355 500 произведений, 25 200 авторов.

Электронная библиотека книг » Горкин П. » Энциклопедия «Искусство». Часть 3. Л-П (с иллюстрациями) » Текст книги (страница 1)
Энциклопедия «Искусство». Часть 3. Л-П (с иллюстрациями)
  • Текст добавлен: 7 октября 2016, 12:27

Текст книги "Энциклопедия «Искусство». Часть 3. Л-П (с иллюстрациями)"


Автор книги: Горкин П.


Соавторы: гл. редактор

Жанр:

   

Энциклопедии


сообщить о нарушении

Текущая страница: 1 (всего у книги 14 страниц) [доступный отрывок для чтения: 6 страниц]

Горкин А. П., гл. редактор
Энциклопедия «Искусство». Часть 3. Л-П (с иллюстрациями)
(Современная иллюстрированная энциклопедия. Искусство – 3)

Искусство
Современная иллюстрированная энциклопедия
Л

ЛАБИРИ?НТ (греч. labyr inthos), архитектурное сооружение со сложным и запутанным планом. Термин использовался античными историками Геродотом (5 в. до н. э.) и Страбоном (1 в. н. э.). Этимология самого слова «лабиринт» (вероятно, догреческого происхождения) не установлена. Возможно, оно означает «дом лабриса» – двулезвийного топора. Согласно греческой мифологии, Лабиринт – здание с запутанной системой коридоров, из которого невозможно было найти выход, построил афинский зодчий и скульптор Дедал для критского царя Миноса. В тёмных подземельях Лабиринта скрывался чудовищный быкоголовый Минотавр («бык Миноса»). Английский археолог А. Эванс отождествил с Лабиринтом дворцовый комплекс (17-16 вв. до н. э.), обнаруженный им в Кноссе на о. Крит.

Кносский дворец. 17-16 вв. до н. э. План. Остров Крит

Лабиринтом древнегреческие авторы называли заупокойный храм, возведённый египетским фараоном Аменемхетом III (19 в. до н. э.) на о. Мерис в Фаюмском оазисе близ Крокодилополя. Колоссальное здание площадью 72 тыс. м2, где было не менее 3 тыс. различных залов и помещений, видели и описали Геродот и Страбон. Верхние 1500 комнат были доступны для обозрения, а в подземные помещения, где были гробницы царей и священных животных, имели доступ только посвящённые. Страбон писал, что из египетского Лабиринта невозможно выбраться без помощи проводника. В этом здании якобы собирались все жрецы и жрицы Египта для решения важных государственных дел. Лабиринтом могли называть и другой поминальный храм Аменемхета III, построенный в Хаваре. Античные авторы сообщают также о лабиринте, построенном на о. Самос по приказу тирана Поликрата (6 в. до н. э.), и италийском лабиринте в г. Клузий (ныне Кьюзи), являвшемся, вероятно, гробницей этрусского царя Порсены (6 в. до н. э.).

Кносский дворец. Помещения в западной части центрального двора. 17-16 вв. до н. э. Реконструкция

Лабиринтами также называют древние (1-е тыс. до н. э.), вероятно предназначенные для проведения магических обрядов сооружения. Они представляют собой сложенные из небольших необработанных камней овалы или круги диаметром до 10 м с извилистыми, запутанными внутренними дорожками. Подобные лабиринты, расположенные на островах, полуостровах и близ морских бухт, обнаружены в Скандинавии, на севере России (Кольский полуостров, Карелия, Соловецкие острова) и в Эстонии.

ЛAБРИС, двулезвийный культовый топор, один из главных символических и сюжетных мотивов изобразительного и декоративно-прикладного минойского искусства. Одно из помещений Кносского дворца на о. Крит, где было обнаружено множество золотых, украшенных искусной резьбой лабрисов, назвали Комнатой Двойного топора. Изображения лабрисов, которые, вероятно, были символом стоявшей во главе пантеона древних критян Великой Богини и орудием жертвоприношений, часто встречаются в росписях помещений Кносского и др. дворцов. В минойской вазописи лабрисы часто соседствуют с букраниями (стилизованными бычьими головами) и цветами, олицетворяя единство жизни и смерти.

