Текст книги "Энциклопедия «Искусство». Часть 3. Л-П (с иллюстрациями)"

Автор книги: Горкин П.

Соавторы: гл. редактор
сообщить о нарушении

Текущая страница: 4 (всего у книги 14 страниц) [доступный отрывок для чтения: 6 страниц]

В работах, созданных за границей, ощутимо стремление удивить европейскую публику русской экзотикой («Русские крестьянки», 1925; «Пляска», 1930).

МAМОНТОВ Савва Иванович (1841, Ялуторовск в Тюменской области – 1918, Москва), русский предприниматель и меценат, театральный деятель. Сын потомственного купца, финансировавшего также строительство железных дорог. Учился в Институте корпуса гражданских инженеров в Санкт-Петербурге (1854-56) и на юридическом факультете Московского университета. (1860-62). Учился практической коммерции в Милане, где также брал уроки пения у преподавателя консерватории Фарриони и познакомился со многими деятелями русского искусства. После смерти отца (1869) продолжил его дела. Разбогател на железнодорожном строительстве, был главным акционером Общества Московско-Ярославско-Архангельской железной дороги, Товарищества Невского механического завода и Общества Восточно-Сибирских чугуноплавильных заводов. В 1899 г. Мамонтов был арестован по обвинению в растратах при строительстве железной дороги и посажен в следственную тюрьму. На суде был оправдан, сохранил доброе имя, но потерпел финансовый крах и был вынужден отойти от активного предпринимательства.

М. А. Врубель. «Портрет С. И. Мамонтова». 1897 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

И. Е. Репин. «Абрамцево». 1880 г. Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В. Д. Поленова

Московский дом Мамонтова на Садовой-Спасской (флигель выстроен по проекту М. А. Врубеля) и его усадьба Абрамцево стали центрами художественной жизни. Здесь собирались виднейшие русские художники и музыканты (см. ст. Абрамцевский художественный кружок). Мамонтов коллекционировал произведения живописи, а также иконы, монеты, оружие, предметыдекоративно-прикладного искусства. На домашней сцене при участии художников ставились музыкальные спектакли. В 1878 г. в московском доме Мамонтова состоялся первый театральный вечер, в котором участвовал 17-летний К. С. Алексеев, в будущем известный (под псевдонимом Станиславский) режиссёр. В 1885 г. Мамонтов основал на свои средства Частную русскую оперу (существовала до осени 1904 г.), на сцене которой ярко раскрылся талант Н. И. Забелы-Врубель и Ф. И. Шаляпина. С 1899 г. совместно с М. К. Тенишевой финансировал журнал «Мир искусства».

В 1902 г. дом на Садовой-Спасской и коллекции Мамонтова были проданы для уплаты долгов. Несколько картин были приобретены для Третьяковской галереи. Последние годы жизни Мамонтов провёл в своей усадьбе за Бутырской заставой, где находился гончарный завод «Абрамцево» (основан в 1889 г., переведён в Москву в 1896 г.). Изделия завода продавались в Москве и Санкт-Петербурге, были удостоены золотой медали.

МAМОНТОВСКИЙ КРУЖOК, см.Абрамцевский художественный кружок.

МАНE (manet) Эдуард (1832, Париж – 1883, там же), французский живописец, творчество которого предвосхитило импрессионизм. Сын чиновника. Учился в Школе изящных искусств у салонного живописца Т. Кутюра (1850-56), копировал в Лувре картины старых мастеров. Много путешествовал, был в Италии, Голландии, Бельгии, Испании, Англии, где изучал живописьТициана, Ф. Халса, П. П.Рубенса, Д. Веласкеса и Ф. Гойи. Из современных мастеров особенно восхищался Э. Делакруа. Был дружен с поэтом Ш. Бодлером и писателем Э. Золя.

