренессансного арабеска. Мастер в числе первых выдвинул в качестве основного формообразующего элемента мягко изогнутую линию, причудливый завиток, впоследствии получивший название «рокайль». Любимой сферой деятельности художника, где в полной мере проявился его гений, был интерьер. В рисунках и гравюрах он создал многочисленные образцы композиций для оформления стен, окон, каминов, дверей, зеркал с характерным орнаментом из сложных переплетений, включающих львиные маски, головы дельфинов, профили в медальонах, крылатые женские бюсты, трельяжи (решетки для вьющихся растений) и раковины.

Представленная работа – типичный образец рокайльного стиля мастера – легкий изгиб «танцующих» ножек переходит в волнистую линию подстолья, образуя изящную виньетку, воздушный росчерк. Тонко прорисованные детали – профили, пальметты, завитки аканта – являются непременной атрибутикой рокайльного «арабескового» орнамента.

Жан Мондон Изображение в стиле рококо с фигурой китайца 1736. Гравюра. 23,3x17,8

Автор представленной гравюры – известный французский декоратор, ювелир и мастер по дереву Жан Мондон. На ней изображен большой картуш с листьями аканта, цветочными мотивами и изогнутыми силуэтами птиц. На его вершине в раскрытой подобно цветку раковине сияет жемчужина. Слева на выступе картуша – маленькая фигурка сидящего китайца в огромной причудливой шляпе, которая делает его таким же органично вписанным в композицию декоративным элементом, как цветок или завиток.

В XVIII веке главным источником распространения художественных идей, тем и мотивов в Европе были эстампы, и многие ведущие декораторы выпускали целые серии графических увражей (своеобразных журналов новейших идей и направлений в современной архитектуре, интерьере, прикладных искусствах), выполненные профессиональными французскими граверами. Именно из них черпали новые мотивы и приемы декорации вышивальщицы, керамисты, ковроделы, ювелиры, оформители книг и другие мастера.

Гравюра с фигуркой китайца входит в альбом Мондона «Первая книга форм рокайль и картель», выпущенный в 1736 и имевший большой успех как во Франции, так и за границей.

Франсуа Буше (1703–1770) Триумф Приапа 1737. Гравюра. 51x25,5

Представленная гравюра с эскизом одной из пяти панелей складной ширмы выполнена одним из самых прославленных и модных художников эпохи Людовика XV – Франсуа Буше. С 1734 он был членом парижской Академии, с 1765 – первым живописцем короля, пользовавшимся особым покровительством мадам Помпадур. Буше создал образцовый вариант типично придворного, академического рокайля, оказавший огромное влияние на искусство европейского рококо. В стиле Буше работала целая плеяда мастеров не только во Франции, но и по всему миру.

Любимыми темами художника являлись пасторальные и мифологические сюжеты, эротические сцены «Любви богов», купания Диан и Венер, похожие на театральные декорации сельские пейзажи с заброшенными мельницами и поэтическими хижинами. Декоративный дар Буше определил развитие многих видов прикладного искусства: мастер создавал эскизы для знаменитых ковров мануфактур Гобеленов и в Бове, которые возглавлял в течение нескольких лет, делал рисунки и модели для фарфоровой пластики Севра, а также был известен как театральный декоратор.

Данная гравюра является одним из сорока эскизов для шести серий шпалер («Сельские празднества», «История Психеи», «Китайская серия», «Любовь богов» и других), подготовленных Буше для шпалерной мануфактуры и исполненных известным французским гравером Клодом Дуфлосом. Зритель видит группу путти, рвущих ягоды в окружении коз. Композиция, включающая фрагменты лестницы, каменные постаменты и герму Приапа (покровителя фруктовых и плодовых садов), характерна для декоративных схем искусства рококо. Панель с трех сторон обрамлена округлой рамой из переплетающихся листьев, веток и ягод, наверху в центре – большая раскрытая раковина – символ стиля рококо и аркадийского мира, частью которого и являются представленные персонажи.

