Текст книги "Галерейщица. Или как я ходила в искусство"
Автор книги: Елена Петрова
Жанр:
Искусство и Дизайн
сообщить о нарушении
Текущая страница: 2 (всего у книги 2 страниц)
Глава 3
Галерея как самовыражение
Художественная галерея – очень личная история. Открывая галерею, вы фактически создаете собственную художественную проекцию, выражаете себя через выбор и экспонирование произведений искусства. Поэтому, прежде чем начинать, необходимо понять, какое же искусство вы хотите представлять и продвигать. Критерий здесь один: вы сами должны быть искренне увлечены именно этими направлениями, именно этими художниками. Вам должно горячо хотеться предъявить то, что вам любо и дорого, всему остальному человечеству. Ни больше ни меньше.
Страстное отношение к искусству гораздо важнее для галериста, чем художественное или искусствоведческое образование. Тем более что отсутствие последнего можно компенсировать. Специальные знания, зрительский опыт, коммуникация в профессиональной среде – всё это составляющие компетентности и экспертности, приходящие со временем. А ключевые качества галериста – любить талант и понимать талантливых людей. Умение работать на другого, представлять интересы другого, способствовать славе другого. Без этого в галерейном бизнесе просто нечего делать.
Как галерист выбирает художников? Это происходит на уровне интуиции. Личность галериста, его взгляды, вкусы, общая эрудиция, культурный багаж играют здесь решающую роль. В противном случае мы получим магазин товаров народного потребления вместо галереи и склад картин – вместо коллекции.
Не раз и не два я наблюдала, как человек, уже имеющий бизнес-опыт и решивший «войти» в галерейный бизнес, пытается применить к нему принцип «незанятой ниши». Смотрит наш новоиспеченный культуртрегер по сторонам и пытается по привычке понять, чего не хватает на рынке. К примеру, маловато наблюдается крупномасштабных полотен на морскую тематику. О, думает, буду продвигать размашистых маринистов. Так, конечно, тоже можно. Но недолго.
Если вы лично к волнам и парусникам совершенно равнодушны, если вас заранее укачивает от предстоящей встречи с новым автором и его очередной «мариной»[7]7
Марина (от лат. marinus – морской) – морской пейзаж. (Прим. ред.)
[Закрыть], то попытки занять нишу, пусть и пустующую, потерпят крах. Галерист может успешно представлять только то, что сам по-настоящему любит, что его искренне восхищает.
Допустим, вам нравятся натюрморты с полевыми цветами. Но вы боитесь, что это выглядит как-то банально. К тому же похожие натюрморты продает еще десять известных вам галерей. Не страшно! Открывайте одиннадцатую со спокойной душой. Не думайте, что десять уже открытых галерей – ваши конкуренты. В том-то и фокус, что среди галеристов нет конкуренции. Все мы – коллеги.
Вполне возможно, что в процессе существования галереи вам захочется изменить первоначальную концепцию. Надоели натюрморты, хочу многофигурные композиции. Надоела акварель, хочу графику. Или видео-арт. Или большие световые инсталляции. Это нормально, вы в своем праве. Если вы обнаружили перспективное направление, заинтересовались молодым автором, увлеклись новыми художественными медиа – вперед! Смело демонстрируйте свое видение и убеждайте публику в его актуальности.
Конечно, всегда есть соблазн пойти по пути отслеживания трендов и приспособления к тенденциям. Пытаться уловить смену настроений и ожиданий публики. Стараться реагировать на запросы определенной покупательской ниши. Но поверьте, друзья, это заведомый тупик. Тем более в наше турбулентное время, когда все тренды и тенденции меняются с калейдоскопической быстротой. Ни за чем вы не угонитесь, только устанете, суетясь. В искусстве, как нигде, важно находить опору внутри, а не снаружи.
