Текст книги "Просто и увлекательно о живописи"

Автор книги: Инна Соловьева

сообщить о нарушении

Текущая страница: 6 (всего у книги 7 страниц)

Глава 14
Анри Матисс

Матисс (Matisse) Анри – французский художник, график и скульптор; родоначальник фовизма; один из основоположников современного искусства; родился 31.12.1869 в Ле-Като-Камбрези (Франция), умер 3.11.1954, Симьез, близ Ниццы (Франция). В 1887–1889 годах изучал право в Париже. Занимался на курсах рисунка в Школе Кантен-Латур в Сен-Кантене (1889), Академии Жюлиана (1891) и мастерской Гюстава Моро в Школе изящных искусств в Париже (1895–1899). В 1904 году состоялась первая персональная выставка Матисса. В 1905 году он участвовал (вместе с А. Дереном и М. де Вламинком) в Осеннем салоне, ознаменовавшем рождение фовизма, и утвердил свое положение лидера группы. В 1905–1906 годах написал картину «Радость жизни» (Фонд Барнса, Филадельфия). В 1910–1913 годах побывал в Испании, России и Марокко («Марокканский триптих», 1912, ГМИИ). Работы 1913–1917 годов свидетельствуют о временном сближении Матисса с кубизмом («Марокканцы», 1916, Музей современного искусства, Нью-Йорк). В 1948–1951 годах работал над проектом внутреннего убранства Капеллы Чёток в Вансе – значительного памятника религиозного искусства XX века.

Анри Матисс, совершивший переворот в искусстве в начале прошлого века, прожил очень долгую жизнь. И, тем не менее, как-то странно осознавать, что его младший сын был нашим современником. Пьер Матисс скончался в 1989 году в возрасте 89 лет, в Нью-Йорке, где он владел собственной галереей и занимался продажей картин. После его смерти собранная им коллекция перешла в собственность его вдовы Гаэтаны (Таны) фон Спрети Матисс (1943–2001). Большую часть своей жизни Пьер Матисс посвятил глубокому изучению искусства и его истории, а уникальная коллекция стала достоянием государственного фонда, носящего имя Матисса.

Анри Матисс

1945 год

Всем известна картина Анри Матисса «Танец». Она существует в четырех вариантах. Первый вариант был написан в 1909 году: эта картина находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Второй вариант был написан годом позже. Его купил русский купец и коллекционер Сергей Щукин. Эта картина находится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

Третий вариант («Танец с настурциями») был написан в 1912 году по заказу Сергея Щукина. Эта картина находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина.

Анри Матисс

Фото 1913 года.

Галерея Барнса (старое здание)

Мэрион, США

Музей Матисса

в Симьезе около Ниццы

Четвертый вариант был создан Матиссом по заказу Альберта Барнса. Крупный промышленник и выдающийся химик, Барнс был знаменит не только своими изобретениями в области фармакологии и успехами в бизнесе, но и большой любовью к искусству. Он великолепно разбирался в живописи, и даже его рабочие два часа в день обязательно должны были изучать историю искусств. Альберт Барнс создал фонд, объединивший таких художников, как Сутин, Матисс, Пикассо. Специально для этого фонда в городке Мэрион вблизи Филадельфии в 1925 году было построено здание в стиле неоклассицизма, украсить которое росписью было поручено Матиссу. Пространство для росписи было организовано довольно непросто, композиция должна была быть вписана в арочные проемы общей площадью чуть ли не в пятьдесят квадратных метров. Получилось так, что Матисс написал для этого помещения два варианта, потому что вначале Матиссу сообщили неправильные размеры, и первоначальный вариант оказался на полтора метра короче, чем это было нужно. Матисс тотчас принялся за работу над новым вариантом, который и украшает ныне старое здание галереи Барнса. А сам Фонд Барнса в настоящее время находится в новом здании в центре Филадельфии, в которое он переехал в 2012 году. Что касается первого варианта росписи, то он был в 1937 году приобретен Музеем современного искусства в Париже.

Импрессионисты сделали героями картин своих современников, запечатлели очарование обычного дня, остановили мгновение. Они сделали тени не черными, а цветными, что называется, «высветлили палитру». Этот живой диалог с миром посредством искусства начали импрессионисты, а затем его подхватил Поль Сезанн и другие постимпрессионисты.