Франсуа Буше (1703–1770) Пастораль из серии «Новые идеи для ширм» 1740. Гравюра. 50x25,5

Данная гравюра Франсуа Буше из серии «Новые идеи для ширм» представляет типичный для рококо сюжет пасторали – любовной «пастушеской» сцены на фоне цветущей природы. Архитектурные руины с фрагментами антаблемента, постамента, колонны и большого вазона в переплетении гирлянд из цветов и листьев помещают все происходящее в мир далекой античной Аркадии – страны Пана и поэтических пастухов, где царят вечная весна, молодость и влюбленность. В центре композиции юноша возлагает венок на голову девушки, которая полулежит среди кустов, ветвей и цветов. Внизу примостились два путти – неизменные спутники аркадийского мифа.

Мотив пагоды или китайского зонтика, помещенный наверху, в центре обрамления панели, придает всему мотиву оттенок шинуазри, «китайщины», подчеркивая условную театральность представленного сюжета. Буше считался виртуозом в умении выстраивать декоративные кулисы из самых разнообразных античных, сельских, пейзажных элементов для размещения пикантных, с эротическим подтекстом сцен.

Франсуа Буше (1703–1770) Эскиз для каминного экрана «Чувство вкуса». Около 1750. Гравюра, акварель, кисть. 79x55,2

Представленный эскиз для каминного экрана – образец шинуазри («китайщины») в декоративной стилистике рококо. В качестве аллегории Вкуса Франсуа Буше изобразил жанровую сценку из предполагаемой «китайской жизни» – двух мальчиков в характерной национальной одежде за трапезой. Старший, поддерживая одной рукой свисающую с дерева дыню (такие несоответствия были характерны для подобных изображений), другой указывает на нее, в то время как младший ест кусок спелого плода. Примечательно изысканное обрамление композиции – великолепная орнаментальная гирлянда, главной темой которой является раковина в сочетании с растительными и цветочными мотивами. Выполненная в нежных пастельных тонах, она дает прекрасный пример рокайльного колорита и орнаментики мастера.

Около 1740 Буше издал серию гравюр под названием «Рокайль», представляющую образцы гирлянд и орнаментов из раковин, кораллов и растений, служащих необходимым украшением подобных сценок для многочисленных шпалер, десюдепортов, панелей, столешниц, вееров и каминных экранов. Неудивительно, что талант Буше-декоратора ценился его современниками даже выше, чем талант Буше-живописца.

Джон Пайн (1690–1756) Рисунок орнаментального обрамления главного листа из серии Джона Пайна «Гобелены Дома Лордов» (опубликовано в 1739). Около 1739. Бумага, чернила, кисть. 37,5x60,9

Представленная гравюра создана известным английским художником, книжным иллюстратором и издателем Джоном Пайном и хорошо характеризует стиль его квадратных заставок в барочно-рокайльном стиле, выполненных с особой тщательностью и тонкостью в прорисовке деталей. Большую известность Пайну принесло издание в период 1733–1737 двух томов произведений древнеримского поэта Горация с гравированными текстом и иллюстрациями, для которых мастер использовал рисунки римских гемм. Заставки в форме квадратов содержали орденские элементы, и каждая глава была украшена страницей посвящения кому-то из представителей тогдашней элиты партии вигов: например, одна – министру сэру Роберту Уолполу, другая – известному поэту Александру Поупу. Издание было очень престижным и популярным, а умение цитировать Горация стало знаком джентльменского достоинства.

В начале 1740-х Пайн открыл собственную типографию, где в 1746 был издан гравированный план Лондона, а в 1750-х – иллюстрации к поэмам Виргилия. Мастер пользовался большим авторитетом в художественной среде, известно, что к нему за помощью в издании своих гравюр обращался великий английский художник-сатирик Уильм Хоггарт. Также Пайн был одним из авторов петиции к парламенту, результатом которой стал акт о защите и охране произведений граверного искусства.

