Текст книги "Музей Бойманса-ван Бёнингена Роттердам"

Автор книги: Мария Силина

сообщить о нарушении

Текущая страница: 3 (всего у книги 3 страниц)

Антуан Ватто (1684–1721) Рисунок стоящего танцора с вытянутой рукой. Около 1710. Бумага, черный, красный и белый мел. 27,2x18,9

Антуан Ватто ввел моду на галантную тему в национальном, а потом и общеевропейском искусстве XVIII века. «Галантными празднествами» называли сюжеты, где изображались придворные дамы, аристократия, утонченные развлечения, танцы, пикники за городом, то есть отражавшие легкие и непринужденные будни света в стиле рококо. Мастер даже носил титул «живописца галантных празднеств», данный французской Королевской академией художеств.

Танцор изображен в четвертой позиции, с которой начинался менуэт – популярный танец эпохи барокко. Вдохновение для создания «галантных» персонажей Ватто черпал из богатой традиции итальянской комедии дель арте.

Джованни Батиста Пиранези (1720–1778) Ведута с храмом Юпитера. Около 1750–1758. Гравюра. 37,5x59,5

Музей владеет впечатляющим собранием гравюр Джованни Батисты Пиранези. Большая часть из них (97 листов из серии «Римские ведуты» с древними руинами) была подарена ему в 1936 коллекционером. Ведута – пейзаж, точно изображающий вид определенной местности или города. Такое название к городским панорамам стали применять именно в XVIII веке. Пиранези стал одним из самых знаменитых представителей данного жанра в истории европейского искусства. Он был профессиональным архитектором, познал славу при жизни, после публикации названного цикла. Еще одна знаменитая серия мастера – «Тюрьмы», нереальный и жуткий мир подземелья с лабиринтами и цепями.

В своих гравюрах Пиранези изображал впечатляющие фантазии на тему ограниченных пространств, руин, арок, зданий, портиков. Пиранези – мастер ритма, он так выстраивает ракурсы и перспективу, что зрителя цепляет какая-то загадка. Фигурки людей помещены лишь для понимания масштаба, они – статисты. Один из самых тонких ценителей искусства Италии Павел Муратов писал: «Легионы разбитых статуй, тучи обелисков, ваз, урн, саркофагов, алтарей, барельефов, герм, капителей и масок… Увитые плющом деревья раскидывают среди них свои ветви. Маленькие человеческие фигурки на античной мостовой кажутся рядом с ними пигмеями. Перед этими горами мраморных изваяний и архитектурных форм чувствуешь себя раздавленным. Надо было быть Пиранези, чтобы не почувствовать этого!» Римские руины – подлинные свидетели величия древней культуры, и гравюры мастера постоянно напоминают об этом зрителю.

Жан Оноре Фрагонар (1732–1806) Личный разговор. Около 1778–1780. Бумага, карандаш, перо, кисть, коричневая и черная тушь. 28,1x21

Жан Оноре Фрагонар – знаменитый французский живописец, который работал в стиле рококо. За свою жизнь он создал более 500 полотен, а также огромное множество гравюр и рисунков.

Данное графическое произведение прекрасно демонстрирует мастерство Фрагонара – рисовальщика: тончайшие светотеневые моделировки, виртуозно выстроенный объем, плотность и массивность складок. Художник эффектно расположил двух женщин с правой стороны листа. Основное в их позах – доверительное движение друг к другу. Они делятся новостями или сплетнями. Об этом говорят искорка в глазах, хитрые и игривые взгляды. Прическа героини слева рифмуется с накидкой ее подруги. Диагональ, которая образуется пышной юбкой дамы слева и подставкой для рисования, уравновешивает композицию. Произведение кажется очень простым, ясным по настроению. Скорее всего, мастеру позировала жена Мари-Анна Жерар с младшей сестрой Маргаритой, его ученицей.

