Текст книги "Музыкальный словарь в рассказах"

Автор книги: Людмила Михеева

сообщить о нарушении

Текущая страница: 7 (всего у книги 13 страниц)

ЛЮТНЯ

ЛЮТНИСТ (СПРАВА) И АРФИСТКА.

РИСУНОК С ГРАВЮРЫ НИДЕРЛАНДСКОГО ХУДОЖНИКА ИЗРАЕЛЯ ВАН МЕКЕНЕМА.

КОНЕЦ XV В.

Постепенно ей пришлось уступить свое место смычковым инструментам: они обладали более мощным и ярким звуком. А в домашнем музицировании лютню вытеснила гитара. Если вы когда-нибудь видели репродукцию картины Караваджо "Лютнист", то представляете себе, как выглядит этот инструмент. Корпус, напоминающий половину дыни или панцырь черепахи, довольно большой по размеру, широкий гриф с колками для натяжения струн. Нижняя дека, то есть выпуклая часть корпуса, для красоты часто проложена кусочками черного дерева или слоновой кости. Посередине верхней деки – вырез, сделанный в виде красивой звезды или розы. У больших, так называемых архилютен, таких вырезов-роз было три. Количество струн на лютне бывало разным, от шести до шестнадцати, причем все они, кроме двух самых высоких, были удвоенными в унисон или октаву. Играли на лютне сидя, положив ее на левое колено. Правой рукой защипывали струны, в то время как левая фиксировала их на грифе, удлиняя или укорачивая. Несколько десятков лет назад казалось, что лютня – инструмент. ушедший от нас безвозвратно. Но в последние годы появился интерес к старинной музыке, старинным инструментам. Поэтому теперь в концертах ансамблей старинной музыки вы можете иногда увидеть лютню и ее разновидности – архилютню и теорбу.

* М *

МАЖОР – см. Лад.

МАНДОЛИНА. Один из многочисленных потомков лютни, мандолина появилась в Италии в XVII веке, и уже в следующем столетии сделалась самым распространенным, самым любимым народным инструментом. Постепенно она стала популярна и в других странах. Мандолина – это и сольный, и аккомпанирующий, и ансамблевый инструмент. Существуют оркестры мандолин разных размеров. Оркестры эти, в которые иногда включаются гитары, носят название неаполитанских. Бывают случаи, когда мандолина включается даже в оперный и симфонический оркестры. По форме мандолина очень похожа на лютню. На ее восьми струнах, настроенных попарно, играют медиатором.