Э. Мане. «Бар в Фоли-Бержер». 1881-82 гг. Институт Курто. Лондон

Мане был одним из самых образованных живописцев 19 в. Великие мастера прошлого вызывали у него такое восхищение, что он часто «цитировал» в своих полотнах отдельные фрагменты и целые композиционные схемы известных картин. Так, «Рыбная ловля» (1860) скомбинирована из мотивов работ Рубенса и АннибалеКарраччи; «Мёртвый тореадор» (1864) лежит в позе «Мёртвого воина» Веласкеса. Мане творчески перерабатывает наследие старых мастеров, осовременивая классические композиции, изображая конкретных людей со всей характерностью их облика. Композиция «Завтрака на траве» (1863) в точности повторяет гравюру М. Раймонди с рисункаРафаэля. Излюбленный ренессансный идиллический сюжет «Сельского концерта» (картины Джорджоне и др.) Мане использует для изображения современного пикника. Двое его участников – молодая обнажённая женщина и одетый по парижской моде мужчина смело и спокойно смотрят на зрителя. Выставленная на знаменитом «Салоне отверженных», где были представлены работы импрессионистов, картина вызвала громкий скандал. Остросовременна «Олимпия» (1863), продолжающая традицию ренессансных «Венер» («Венера Урбинская» Тициана), а также своей позой напоминающая «Маху обнажённую» Гойи. С картины смотрит свободная и подчёркнуто земная парижанка.

Э. Мане. «Олимпия». 1863 г. Музей д’Орсэ. Париж

Э. Мане. «Балкон». 1868 г. Музей д’Орсэ. Париж

В 1870-е гг. Мане сблизился с импрессионистами, особенно с К. Моне и Б. Моризо, много работал на пленэре, однако не разделял до конца творческие принципы импрессионистической живописи. Он никогда не отказывался от чёрного цвета, напротив, многие его лучшие работы написаны в благородной и изысканной чёрно-серебристой гамме. Таковы его «испанские» картины – «Дама с веером» (1872), «Балкон» (1868) и др. В «Балконе», написанном по мотивам «Мах на балконе» Гойи, изображены друзья художника; на первом плане – художница Б. Моризо. Одиночество человека, отчуждённость людей друг от друга, становится главной темой в этой картине и более позднем шедевре художника – «Бар в Фоли-Бержер» (1881-82). Девушка за стойкой бара выслушивает заказ подошедшего мужчины, но её мысли далеко, в волшебном мире мечты. Зеркало за спиной молодой барменши отражает зыбкую, словно мираж, ночную жизнь парижского ресторана. В последний год жизни Мане был тяжело болен. Прикованный к постели, он писал цветы, которые приносили ему из сада. В его последних натюрмортах ощущается страстная любовь к жизни, переполнявшая художника, и пронзительное переживание красоты мира.

Творчество Мане оказало значительное влияние на импрессионистов. Художник был, по словам О. Ренуара, «знаменосцем новой школы». Учениками Мане являлись Б. Моризо, Е. Гозалес и М. Кассат.

МАНТEНЬЯ (mantegna) Андреа (1431, Изола-ди-Картуро, близ Венеции – 1506, Мантуя), итальянский живописец и гравёр эпохи РаннегоВозрождения. Учился у своего приёмного отца Ф. Скварчоне в Падуе (1441-48). Испытал влияние Донателло, А. дель Кастаньо и венецианских мастеров. Тщательно изучал античное искусство.

А. Мантенья. «Голгофа». Ок. 1457-59 гг. Лувр. Париж

В первый падуанский период творчества (1449-56) исполнил фрески в капелле Оветари церкви Эремитани (почти полностью разрушены во время Второй мировой войны), в которых определился его суровый и жёсткий стиль, впечатляющий силой рисунка и резкостью ракурсов. Створки алтаря церкви Сан-Дзено Маджоре в Вероне (1457-59) были обрамлены роскошной резьбой по рисункам самого художника. Алтарь был распилен и увезён во Францию Наполеоном (1797); ныне его части находятся в разных музеях. Одна из лучших композиций алтаря – «Голгофа» пронизана суровым драматизмом. Скалы напоминают причудливые кристаллы, фигуры подчёркнуто скульптурны, лица рыдающих женщин – Богоматери и Марии Магдалины – уподоблены античным трагическим маскам.

А. Мантенья. «Принесение во храм». Ок. 1460 г. Государственные музеи. Берлин

В 1453 г. Мантенья сблизился с семейством венецианских живописцев Беллини, женившись на девушке из этого рода. В 1459 г. художник переехал в Мантую, где до конца жизни оставался придворным мастером герцога Лодовико Гонзага и где были созданы его главные произведения. В «Св. Себастьяне» (ок. 1460-70 гг.) фигура святого, привязанного к мраморной колонне, уподоблена каменному изваянию. В то же время Мантенья, один из немногих ренессансных художников, не боится показать физические страдания мученика, чьё тело пронзено множеством стрел, а одна из них пробила насквозь голову святого.