Я часто слышу вопрос от молодых художников: как вы думаете, что сейчас хорошо пойдет? И каждый раз огорчаюсь. Не с того конца заходите, ребята. Хорошо пойдет то, что вы хорошо сделаете. А хорошо сделаете вы то, что вас искренне увлекает.
Когда прирожденный график, прекрасно разрабатывающий тему космоса, которая его страстно занимает, по совету «старших товарищей» начинает рисовать для заработка пейзажи Москвы, он не преуспеет. И не потому, что пейзажи будут халтурными, нет, он же профессионал. Но они будут совершенно среднестатистическими. Потому что нет в них души, любви к городу и прочих неуловимых, но важных вещей. Потому что, рисуя очередной дворик или проспект, он исподволь думает о своей космической серии. Его вдохновение – там.
Так же и с галереей. Выставляя работы, которые вам не нравятся, в которые вы не верите, не понимаете их, вы демонстрируете не только собственную неразборчивость, но и равнодушие к самому смыслу галерейной деятельности. А зачем тогда этим заниматься?
ЛИРИЧЕСКОЕ ОТСТУПЛЕНИЕ
Концепция галереи «Нескучный сад» органично возникла из личных предпочтений основателей и общего представления о том, какие художники более всего нуждаются в поддержке именно сейчас. С самого начала было ясно, что галерея будет представлять классические виды изобразительного искусства, в основном живопись и графику. Сосредоточиться решено было на трех основных направлениях.
1. Забытые и недооцененные художники «советской школы» второй половины ХХ века.
Это постепенно уходящее поколение семидесяти-восьмидесятилетних мастеров. Золотое, на мой взгляд, поколение. Часто приходится слышать, что всё советское искусство было политически ангажировано и, следовательно, априори ущербно. Я так не думаю. Те, кто пытается представить художественную жизнь этого периода в черно-белой идеологической гамме, либо плохо ориентируются в теме, либо сознательно используют это расхожее клише в сиюминутных целях.
По-моему, здесь гораздо больше подошло бы определение «цветущая сложность». Пара десятков официально «взятых в будущее» главных имен эпохи далеко не исчерпывают количество появившихся тогда замечательных художников. Высокие профессионалы, в основном последователи реалистического искусства, но не только, они были вполне состоявшимися мастерами в советское время, но оказались выброшены на обочину в 1990-х, с приходом рынка и развалом государственной системы поддержки искусства.
Одной из «изюминок» их наследия является то, что все они много ездили по самым дальним уголкам Советского Союза. Многое из запечатленного ими уже просто не существует, как, например, вымершие малые народы Севера. Или находится теперь в других государствах – бывших союзных республиках. Или это уже никто не пишет, как, скажем, производственные, спортивные или этнографические циклы. Между тем это уникальные свидетельства эпохи, художественная история страны, то, что является непреходящей ценностью.
Я отношусь к этим людям с огромным пиететом. Просто потому, что осознаю их масштаб. Они – наша связь с предыдущим культурным пластом. Через них, методом шести рукопожатий, мы связаны с теми, кто делал культуру до нас. Без них мы бы многое забыли, а чего-то так никогда бы и не узнали. Вот почему мне кажется важным сохранить их наследие, удержать эту «уходящую натуру», транслировать этот масштаб новому поколению. Чтобы мы не забывали, на чьих плечах стоим и на что опираемся.
2. Современные художники, продолжающие сквозную линию русской и европейской классической живописи XIX – начала ХХ века.
Основная объединяющая характеристика этой группы – сохранение традиций классической живописной школы в эру повсеместного распространения концептуального искусства и новых художественных медиа. При этом речь идет не только об эстетической, но и о философской составляющей, о цельности и непрерывности культурного кода.
Много таких художников живет и работает в российской провинции, в силу чего они оказываются вне зоны внимания профессионального арт-сообщества, сосредоточенного в нескольких крупных городах. Им очень трудно. Представить их публике, вписать в общий контекст, показать, что классическая художественная традиция жива, сильна и может служить опорой в нашем стремительно меняющемся мире – вдохновляющая и ответственная задача.