МАНДОЛИНА

МАРШ. Композитор Дмитрий Борисович Кабалевский очень любит детей. Для них, кроме музыки, он пишет книги. Книги, которые помогают понять музыку, почувствовать себя свободно в ее увлекательном мире. Одна из книг Кабалевского называется "Про трех китов и про многое другое". О третьем из китов, на которых, по мысли автора, держится музыка, в книге рассказано так: "Вот физкультурники перед началом соревнований идут по стадиону в легких спортивных костюмах, с огромными развевающимися по ветру знаменами – белыми, голубыми, зелеными, красными... Вот идет по улице воинская часть. Четко держат солдаты шаг. Идут, как один, твердой, бодрой походкой... А впереди – украшенный конскими хвостами и колокольчиками – бунчук, который, двигаясь перед глазами музыкантов то вверх, то вниз в такт музыке, заменяет в походе дирижерскую палочку... А вот совсем маленькие ребятишки – дошкольники ходят по большой комнате, вооружившись красными флажками. Вид у них такой торжественный, будто они участвуют в самом "взаправдашнем" первомайском параде. А за пианино сидит их воспитательница... Вы, конечно, уже приготовили свой ответ. Мне даже кажется, будто все вместе, по-военному четко и стройно, вы сейчас отчеканите это короткое и само по себе чеканное слово: марш!" А через несколько страниц Кабалевский продолжает: "... Еще совсем маленькие октябрята очень любят маршировать под музыку – не меньше, чем песни петь и пляски какие-нибудь отплясывать. А уж о пионерах и говорить нечего – горн и барабан, играющие марш, так же дороги им, как и алый галстук на груди. С маршами – бодрыми походными, веселыми, праздничными, а порой, увы, печальными, траурными – связаны многие, очень многие события в жизни каждого человека, в жизни огромных масс людей". Что же такое марш? Французское marche означает в переводе – ходьба. В музыке так называются пьесы, написанные в четком, энергичном ритме, под который удобно идти в строю. Хотя марши отличаются друг от друга мелодией, характером и содержанием, объединяет их одно: марш пишется всегда в четном размере – на две или четыре четверти, чтобы идущие не сбивались с ноги. Правда, бывают редкие исключения из этого правила. Песня А. В. Александрова "Священная война", написанная на стихи В. И. Лебедева-Кумача в самом начале Великой Отечественной войны, – трехдольная. Но это – самый настоящий марш – мужественный, суровый и грозный. Под его звуки уходили на фронт солдаты. Ну, а "настоящих" маршей вы, конечно, знаете великое множество. И тех, что написаны для движения под них, и тех, что входят в крупные произведения оперы, симфонии, оратории, сонаты. Очень известны марши из оперы Гуно "Фауст", из "Аиды" Верди, марш Черномора из "Руслана и Людмилы" Глинки. Марш звучит в третьей части Шестой симфонии Чайковского и в финале Пятой симфонии Бетховена. Траурными маршами являются медленные части Третьей симфонии Бетховена, его же фортепианной сонаты No 12 соч. 26, фортепианной сонаты си-бемоль минор Шопена. Много маршей встречается среди детских пьес для фортепиано. Например, в "Детском альбоме" Чайковского есть и траурный марш – "Похороны куклы" и "Марш деревянных солдатиков". Часто в характере и ритме марша пишутся песни. В той же своей книге Кабалевский, по аналогии с "королем вальса" Иоганном Штраусом, называет королем маршей Исаака Осиповича Дунаевского и перечисляет написанные им песни-марши: "Марш энтузиастов", "Марш физкультурников", "Марш юннатов", "Весенний марш", "Спортивный марш", "Марш трактористов", "Марш краснофлотцев", "Марш артиллеристов"...

МЕДИАТОР. В рассказах о струнных щипковых инструментах часто встречаются слова медиатор и плектр. Поэтому всем нужно знать, что это такое. Медиатор – тонкая пластиночка из пластмассы, металла или кости. Ею цепляют струны при игре на мандолине, домре и других подобных инструментах. Иногда медиатор делается в форме незамкнутого кольца и надевается на палец. Такой медиатор называют плектром. ПЛЕКТР

МЕЛИЗМЫ. Видели вы когда-нибудь портреты XVII века? Дамы в широких юбках – фижмах – со множеством оборочек, рюшей и бантиков, в напудренных париках, завитых, украшенных цветами и драгоценностями. Кавалеры в расшитых золотыми узорами камзолах, в сорочках с пышными кружевными жабо, в коротких панталонах с бантами, в шелковых чулках и башмаках с нарядными пряжками. Всюду украшения, украшения... Букетики цветов, кружева, ленты, драгоценности. Мода на украшения существовала не только в одежде. Она распространилась и на искусство. В музыкальных пьесах также появились украшения – мелизмы. Греческое слово "melisma" означает песнь, мелодия. Поначалу так стали называть отрывки мелодии, исполняемые на один слог текста – конечно, в тех случаях, когда на него приходилась не одна нота. С XVII века это название укоренилось в инструментальной музыке за мелодическими оборотами установившейся формы, представляющими собой украшение основной мелодии. Обороты эти не выписываются нотами, а показываются особыми значками. Чаще всего в музыкальных произведениях встречается форшлаг (по-немецки Vorschlag – предшествующий удар). Это украшение обозначается крошечной ноткой, написанной перед той, к которой она относится. Часто встречаются в музыке разных композиторов трели. Название это произошло от итальянского trillare – дребезжать, колебать. Записывается трель буквами tr и волнистой чертой за ними, и означает это, что ноту, над которой стоит такой знак, и ее верхнюю соседку надо как можно быстрее чередовать столько времени, какой длительности указана нота. Существуют и другие виды мелизмов – группето (обозначается знаком ), морденты (обозначаются значком ) простые, двойные и перечеркнутые ().