Темой знаменитых росписей в «Камере дельи Спози» замка Сан-Джорджо в Мантуе (1474) стало прославление семьи Гонзага. Боковые стены расписаны сценами из придворной жизни, обрамлёнными тяжёлыми живописными портьерами. Потолки украшены медальонами, символами дома Гонзага, гирляндами из цветов и фруктов. В центре находится изображение круглого окна, зрительно «прорывающего» потолок и открывающего голубое небо с облаками. Через балюстраду «окна» в комнату заглядывают дамы и крылатые пухлые путти, двое из которых перелезли через ограду и стоят прямо над головой зрителей. Найденный Мантеньей иллюзионистический мотив предвосхищает барочные плафоны. Полотно «Мёртвый Христос» (после 1474 г.) до сих пор поражает необычным смелым ракурсом и трагической неприкрашенностью. Героическим римским духом овеяны монохромные картоны из цикла «Триумф Цезаря» (1485-88, 1490-92). В 1497 г. были написаны две аллегорико-мифологические композиции для Изабеллы д’Эсте («Парнас» и «Минерва, изгоняющая Пороки из сада Добродетелей»).

Гравюры Мантеньи столь же монументальны и героичны, как живописные работы (гравюры на меди из серии «Битва морских божеств», ок. 1470 г.). В мастерской Мантеньи создавались также картоны для гобеленов, свадебные сундуки («кассоне»), ювелирные изделия.

Творчество художника оказало значительное воздействие на ренессансное искусство Северной Италии. Благодаря широкому распространению гравюр Мантеньи, достижения итальянского искусства эпохи Возрождения стали известны в Германии, где повлияли на А. Дюрера.

МАНЬЕРИ?ЗМ (итал. manierismo, от maniera – манера, приём), направление в западноевропейском, главным образом итальянском, искусстве сер. и кон. 16 в., отразившее кризис гуманистических идеалов эпохи Возрождения. Произведения маньеристов пронизаны ощущением трагических диссонансов бытия, власти над человеком иррациональных сил. Подражая внешним приёмам Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэля и др. мастеров Высокого Возрождения, маньеристы утверждали служение «субъективной идее» художника в противоположность ренессансному принципу следования природе. На смену ясной гармонии пришли неустойчивость композиции, усложнённые, манерно изощрённые формы, деформированные фигуры, чрезмерные, внутренне напряжённые, нервные движения, никак не мотивированные сюжетом. Красота детали становилась важнее красоты и гармонии целого. В искусстве маньеризма, ориентированном прежде всего на утончённые вкусы аристократии, возродились некоторые черты рыцарской культуры Средневековья. Ведущими представителями маньеризма в живописи были Я. Понтормо, Ф. Пармиджанино, А. Бронзино, Р. Фьорентино, Дж. Вазари, Б. Бандинелли, Ф. Цуккаро, Дж. Романо; в скульптуре Б. Челлини, Джамболонья.

Ф. Пармиджанино. «Мистическое обручение св. Екатерины». 1525-27 гг. Национальная галерея. Лондон

Я. Понтормо. «Снятие с креста». Ок. 1528 г. Капелла Каппони церкви Санта-Фелисита. Флоренция

Ф. Пармиджанино. «Автопортрет в выпуклом зеркале». Ок. 1524 г. Художественно-исторический музей. Вена

В др. европейских странах к маньеристам относятся Н. дель Аббате и представители Первой школы Фонтенбло – Ж. Кузен Старший, Ж. Кузен Младший и А. Карон (Франция), В. Кардучо (Испания), X. Голциус, К. ван Мандер, Ф. Флорис, Корнелис ван Харлем (Нидерланды), Арчимбольдо (Чехия). Отдельные черты маньеризма присущи произведениям Эль Греко. В архитектуре (Б. Амманати, Дж. Вазари, П. Лигорио, Дж. Романо) маньеризм проявился в произвольном смешении элементов различных ордеров, разрушении логичных связей между ними. Ренессансная ясность форм вытесняется стремлением к усложнённости декора, к подчёркиванию отдельных деталей.