Жан Батист Удри (1686–1755) После охоты 1740. Бумага на картоне, тушь, кисть, перо, белила. 19,1x24,4

Французский живописец, рисовальщик и гравер Жан Батист Удри – выходец из семьи торговца картинами. Он начинал в мастерской известного портретиста Никола Ларжильера, одновременно посещая рисовальные классы в парижских Академии Святого Луки и Королевской академии живописи и скульптуры. Очень скоро определилось главное призвание молодого художника – искусство декоративной, натюрмортной и анималистической живописи. Помимо натюрмортов с плодами и цветами Удри прославился циклами больших стенных панно с изображением охотничьих сцен. В своих работах мастер успешно сочетал точность наблюдений с изысканной декоративностью. За стремление к скрупулезной документальности современники называли его сцены охоты «протоколами», поскольку мало кто из художников XVIII века оставил такие подробные описания костюмов, экипажей, сбруй, а также особенностей портретируемых животных (живописец часто изображал любимых собак королей и придворной знати). С 1734 Удри занимал должность директора шпалерной мануфактуры в Бове, с 1736 – также старшего инспектора мануфактуры Гобеленов в Париже. По его картонам создавались многочисленные полотна, в том числе большая серия «Охота Людовика XV».

Удри также был успешным портретистом и иллюстратором литературных произведений, в частности басен Ж. Лафонтена. Его живопись пользовалась большой популярностью при королевских дворах, многие его работы украсили знаменитые дворцы Европы и России.

На представленном рисунке на фоне едва намеченного пейзажа и руинизированного классического постамента изображены две породистые охотничьи собаки с трофеем – большой кабаньей головой на переднем плане.

Алексис Пейрот (1699–1769) Картуш из мотивов раковины и листьев аканта 1740. Гравюра. 47,8x32,7

Автором данного рисунка является Алексис Пейрот – французский художник-декоратор, известный своими причудливыми арабесковыми композициями. Он принимал участие в оформлении многих знаменитых интерьеров этого периода, в том числе королевских апартаментов в Версале, Шуази, Шато-де-Марли, Фонтенбло. Подобно многим ведущим парижским декораторам, Пейрот регулярно выполнял заказы королевской мануфактуры Гобеленов, создавая изысканные рисунки для тканей, ширм, каминных экранов и вееров.

Представленный крупный рисунок большого картуша, состоящего из мотивов листьев аканта, морских раковин, фрагментов трельяжей и цветочных переплетений, является образцом свободной асимметричной композиции, которая легла в основу членения стен, лепных работ и всего декоративного убранства периода рококо. Ее прообразом стал арабеск с С– или S-образным изгибом, разработанный французскими мастерами рокайля с привлечением множества источников, в том числе итальянских и французских ренессансных форм гротеска, а также узорного плетения, издавна применявшегося во Франции в тиснениях книжных переплетов и вышивке. Гротеск рококо делает акцент прежде всего на морской теме – раковины, кораллы, водоросли и тяготеет к тонкой орнаментике шинуазри.

Жюст-Орейль Мейссонье (1695–1750) Гравюра «Дверь в апартаменты баронессы де Бесенваль» 1740. Гравюра. 50,2x33,6

Жюст-Орейль Мейссонье – знаменитый французский художник, архитектор, декоратор, ювелир и гравер. Выходец из Фландрии, он учился в Италии у золотых дел мастера, что и определило виртуозность его техники рисунка. Мейссонье поселился в Париже в 1723, начав карьеру в период регентства как ювелир, но быстро расширил поле деятельности, выступив оформителем придворных церемоний и празднеств. Наибольшую славу ему принесли декоративные композиции и образцы мотивов и орнаментов рокайля, изданные в виде альбомов и серий гравюр. Мейссонье также проектировал многочисленные интерьеры. Для эпохи рококо характерным становится понимание роли художника как универсала, обладающего синтетическим ансамблевым мышлением, и Мейссонье явился прекрасным примером совмещения деятельности архитектора, скульптора, ювелира и мастера самых разных декоративных искусств в одном лице. Сохранились свидетельства, что он украсил спальню Людовика XV фантастическими асимметричными рисунками с мотивами водопадов, скал, раковин, цветов и арабесок. Настоящим событием, произведшим в Европе огромный эффект, стала появившаяся в 1734 первая серия гравюр Мейссонье – «Книга орнаментов». В ней были представлены проекты интерьеров, образцы зданий и фонтанов, их элементы оказались сразу же включены в арсенал художественных средств рококо под названием «живописная», или «причудливая», манера.