МЕЛОДИЯ. "Душой музыкального произведения" назвал мелодию Дмитрий Дмитриевич Шостакович. Как "самую существенную сторону музыки" определил ее Сергей Сергеевич Прокофьев. Мелодия – "главная прелесть, главное очарование искусства звуков, без нее все бледно, мертво, несмотря на самые принужденные гармонические сочетания, на все чудеса контрапункта и оркестровки", – писал когда-то замечательный русский музыкант, композитор и критик А. Серов. Греческое слово "melodia" означает пение песни и происходит от двух корней melos (песнь) и ode (пение). В музыкальной науке мелодию определяют как одноголосно выраженную музыкальную мысль. Это выразительный напев, который может передать различные образы, чувства, настроения. Есть музыкальные произведения, в частности народные песни, которые состоят из одной только мелодии. Есть и сочинения, носящие название "Мелодия", например, "Мелодия" С. Рахманинова. В профессиональной музыке мелодию дополняют другие компоненты – гармония, инструментовка, различные приемы полифонического письма.

МЕТАЛЛОФОН. В наше время существует довольно много инструментов, звук в которых возникает от колебания упругого металлического тела. Это треугольники, гонг, колокольчики, тарелки и другие ударные инструменты. Все они объединяются общим наименованием – металлофон. Один из металлофонов, вибрафон, особенно интересен своей конструкцией и выразительными возможностями. Он напоминает ксилофон, но сделан из металлических, а не деревянных пластинок. Вдобавок он имеет специальные резонаторные трубки с подвижными крышечками. Эти трубки способствуют периодическому усилению и ослаблению звучания, то есть динамической вибрации, от которой инструмент и получил свое название.

МЕТРОНОМ. Если вы занимаетесь музыкой, то возможно, вам приходилось встречать в нотах, в начале музыкального произведения, такие или подобные указания: М.М. = 72 или = 108, = 60. Ставятся они непосредственно вслед за словесным обозначением темпа и указывают тоже, притом более точно, на темп произведения. Например, М.М. = 72 означает, что музыка должна исполняться со скоростью 72 половинных ноты в минуту. Как найти эту скорость? На это отвечают буквы М.М., означающие "метроном Мельцеля". МЕТРОНОМ

Метроном – прибор, снабженный заводным механизмом, который точно отсчитывает длительности (подобно тому, как, разбирая новую пьесу, вы иной раз считаете: раз-и, два-и, три-и), притом в нужной – заданной скорости. Изобрел его венский механик И. Н. Мельцель. Его именем этот прибор и называют. Выглядит он как деревянная пирамидка, с одной стороны которой снимается панель. Под ней закрепленный снизу маятник, с передвижной гирькой, а на пирамидке – шкала с цифрами. Если передвигать гирьку по маятнику, то, в соответствии с тем, против какого числа на шкале ее установить, маятник качается быстрее или медленнее и щелчками, подобными тиканью часов, отмечает нужные доли такта, Чем выше гирька, тем медленнее ходит маятник; если же ее установить в самом нижнем положении, раздастся лихорадочный стук.

МЕЦЦО-СОПРАНО. Ныряет месяц в облаках. Пора ложиться спать. Дитя качая на руках, Поет тихонько мать:

"Уснули ласточки давно, И люди спят в домах. Луна глядит в твое окно, Нашла тебя впотьмах..." Это – слова одной из частей оратории Прокофьева "На страже мира" "Колыбельной", слова которой написал Самуил Яковлевич Маршак. Мелодия "Колыбельной", певучая и величавая, спокойная и задумчивая, словно плывет над аккомпанементом. Поет ее красивый женский голос – глубокое, грудное, бархатистое меццо-сопрано. По характеру он близок драматическому сопрано, но ниже, насыщеннее его. Возможности меццо-сопрано очень велики. Композиторы поручают певицам, обладающим таким голосом, роли сильных, волевых натур. Меццо-сопрано – Кармен в опере Бизе, Любаша в "Царской невесте" Римского-Корсакова, Марина Мнишек в "Борисе Годунове" Мусоргского, Амнерис в "Аиде" Верди, Далила в "Самсоне и Далиле" Сен-Санса. Чудесное меццо-сопрано было у известных русских певиц Н, А. Обуховой, М. П. Максаковой, В. А. Давыдовой. Их записи можно услышать и сейчас – арии из опер, старинные русские романсы. Очень красивое меццо-сопрано у Ирины Архиповой, Елены Образцовой, Тамары Синявской. Диапазон меццо-сопрано от ля малой октавы до ля второй октавы.

МИНОР – см. Лад.

МНОГОГОЛОСИЕ. Когда-то очень давно музыка была одноголосной. Певец пел песню. Музыкант на древнем, еще совсем примитивном инструменте исполнял одну мелодию. Но шли века, и музыка усложнялась. Люди поняли, что можно петь вдвоем или втроем, и не одну и ту же мелодию, а разные, но сливающиеся воедино, образующие вместе приятные для слуха созвучия. Что играть можно тоже не одному, а нескольким музыкантам вместе, причем не одно и то же, а отличающиеся друг от друга мелодии. Многоголосие имеет два основных вида. Если ведущее значение имеет только один голос, в котором звучит мелодия, а остальные ему аккомпанируют мы говорим о гомофонии (греческое слово homos – означает равный, phone – звук) или гомофонно-гармоническом стиле. В таком стиле написано большинство произведений XIX века и современной музыки. Другой вид многоголосия получил широчайшее распространение еще в XVI – XVII веках и достиг наивысшего расцвета в творчестве Иоганна Себастьяна Баха. Это полифония (греческое poly – много, phone – голос, звук). В полифонических произведениях все голоса ведут свои самостоятельные и равно важные, одинаково выразительные мелодии. В полифоническим искусстве возникли свои особые жанры. Это полифонические вариации – пассакалья и чакона, это инвенции и другие пьесы, использующие прием имитации. Вершина полифонического искусства – фуга. Об этих жанрах вы можете прочесть отдельные рассказы. Оба вида многоголосия – и гомофонию, и полифонию, – как правило, можно встретить в одном и том же произведении.

МОДУЛЯЦИЯ. От латинского слова "modulatio", что дословно означает соблюдение меры, размеренность, произошло итальянское modulazione, в переводе – переливы голоса. В теории музыки слово "модуляция" означает переход из одной тональности в другую. Модуляции могут быть плавными, постепенными; могут быть и резкими, неожиданными. Если новая тональность не закрепляется надолго, а происходит возвращение к первоначальной тональности, то такая модуляция называется отклонением. Модуляция – очень важное, яркое и красочное выразительное средство музыки.

МУЗЫКАЛЬНАЯ ЛИТЕРАТУРА. Так обычно называют все музыкальные произведения в их совокупности: произведения, созданные различными композиторами в разных странах. Термин этот употребляется так же, как, например, "специальная литература", "справочная литература", "научная литература". Существует и другое значение этого термина: так называется предмет, вернее, учебная дисциплина, которую изучают в старших классах музыкальных школ и в музыкальных училищах. В программу музыкальной литературы входят биографии крупнейших композиторов, отечественных и зарубежных, знакомство с их творчеством, а также подробное изучение отдельных наиболее известных, наиболее важных сочинений.

МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА. Вы были на исполнении кантаты С. Прокофьева "Александр Невский". В симфоническом концерте вам довелось услышать испанские увертюры Глинки. Пианист исполнил сонаты Бетховена. А школьный хор к очередному пионерскому празднику разучивает новые песни. Зачем понадобилось такое перечисление? Здесь специально названы произведения очень разные – разные и по жанру (о нем вы могли прочитать выше), и по форме. Что же такое – форма в музыке? Музыкальной формой принято называть композицию, то есть особенности построения музыкального произведения: соотношение и способы развития музыкально-тематического материала, соотношение и чередование тональностей. Конечно, каждое музыкальное произведение обладает своими неповторимыми чертами. Но все же на протяжении нескольких веков развития европейской музыки сложились определенные закономерности, принципы, по которым строятся отдельные типы произведений. С одной из музыкальных форм вы все, без сомнения, очень хорошо знакомы. Это куплетная форма, в которой пишутся песни (ей посвящен рассказ о слове "куплет"). Сходна с ней ведущая от нее свое происхождение старинная форма рондо. Основаны они на двух (или – в рондо – нескольких) различных тематических материалах. Форма в таких случаях строится на сопоставлении, развитии, а иногда и столкновении этих часто контрастных, а порою даже конфликтных тем. Распространены в музыкальной практике также трехчастная и двухчастная формы. Трехчастная строится по схеме, которую принято изображать буквами так: АВА. Это означает, что начальный эпизод в конце, после контрастного ему среднего эпизода, повторяется. В этой форме пишутся средние части симфоний и сонат, части сюит, различные инструментальные пьесы, например, многие ноктюрны, прелюдии и мазурки Шопена, песни без слов Мендельсона, романсы русских и зарубежных композиторов. Двухчастная форма распространена меньше, так как имеет оттенок незавершенности, сопоставления, словно бы "без вывода", без итога. Схема ее: АВ. Существуют и музыкальные формы, основанные на одной только теме. Это, прежде всего, вариации, которые точнее можно назвать темой с вариациями (вариациям тоже посвящен отдельный рассказ в этой книжке). Кроме того, на одной теме построены многие формы полифонической музыки, такие как фуга, канон, инвенция, чакона и пассакалья. С ними вас знакомят рассказы "полифония", "фуга", "вариации". Встречается в музыке и так называемая свободная форма, то есть композиция, не связанная с установившимися типовыми музыкальными формами. Чаще всего композиторы обращаются к свободной форме при создании программных произведений (далее вы сможете прочесть, что такое программная музыка), а также при сочинении всевозможных фантазий и попурри на заимствованные темы. Правда, часто и в свободных формах присутствуют черты трехчастности – наиболее распространенной из всех музыкальных построений. Не случайно и самая сложная, высшая из всех музыкальных форм – сонатная – в основе своей также трехчастна. Ее главные разделы – экспозиция, разработка и реприза – образуют сложную трехчастность – симметричное и логически завершенное построение. Об этом вы прочтете в рассказе, посвященном сонате.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ СЛУХ – см. Слух.

МУЗЫКОВЕД. Вечером по телевидению транслируют оперу. До начала спектакля вы слушаете пояснительное слово, в котором рассказывается история создания произведения, раскрываются его особенности. Вы хотите узнать побольше о композиторе, музыка которого вам очень нравится. В библиотеке вам дают книжку о нем. Состоялась премьера музыкального спектакля. В газетах и журналах появляются на него рецензии. В концертном зале, перед началом вечера симфонической музыки, слушатели покупают программы. В них вложена аннотация – рассказ о музыке, которую предстоит услышать. В музыкальных школах, кроме занятий по специальности, то есть обучения игре на том или другом инструменте, существуют еще уроки сольфеджио и музыкальной литературы. Если вам непонятно значение какого-то музыкального термина или нужно узнать что-либо, относящееся к музыке, вы берете музыкальный словарь или энциклопедию... Во всех этих случаях вы сталкиваетесь с одной из сторон деятельности музыковеда.