Живопись XVIII–XX веков

Эдуар Вюйар. Женщина в розовом платье, занятая вязанием. Около 1900–1905

Антуан Ватто (1684–1721) Вечерний пейзаж с пряхой 1713–1717. Холст, масло. 55x66

Французский живописец Антуан Ватто – блестящий представитель эпохи и стиля рококо, что означает «ракушка». Уже по названию стиля можно судить о его легком характере, предпочтении галантных сценок, юмористических и остроумных сюжетов. Основными приемами его мастеров были изящные, тонкие живописные линии, общая декоративность, светлые тона, нежная фактура поверхности. В свое время Ватто поразили работы Рубенса, он перенял его свободную манеру рисования и цветовых переходов.

Данная картина очень типична для творчества Ватто, узнаваема. Героиня сидит с веретеном, у ее ног – пастух с флейтой. Этот сюжет несет в себе ярко выраженные эротические аллюзии: пастух-вакх пытается заглянуть под юбку молоденькой девушки, которая написана довольно безучастной, похожей на симпатичную куклу. Флейта, помимо античных отсылок, сексуальный символ, так же как веретено, которое стремится отозваться на ее нежные звуки, нити и музыка должны слиться в единое целое. Сюжет неприхотлив и достаточно фриволен для первой четверти XVIII столетия. Однако современного зрителя захватывает, скорее, манера исполнения – она очень нежная, мастер виртуозно создает россыпь теплых оттенков земли и зелени. Ватто позаимствовал данный сюжет у Рембрандта. Стремление написать идиллический пейзаж на голландский манер было одной из творческих задач французских художников рубежа XVII–XVIII веков.

Якоб Марис (1837–1899) Вид на Монтиньи-сюр-Луан 1870. Холст, масло. 45x80

Якоб Марис – известный нидерландский художник XIX века из Гааги. В начале творческого пути под влиянием великого наследия голландской живописи он создавал очень лиричные жанровые работы. С начала 1870-х Марис стал писать пейзажи. Он прославился полотнами с городскими видами, в которых большую роль играет панорама облаков на небе. Мастер учился в Париже – художественном и культурном центре Европы того времени, где познакомился с творчеством импрессионистов. Влияние их живописной манеры видно в этом прекрасном пейзаже.

Здесь изображен маленький город Монтиньи-сюр-Луан, недалеко от Фонтебло. Работа, которая выглядела как эскиз, была новшеством в то время. Именно импрессионисты возвели набросок в ранг полноценного произведения искусства. Мастер крепко строит пространство полотна, делает очень целостную панораму. Облака серебристостального оттенка – визитная карточка в арсенале его творческих приемов. Сочетания теплых тонов бежевого и зеленого напоминают палитру влиятельного французского живописца Камиля Коро. Излюбленными сюжетами Мариса стали реки, пейзажи с мельницами и тропами, морские берега с рыбацкими лодками. Привлекают внимание цельные, крупные, ясные объемы домов, четкие горизонтальные линии картины. Художник рисовал широкой кистью, очень свободно и мягко, стиль напоминал манеру великого предшественника – Якоба ван Рейсдала. Музей Бойманса-ван Бёнингена хранит одну из самых талантливых работ Мариса.

Йохан Бартолд Йонгкинд (1819–1891) Вид на Оверсхи при лунном свете 1872. Холст, масло. 34x47

Художник Йохан Бартолд Йонгкинд был родом из Голландии. В 1837 он окончил гаагскую Академию живописи в мастерской известного пейзажиста Андреаса Схелфхаута. В 1845 автор поселился в Париже, там его работы оценили по достоинству, на выставках в Салоне они пользовались популярностью. Несколько раз Йонгкинд возвращался в родные края, бывал в Роттердаме и Дордрехте. Последний раз он появлялся на родине в августе 1869. После возвращения во Францию мастер писал голландские виды по зарисовкам и памяти.