Творчество Поля Сезанна явилось той корневой системой, из которой выросла живопись и Матисса, и Пикассо. Они оба многому у него научились, но пошли совершенно разными путями в искусстве. Пикассо выбрал рациональный, «умозрительный» путь, поиск новых форм и линий, в результате став, наряду с Жоржем Браком, родоначальником кубизма. А Матисс пошел по чувственному и эмоциональному пути, впустив в свои произведения чистые, радостные цвета. Основанное им движение получило название «фовизм». Название этого движения появилось довольно спонтанно и первые годы звучало даже оскорбительно. На первой выставке фовистов, в рамках Салона независимых в 1905 году, их картины, полные тугого, мощного, оптимистического цвета, произвели ошеломляющее впечатление. Один из критиков, увидев эти картины, соседствовавшие в экспозиции со статуэткой в неоклассическом стиле, воскликнул: «Боже мой! Это как Донателло среди диких!» Отсюда и пошло это прозвище – «дикие» (на французском языке – «les fauves»), то есть «фовисты».

В отличие от своего радостного и вызывающего стиля в живописи, в жизни Анри Матисс отличался сдержанностью и респектабельностью. У него были очень солидные манеры, аккуратная бородка и золотые очки. За это в кругу друзей-художников у Анри Матисса было прозвище «доктор». Он жил не очень богато, и, когда они с женой и тремя детьми перебрались в Париж, мадам Матисс открыла шляпный магазин, чтобы добывать средства к существованию, а сам Анри Матисс делал эскизы дамских шляпок.

Отель Экселсьор-Режина Палас в Симьезе около Ниццы

Вскоре Матисс организовал свою школу, которую посещало более шестидесяти человек. Ученики относились к Матиссу с огромным уважением и ловили каждое его слово. Он был Учителем с большой буквы и обладал талантом делиться своими знаниями. Школа просуществовала два года, до тех пор пока Матисс не понял, что ему не хватает сил и энергии, чтобы совмещать преподавание с творческой работой.

Признание пришло к Матиссу достаточно быстро. Он стал постоянным участником Салона независимых и заведующим экспозиционным отделом. Первые его работы на выставках вызывали изумление, а подчас и смех. Но это было уже не то непонимание, которым были встречены импрессионисты. Зрители чувствовали, что видят перед собой совершенно новое явление, художника с яркой и необычной индивидуальностью. Его быстро заметили коллекционеры и начали покупать его картины. Вскоре Матисс стал довольно состоятельным человеком, купил себе дом и в 1909 году пригласил туда отца, с которым у художника были непростые отношения. Как это зачастую случается, отец сначала был против того, чтобы его сын становился художником, но впоследствии изменил свое мнение.

Обладавший невероятным чутьем, Сергей Иванович Щукин сразу стал коллекционировать произведения Матисса и купил в общей сложности около сорока его работ.

Специально для дома Щукина Матисс написал два панно: «Танец» и «Музыка». Ни по масштабу, ни по силе воздействия эти произведения не имеют себе равных. Картины буквально переполнены радостью жизни и гармонией. Линия Матисса объединяет в себе ощущение простоты и совершенства. Силуэты танцующих четко очерченные и плавные. Кажется, что линия подхватывает ритм танца и мелодии. В «Танце» – три цвета: синий, зеленый и красный. Здесь уже ощущается влияние искусства Востока, которое произвело огромное впечатление на Матисса еще во время посещения выставки исламского искусства в Мюнхене в 1910 году.

Дети танцуют фарандолу в храмовый праздник около церкви в Сен-Женье-де-Комола на юге Франции

В начале прошлого века танец был довольно частой темой в живописи. Существует много предположений о том, что именно вдохновило Матисса на создание этих знаменитых панно. Тогда очень популярен был народный танец – фарандола. Матисс прекрасно знал его мотив и наблюдал за танцующими во двориках кафе. Также могли оказать влияние на художника Дягилевские сезоны в Париже, начало которых приходится на 1909 год. Некоторые искусствоведы считают, что на Матисса мог оказать влияние немецкий философ-романтик Фридрих Ницше, создавший «философию танца» в своей знаменитой книге «Так говорил Заратустра». Но самое главное, что в «Танце» Матиссу удалось создать непосредственное ощущение движения, вихря. Один танцор тянется к другому, придавая своим жестом динамику композиции. Глядя на эту картину, невольно возникает чувство, что внутри тебя рождается ритм и начинается танец.