3. Современные художники, наследующие миропонимание русского авангарда и школы абстрактной живописи начала ХХ века и 60-х–70-х годов ХХ века.
Опираясь на мировоззренческие прорывы своих предшественников, художники этой группы решают абсолютно современные художественные задачи и делают это на совершенно новом уровне. Смысловая наполненность, полифоничность, углубленные поиски оригинального авторского языка, эксперименты с техникой делают их работы невероятно актуальными.
Определившись с концепцией, важно сформулировать для себя главную цель и миссию галереи. Да, это разные вещи. В нашем случае главной целью было формирование культурной среды для общения единомышленников. А миссией – приблизить искусство к людям, разбудить в них потребность в постоянном общении с произведениями искусства и желание иметь их в своем жизненном пространстве.
Вы спросите: зачем нужны все эти формулировки, определения и прочая формальная вербальность? Затем, что «как вы яхту назовете, так она и поплывет». То, какие цели вы себе ставите, влияет на способы их достижения, а осознанная миссия помогает не опустить руки в многочисленные трудные минуты.
Так что, если уж решили создавать галерею, не ленитесь в начале пути думать не только о цифрах, но и о смыслах. Иначе не стоит и затеваться.
КОНЕЦ ЛИРИЧЕСКОГО ОТСТУПЛЕНИЯ
РЕЗЮМЕ
Галерея – часть культурной экосистемы. Она берет художника за руку и выводит его на освещенное пространство, предъявляет его искусство людям. Принцип отбора, селекции, на котором основана галерейная деятельность, ведет к расширению горизонтов публики. Одно из главных предназначений галереи состоит в том, чтобы подарить зрителям свежий взгляд на искусство, на то, какие формы оно может принимать, как демонстрироваться и какие ощущения пробуждать.
Чтобы соответствовать этим задачам, галерист должен сам быть открыт всему новому, чутко прислушиваться не только к процессам, происходящим в искусстве, но и к «шуму жизни» в целом. Опираясь при этом на свою отдельность, а не на причастность к каким бы то ни было трендам.
Это нелегко. Но и награда достойная: возможность постоянно соприкасаться с искусством и жить интересной, осознанной, наполненной жизнью.
Глава 4
Галерея как бизнес
Является ли арт-бизнес бизнесом? Ну конечно! Взгляните на обороты мировых аукционных домов, и ваши сомнения, если они были, рассеются сами собой.
Является ли российский арт-бизнес бизнесом? Вот это уже более интересный вопрос. По данным портала artinvestment.ru, за последние пять лет внутренние аукционные продажи изобразительного искусства не превысили $10 млн в год. Чтобы было понятно, это примерно один хороший лот на аукционе Sotheby’s или Christie’s. Вот и считайте.
Сколько-нибудь адекватных данных по общему объему не аукционных, а галерейных и дилерских продаж, увы, не существует. Но профессионалы знают, что цифры эти плачевны. Поэтому, когда вам говорят: «Галерея – это не про деньги, это про жизнь», – верьте. Так оно и есть.
Владеть и управлять галереей – не то же самое, что управлять любой другой коммерческой структурой. Здесь есть одно фундаментальное отличие. Любой бизнес-проект должен зарабатывать деньги, это единственный способ его существования. Но в сфере культуры и искусства проекты, изначально заточенные только под деньги, довольно быстро упираются в смысловой тупик.
Как ни парадоксально, ищущий исключительно прибыли здесь заранее проигрывает тому, для кого это – дело жизни. В арт-бизнесе процесс должен доставлять вам не меньшее, а лучше – большее удовольствие, чем результат. Вы действительно должны хотеть делать именно это.
Конец ознакомительного фрагмента.
Текст предоставлен ООО «ЛитРес».
Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию на ЛитРес.
Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.