Данное потрясающее полотно завораживает вихреобразным движением красок коричневой и черной гаммы. Лунный свет создает мистический ореол грозным ночным облакам, гнетущим и мрачным. В силуэте старой церкви, очертаниях построек явно наследие романтической традиции – образ таинственной атмосферы ночного города. В наследии Йонгкинда есть несколько работ, где он ищет эффектные сочетания черного неба и световых эффектов, и ряд полотен, где пейзаж создан очень ограниченным количеством цветов. В данном художнику удалось синтезировать свои поиски, он сделал лаконичное, цельное и колористически эффектное произведение.

Иохан Хендрик Вейсенбрух (1824–1903) Пейзаж с ветряной мельницей около Схидама 1873. Холст, масло. 64,5x101

Иохан Хендрик Вейсенбрух – пейзажист конца XIX века. Историки искусства считают его важнейшим представителем гаагской школы. В 1860-1890-х в городе работала группа молодых художников, которые стремились развить приемы реализма и французской барбизонской школы. За любовь к сдержанному, достаточно тусклому колориту их прозвали «серой школой». Творчество Вейсенбруха развивалось также под влиянием наследия Якоба ван Рейсдала.

В данной работе он стремится сделать небо и облака такими, как у великого предшественника. Интересно, что художник совмещает точную картину местности и по-живописному выразительное впечатление. Позже мастер предпочитал атмосферные пейзажи, где настроение было важнее, чем географическая достоверность. По композиции работа очень ясна, она крепко построена. Холст разделен на две части: нижнюю занимает поле, а верхнюю – небо с облаками. Пасущиеся коровы служат небольшим, но удачным акцентом, их фигуры создают глубину пространства. Типичная ветряная мельница служит вертикальной осью, которая в итоге и уравновешивает все части картины. Эта работа создана живописцем на вершине творческого пути. Он писал мягко, свободно и одновременно уверенно строил объем предметов. Неудивительно, что художник стал одним из тех, кто поддержал начинания молодого Винсента Ван Гога.

Камиль Писсарро (1830–1903) Река Уаз у Понтуаза в пасмурную погоду 1876. Холст, масло. 53,5x64

Камиль Писсарро – один из классиков французского импрессионизма. В годы учебы он, как и многие будущие новаторы, был под воздействием живописи Камиля Коро и Густава Курбе. В 1850-е в Париже художник познакомился с Клодом Моне и Полем Сезанном. С этого времени, ободренный поддержкой единомышленников, он начал активней экспериментировать с натурными зарисовками на пленэре. Манера Писсарро наносить краски трансформировалась под влиянием идеи неуловимости световых потоков для глаза воспринимающего, постоянных изменений цвета, света и прозрачности воздуха, «сквозь» который человек смотрит на мир. В 1859 автор принял участие в официальной выставке, парижском Салоне, но его произведения были непривычны для академической школы и в следующие годы не принимались комиссией. После 1870 мастер все больше и больше отдавал предпочтение работе на пленэре. Под воздействием Сезанна он начал экспериментировать с живописной техникой, постепенно отдаляясь от четкости силуэта и реалистичности манеры в сторону передачи эмоций, впечатлений и поэтической атмосферы композиции в целом. В 1886 на последней выставке импрессионистов Писсарро познакомился с Полем Синьяком, прославившимся своим острохарактерным стилем накладывания красок, который назвали пуантилизм (от французского «pointiller» – «писать точками»). Его находки художник органично интегрировал в собственную свободную импрессионистическую манеру.

Мастер полагал, что сделать произведение искусства можно из любого сюжета. Данная картина блестяще доказывает этот тезис. Писсарро нарисовал пейзаж с работающей фабрикой, он несильно интересовался современной индустриальной жизнью, а просто запечатлел понравившийся уголок местности. Пасмурная погода передана с реалистической достоверностью. Полотно пронизано лирическим настроением. Этому способствуют наивно, будто по-детски прорисованные деревья. Однако «неумелость» намеренная – живописец складывает картину из небольших мазков масляной краски. Но перспектива, глубина пространства написаны очень четко. Именно сочетание непосредственности рисунка с мастерски построенной композицией свидетельствует о виртуозности художника.