Фарандола – хороводный народный танец, популярный в Провансе. Напоминает такие танцы, как гавот, джига и тарантелла. В эпоху Французской революции на основе фарандолы возник революционный танец карманьола, который танцевали под музыку одноименной песни. Музыку фарандолы использовали в своих произведениях многие известные композиторы, Шарль Гуно (во втором действии оперы «Мирей») и Петр Чайковский (в четвертой сцене второго действия балета «Спящая красавица»).

Панно «Музыка», выполненное в той же технике и стиле, что и «Танец», совсем другого характера. Здесь линии также просты и тягучи, но, в отличие от «Танца», изображенные фигуры не охвачены единым порывом, а замерли, словно вслушиваясь во что-то звучащее внутри. Они наслаждаются своей собственной мелодией и гармонией.

В январе 1938 года Анри Матисс купил два смежных номера в гостинице Экселсьор-Режина Палас в Симьезе около Ниццы. Но вскоре началась Вторая мировая война. Франция была оккупирована гитлеровской Германией. В годы оккупации дочь Матисса – Маргерит – была арестована гестапо, подвергнута пыткам и чуть было не погибла. В 1949 году Анри Матисс снова вернулся в гостиницу Экселсьор-Режина и провел там последние пять лет своей жизни. Похоронили художника в Симьезе, вместе с женой Амели. Сейчас в Симьезе – Музей Матисса со скромной экспозицией.

Глава 15
Микалоюс Константинас Чюрлёнис

Чюрлёнис (Čiurlionis) Микалоюс Константинас – литовский композитор и художник; представитель символизма; родился 22.09.1875, Варена (Литва), ум. 10.04.1911, поселок Пустеэльник (ныне Марки), около Варшавы. Происходил из семьи органиста. В 1889–1893 годах учился в музыкальной школе князя Михала Огиньского в Плунгянах (ныне Плунге, Литва) и играл в оркестре князя. Со стипендией Михала Огиньского в 1894–1899 годах учился в Варшавском музыкальном институте, а в 1901–1902 гг. обучался в Лейпцигской консерватории. В 1901 году Чюрлёнис создал симфоническую поэму «Miške» (В лесу) – первое симфоническое произведение в литовской музыке. В 1902 году он начал учиться живописи в рисовальной школе Я. Каузика в Варшаве; в 1905–1906 гг. учился в Варшавской художественной академии. Около 1905 года начал учить литовский язык (в детстве и юности родным языком Чюрлёниса был польский) и пропагандировать идеи возрождения литовской культуры, в 1907 году переехал в Вильно (ныне Вильнюс), где принял активное участие в работе Литовского художественного общества, образовав при нем музыкальное отделение. Также Чюрлёнис организовал II Выставку литовской живописи и I Конкурс литовских композиторов. В 1908 году Чюрлёнис приехал в Петербург для участия в выставке «Салон», где познакомился с художниками, образовавшими позднее объединение «Мир искусства». В начале 1910 года состояние его здоровья ухудшилось, и весной того же года он был помещен в санаторий для душевнобольных «Червоный Двор» в поселке Пустеэльник, где спустя год скончался. Чюрлёнис похоронен на кладбище Расу (Росса) в Вильнюсе.

Литовский пейзаж: сосны, песок и дюны. Неудивительно, что эта живописная земля взрастила великого художника, имя которому Микалоюс Константинас Чюрлёнис. Петербургские друзья называли его на русский манер Николай Константинович, как Рериха. Рерих, кстати, лично знал Чюрлёниса и относился к нему с большим уважением. Строки из письма Чюрлёниса к жене, писательнице Софии Киманайте, являются эпиграфом, ключом к пониманию творчества художника: «Я хотел бы создать симфонию из шума волн, из таинственной речи столетнего леса, из мерцания звезд, из наших песен и бескрайней моей тоски…»

Чюрлёнис был высокого роста, у него были очень красивые, пышные волосы, усы и необыкновенные голубые глаза. Глаза, в которых были запечатлены вечное страдание и тоска. Он был одинок, но не потому, что у него не было друзей. Чюрлёнис вырос в большой семье, у него было четыре брата и четыре сестры. У него была талантливая жена. Он был одинок в своем понимании жизни, в желании докопаться до истины. Он был одинок в том, что называется творчеством. Это подобно кокону, который сидит в человеке. И только сам человек выращивает этот кокон, только он наполняет его.