Утверждение в итальянском искусстве рубежа 16-17 вв., с одной стороны, академистов болонской школы (братья Карраччи), а с другой – Караваджо и его последователей ознаменовало конец маньеризма и зарождение стилябарокко.

МАРИ?НА (итал. marina, от лат. marinus – морской), морской пейзаж. Художников, работающих в этом жанре, называют маринистами. Как самостоятельный жанр марина сформировалась в 17 в. в Голландии (Я. Порселлис, С. де Влигер, Х. Сегерс, Я. ван де Каппелле, Л. Бакхёйсен, В. ван де Велде и др.). Голландские мастера изображали море и спокойным, и неистовым. Часто оно служило фоном для парусников, спокойно скользящих по водной глади или, напротив, участвующих в морских сражениях. В маринах читался и скрытый подтекст: морская стихия могла олицетворять бурное «море житейское» или стихию любви и страсти. Именно такую роль играли в голландской живописи «картины в картинах» – морские пейзажи, изображённые в жанровых полотнах, где, например, молодая женщина читает любовное письмо, а по пейзажу, висящему за её спиной на стене комнаты, можно домыслить сюжет: спокойно или бурно складываются её любовные отношения. Небольшие по размеру картины голландцев отличались тонкостью цветовой гаммы.

А. П. Боголюбов. «Этрета. Отлив». 1887 г. Государственный художественный музей им. А. Н. Радищева. Саратов

И. К. Айвазовский. «Корабль в бурном море. Восход солнца». 1871 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

Д. М. У. Тёрнер. «Метель. Пароход выходит из гавани и подаёт сигналы бедствия, попав на мелководье». Ок. 1842 г. Галерея Тейт. Лондон

Художники эпохиромантизма открыли в изображении моря способность глубоко волновать зрителя. Картина Д. М. У. Тёрнера «Метель. Пароход выходит из гавани и подаёт сигналы бедствия, попав на мелководье» (ок. 1842 г.) написана художником, который находился в бурную ночь на корабле, чуть не потерпевшем крушение, и испытал во всей остроте ту «бездну чувств», о которой мечтали романтики: ужас, «гибельный восторг», надежду на спасение. Пейзаж написан размашистыми мазками чёрного, коричневого и зеленоватого цвета; живописный хаос передаёт ярость бури и безжалостную силу вскипающих волн. Взгляд зрителя словно оказывается в центре водоворота, корабль кажется игрушкой волн и ветра.

В русской живописи марины появились в 19 в. Море стало образом свободы. «Свободной стихией», неподвластной никому и ничему, называл море А. С. Пушкин. Выдающимися маринистами были И. К. Айвазовский и А. П. Боголюбов.

МАРТИ?НИ (martini) Симоне (ок. 1284, Сиена – 1344, Авиньон, Франция), итальянский живописец эпохи Проторенессанса (Предвозрождения). Последователь и, возможно, ученик Дуччо да Буонинсенья, испытал влияние французского позднеготического искусства. Кроме Тосканы, находился в Неаполе (1317), Орвьето (1320), Ассизи (1320-е гг.) и Авиньоне (с 1340 г.). Его первой работой стала большая фреска « Маэста» (1315), повторяющая композиционную схему одноимённой работы Дуччо. Занимающая целую стену Палаццо Публико в Сиене, она переливается светлыми радостными красками на ярко-синем фоне. В композиции «Св. Людовик Тулузский, коронующий Роберта Неаполитанского» (ок. 1317 г.) фигуры почти растворены в сиянии золотого фона.

С. Мартини. «Кондотьер Гвидориччо да Фольяно». Фреска. 1328 г. Палаццо Публико. Сиена