Альфред Сислей (1839–1899) Сад весной. До 1881. Холст, масло. 54x72

Отец Альфреда Сислея был преуспевающим торговцем шелком. Он послал сына на учебу в Англию, чтобы тот смог продолжить дело, однако Альфред совершенно не был заинтересован в бизнесе. Он уехал в Париж, культурный центр Европы того времени, решив стать художником. В 1861 молодой человек работал в студии Глейра, где также занимались Огюст Ренуар и Клод Моне. В этот период наибольшее влияние на манеру Сислея оказывали Камиль Коро и Шарль-Фансуа Добиньи. В 1870-м его палитра обновилась, под воздействием творчества Моне и Писсарро цвета стали более светлыми. Основные принципы художника были сформированы идеалами импрессионистов: работа на пленэре, фиксация переменчивых состояний природы.

Как в основном и в полотнах других творцов этого направления, при всей их нереалистической направленности, места, которые изображены, достоверно известны. Здесь Сислей нарисовал фруктовый сад около деревни Би недалеко от своего дома в Веню-Надон у леса Фонтебло. Впечатляет пронзительный цвет неба. К нему художник добавил немного желтого, сделал все окружающее залитым теплым, прогретым на солнце воздухом. Мастер был буквально влюблен в красоту этих мест. Здесь люди играют роль статистов, они – показатель динамики и сами по себе не интересны художнику. С их помощью он выражает восторг от прогулки по цветущему саду.

Клод Моне (1840–1926) Маковое поле 1881. Холст, масло. 58x79

Клод Моне – великий основатель импрессионизма. Целью живописцев названного течения было рисовать природу «как она есть», а не «как она должна быть» согласно академическим рецептам. Поэтому в их творчестве большую роль играют моментальные впечатления, взаимодействие света и цветовых волн, зыбкие состояния воздуха.

Большую часть жизни Моне провел в Нормандии со своей многочисленной семьей. С 1878 по 1883 он находился в деревне Ветёй, куда переехал из-за дороговизны жизни в столице. Потому основная масса полотен указанного периода связана с этой местностью. Маковое поле располагалось недалеко от деревни, в местечке Лавакур. В 1879 умерла жена Моне. Он сконцентрировался на простых пейзажах, в их настроение примешивалось его душевное состояние. Вскоре судьба улыбнулась ему: критики и дилеры заметили живописца, его работы стали хорошо продаваться, он встретил свою вторую жену, стал успешным и смог позволить себе переселиться в Живерни.

Моне часто рисовал маковые поля. Его привлекал эффект красных точек, которые то теряются в траве, то блестят на солнце контрастными огоньками. Здесь пятна цветов, как и небо, покрыты дымкой. Дерево справа служит вертикальным акцентом, привносящим ритмическое разнообразие.

Виллем Толен (1860–1931) Художник Габриель работает в лодке 1882. Холст, масло. 29,5x50

Человек сидит на лодке и рисует – это классический, очень показательный образ творца и представления о живописном труде для последнего десятилетия XIX века. Столетиями раньше художники работали в мастерских. Они готовили краски ровно на один день, смешивая пигмент и масло, потому что все излишки засыхали. Также проблема заключалась в трудности переноса большого количества принадлежностей, а уж тем более разведенных красок. Ситуация изменилась в XIX веке, когда был изобретен… тюбик. Теперь живописцы могли брать с собой основные цвета, смешивать их на палитре, а инструменты носить в специальном этюдном ящике. С тех пор мобильность художников существенно повысилась. Начав работать на природе, они поняли, что пейзажи не статичны и многое зависит от освещения, погоды, времени года. Этот простой факт изменчивости всего живого постепенно вырос до эстетической самоценности. Пейзаж стал интересен не только как точное воспроизведение местности или отображение настроения творца, а как уникальный визуальный феномен – когда все меняется, оставаясь неизменным. Мастера барбизонской школы стали первыми, кто покинул Париж и поселился в деревне, давшей название группе, недалеко от Фонтебло, чтобы рисовать пейзажи, главными «героями» которых были свет, тени и цвета.