Важно отметить, что Чюрлёнис был из музыкальной семьи. Казалось бы, его профессия была предрешена. Как случилось, что он стал художником? Чюрлёнис в буквальном смысле рос в музыкальной атмосфере, его отец был органистом, и вся семья была очень музыкальной. Вообще у Чюрлёниса было счастливое детство. Он родился на юге Литвы, потом семья переехала в замечательный курортный город Друскининкай. Там у них был большой уютный дом, семья была очень дружная и трудолюбивая. Отец играл на органе в местном католическом храме, и то, что Чюрленис пойдет по его стопам, ни у кого не вызывало сомнений. Сначала Чюрлёнис учился музыке у отца, затем продолжил более серьезное обучение в Варшаве и Лейпциге.

Ангельская Прелюдия. Фрагмент.

1903 год. Национальный музей Чюрлёниса, Каунас

Потоп (I)

1904 год. Национальный музей Чюрлёниса, Каунас

Друг семьи и родственник знаменитого композитора, князь Михал Огиньский (1849–1902), помогал молодому Чюрлёнису и давал деньги на обучение музыке. В Лейпциге Чюрлёнис окончил консерваторию, стал профессиональным музыкантом и зарабатывал тем, что дирижировал хором и давал частные уроки.

В это время начиналось становление литовского самосознания. Долгое время Польша и Литва были единым государством – Речью Посполитой, а потом, уже в составе Польши, Литва попала под власть России.

Католический храм Девы Марии в Друскининкае

Дворец князей Огиньских в Плунгянах

Речь Посполита – объединенное польско-литовское государство, возникшее после Люблинской унии 1569 года. Первый шаг в объединении Польши и Литвы был сделан еще в 1385 году, когда был подписан договор в Кревно (ныне Белоруссия), скрепленный браком великого князя Литовского Ягелло с польской королевой Ядвигой, что положило начало правлению в Польше династии Ягеллонов. Название «Речь Посполита» происходит от польских слов «rzecz» – «вещь» и «pospolita» – «общая», что является дословным переводом с латинского Res Publica – термин, вошедший в русский язык как транскрипция – «республика». Высшая власть в государстве принадлежала избираемому королю, но она была ограничена сеймом (дворянским парламентом).

Чюрлёнис, всегда осознававший себя литовцем, обратился к литовской истории, к народным литовским мелодиям и сказкам. Он сделал очень многое для становления и развития литовской музыки.

Но вдруг, в тридцать лет, Чюрлёнис понимает, что путь, по которому он идет, не его. Его начинает безумно тянуть к живописи и рисованию. Это удивительно, но человек, с детства занимавшийся музыкой, великолепный музыкант, автор дивных, новаторских сочинений и родоначальник литовской музыки, вдруг в какой-то момент решает изменить свой путь. И все, кто видел его картины, должны будут согласиться с Александром Бенуа, который в своих критических статьях относил Чюрлёниса к числу талантливых художников России.

«Соната моря». Анданте

1908 год. Национальный музей Чюрлёниса, Каунас

Жертвоприношение

1909 год. Национальный музей Чюрлёниса, Каунас

При этом музыкальное творчество Чюрлёниса каким-то образом перекликается с его живописью. О Чюрлёнисе говорят, что у него музыкальная живопись и живописная музыка. Неслучайно очень многие ищут ключ к пониманию его художественных работ в том, что он музыкант. Но его картины никогда не были иллюстрацией его музыкальных произведений. Это совершенно параллельный для него мир. И в этом мире он был настолько самобытен, что, приехав в Петербург, очень быстро сблизился с художественной элитой столицы, с людьми, которые хорошо понимали его. В Петербурге Чюрлёнис был радушно принят у художника Добужинского, тоже имевшего литовские корни. Добужинские принимали его с таким почтением и радостью, что застенчивый от природы Чюрлёнис вскоре стал душой общества, охотно музицировал, а вокруг него собирались люди.