Лабрисы из Кносского дворца. Золото. 17-16 вв. до н. э. Остров Крит. Археологический музей. Ираклион

ЛАДЬЯ? ВEЧНОСТИ («Ладья миллионов лет»), мифическая ладья солнечного бога Ра, в которой он вместе с другими богами днём перевозит по небу (небесному Нилу) солнечный диск, а ночью совершает путешествие по подземному Нилу, вступая в сражение со змеем Апопом; один из распространённых образов и мотивов изобразительного и декоративно-прикладного искусства Древнего Египта. Согласно верованиям древних египтян, после смерти царь, как говорилось в «Текстах пирамид», присоединялся к сообществу богов и тоже совершал путешествие по небесному Нилу. Поэтому в гробницы фараонов, а позднее, с эпохи Среднего царства, и в захоронения вельмож помещали искусно украшенные деревянные модели лодок с гребцами, которые должны были магически «ожить» в ином мире и помочь человеку оказаться в ладье богов. Изображения солнечной ладьи часто встречаются в стенных росписях гробниц и на папирусах.

«Ани молится солнечной ладье с восседающим в ней богом утреннего солнца Хепри». Иллюстрация к «Книге мёртвых Ани». Папирус. Ок. 1250 г. до н. э. Британский музей. Лондон


Модель погребальной ладьи из гробницы Тутанхамона. Дерево. 14 в. до н. э. Египетский музей. Каир

В 1955 г. у южной стороны пирамиды Хеопса в вырубленном в скале тайнике учёные обнаружили фрагменты царской ладьи из ливанского кедра, возможно символически отождествлявшейся с ладьёй солнечного бога (ныне находится в специальном музее близ пирамиды). Ладья длиной 43,3 м имела высоко поднятые нос и корму и две каюты – в середине и на носу; управлялась десятью парами вёсел, повороты осуществлялись двумя рулевыми вёслами, укреплёнными на корме. Не установлено, использовалась ли эта ладья при жизни царя или на ней перевозили его тело к месту погребения. Известны также священные барки, которые применялись египтянами во время религиозных церемоний. В это время несколько жрецов высокого ранга переносили статую бога в специальной ладье – бог «являлся» народу.

ЛАНСЕРE Евгений Евгеньевич (1875, Павловск – 1946, Москва), русский живописец, график, театральный декоратор; народный художник России (1945). Сын скульптора Е. А. Лансере, племянник А. Н. Бенуа, брат художницы З. Е. Серебряковой. Учился в Рисовальной школе Общества поощрения художеств в Санкт-Петербурге (1892-95), в академиях Ф. Коларосси и Р. Жюлиана в Париже (1895-98). Член художественного объединения «Мир искусства». В 1917-20 гг. жил в Дагестане, в 1920-34 гг. – в Тбилиси, где работал в этнографическом музее, в Кавказском археологическом институте, преподавал в Тбилисской академии художеств. В 1934 г. переселился в Москву.

Б. М. Кустодиев. «Портрет Е. Е. Лансере». Этюд для неосуществлённого группового портрета художников объединения «Мир искусства». 1913 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