Многие живописцы по всей Европе последовали примеру барбизонцев, стали объединяться и жить за городом, работая вместе. Так, группа голландских художников из Гааги поселилась в окрестностях города, где рисовала пейзажи родных мест. На лодке изображен Пауль Габриель, учитель Виллема Толена, с 1875 они оба стали частью гаагской группы. Мастера могли не только работать на природе, непосредственно с натуры, но и совершать целые путешествия со своими инструментами. Точно так же творил в собственной мастерской – лодке знаменитый Клод Моне. Стиль барбизонцев узнаваем в картине: теплые темные цвета, атмосферность сцены, простая, но убедительная в пространственном построении композиция.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Дом ткача 1884. Холст на дереве, масло. 47,5x61

С 1878 по 1880 Винсент Ван Гог жил в шахтерской деревушке Боринаж. Он хотел стать священником, как и отец, помогать людям, утешать их в нелегкой жизни. Ван Гог близко к сердцу принимал страдания рабочих, начальство вскоре стало им недовольно и освободило его от должности проповедника. Наблюдая жизнь вокруг, Винсент убеждался, что не только пастырское слово, но и творчество может облегчать тяготы бытия. В Ван Гоге зрело желание стать профессиональным художником. Он писал брату: «Шахтеры и ткачи – это совсем особая порода людей. Шахтер – это человек из пропасти, ткач, напротив, мечтателен, задумчив, похож чуть ли не на лунатика. Вот уже почти два года я живу среди них и в какой-то мере научился понимать их своеобразный характер. И с каждым днем я нахожу все более трогательными, даже потрясающими, этих бедных, безвестных тружеников, этих последних и презреннейших из всех».

В темных тонах написаны работы творческого периода, называемого историками искусства «картофельным» по картине, которая прославила Ван Гога – «Едоки картофеля» (1885, музей Винсента Ван Гога, Амстердам). Ткач, безмолвное существо, почти безвольное – таким изображает его художник. Он будто человек-маска, человек-робот, однако фигура выглядит самоценной, не возникает ощущения, что живописец высмеивает рабочего. Наоборот, тот представляется древним идолом. Слова мастера: «Я сочту себя счастливым, если когда-нибудь так сумею нарисовать эти еще неизвестные или почти неизвестные типы, чтобы все познакомились с ними».

Винсент Ван Гог (1853–1890) Тополя у Нюэнена 1884–1886. Холст, масло. 78x98

Для Ван Гога пребывание в городе Нюэнен в 1884–1886 было очень плодотворным, несмотря на неустойчивое положение. Он жил у родителей, ухаживал за сломавшей ногу матерью, пережил в марте 1885 смерть отца. Препятствовало работе то, что местный священник запретил своим прихожанам позировать художнику, однако тот за два года сумел создать 185 картин. Большая часть, около ста полотен, посвящены жизни крестьян и ткачей, оставшаяся – пейзажи и натюрморты.