С. Мартини. «Благовещение». 1333 г. Галерея Уффици. Флоренция

Мартини увлекался рыцарской поэзией, французской литературой; он внёс в своё творчество оттенок светского изящества (цикл фресок в нижней церкви Св. Франциска в Ассизи на тему деяний св. Мартина Турского, до 1329 г.). Фреска с изображением кондотьера (наёмного военачальника) Гвидориччо да Фольяно на стене Палаццо Публико в Сиене напоминает геральдическую композицию на рыцарском гербе. Кондотьер восседает на коне между двумя завоёванными им замками. В 1333 г. Мартини создал своё самое знаменитое произведение – «Благовещение» (фигуры святых по бокам исполнил Липпо Мемми). Мадонна, облачённая в сияющий синий плащ, окутана золотым Божественным светом. Грациозный изгиб фигуры Марии передаёт её робкое изумление явлением небесного вестника, словно созданного из той же светящейся субстанции, что и золотой фон. С изяществом миниатюриста художник выписывает детали: золотую вазу с белыми лилиями (символ непорочности Марии), оливковую ветвь в руке архангела, его венок, плащ и узорные крылья. Композиция написана на деревянной доске, на которой рельефно вырезаны роскошные арочные обрамления и тонкие витые колонки, а также слова благой вести, принесённой архангелом Гавриилом. Выпуклые, покрытые золотом буквы, идущие из уст архангела к Марии, выглядят ощутимо материальными на фоне прозрачных тающих красок.

МAРТОС Иван Петрович (1754, Ичня Черниговской области – 1835, Санкт-Петербург), русский скульптор, представитель стиля классицизм. Родился в семье мелкопоместного украинского дворянина. Учился в Петербургской академии художеств (1764-73) у Л. Роллана и Н. Ф. Жилле. В 1773-78 гг. совершенствовал своё мастерство в Риме, где пользовался советами живописцев Ж. М. Вьена и П. Батони, учился обработке мрамора у К. Альбачини. Получил звание академика АХ (1782) за надгробные памятники С. С. Волконской и М. П. Собакиной. С 1779 г. преподавал в АХ.

И. П. Мартос. Надгробие А. П. Кожуховой. Мрамор. 1830 г. Некрополь Донского монастыря. Москва. Фрагмент

Мартос – блестящий мастер городских монументов и надгробных памятников. По складу дарования он не был портретистом, однако создал ряд портретных мраморныхбюстов (Н. И. Панина, А. И. Куракиной; оба – 1780; А. В. Паниной, 1783). В скульптурных надгробиях переходил от рельефных композиций к круглой скульптуре (надгробия Н. И. Панина, 1788; Е. С. Куракиной, 1792; А. Ф. Турчанинова, 1792; Е. И. Гагариной, 1803). Они пронизаны интонациями тихой скорби и мужественного примирения с неизбежностью смерти. Памятник родителям императрицы Марии Фёдоровны (1797-98) и надгробие Павла I (1803-05) стали органической частью мемориальных ансамблей в парке Павловска. Для Большого каскада Петергофа выполнил статую «Актеон» (1800). В 1804-07 гг. участвовал в скульптурном оформлении Казанского собора («Источение Моисеем воды в пустыне» и ряд др. барельефов, статуя Иоанна Крестителя).

И. П. Мартос. Памятник Кузьме Минину и Дмитрию Пожарскому. Бронза, латунь, гранит. 1804-1818 гг. Москва

В 1805 г. Мартос стал членом «Вольного общества любителей словесности, наук и художеств», в среде которого возникла идея создания памятника К. Минину и Д. Пожарскому, героям борьбы против польско-литовских завоевателей. Памятник (1804-18) стал одним из наиболее совершенных творений русского классицизма и всей русской скульптуры 19 в. Скульптор связал стоящую и сидящую фигуры в пластически цельную группу. Вручая меч князю, Минин указывает на Кремль, призывая встать на защиту Отечества, Пожарский принимает оружие, отвечая на призыв. Монумент первоначально находился перед Торговыми рядами, напротив Кремлёвской стены. По проектам Мартоса были воздвигнуты также памятники герцогу Э. Ришелье в Одессе (1826), Александру I в Таганроге (1831), М. В. Ломоносову в Архангельске (1836).

На протяжении полувека Мартос возглавлял русскую скульптурную школу. Среди его многочисленных учеников были такие крупные мастера, как С. Я. Гальберг и П. К. Клодт.