Специалисты-музыковеды получают образование в консерватории, на теоретико-композиторском факультете. Там они получают знания по истории русской, советской и зарубежной музыки, гармонии, полифонии, инструментовке, анализу музыкальных форм, получают педагогическую, лекторскую практику, обучаются основам редактирования. Музыковеды – это ученые, авторы исследований о творчестве композиторов, о той или иной эпохе в развитии музыкальной культуры, о различных средствах музыкальной выразительности. Музыковеды – это и многочисленные педагоги всех уровней, от профессоров консерватории, авторов учебников по истории музыки, музыкальной литературе, гармонии и т. д. до преподавателей музыкальных школ, руководителей музыкальных кружков. Музыковеды работают в архивах и в музеях, редактируют книги о музыке и ноты; подготавливают музыкальные радиопередачи и программы концертов; пишут критические статьи. Это очень интересная, многосторонняя профессия, требующая больших и разнообразных знаний, умения разбираться и в музыке прошлого, и в музыкальных событиях и явлениях современности, умения хорошо и свободно владеть словом, выражать свои мысли устно и в письменной форме и, конечно, свободного владения роялем, без которого настоящий профессионал просто немыслим. Советское музыковедение знает имена многих выдающихся музыкальных ученых. Есть среди них даже академик Б. Асафьев, которому принадлежит много книг и статей, посвященных русским, советским и зарубежным композиторам.

* Н *

НАРОДНАЯ МУЗЫКА – см. Фольклор.

НОКТЮРН. Темные, почти черные берега. Темное зеркало реки. Спокойное небо и на нем огромная зеленоватая луна. Ее отражение волшебной дорожкой пересекает кажущуюся недвижной воду. Удивительным покоем и тишиной веет от этого живописного полотна. Каждый, хоть раз видевший эту картину, никогда ее не забудет. Это А. И. Куинджи, "Ночь на Днепре". А вот еще одна картина: Тиха украинская ночь. Прозрачно небо. Звезды блещут. Своей дремоты превозмочь Не хочет воздух. Чуть трепещут Сребристых тополей листы. Луна спокойно с высоты Над Белой Церковью сияет И пышных гетманов сады И старый замок озаряет. И картину Куинджи, и отрывок из поэмы Пушкина "Полтава" можно определить как своего рода ноктюрн. Французское слово "nocturne" как и итальянское "notturno" в буквальном переводе означает – ночной. Термин этот, употребительный в разных искусствах, появился в музыке XVIII века. Тогда ноктюрнами называли пьесы, предназначенные для исполнения на открытом воздухе в ночное время. Многочастные произведения, чаще всего для нескольких духовых и струнных инструментов, по характеру были близки инструментальным серенадам или дивертисментам (о них вы тоже можете прочесть на страницах этой книжки). Иногда звучали вокальные ноктюрны – одночастные сочинения для одного или нескольких голосов. В XIX веке сложился совершенно другой ноктюрн: мечтательная, певучая фортепианная пьеса, навеянная образами ночи, ночной тишиной, ночными думами. И картина Куинджи, и стихи Пушкина ассоциируются именно с таким ноктюрном. Впервые лирические фортепианные ноктюрны стал сочинять ирландский композитор и пианист Джон Филд. Филд долгое время жил в России. У него брал уроки фортепианной игры юный Глинка. Быть может, поэтому и великий русский композитор написал два фортепианных ноктюрна. Второй из них, с названием "Разлука", широко известен. Писали ноктюрны Чайковский, Шуман и другие композиторы. Однако больше всего известны ноктюрны Шопена. То мечтательные и поэтичные, то строгие и скорбные, то бурные и страстные, они составляют значительную часть творчества этого поэта фортепиано.