Чюрлёнис создает циклы картин с названиями: «Соната моря», «Соната лета», «Соната весны». Он влюблен в море, и оно у него совершенно необычное. Это не линия горизонта и расстилающаяся вода вдали, а море, которое наступает на зрителя своей громадой, небывалое по цвету и линиям. Чюрлёнис обожает вертикальную линию. Ведь каждое растение тянется к небу, и только человек устроен таким образом, что со своим горизонтальным видением он должен сделать усилие, чтобы охватить взглядом небо…

Признание пришло к Чюрлёнису при жизни, хотя многие не понимали его живописи. Прожил он всего тридцать шесть лет. Обратной стороной его гениальности стало то одиночество, которым было проникнуто его творчество. В Петербурге у Чюрлёниса начинается тяжелейшая депрессия, он уезжает в Варшаву, где в небольшой больнице ему удается на время излечиться от душевной болезни. Но в 1911 году он внезапно простужается и умирает. Мне кажется, что точнее всего о творчестве Чюрлёниса и его судьбе сказал Сергей Маковский: «Есть художники, судьба которых обрывается как грустная, полувнятная песня. Они приходят к нам одинокие, загадочные, с руками, полными сокровищ, желая рассказать много: о чудесах далеких, о странах мечты нездешней, но внезапно уходят, не открыв своей тайны».

Национальный музей Чюрлёниса в Каунасе

Национальный музей Чюрлёниса в Каунасе был основан указом правительства Литвы в 1921 году. Первая постоянная галерея картин Чюрлёниса открылась в 1925 году в здании Художественной школы в Каунасе. Там она находилась до 1936 года. Открытие галереи было приурочено к 50-летию со дня рождения художника. В 1930–1936 годах по проекту архитекторов Владимира Дубенецкого (1888–1932) и Карлиса Рейсонса (1894–1981) в Каунасе было построено здание, в котором и поныне находится основная экспозиция картин Чюрлёниса.

Глава 16
Пабло Пикассо

Руис-и-Пикассо (Ruiz y Picasso) Пабло – испанский художник, скульптор, сценограф, дизайнер, декоратор, поэт и драматург, который связал свою жизнь и творчество с Францией; родился 25 октября 1881 года в Малаге (Испания). Один из величайших художников XX века, оказавший влияние на все искусство этого столетия; а также один из основоположников кубизма и других авангардных течений в живописи. Его раннее творчество обычно разделяют на следующие периоды: «Голубой период» (1901–1904), «Розовый период» (1905–1906), «Африканский период» (1907–1909), «Аналитический кубизм» (1909–1912) и «Синтетический кубизм» (1912–1919). Хотя Пабло был крещен в католической церкви, он позже стал атеистом. Отец Пабло также был художником и дал сыну первые уроки рисования. Пабло начал изучать живопись в Школе изящных искусств в Барселоне, где преподавал его отец, а затем продолжил обучение в Мадриде, в Королевской академии Святого Фернандо. Уже в ранних работах Пикассо, таких как «Первое причастие» (1896 год, Музей Пикассо, Барселона), «Портрет тети Пепы» (1896 год, Музей Пикассо, Барселона), проявился его талант художника. В первый раз Пикассо посетил Париж в 1900 году. Там он подружился с поэтом и журналистом Максом Жакобом (1876–1944), который познакомил Пикассо с французской культурой. Пребывание в Париже продолжалось около года, затем в течение пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где иллюстрировал журнал испанских анархистов «Arte Joven» («Молодое искусство»). В 1904 году Пикассо снова вернулся в Париж. В 1944 году Пикассо вступил во Французскую коммунистическую партию, а в 1962 году получил Ленинскую премию мира. Он умер 8 апреля 1973 года во французском курортном городе Мужен, на юге Франции, где прожил последние 12 лет.

Французский художник испанского происхождения, Пабло Пикассо может соперничать по своей популярности с Альбертом Эйнштейном и Чарли Чаплином. Его фамилию можно произносить и на испанский манер – Пикáссо, и на французский – Пикассó. Ведь большую часть своей жизни Пикассо прожил во Франции и считал себя французским художником.

П. Пикаcсо

Фото 1962 года.

Пикассо родился в испанском городе Малага и унаследовал у этой знойной земли черные, как уголь, глаза, страстность натуры и порывистость жестов. Он прожил очень долгую и насыщенную жизнь, почти 92 года. Он был небольшого роста, темпераментный и довольно резкий в поступках. Все, кто оставил воспоминания о Пикассо, пишут о его невероятной энергетике и чём-то демоническом в его облике. Эта энергетика исходит и от всех его произведений.