Известен прежде всего как художник-иллюстратор. В иллюстрациях к книгам А. Н. Бенуа «Великокняжеская, царская и императорская охота на Руси» (1902, издание Н. И. Кутепова), «Царское Село в царствование императрицы Елизаветы Петровны» (1910) сочетается жизненная убедительность и изысканная стилизация в духе модерна. В станковой графике («Корабли времён Петра Великого», 1911; «Пеньковый Буян в Санкт-Петербурге», 1913) художник передаёт одновременно величие и поэтическую прелесть старинной архитектуры Петербурга. В отличие от произведений др. мирискусников, в работах Лансере нет оттенка ностальгической печали; его картины наполнены полнокровной жизнью, излучают энергию радости. Ощущение достоверности изображаемого сочетается с тонким декоративным чутьём («Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе», 1905). В 1910-е гг. художник открыл для себя кавказскую тему, которая продолжала привлекать его до конца жизни. Создавая иллюстрации к повестям Л. Н. Толстого «Хаджи-Мурат» (1912-41) и «Казаки» 1917-37), Лансере опирался на огромный запас натурных этюдов и зарисовок, сделанных в Чечне и Дагестане, а также на разнообразные исторические источники – старинные портреты и рисунки, музейные образцы оружия и костюмов. В Москве художник создал значительные монументально-декоративные работы: росписи плафонов Казанского вокзала (1933-34, 1945-46) и гостиницы «Москва» (1937), выполненные в стиле характерной для тех лет мажорной, ликующей «неоклассики». В созданной в последние годы серии работ, выполненных гуашью («Трофеи русского оружия», 1942), вернулся к важной для него теме исторической преемственности.

«ЛАОКОOН», мраморная римская копия со знаменитой скульптурной группы, созданной мастерами с о. Родос Агесандром, Афинодором и Полидором в 1 в. до н. э. Была найдена во время раскопок в Риме в 1506 г. и помещена в Ватикан, где и находится до сих пор в музее Пио-Клементино. Изображает Лаокоона, мифического жреца бога Аполлона из города Трои, убеждавшего жителей города уничтожить огромного деревянного коня, которого отступившие ахейцы оставили у ворот. В это время из моря выползли две огромные змеи, посланные богами, и задушили жреца и его сыновей. Могучий Лаокоон изнемогает в неравной схватке. Стон летит к небу из его приоткрытых в смертной муке губ. Один из сыновей уже повержен – он бессильно откинулся назад. Второй – пытается сбросить змеиные кольца. Прославленный в веках образ трагической, но исполненной величия борьбы человека с неодолимым роком, созданный скульпторами эпохи эллинизма, оказал значительное влияние на творчество многих мастеров эпохи Возрождения, в особенности на Микеланджело.

Агесандр, Афинодор и Полидор. «Лаокоон». Мрамор. 1 в. до н. э. Римская копия. Музей Пио-Клементино. Ватикан

ЛАРИOНОВ Михаил Фёдорович (1881, Бендеровская крепость, близ Тирасполя, Молдавия – 1964, Фонтене-о-Роз, Франция), русский живописец, теоретик, педагог, представительавангардизма. В 1898-1910 гг. учился вМосковском училище живописи, ваяния и зодчества, откуда его трижды отчисляли за вольномыслие. В училище он познакомился со своей будущей женой – художницей Н. С. Гончаровой. Во время обучения создал серии картин («Сирень», «Белые розы», «Цветущие акации», 1902-06) в духе постимпрессионизма. В 1906 г. посетил Париж. С 1907 г. писал в манере примитивизма острогротескные сцены из провинциального и солдатского быта («Отдыхающий солдат», 1911; «Весна», 1912). Его полотна были представлены на выставке «Бубновый валет» (1910; вероятно, именно Ларионов был автором этого названия). Вскоре, выйдя из состава участников «Бубнового валета», организовал скандальную выставку «Ослиный хвост» (1912), а затем «Мишень» (1913) и др. На выставке «Мишень», где демонстрировались также произведения художников-самоучек и детские рисунки, Ларионов представил работы из серий «Венеры» и «Времена года» (1912), которые были расценены критиками как вызов. В них использованы язык детского рисунка и архаическая символика, дополненная незатейливым текстом. Анархическое бунтарство, отрицание традиций классического искусства, провозглашение свободы формальных экспериментов «Ослиный хвост» сочетал с обращением к примитивизму, к традициям русской иконы и лубка. В 1910-х гг. Ларионов проявил себя также как блестящий организатор: он возглавил группу молодых московских художников, в 1913 г. подготовил выставку лубка, которая включала восточные и европейские народные картинки, вывески, доски для изготовления печатных пряников; в том же году провёл выставку иконописных подлинников и лубков.