НОТА. Кажется, с этим словом все очень просто: нота – значит... А вот если задуматься, не так уж просто! Вы держите в руках маленькую книжечку. На ней написано: блокнот. Кстати, раньше это слово писали по-другому, вот так: блок-нот! Вы включаете радио и слышите: "Нота советского правительства..." А на улице, на одном из магазинов, видите вывеску: "Ноты". Каждый раз значение этого слова иное. По-латыни nota означает знак, заметка. Поэтому блокнот – книжечка (блок листов) для заметок. А в музыке нотами называют знаки, при помощи которых изображаются звуки. Различные значки, по-разному расположенные, передают длительность и высоту звука (о длительности и высоте вы можете прочесть в соответствующих рассказах). Длинные ноты – целые – изображаются кружками – , которые называются головками. У половинной ноты к головке присоединен штиль вертикальная палочка: . Четвертная нота выглядит так же, как половинная, только головка ее не белая, а черная: . Более мелкие длительности обозначаются присоединением к штилю вязок или ребер или флажков, которые иногда называют попросту хвостиками: . Высота звука определяется положением ноты на нотном стане. Нотный стан или нотоносец – это пять длинных горизонтальных линеек, на которых и между которыми располагаются ноты. Счет линейкам ведется снизу вверх, вот так: . Они помогают определить, какая из нот обозначает звук более высокий, какая более низкий. При взгляде на нотный стан вы сразу видите рисунок мелодии. Однако для того, чтобы знать точно, какие именно звуки записаны, нужно посмотреть, какой ключ стоит в начале нотоносца, какие около него проставлены знаки альтерации. И о ключах и об альтерации вам нужно прочесть на посвященных этим терминам страничках.

* О *

ОБЕРТОН. Проделайте такой опыт: беззвучно нажмите клавишу фортепиано, а потом сильно ударьте и сразу отпустите клавишу октавой ниже (например, держите до второй октавы, а ударьте до первой). Взятый вами тон быстро угаснет, но еще долго будет слышаться тихий, но отчетливый звук нажатой вами клавиши. Можно беззвучно нажать клавишу двумя октавами выше ударяемой. Соответствующий ей звук тоже будет слышен, хотя и менее отчетливо. Давайте разберемся, почему это происходит. Если вы прочли, что рассказывается о звуке, то уже знаете, что он возникает в результате колебания упругого тела, в данном случае – струны. Высота звука зависит от длины струны. Вы ударили, например, до первой октавы. Задрожала, завибрировала струна, послышался звук. Но колеблется струна не только вся целиком. Вибрируют все ее части: половина, третья часть, четверть и так далее. Таким образом, одновременно слышится не один звук, а целый многозвучный аккорд. Только основной тон, самый низкий, слышен гораздо лучше других и воспринимается ухом как единственно звучащий. Остальные же, образованные частями струны и поэтому более высокие обертоны (Oberton по-немецки "верхний тон"), или гармонические призвуки, дополняют звучание, влияют на качество звука – его тембр. Все эти гармонические призвуки вместе с основным тоном образуют так называемый натуральный звукоряд или шкалу обертонов, которые нумеруются снизу вверх по порядку: первый звук – основной, второй октавой выше, третий – октава + чистая квинта, четвертый – октава + чистая квинта + чистая кварта (то есть на 2 октавы выше основного). Дальнейшие призвуки расположены на более близком расстоянии друг от друга. Этим свойством – издавать не только основной звук, но и обертоны – иногда пользуются при игре на струнных инструментах. Если в момент извлечения звука смычком слегка прикоснуться пальцем к струне в том месте, где она делится пополам или на третью, четвертую и т. д. часть, то колебания больших частей исчезают, и раздастся не основной звук, а более высокий (соответственно оставшейся части струны) обертон. На струнных такой звук называется флажолетом. Он очень нежный, несильный, холодноватого тембра. Композиторы пользуются флажолетами струнных как особой краской. Ну а произведенный нами опыт с беззвучно нажатой клавишей? Когда мы это сделали, то, не ударяя по струне фортепиано, освободили ее от глушителя, и она стала колебаться в резонанс половине более длинной – задетой нами струны. Та, когда клавиша возвратилась на место, остановилась, а колебания верхней струны продолжились. Ее звучание вы и услышали.