На представленной гравюре изображена характерная декорация интерьера и обстановка в стиле Людовика XV. Над высокой двустворчатой дверью – великолепный десюдепорт, в центре которого – наполненная цветами и листьями ваза. Стены украшают резные деревянные панели буазери. Два больших фигурных кресла на изгибающихся, танцующих ножках фланкируют дверь, через приоткрытую створку которой зритель видит такой же полный волнообразного движения столик. Фрагмент камина и роскошный настенный канделябр с птицей завершают эту изощренную, ювелирно отделанную интерьерную композицию.

Жюст-Орейль Мейссонье (1695–1750) Фрагмент кабинета графа Белинского 1742–1748. Гравюра. 54,1x34,5

Начиная с 1726, когда Мейссонье получил должность придворного рисовальщика, он много работал для королевского двора и его ближайшего окружения. В числе заказчиков мастера помимо французской аристократии было много знатных иностранцев, что, как и распространение его гравюр, способствовало влиянию манеры Мейссонье на формирование рокайльных форм по всей Европе. Стиль художника с самого начала формировался под сильным воздействием искусства позднего итальянского барокко и особенно соответствовал вкусам выходцев из стран с выраженной католической ориентацией, в том числе из Португалии и Польши. Так, постоянными клиентами мастера являлись польские эмигранты – граф-маршал Белинский и его сестра – принцесса Чарторыйская.

На представленной гравюре изображен фрагмент интерьера кабинета во дворце Белинского, разработанного Мейссонье. Зритель видит великолепное французское окно-дверь с частой расстекловкой, изящный консольный столик с мотивом раковины, узкую, длинную, также увенчанную большой раковиной зеркальную панель и виртуозно выполненную резную деревянную панель буазери с картушем-рокайлем посередине. Тяжелый лепной карниз и фрагменты иллюзионистической росписи потолка – наследие «версальского стиля», который еще долго оставался любимым во дворцах европейской знати.

Жюст-Орейль Мейссонье (1695–1750) Эскиз композиции сюрту де табль 1742–1748. Гравюра. 33,7x57,8

Именно Жюст-Орейль Мейссонье считается одним из главных разработчиков новой, так называемой живописной манеры (питтореску), явившейся заключительной фазой стиля рококо. Мастер славился необычайной экспрессивностью создаваемых форм, критики эпохи классицизма любили приводить его творчество в качестве примера избыточности и чрезмерности позднего рокайля, называя его произведения «безумным» и «бешеным» рококо.

На представленной гравюре изображены основные фигуры сюрту де табль – большой центральной композиции парадного обеденного стола. Ее главный элемент – подставка для специй – оформлена как крупный, изгибающийся экспрессивными волнами картуш, на вершине которого в окружении раковин, листьев и виноградных гроздьев сидят путти. Две супницы по бокам подобны двигающимся живым существам или причудливым закрытым раковинам. На их крышках – крабы, лангусты, пучки салата и пряностей. Подставки, напоминающие большие капустные листья, причудливо выгибаются и закручиваются в спирали. Все элементы композиции словно колеблются от дуновения ветра или течения воды.

Жюст-Орейль Мейссонье (1695–1750) Сюрту де табль 1742–1748. Гравюра. 18,6x26,6

На этом виртуозно выполненном рисунке представлены фрагменты сюрту де табль. В верхней части гравюры – группа декоративных элементов, соединенных общим основанием. В центре возвышается большой канделябр, середина которого украшена крупной раскрытой раковиной. Отходящие от него четыре волнистые ветви подобны изогнутым рукам, несущим подсвечники. На вершине среди листьев, цветов и гроздей винограда сидят путти. Два пританцовывающих козлоногих сатира поддерживают канделябр снизу. По бокам симметрично расставлены вазы с фруктами и бутылочки для специй.