Когда Пикассо приехал в Париж, ему было чуть больше 20 лет, он с трудом объяснялся по-французски и не мог еще вести долгих бесед, но твердо знал, что вскоре завоюет этот город. Пикассо покорил не только Париж, он стал одним из самых известных художников в истории мирового искусства.

В начале XX века Париж был той питательной средой, которая взрастила множество талантов. Парижские торговцы картинами обладали прекрасным чутьем на таланты и помогали выжить молодым художникам. Большую роль в становлении непризнанных гениев играли и коллекционеры, такие как Гертруда и Лео Стайны, которые поддерживали начинающих художников и дружили с ними.

Гертруда Стайн

Фото 1930-х годов.

Гертруда Стайн – известная американская писательница и коллекционер картин художников-модернистов; родилась 3 февраля 1874 года в городе Питтсбурге (США). Она была младшей из пяти детей в зажиточной еврейской семье. Когда Гертруда была еще ребенком, Стайны переехали в Окленд. После смерти матери в 1888 году и отца в 1891 году бизнес унаследовал старший сын в семье – Майкл Стайн. Гертруда и ее старшая сестра Берта жили с бабушкой в Балтиморе. В 1902 году брат Гертруды – Лео Стайн отправился в Париж, и спустя год за ним последовала Гертруда. С тех пор Гертруда обосновалась в Париже. Дом, в котором она жила, стал местом встречи артистической и писательской элиты. Завсегдатаями «салона» Гертруды Стайн были Пабло Пикассо, Эрнест Хемингуэй и другие знаменитости. В 1904 году Майкл Стайн выделил Лео и Гертруде 8000 франков на покупку произведений искусства. На эти деньги была приобретена картина Винсента ван Гога «Подсолнухи», «Три таитянки» Гогена, а также картина Сезанна «Большие купальщицы». За этими покупками последовали и другие приобретения, сделавшие коллекцию Гертруды Стайн одним из крупнейших собраний современного искусства. Гертруда Стайн умерла в пригороде Парижа Нёйи-сюр-Сен 27 июля 1946 года.

Русские коллекционеры тоже разглядели новое искусство. Сергею Ивановичу Щукину мы обязаны тем, что он терпеливо, с большим вкусом и умением создал великолепную коллекцию, которая сейчас находится в Музее изобразительных искусств им. A.C. Пушкина. В 1907 году Сергей Иванович Щукин взволнованно пишет из Москвы в Париж: «Что случилось с Пикассо? Говорят, он сошел с ума». Что же заставило его так нервничать? Дело в том, что в 1907 году в своей маленькой и нищей мастерской, о которой впоследствии было написано так много воспоминаний, Пикассо создал картину, которая вызвала у публики настоящий шок. Он писал ее почти год, практически не покидая мастерской, и дал ей название «Авиньонские девицы».

Картина еще не была представлена широкой публике и обитала в мастерской художника в Бато-Лавуаре, где постоянно царил художественный беспорядок. У Пикассо было довольно много странностей, и одна из них заключалась в том, что, где бы он ни находился, он в одну секунду создавал вокруг себя хаос. Он ненавидел порядок и домашний уют. Вне зависимости от того, жил ли он в бедной мастерской или в собственном замке, у него все равно царил вечный беспорядок. И вот среди холстов и всевозможных атрибутов искусства друзья Пикассо впервые увидели написанную им картину «Авиньонские девицы». Анри Матисс, который сам был новатором и любил эксперименты, увидев эту картину, сообщил, что Пикассо сошел с ума. Живопись кончилась, началось что-то совсем иное. Искусства больше нет. Друг Пикассо, художник Жорж Брак, выразил свое отношение к этой живописи такими словами: «Такое ощущение, что кто-то пьет бензин и плюется огнем». Это произведение было шокирующим не только по исполнению, но и по сюжету. На картине изображен фрагмент Авиньонской улицы в Барселоне, на которой находился дом терпимости. Авиньонские девицы – это проститутки, обитавшие на этой улице.