В 1912 г. Ларионов создавал иллюстрации к рукодельным «книжкам футуристов» («Помада» А. Е. Кручёных) и основал новое живописное направление лучизм (формы и пространство строятся пересечениями коротких и по-разному окрашенных прямых лучей). В 1915 г. после контузии на фронте вместе с Гончаровой покинул Россию для работы в антрепризе С. П. Дягилева, где выступал не только как театральный декоратор (оформление балетов «Полуночное солнце» на музыку Н. А. Римского-Корсакова, 1915; «Русские сказки» А. К. Лядова, 1917; «Байка про лису» И. Ф. Стравинского, 1922 и 1928 гг.), но и как хореограф (балет «Шут» на музыку С. С. Прокофьева, 1921). После нескольких лет странствий с дягилевской труппой обосновался в Париже (1918), не порывая связей с русской культурой. Художник продолжал заниматься станковой живописью и графикой, создал иллюстрации к поэмам «Двенадцать» А. А. Блока (1920) и «Солнце» В. В. Маяковского (1923). Он участвовал в выставках, серьёзно увлёкся коллекционированием, в последние годы жизни много времени уделял литературному труду – писал воспоминания, статьи о русском искусстве и пр. В 1988 г. в Россию были переданы несколько сот произведений Ларионова и Гончаровой, завещанных вдовой художника А. К. Томилиной.

ЛЕВИТAН Исаак Ильич (1860, Кибартай, Литва – 1900, Москва), русский живописец и график; выдающийся пейзажист. Родился в семье железнодорожного служащего. В 1870 г. поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где учился у В. Г. Перова, А. К. Саврасова и В. Д. Поленова. В 1891 г. вступил в Товарищество передвижных художественных выставок. В 1898-1900 гг. руководил пейзажной мастерской МУЖВЗ, где его учениками были М. С. Сарьян, П. В. Кузнецов, М. Ф. Ларионов и др. известные живописцы. Ежегодно путешествовал по средней полосе России, бывал в Германии, Австрии, Финляндии, Франции, Италии, Швейцарии. Входил в Московское общество любителей художеств, принимал участие в выставках художественного объединения «Мир искусства». В 1897 г. стал действительным членом «Мюнхенского Сецессиона». С 1898 г. – академик АХ. Произведения Левитана экспонировались в России, Мюнхене и Париже.

И. И. Левитан. «Март». 1895 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва


И. И. Левитан. «Золотая осень». 1895 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

В своих ранних работах Левитан был увлечён разнообразными возможностями живописи на пленэре. Его интересовала передача с помощью красок напоённого влагой воздуха, мягкого вечернего освещения, игры солнечных бликов на водной поверхности. В картине «После дождя. Плёс» (1889), в колорите которой преобладают тончайшие акварельные оттенки серебристо-серого и голубого, предстаёт тихий провинциальный город, омытый только что прошедшим дождём. Монументальность, глубина философского обобщения отличают картину «Над вечным покоем» (1894). В письме к П. М. Третьякову Левитан писал, что в этом произведении он «весь, со всей своей психикой, со всем… содержанием». На позднем этапе творчества художник вновь обращается к радостным, светлым мотивам. Самый обычный уголок сельской природы преображается яркими, солнечными красками в картине «Март» (1895). Пейзаж искрится непосредственностью, радостью жизни. В пейзаже «Золотая осень» (1895) предстаёт великолепное праздничное зрелище одетой «в багрец и золото» природы. Колористическое богатство картины достигается всего тремя основными цветами: жёлтым, голубым и зелёным, разработанными художником в бесконечном разнообразии оттенков.

И. И. Левитан. «Над вечным покоем». 1894 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва


И. И. Левитан. «Лилии. Ненюфары». 1895 г. Государственная картинная галерея им. Б. М. Кустодиева. Астрахань

Левитан значительно расширил возможности пейзажного жанра, насытив его философским содержанием, размышлениями о жизни и смерти, о месте человека в мире, стремясь к тому, чтобы природа являлась в картине «насквозь очеловеченной», пропущенной «через призму темперамента художника». Он продолжил линию лирического пейзажа, начатую А. К. Саврасовым.