Данный холст Ван Гог приложил к очередному письму брату Тео осенью 1884. Живописец много думал над сочетаниями цветов, которые бы хорошо выражали настроение времен года. Он впервые обратил внимание на эффекты коричневого цвета в пшеничных полях и применил их в представленной картине. Это, несомненно, стало для него новым этапом в творческой эволюции. «У полусозревшей пшеницы сейчас темный, золотисто-желтый тон – ржавый или бронзово-золотой, доходящий до максимального эффекта благодаря контрасту с приглушенным кобальтовым тоном воздуха», – писал он. Именно такое сочетание цветов – черный, коричневый и кобальтовый – художник использует в данном осеннем пейзаже. Позже, уже в Париже в 1886, он доработал это полотно. Возможно, после знакомства с импрессионистами мастер добавил зеленых бликов на стволы деревьев. Более того, исследования, проведенные в музее, показали, что первоначально Ван Гог создал на этом холсте другую картину, которую затем зарисовал. В наследии живописца сохранилось несколько похожих пейзажей с изображением тополей. Во всех них видно, как он старался передать свечение от влажной золотистой листвы. Представленная работа – наиболее убедительна в этих поисках атмосферности окружающей природы.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Цинерария 1886. Холст, масло. 54,5x45,5

В марте 1886 Винсент Ваг Гог поселился в Париже у своего брата арт-дилера Тео. Здесь после существования в крестьянской и рабочей среде мастер оказался в эпицентре художественной жизни Европы. Он познакомился с Тулуз-Лотреком, встречался с Гогеном, впервые показал свои произведения на выставке, изучал искусство импрессионистов и экзотические японские гравюры.

Однако манера живописца еще не подверглась каким-либо радикальным изменениям. Брат уверял его, что темные цвета и сдержанная палитра не найдут покупателя и надо делать более яркие и запоминающие вещи. Но мастер некоторое время продолжал рисовать неприхотливые натюрморты, такие как этот. Цветы цинерарии созданы в очень мрачной палитре, будто темнота мешает прорваться ярким краскам. Кажется, что эта работа свидетельствует о самочувствии художника, который столкнулся с новой невиданной жизнью на чужбине и ушел в себя, выжидая.

Ян Тороп (1858–1928) Новое поколение 1892. Холст, масло. 96,5x110

Ян Тороп – самый яркий представитель символизма в нидерландском искусстве. На рубеже веков его работы пользовались популярностью как на родине, так и за границей.

Художник впитал все самые современные тенденции в технике, образности, стилях. Его творческую эволюцию можно разбить на несколько основных этапов. 1890-е отмечены преобладанием символистского искусства в полотнах. Мастер выработал очень оригинальную манеру, в которой главенствовали волнистые параллельные линии, очень элегантные и декоративные. Большинство холстов – странные, таинственные произведения, полные символов. Этот отмечен интенсивным колоритом, сложным сочетанием цветов. Не сразу можно понять, что на нем изображено. В центре на заднем плане – дерево с голыми ветками, напоминающее экзотические, растущие на острове Ява, именно оттуда был родом художник. Левее на стуле сидит маленький ребенок – олицетворение нового поколения. Это портрет дочери Торопа Чарли, которая родилась годом ранее. Справа, обвив другое дерево, притаилась змея – символ дьявола. В дверном проеме – женское лицо, скорее всего, жены живописца. Считается, что мастер нарисовал и собственный портрет, он спрятан где-то в деревьях. Интересно, что наряду с историческими символами Тороп изобразил и аллегории современной цивилизации, например телеграфный столб. Способ рисования – множеством тонких линий – напоминает разветвленные корни. Все опутано органическими, живыми, растущими на глазах стволами, стеблями, волокнами, сквозь их паутину словно проходит энергетический ток, биение жизни. Сцена в данном произведении похожа на сказочный лес, на сон, где прошлое и будущее объединяются причудливым образом.

Георг Хендрик Брейтнер (1857–1923) Серьга 1893. Холст, масло. 84,5x57,5

Данную картину создал Георг Хендрик Брейтнер – один из самых популярных амстердамских живописцев последней четверти XIX века, творивший в стиле импрессионизма, что проявляется в ассоциативной, свободной работе кистью.