МAСЛЯНАЯ ЖИ?ВОПИСЬ, одна из техник станковой живописи. Основана на связывании красочных пигментов различными быстро сохнущими растительными маслами (льняное, маковое, ореховое и др.) и лаками. Масляные краски можно наносить на холст густыми или прозрачными слоями, по-разному накладывать мазок, добиваясь эмалевой гладкости или, напротив, рельефности. Масляные краски долгое время не меняют тона и блеска, ими легко передать всё разнообразие фактур окружающего мира. Изобретение масляной живописи связывают с именем нидерландского живописца 15 в. Яна ван Эйка. В Италию рецепт масляной живописи привёз Антонелло да Мессина. В мастерских венецианских мастеров Джорджоне и Тициана происходит окончательное освобождение масляной живописи от традиций работы темперой. Метод масляной живописи старых мастеров основан на последовательности трёх слоёв и трёх этапов работы. Сначала на загрунтованный холст или дерево наносили тонким прозрачным слоем детализированный рисунок кистью, чаще всего однотонный. Поверх него накладывали подмалёвок, который выполнялся кроющими, корпусными (непрозрачными) красками. В подмалёвке лепится форма, белилами выделяются светлые части. Последний слой выполнялся прозрачными лессировками. Он делал нижележащие краски более тёмными и тёплыми, усиливал красочное богатство и светоносность цветов. Методы новейшей живописи (начиная с импрессионизма) иные: в ней нет чётко выраженных этапов работы; рисунок, форма и цвет часто лепятся в один приём (alla prima). Масляная живопись – самая «индивидуальная» из живописных техник, позволяющая ярко раскрыться неповторимой творческой манере каждого мастера.

Инструменты живописца

МAСТАБА (араб. – каменная скамья), древнеегипетская гробница 3-го тыс. до н. э. Снаружи мастаба представляла собой низкое, прямоугольное в плане здание с наклонными стенами. Гробница имела подземную и наземную части. Подземная состояла из небольшой погребальной камеры и идущего от неё наклонного коридора или вертикального колодца, вход в который замуровывался в день погребения. В наземной части располагались одно или несколько помещений для совершения гробничного культа. Иногда мастабы строили с открытыми двориками и портиками, внутри, как правило, были горизонтальные перекрытия, но встречались и своды. Когда в качестве царских гробниц стали сооружать пирамиды, мастабы знати располагались группами у их подножия. Быть погребённым возле пирамиды считалось высочайшей честью.

Большая мастаба в Саккара. Ок. 3000 г. до н. э. Изометрическая реконструкция

МAСТЕР ИЗ ФЛЕМAЛЯ, см. Кампен Р.

МАСТИХИ?Н (итал. mestichino), шпатель, тонкая упругая стальная (реже роговая) пластинка в виде лопаточки или ножа. Применяется в масляной живописи для удаления красок с отдельных участков полотна. Некоторые живописцы (М. А. Врубель и др.) пользуются мастихином вместо кисти для нанесения краски ровным тонким слоем или крупным рельефным мазком.

Мастихины

МАТВEЕВ Александр Терентьевич (1878, Саратов – 1960, Москва), русский скульптор. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1899-1902) у С. М. Волнухина и П. П. Трубецкого. В 1901-05 гг. работал мастером-лепщиком в керамической мастерской в Абрамцево. В 1906 г. получил стипендию им. Е. Д. Поленовой и совершил поездку в Париж для совершенствования мастерства. Член художественного объединения «Мир искусства» (с 1912 г.).

В ранних работах ощутимы черты импрессионизма («Портрет В. Э. Борисова-Мусатова», 1910). В 1907 г. принял участие в выставке символистов «Голубая роза». В эти годы Матвеева увлекала передача состояний на грани сна и бодрствования, которые олицетворяли борьбу духа с косностью материи (надгробие В. Э. Борисова-Мусатова, 1910, установленное на могиле художника в Тарусе). В 1907-11 гг. участвовал в украшении имения Я. Е. Жуковского в Кучук-Кое (ныне посёлок Жуковка), в Крыму, совместно с П. В. Кузнецовым и П. С. Уткиным. Созданные Матвеевым рельефы и статуи представляют выдающийся образец парковой скульптуры нач. 20 в. Другая тенденция творчества скульптора связана с интересом к примитиву, с упрощением и заострением форм («Портрет каменотёса И. Семёнова», «Садовник», оба – 1912).