В нижней части гравюры – рисунок супницы, выполненный экспрессивными, полными динамики волнистыми линиями. Многие считали, что знаменитый S-образный изгиб, лежащий в основе декоративных форм позднего рокайля, наиболее последовательно был разработан и представлен в рисунках именно Мейссонье. К сожалению, большинство его произведений утрачено, и судить о них главным образом позволяют сохранившиеся гравюры. Блестящие декоративные идеи и захватывающие своей экспрессией фантазии Мейссонье широко использовались другими мастерами в самых различных видах убранства.

Франсуа Кювилье (1695–1768) Эскизы двух панелей 1738–1745. Гравюра. 35,8x23,3

Представленные рисунки со сложным арабесковым орнаментом выполнены немецким декоратором, внесшим огромный вклад в распространение стиля рококо в Германии, Франсуа Кювилье. Будучи от рождения карликом, он начинал свою придворную карьеру пажом баварского курфюрста Макса Эммануила и сопровождал его во французской ссылке (1714–1720) после союза Баварии с Людовиком XIV в войне за испанское наследство. По возвращении Кювилье был повторно послан Максом Эммануилом во французскую столицу для завершения художественного образования (1720–1724). Виртуозный рисовальщик с богатейшей фантазией, очутившись в Париже, в самом центре стремительного развития нового изощренного стиля рококо, знакомясь с работами знаменитых французских архитекторов, декораторов, граверов, быстро усвоил все находки и достижения «новой манеры».

Позже в Германии в качестве придворного архитектора баварских курфурстов и могущественного дома Виттельсбахов мастер оформил множество знаменитых интерьеров дворцов, создав свой собственный, отличающийся редкой экспрессивностью и мистическими эффектами стиль, ставший своеобразным символом немецкого рококо.

Панели с арабесковым орнаментом являются блестящими образцами позднего рокайльного декора, включающего в себя все многообразие элементов, заимствованных еще у ренессансных и барочных гротесков – сложные переплетения растений и цветов, распростертые крылья летучих мышей, гермы (четырехгранные столбы, завершенные скульптурными головами) и маски, раскрытые раковины, трельяжи и вазоны. Все это смешение причудливых мотивов образует ясную ритмическую композицию, где отдельные асимметричные детали подчиняются общей организующей симметричной структуре.

Франсуа Кювилье (1695–1768) Эскизы двух комодов 1745–1755. Гравюра. 44x28,6

В 1730-х в Мюнхене началось издание нескольких томов гравюр Франсуа Кювилье – «Книга картушей», «Книга плафонов» и «Обрывки причуд», включавших огромное количество декоративных форм и мотивов оформления интерьеров. Пожалуй, нигде больше искусство рококо не достигало такого избыточного богатства орнаментики, такой смелой экспрессивности и фантазии, как в этих альбомах. Они стали одним из главных источников вдохновения немецких мастеров, и во многом благодаря им стиль рококо столь быстро приобрел распространение в Германии.

Представленные эскизы комодов являются фрагментами более поздней серии гравюр Кювилье с образцами мебели. Верхний рисунок обыгрывает мотивы ренессансного гротеска – в центре маска ангела в окружении извивающихся, как виноградные стебли, завитков, в углах – маски дьявола. Второй комод украшен лишь завитками рокайля.

Мейсенская фарфоровая мануфактура Ручка трости 1745. Фарфор, эмаль. Высота – 6,3

Перед зрителем – фарфоровая ручка трости, украшенная монохромной росписью, изображающей одинокую фигурку скрипача, словно сошедшего с полотен Ватто, в окружении едва намеченных пейзажных мотивов с легкой волнистой каймой наверху. Этот изящный аксессуар изготовлен на знаменитой Мейсенской фарфоровой мануфактуре. Первое европейское фарфоровое производство было основано в 1710, вскоре после открытия секрета изготовления твердого фарфора в крепости Альбрехтсбург, под Мейсеном, Иоганном Фридрихом Беттгером.