ЛЕВИ?ЦКИЙ Дмитрий Григорьевич (1735, село Маячка под Полтавой – 1822, Санкт-Петербург), русский живописец, портретист, иконописец. Учился у своего отца – священника и гравёра Г. К. Левицкого (Носа). Приехав в начале 1750-х гг. в Киев, Левицкий продолжил своё художественное образование, работая подмастерьем у А. П. Антропова, вместе с которым расписал Андреевскую церковь, возведённую по проекту Б. Ф. Растрелли. Обучение у Антропова продолжилось и после окончания работ, когда Левицкий переехал в Санкт-Петербург и поселился в доме своего наставника. Вероятно, тогда же Левицкий брал уроки живописного мастерства у профессора Петербургской академии художеств Л. Ж. Ф. Лагрене, а также у Дж. Валериани и Г. И. Козлова. В 1762 г. он участвовал в оформлении коронационных торжеств по случаю восшествия на престол Екатерины II в качестве подмастерья Антропова, создал иконы для московских церквей Екатерины Великомученицы на Большой Ордынке и Кира и Иоанна на Солянке. В 1770 г. был удостоен звания академика АХ за «Портрет архитектора А. Ф. Кокоринова» (1769), представляющий строителя здания Академии.

Д. Г. Левицкий. «Автопортрет». 1783 г. Областная картинная галерея. Челябинск

Левицкий единственный среди русских художников 18 в. работал над портретными циклами. В нач. 1770-х гг. создал по заказу президента АХ И. И. Бецкого серию парадных портретов опекунов Московского воспитательного дома. В «Портрете П. А. Демидова» (1773) и др. произведениях серии воплотились просветительские представления о высоком предназначении человека, о многообразии его обязанностей перед обществом, о сложности и богатстве его натуры, о силе его разума. В 1773-76 гг. по заказу Екатерины II он исполнил серию из семи портретов воспитанниц Смольного института благородных девиц. Девушки демонстрируют полученные навыки и знания. Е. Н. Хованская и Е. Н. Хрущёва, Е. И. Нелидова (1773) представлены на театральной сцене, во время исполнения изящной пасторали, Е. И. Молчанова – с астрономическими приборами, Г. И. Алымова – за игрой на арфе. Помимо больших заказных парадных портретов Левицкий создавал камерные произведения. Узы дружбы связывали художника с самыми яркими представителями эпохи: поэтом Г. Р. Державиным, просветителем Н. И. Новиковым, общественным и художественным деятелем Н. А. Львовым и др. Многие из них стали героями его портретов. Н. А. Львова и его супругу, урождённую Дьякову, Левицкий писал не раз. В портретах 1770-х гг. ощущается теплота, живая заинтересованность и внимание художника по отношению к портретируемым («Портрет М. А. Дьяковой», 1778). В произведениях 1780-х гг. во взгляде художника на модель появляется некоторая отстранённость, рациональность. Позиция мастера становится более объективной, трезвой. Тончайшие лессировки придают живописной поверхности холста эмалевую гладкость. В эти годы Левицкий находился в зените своей славы. Императрица нередко отдавала ему предпочтение перед иностранными художниками, а её примеру следовала и вся русская знать. В это время был создан ряд блестящих полупарадных портретов (Я. Е. Сиверса, 1779; графини Урсулы Мнишек, итальянской актрисы Анны Давиа-Бернуцци; оба – 1782) Одним из центральных произведений стал большой аллегорический «Портрет Екатерины II в виде законодательницы в храме богини Правосудия» (1783), в котором воплотились высокие представления эпохи Просвещения о гражданственности и патриотизме, об идеальном правителе – просвещённом монархе, неустанно пекущемся о благе своих подданных. Поэтическое описание произведения Левицкого содержится в оде Г. Р. Державина «Видение мурзы».