После Октябрьской революции (1917) участвовал в осуществлении плана монументальной пропаганды, создал памятник К. Марксу, установленный в 1918 г. перед зданием Смольного института в Санкт-Петербурге (не сохранился). Среди наиболее значительных работ советского периода – монументальная группа «Октябрь» (1927), «Автопортрет» (1939), «А. С. Пушкин» (1938-40). В течение 30 лет (1918-48) занимался преподаванием, выработав собственную систему. Среди лучших ленинградских учеников скульптора, составивших матвеевскую школу, – Б. Е. Каплянский, М. А. Вайнман, М. М. Харламова.

МАТВEЕВ Андрей Матвеевич (1701 или 1702-1739, Санкт-Петербург), русский живописец; портретист, декоратор, иконописец, автор аллегорических композиций. О ранних годах жизни Матвеева известно мало. В 1716 г. по приказу Петра I отправился для обучения искусству живописи в Голландию. В 1717-23 гг. учился в Амстердаме у А. Боонена, затем переехал в Антверпен, где поступил в Академию изящных искусств. Во время учёбы за границей ежегодно посылал в Санкт-Петербург свои работы, среди которых известна «Аллегория живописи» (1725).

А. М. Матвеев. «Автопортрет с женой». 1729 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург. Фрагмент

Матвеев вернулся в Россию в 1727 г., уже после смерти Петра I. Тогда же был принят в штат «Канцелярии от строений». Стал первым русским мастером, возглавившим живописную команду Канцелярии (1731-39); руководил всеми монументально-декоративными работами в Санкт-Петербурге и его окрестностях. Расписал стены Петропавловского собора в Санкт-Петербурге, создал образа для церкви Св. Симеона и Анны на Моховой улице в Москве. Матвеев был незаурядным, широкообразованным человеком. Он был близко знаком с писателем, церковным и общественным деятелем Феофаном Прокоповичем – одной из самых ярких фигур Петровской эпохи.

Мастерски владея приёмами западноевропейской живописи, Матвеев выражает в своих портретах национальные духовные идеалы. Созданные им портретные образы отличаются тонким психологизмом, лиричностью, теплотой и задушевностью (парные портреты И. А. и А. П. Голицыных, 1728). «Автопортрет с женой» (1729) – исключительное явление для русского искусства 18 в. Это один из первых интимных портретов и первое в отечественной живописи автопортретное изображение. Грациозным движениям, трепетным прикосновениям рук молодых, упоённых счастьем супругов созвучны нежные, словно окутывающие фигуры лёгким облаком, краски и тающие контуры, предвосхищающие живописные приёмы Ф. С. Рокотова.

МАТИ?СС (matisse) Анри (1869, Ле-Като, Пикардия – 1954, Симьез, близ Ниццы), французский живописец, график и скульптор. Сын торговца зерном. Учился в Париже в Академии Жулиана (с 1891 г.) у А. В. Бугро, в Школе декоративных искусств (с 1893 г.) и в Школе изящных искусств (1895-99) у Г. Моро; копировал произведения старых французских и голландских мастеров. Испытал влияние П. Синьяка, П. Гогена, искусства Арабского Востока, а позднее – древнерусской иконописи, художественную ценность которой он оценил одним из первых на Западе.

А. Матисс. «Танец». 1910 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Матисс хотел создать свежее и радостное новое искусство. За картины, выставленные на Осеннем cалоне 1905 г. в Париже, отличавшиеся невиданной прежде интенсивностью цвета, Матисс и его друзья получили прозвище «дикие» (фовисты; см. ст. Фовизм). В 1910-х гг. окончательно сформировался стиль художника, остававшийся почти неизменным до конца его жизни. Картины Матисса подобны ярким декоративным коврам. Художник кладёт краски крупными пятнами, обводя их чёткими контурами, отказываясь от светотеневой моделировки объёмов и от передачи глубины пространства. Цвет для него – основное выразительное средство, он словно излучает жизненную энергию, несёт заряд радости и оптимизма.

А. Матисс. «Красная комната». 1908 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

А. Матисс. «Портрет Шарля Бодлера». Офорт. 1930-32 гг.