ОПЕРА. Погас свет в зрительном зале. К дирижерскому пульту прошел дирижер. Взмах дирижерской палочки – и в затихший зрительный зал полились звуки увертюры... Начался спектакль, в котором органично сплелись пение и симфоническая музыка, драматическое действие, балет, живопись. Началась опера. Опера – это жанр синтетический, появившийся на основе содружества различных искусств (итальянское "opera" буквально – труд, дело, сочинение). Однако роль их в опере не равноценна. Уже несколько столетий существует опера. И все это время не утихают споры о том, что в ней главное – музыка или текст. Был в истории оперы период, когда ее автором считался поэт, либреттист, а композитор – лицо второстепенное – должен был во всем подчиняться не только либреттисту, но и певцам, которые требовали выигрышных арий в удобных для себя местах. Настало время и для другой крайности – когда на содержание перестали обращать внимание. Опера превратилась в своего рода концерт в костюмах. Но это действительно крайности. В XVIII и XIX веках окончательно сформировался жанр оперы в таком виде, как мы его знаем и любим сейчас. Главное в опере – все-таки музыка. Ради нее мы идем в оперный театр. Вот герой поет арию. В это время на сцене ничего занимательного не происходит: действие останавливается. Все слушают музыку. Музыку, которая рассказывает о сокровенных чувствах и мыслях героя, раскрывает нам его характер. Ария – очень важная составная часть оперы, поэтому ей посвящается отдельный рассказ. Ее, так же, как и другие сольные оперные номера – ариозо, каватину, балладу – можно сравнить с монологом в драматической пьесе. А теперь давайте вспомним, что поет Иван Сусанин перед началом своей знаменитой арии "Ты взойдешь, моя заря". "Чуют правду! Смерть близка, мне не страшна она. Свой долг исполнил я. Прими мой прах, мать земля". Звучат медленные, короткие, разделенные остановками фразы. Это пение, но очень похожее на декламацию. Называется оно речитатив (латинское слово recitare – читать вслух, громко произносить). Значение речитатива в опере очень велико. Он – основной "инструмент" развития действия. Ведь тогда, когда звучат законченные музыкальные номера-арии, ансамбли – действие обычно останавливается. Оперы без речитатива не существует. Но зато бывают оперы, полностью построенные на речитативе. Большую роль в опере играет хор. С его помощью композиторы изображают картины народной жизни. А в операх М. П. Мусоргского "Борис Годунов" и "Хованщина" народ, по определению самого композитора, является даже главным действующим лицом. Еще один из важных компонентов, без которого не может обойтись опера, это оркестр. Он исполняет увертюру, симфонические антракты, звучит во время всего действия, создает яркие картины, раскрывает чувства героев. Возникло оперное искусство почти четыреста лет тому назад, в конце XVI века. Первый музыкальный спектакль с пением на сюжет древнегреческого мифа о борьбе бога Аполлона со змеем Пифоном был поставлен в итальянском городе Флоренции в 1594 году. С тех пор опера прошла большой, сложный путь. Родившись в Италии, она попала далее и в другие страны Европы, Возникнув как произведение мифологическое, теперь она удивительно разнообразна по сюжетам. В XIX веке в разных странах сложились национальные оперные школы. Самые яркие их представители в Италии – Россини, Верди и Пуччини, во Франции Мейербер, Гуно и Бизе, в Германии Вебер и Вагнер. Несколько раньше, в конце XVIII века, опера получает расцвет в Австрии, в творчестве Моцарта. В России оперное искусство достигло высочайших вершин в творчестве Глинки, Даргомыжского, Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакова, Чайковского, Прокофьева и Шостаковича. В большинстве случаев оперы пишутся на сюжеты, взятые из литературы. "Руслан и Людмила" Глинки, "Русалка" Даргомыжского, "Евгений Онегин", "Мазепа" и "Пиковая дама" Чайковского, "Травиата", "Риголетто" и "Отелло" Верди, "Кармен" Бизе, "Снегурочка" Римского-Корсакова, "Борис Годунов" Мусоргского, "Нос" и "Катерина Измайлова" Д. Шостаковича, "Война и мир" и "Повесть о настоящем человеке" С. Прокофьева, "Тихий Дон" и "Поднятая целина" И. Дзержинского, "Кола Брюньон" и "Семья Тараса" Кабалевского – много на свете опер, в основе которых лежат хорошо известные романы, повести, драматические пьесы... Партитура готовой оперы передается в театр. Над ней работает дирижер, свои партии разучивают солисты и хор, режиссер осуществляет постановку, художники пишут декорации. Только в результате общего труда всех этих людей возникает оперный спектакль.