Д. Г. Левицкий. «Портрет Е. Н. Хованской и Е. Н. Хрущёвой». 1773 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург


Д. Г. Левицкий. «Портрет Г. И. Алымовой». 1776 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург


Д. Г. Левицкий. «Портрет графини Урсулы Мнишек». 1782 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

В 1771-88 гг. Левицкий возглавлял портретный класс АХ, а также организовал свою частную художественную школу. Среди его учеников были С. С. Щукин, сменивший Левицкого на посту руководителя портретного класса, П. С. Дрождин, Е. В. Камежёнков и др.

Левицкий обладал огромным творческим диапазоном. Он работал во всех видах портретного жанра: парадном, камерном, костюмированном, аллегорическом, парном, двойном, детском и с наибольшей полнотой отразил в своём искусстве идеалы Просвещения.

ЛEВЫЙ ФРОНТ ИСКУ?ССТВ (ЛЕФ) (Москва, 1922-30; с 1929 г. – Революционный фронт искусств, РЕФ). Ядро ЛЕФа составили литературные критики, поэты, искусствоведы – Б. И. Арватов, О. М. Брик, В. В. Каменский, Е. А. Кручёных, В. В. Маяковский, Б. А. Кушнер, Н. Ф. Чужак. В объединение вошли также представители художественного авангарда – А. А. Веснин, К. В. Иогансон, Г. Г. Клуцис, А. М. Лавинский, Л. С. Попова, А. М. Родченко, В. Ф. Степанова, В. Е. Татлин. Основные теоретические идеи высказывались на страницах журнала «ЛЕФ» (1923-25) и «Новый ЛЕФ» (1927-28), который выходил под редакцией В. В. Маяковского, обложки оформлялись А. М. Родченко. В 1920-е гг. возникли отделения ЛЕФа в Одессе, Казани, Иваново-Вознесенске, Баку, Тифлисе. Членами ЛЕФа разрабатывалась теория «искусства – жизнестроения» и концепция «производственного искусства». Утверждалось, что «нового человека» социалистического общества поможет сформировать предметно-пространственная среда. В культуре ведущее место отводилось технике и производству, возник термин «художник-инженер». Искусство должно было перейти от станковых форм к созданию предметной среды – «от картины к ситцу». Теория, утверждавшая неизбежную гибель станкового искусства, его ненужности в новом обществе, не выдержала испытание временем. Однако деятельность ЛЕФа положила начало развитию новых форм и жанров искусства – документального кино, фотоплаката, фотомонтажа, дизайна.

Л. С. Попова. Эскиз рисунка ткани

ЛЕ КОРБЮЗЬE (le corbusier) Шарль Эдуар (настоящая фамилия Жаннере) (1887, Ла-Шо-де-Фон, Швейцария – 1965, Рокбрюн-Кап-Мартен, Франция), французский архитектор, художник, дизайнер, теоретик и публицист; один из создателей современных течений в архитектуре (рационализма, функционализма). Родился в семье владельца эмальерной мастерской. Учился у крупнейших зодчих своего времени – Й. Хофмана в Вене (1907), О. Перре в Париже (1908-10) и П. Беренса в Берлине (1910-11). С 1917 г. обосновался в Париже, в 1922 г. основал архитектурную мастерскую совместно с двоюродным братом Пьером Жаннере (своим постоянным соавтором до 1940 г.). Разработав теорию пуризма (рационалистически-функциональной чистоты форм), излагал свою концепцию современного зодчества в основанном им совместно с поэтом П. Дермэ журнале «Эспри нуво» (1920-25), написал ок. 50 статей и книг («К архитектуре», 1923; «Урбанизм», 1925; «Когда соборы были белыми», 1937, и др.). Идеи, изложенные в книгах «Лучезарный город» (1935) и «Три человеческих измерения» (1945), легли в основу «Афинской хартии», принятой IV Международным конгрессом современной архитектуры (1945).