Одним из первых оценил живопись Матисса русский меценат С. И. Щукин. Для московского дома Щукина художник создал настенные панно «Танец» и «Музыка» (1910). Картины написаны всего тремя основными красками: зелёной – трава, синей – небо и горячей красной – люди. В «Танце» ярко-алые фигуры несущихся в неистовом хороводе людей подобны языкам пламени, устремившимся к небу. Матисс любил писать натюрморты («Красные рыбки», 1912; «Раковина на чёрном мраморе», 1940), свою мастерскую («Розовая мастерская», 1911), а также обнажённую натуру. Превосходный рисовальщик, он несколькими точными и гибкими линиями схватывал позу и мимику модели, форму предмета («Портрет Шарля Бодлера», 1930-32; серия «Художник и модель», 1936; «Женщина с распущенными волосами», 1944, и др.). Матисс делал также эскизы для витражей, ковров, керамических изделий, работал над книжными иллюстрациями и литографиями. В 1947-51 гг. он создал проект внутреннего убранства Капеллы чёток в Вансе.

МАШКOВ Илья Иванович (1881, станица Михайловская Волгоградской области – 1944, Москва), русский живописец, педагог. Родился в крестьянской семье. В юности служил в лавке у купца в Борисоглебске, писал вывески. В 1900-10 гг. (с перерывом в 1905-07) учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. А. Серова. Один из организаторов и самых ярких мастеров художественного объединения «Бубновый валет». В 1924 г. вступил в Ассоциацию художников революционной России. Преподавал живопись в своей студии (1902-17), а позднее (1918-30) во Вхутемасе – Вхутеине.

Любимым жанром Машкова был натюрморт. Художник часто стилизовал свои работы в духе магазинных вывесок («Хлебы», 1912) или расписных подносов («Синие сливы», 1910; «Натюрморт с ананасом», ок. 1910 г.; «Ягоды на фоне красного подноса», 1910-11). Эти работы отличает повышенная энергия цвета, динамика композиции и мажорная приподнятость. Художник строит форму цветом, накладывая сочные рельефные мазки, словно воссоздающие материальную плоть предметов реального мира. Неистовая красочная стихия царит и в портретах, воспроизводящих грубо намалёванные живописные задники с отверстиями для головы – непременный атрибут ярмарочных и провинциальных фотографов («Дама с фазанами», 1911). Варварская энергия живописи соединяется в портретных работах с тонкой иронией и самоиронией. В «Автопортрете с П. П. Кончаловским» (1910) художник представил себя и своего товарища в виде сказочно могучих балаганных циркачей, исполняющих чувствительный романс.

В советский период творчества картины Машкова становятся более «классичными», для них характерны спокойная уравновешенная композиция, тёплая золотистая красочная гамма, бережно и любовно переданная фактура различных предметов и снеди («Натюрморт с веером», 1922; «Московская снедь. Хлебы» и «Московская снедь. Мясо»; обе – 1924).

МАЭСТA (итал. maesta? – величание), иконографический тип изображения Мадонны с Младенцем во славе, окружённых святыми и (или) ангелами. Наиболее часто встречается в итальянском искусстве 13-14 вв. (произведения Дуччо, Чимабуэ и др.).

Чимабуэ. «Маэста». 1270-е гг. Галерея Уффици. Флоренция

МЕAНДР, см. в ст.Орнамент.

МЕГАЛИ?ТЫ (от греч. me? gas – большой и lithos – камень), сооружения из огромных каменных глыб, возводившиеся в 3-2-м тыс. до н. э. в Европе, Азии и Америке. Среди мегалитов выделяют дольмены, менгиры и кромлехи. Простейший вид мегалитов – менгиры, ряд отдельных, вертикально вкопанных в землю камней (иногда до 20 м высотой), образующих длинные аллеи или кольцо. В большинстве случаев менгиры располагаются близ дольмена. Дольмен представляет собой несколько каменных глыб или плит, врытых вертикально в землю и перекрытых массивной горизонтальной каменной плитой. В некоторых дольменах плита, закрывающая вход, имеет большое круглое или овальное отверстие. Стены и потолки внутри дольменов иногда украшались рельефным или живописным орнаментом. Дольмены первоначально были, вероятно, святилищами, а позднее служили местом погребения. Кромлехи – это группы менгиров, расположенных замкнутыми кругами, причём круговые постройки могли достигать диаметра 100 м. Иногда круги состоят из двух-трёх концентрических рядов вертикально поставленных камней, вероятно, имевших культовое назначение. Самый известный кромлех – Стонхендж в Великобритании.