В представленном холсте мастер показывает свой интерес к модной в то время теме – японскому искусству и культуре. Наряды, обыгрывающие ее, пользовались популярностью среди аристократии еще целое десятилетие, женщина – в традиционном кимоно. Название работы – тоже своеобразный «трюк». Героиня надевает сережку, однако это наименее заметная деталь картины. Композиция строится на ритме абстрактных прямоугольных фрагментов. Слева изображена черная пропасть двери с нарядной обшивкой. Справа – худенькая фигура в темном длинном одеянии. Оно прямое, не выделяет силуэта, поэтому на первый взгляд кажется, что это широкая декоративная полоса. Художник очень эффектно соединил цвета: темно-синий с золотым и нежно-розовым.

Пауль Йозеф Константин Габриель (1828–1903) Вид на польдеры (В Кампене). Около 1880–1900. Холст, масло. 64x99

Пауль Габриель учился в амстердамской Академии на пейзажиста. С 1853 по 1856 он жил вместе с коллегами Антоном Мауве и Герардом Бильдерсом в деревне Остербек, между Арнемом и Утрехтом. Там художники творили на пленэре (с. 82 В. Толен, «Художник Габриель работает в лодке»), занимались натурными штудиями природы, ее изменчивых состояний. В этом они следовали барбизонцам. Хотя Габриеля причисляют к группе гаагских мастеров, строго говоря, это не так. Он в основном жил в Брюсселе, лишь изредка выезжая на пленэр за город. Отличается и палитра художника: гаагцы предпочитали скромную, достаточно тусклую, а он охотно использовал разнообразную гамму ярких, насыщенных цветов. Также Габриель писал не только пейзажи, придавал значение темам индустриализации, как и французские импрессионисты. Художник регулярно навещал своего ученика, а потом и просто друга Толена в Кампене. Эти места стали частым мотивом в наследии мастера.

Данное полотно довольно показательно для пейзажной живописи, в которой реализм синтезирован с элементами импрессионизма. Композиция цельная, прекрасно прописана глубина пространства, всю сцену можно охватить одним взглядом. Сюжет прост, главное – не тема, а настроение и краски. Лучи солнца отражаются от воды, заливая все серебристым мерцанием. Крестьянский юноша в одиночестве отправляется в плавание. Зритель не видит его лица. Картина притягивает атмосферой покоя, одиночества и пустоты. Ее название раскрывает специфические голландские реалии: польдеры – осушенный участок земли, защищенный от воды дамбой.

Поль Синьяк (1863–1935) Роттердамский порт 1907. Холст, масло. 87x114

Поль Синьяк – яркий представитель французского неоимпрессионизма. Он был одним из основателей Салона Независимых в 1884. Группа живописцев-новаторов объединилась для совместных выставок, так как их работы отвергались официальным жюри Академии художеств. Салон принимал всех творцов без предварительного отбора картин и вне зависимости от их стиля и направления. Именно там Синьяк познакомится с Жоржем Сёра. Этот мастер вдохновил его на применение физических законов света и цвета в живописи. Взяв за основу приемы импрессионизма, художник разработал собственную манеру накладывать краски. Она получила название «пуантилизм» (рисунок правильными по форме мазками – точками), ее самый главный эффект – краски не смешиваются на палитре, а основные цвета наносятся рядом друг с другом прямо на холст, чтобы желаемый тон воспринимался непосредственно глазом зрителя. Картины становятся похожи на своеобразные цветные мозаики, составленные из прямоугольников или кружков. Это на первый взгляд хаотичное нагромождение цветов, если рассматривать полотно, отойдя на некоторое расстояние, оформляется в образы и сюжет. Метод Синьяка повлиял на таких мастеров, как Анри Матисс и Кеес ван Донген.

В 1906 живописец посетил Роттердам. Как свидетельствуют его письма на родину, художник был воодушевлен живой и свободной атмосферой города, его ритмом и энергетикой. Из окна гостиницы Синьяк сделал множество зарисовок и акварелей. Представленную картину он написал уже после возвращения во Францию. Она выделяется свежим и ясным колоритом, особой светоносностью воздуха. Голубой и нежно-розовый создают фантазийное сочетание. Клубы дыма, облака, рябь воды и развернутая немного по диагонали композиция делают эту сцену наивно-сказочной.