Тема порока нередка в живописи, но, как правило, сопровождается нравоучительными коннотациями. Порок всегда бичевали. А здесь мы видим нечто совершенно другое. На огромном полотне, площадью почти в шесть квадратных метров, изображены пять женских фигур. Кажется, что какая-то рука открывает перед нами занавес, и мы видим их, как на витрине. Женщины написаны неприятным ржаво-розовым цветом. Эта палитра использована в картине не случайно. Всю жизнь существовала полемика между Пикассо и Матиссом. Если Матисс, основоположник фовизма, впустил в свои картины гармонию, создаваемую сочетанием различных цветов, то Пикассо отреагировал на это, сделав свои картины подчеркнуто монохромными. Появился «голубой» и «розовый» периоды в его творчестве. Это не было продуманным действием, это был подсознательный протест. И в конце «розового периода» у Пикассо появляется этот болезненный ржаво-розовый цвет.

В глазах зрителя эта картина распадается на две части. Левая ее часть довольно традиционна. Три крупные женские фигуры, резкие и угловатые, абсолютно лишены красоты и энергетики. Они написаны всё еще в духе Сезанна, их еще можно уложить в изобразительный ряд. Но в правой части картины появляются две женские фигуры с уродливыми лицами, совершенно изломанные. Линия и штрих резко вынесены на поверхность, их фигуры угловаты и отвратительны. Это антикрасота. Испокон веков искусство стремилось к тому, чтобы выразить красоту. Но, глядя на эту картину, мы видим, что красота разрушена. Ее больше нет.

Музей Пикассо в Барселоне

Авиньонские девицы в своей наготе и брутальности настолько агрессивны, что зритель невольно вздрагивает. На смену красоте приходит нечто страшное. Всеми фибрами души мы чувствуем, что рождается что-то новое. Перед нами многочисленные плоскости, фигуры расчленены. Картина вызывает ощущение всматривания в разбитое зеркало. И в этом отражении мы видим себя. Эта картина явилась предтечей кубизма, нового течения, пришедшего на смену искусству, воспевающему красоту формы и линии.

Но самое главное, что в тот момент Пикассо начал говорить новым живописным языком, доселе нам неведомым. Была разрушена старая эстетика, гармония, и художественный мир был по-новому закодирован. Это прекрасно почувствовали коллекционеры и специалисты. Это не значило, что исчез интерес к форме и реальности. Реальность существовала сама по себе, а то, что рождалось на холсте, существовало отдельно. Новый XX век принес разрушение и целый клубок проблем и противоречий. Изменилось очень многое, и такой гениальный человек, как Пикассо, не мог этого не видеть и не чувствовать. Окружающий мир и мир внутренний поменялись местами. Появилось ощущение эфемерности реального мира и истинности внутреннего.

О каких-то детях говорят, что они родились с ложкой во рту или в рубашке. А Пабло Пикассо родился с карандашом в руке. Рисовать он начал с восьми лет. Его отец был великолепным испанским художником, поэтому чувство прекрасного было развито у ребенка на генетическом уровне. Пикассо учился живописи и в Испании, и во Франции. Он впитывал в себя лучшее, что было создано человечеством до него. Но преломить все это через призму своего видения и абсолютно по-новому трактовать язык формы так, как Пикассо, не мог никто.

В начале XX века у Пикассо появляется интерес к африканскому искусству. Он посещал музей Трокадеро, где видел африканские маски и вдохновлялся этими образами и линиями. Когда Пикассо надоедали вопросами об африканских мотивах в его творчестве, он отвечал, что не знаком с африканским искусством и не имеет к нему никакого отношения. Но это, конечно, было не более чем лукавством.

Фото И.Г. Эренбурга, близкого друга Пикассо

В 1906 году в Осеннем салоне в Париже выставлялись русские художники. Пикассо был замечен в зале, где экспонировались картины Врубеля. Пикассо простаивал там часами, любуясь кристаллической, мозаичной живописью Врубеля, и его она очень трогала. Пикассо долго размышлял над этим приемом, «вызревал», пока через год не «выстрелил» «Авиньонскими девицами».

Понадобилось 23 года, чтобы эта картина попала в Музей современного искусства в Нью-Йорке и сравнилась по своей популярности с «Моной Лизой» и «Сикстинской Мадонной». Это одна из самых известных картин в мире. Она может нравиться или не нравиться, вызывать совершенно противоречивые чувства. Но нет сомнения, что это произведение глубоко волнует каждого вот уже больше века с момента своего появления на свет.