Хотя датировка этой работы позволяет отнести ее к третьему, так называемому кендлевровскому, скульптурному периоду деятельности фабрики, стилистика произведения еще полностью принадлежит более раннему времени – 1730-м, когда производство возглавлял художник Иоганн Грегор Хёрольд. Этот период обычно называют «живописным», так как на изделиях тех лет доминирует роспись с изображением пасторалей, дворцовой жизни, охоты, конных воинов, галантных сцен и пейзажей. Мейсенские художники были непревзойденными мастерами миниатюры, и фарфор Мейсена оставался образцом для подражания на протяжении всего XVIII столетия. Традиционный круг заказчиков мануфактуры периода ее расцвета включал в себя коронованных особ, придворных и богатейшие семьи Европы и России.

Мануфактура Боу Соусник. Около 1750. Фарфор, глазурь, позолота. 15,9x20

Представленный фарфоровый соусник, украшенный скульптурной головой дракона, рельефной гирляндой белых цветов и росписью большими золотыми цветами по белому фону, выполнен на одном из первых английских фарфоровых производств – мануфактуре Боу (названной по нахождению в местечке Боу).

Этот завод был основан в 1744 Томасом Фрайем и Эдвардом Хейлином и организован по образцу китайской мануфактуры в Кантоне (Гуанчжоу). Его даже называли «Новый Кантон» за подражание китайскому фарфору. В ранних фарфоровых изделиях Боу традиционная для Европы форма, заимствованная у посуды из драгоценных металлов, нередко объединялась с несколько наивной росписью «под Китай» и тематикой в стиле шинуазри. Это сочетание зритель видит и в данном изделии – устойчивая форма серебряного соусника воспроизведена в фарфоре и соединена с экзотической фигуркой дракона – любимого персонажа в китайском искусстве.

Мануфактура Боу была одним из самых больших английских керамических предприятий своего времени и насчитывала не менее 300 мастеров, треть из которых являлись профессиональными художниками. Ранний фарфор Боу относился к так называемому мягкому фарфору, его создавали на основе соединения глины с различными примесями (стеклянный порошок, костяная зола, мыльный камень и другими). Мягкий фарфор чрезвычайно красив, он пропускает свет, отличается белизной и тонкостью черепка, хотя значительно уступает твердому в прочности. К 1750-м мануфактура перешла к производству одной из разновидностей мягкого фарфора – «костяного фарфора» с каолином и пережженной костью, покрывавшегося свинцовой глазурью. Костяной фарфор, как и любой мягкий, имеет по сравнению с твердым значительные пластические преимущества, и завод в Боу славился своей малой пластикой и посудой, в которой присутствовали скульптурные формы.

В 1766 живописец и коммерсант Уильям Дьюсбери купил производство Боу и перенес его в Дерби вместе с приобретенными им мастерскими Челси. Таким образом, он объединил крупнейшие английские мануфактуры Боу, Челси и Дерби на базе Дерби. После того как все производственные мощности фабрики Боу были выведены в Дерби, она прекратила свое существование.

Иоганн Михаэль Хоппенхаут Эскиз кареты 1753. Гравюра. 40,8x64,2

Представленный рисунок придворной кареты был выполнен Иоганном Михаэлем Хоппенхаутом – немецким мебельщиком, работавшим вместе с братом Иоганном Христианом над декоративным убранством Потсдамских дворцов прусского императора Фридриха II (Великого). Братья творили в стиле рококо, активно используя столь популярные именно в Германии лепку и резьбу для создания динамичных, легких орнаментальных композиций стенных панелей и мебельных фасадов. Эта же асимметричная, причудливая, с акцентом на богатой лепнине рокайльная манера Хоппенхаута проявилась в данном рисунке.