Дик Кет (1902–1940) Автопортрет 1932. Холст, масло. 80,5x54

Перед зрителем автопортрет нидерландского живописца Дика Кета – самого известного представителя магического реализма в Голландии. Он учился в художественной школе в Арнеме. Боязнь посторонних людей и социофобия надолго заперли творца в его собственном доме. Тематика картин мастера ограничена натюрмортами и автопортретами. Вдохновение он черпал в образах, которые мог наблюдать дома, и своих фантазиях. Именно так родился авторский стиль Кета – реалистическое изображение предметов, сплавленное с многозначными странными символами и аллегориями. Известны около 40 автопортретов живописца. Многие повторяют общую формулу: художник позирует среди «говорящих» предметов. Пальцы Кета имеют расширенные ногтевые фаланги, так творец указывает на свой недуг – порок сердца. Именно от него мастер умер в возрасте 37 лет.

Анри ле Сидане (1862–1939) Городская площадь Шербурга при лунном свете. Около 1934. Холст, масло 46,5x55,7

Ночные пейзажи, тусклый лунный свет, атмосфера сонной тишины и покоя привлекали Анри ле Сидане с самого начала его творческой деятельности. Этот мастер родился во французской колонии – на тропическом острове Маврикий, поэтому любовь к сочным цветам, солнечным бликам и контрастным сочетаниям приобрел еще в детстве. Приехав во Францию, он недолго посещал Академию художеств, начинающему живописцу был чужд ее строгий дух. Он уехал на север страны, интенсивно работал в импрессионистической манере. В 1891 на выставке в Салоне его полотно получило третий приз. В 190 °Cидане, неудовлетворенный суетностью больших городов, переехал в Бове, а потом в деревушку Жерберуа, которая до сих пор считается одной из самых красивых во Франции. Там мастер много работал, часто рисуя пустынные пейзажи, улицы, тихие уголки и ночные виды.

Он, как многие его коллеги, предпочитал повторяющиеся сюжеты, варьировал привычные образы, пейзажи и отдельные выразительные элементы. Однако именно привязанность к сумеркам, ночному освещению отличает Сидане от классиков французского импрессионизма, они предпочитали экспериментировать с передачей солнечного света и бликов. Интересно также, что в отличие от других мастеров направления живописец по старинке изображал пейзажи по памяти, а не на пленэре. Особую прелесть этой сценке придает темный, насыщенный желтый свет, которым озарено окно в доме на пустынной площади. Обрезанная, будто случайная композиция и атмосферность полотна свидетельствуют же об излюбленных импрессионистами художественных приемах.

Питер Артсен. Христос в доме Марфы и Марии. 1553. Фрагмент.

Следующий том

Экспозицию Музея изящных искусств в Бильбао можно разделить на три основные части. Искусство XII – конца XIX века представлено полотнами Эль Греко, Хусепе Риберы, Франсиско Сурбарана, Бартоломе Эстебана Мурильо, Мартина де Боса, Антониса Ван Дейка, Якоба Иорданса, Франциско Гойи, Поля Гогена и многих других. Современное искусство (конец XIX–XXI век) раскрывают произведения Антонио Марии Эскивеля, Карлоса де Хаса, Жана Метценже, Оскара Кокошки, Фрэнсиса Бэкона, Джона Дэвиса. Среди картин и скульптур самой крупной в мире коллекции баскского искусства, которому в музее уделено особое внимание, можно выделить работы Игнасио Суолаги, Адольфо Гуйарда, Дарио де Регойоса, Мануэля Аосады, Франсиско Итуррино, Аурелио Артета Эррасти, Рафаэля Руиса Балерди.