Развитие новых железобетонных конструкций дало возможность архитектору применять сплошные стеклянные поверхности, а также создавать разнообразные архитектурные формы на основе комбинаций стандартных строительных элементов. Он отвергал декор, применение ордеров, уделяя особое внимание каркасным системам. Плоские покрытия, ленточные окна, открытые опоры в нижних этажах зданий, свободную планировку Ле Корбюзье применил в аскетически-геометричных по формам постройках (комплекс особняков Р. Ла Роша и А. Жаннере в Париже, 1923-34; вилла Савой в Пуасси близ Парижа, 1929-31; павильон «Эспри нуво» на Всемирной выставке декоративного искусства в Париже, 1925; дом Центросоюза в Москве, 1928-35; при участии Н. Д. Колли, ныне Центральное статистическое управление). В годы Второй мировой войны Ле Корбюзье создал «модулёр» – систему пропорциональных отношений в архитектуре, в основу которой положены размеры человеческого тела (был применён при строительстве жилого дома в Марселе, 1947-52).

В области градостроительства Ле Корбюзье выдвигал утопически-радикальные идеи «вертикального города-сада» или «лучезарного города» с башнеобразными вместительными зданиями и большими парковыми пространствами между ними, с чётким разделением транспортных, жилых и промышленно-деловых зон (план «современного города на 3 миллиона жителей», 1922; проекты для Буэнос-Айреса, Алжира, Антверпена и др.) В рекордно короткие сроки был построен посёлок для рабочих в Пессаке под Бордо (город-сад из 51 дома), задуманный в 1925 г. Свои градостроительные замыслы архитектор реализовал в Чандигархе в Индии (1950-57). В поздних постройках Ле Корбюзье усилилось образное начало, функциональное решение сочеталось с мощной драматической экспрессией форм (капелла Нотр-Дам-дю-О в Роншане, 1950-53; здание Верховного суда в Чандигархе, 1950-55; павильон фирмы «Филипс» на Всемирной выставке в Брюсселе, 1958; доминиканский монастырь Ла-Турет близ Лиона, 1959).

Ле Корбюзье предвосхитил в своём творчестве наиболее рациональные формы архитектуры будущего.

ЛЕНТУ?ЛОВ Аристарх Васильевич (1882, село Ворона, близ г. Нижний Ломов в Пензенской области – 1943, Москва), русский живописец, театральный декоратор, педагог. Художественное образование получил в Пензенском художественном училище им. Н. Д. Селивёрстова, в Киевском художественном училище (1897-1907), в студии Д. Н. Кардовского в Санкт-Петербурге (1908-10). Совместно с М. Ф. Ларионовым, И. И. Машковым и П. П. Кончаловским организовал художественное объединение «Бубновый валет» (1910-16), принимал участие во всех его выставках. Член Ассоциации художников революционной России (1926-27), один из организаторов Общества московских художников (1928).

Индивидуальный стиль живописца сложился к кон. 1900-х гг., когда он перешёл от непосредственного воспроизведения натуры к выражению условно-декоративных начал. Картины Лентулова отличает особая звучность цветовых сочетаний, ритмичность, «музыкальность»; радостное, мажорное звучание, соединённое с тонкой иронией и самоиронией. В «Автопортрете» (1915) художник представил себя в виде сказочного исполина на фоне золотого звёздного неба. Архитектурные сооружения Древней Руси предстают в его картинах сказочными, дивными теремами («Москва», «Василий Блаженный», оба – 1913; «Звон», 1915; «У Иверской», 1916). Чтобы усилить впечатление сказочности, художник часто использует дополнительные материалы – бронзу, золото, серебро, наклейки из бумаги и ткани. Лентулов обращался также к жанру портрета («Автопортрет со скрипкой», «Портрет А. С. Хохловой», «Портрет А. Я. Таирова»; все – 1919). Оформил ряд театральных постановок («Виндзорские проказницы» в Камерном театре, 1915; «Демон» в Экспериментальном театре режиссёра А. Я. Таирова, 1918; «Испанские священники» во МХАТе, 1934).

После Октябрьской революции (1917) занимался преподавательской (профессор Вхутемаса – Вхутеина, с 1918 г.) и общественной (член коллегии ИЗО Наркомпроса) деятельностью.

ЛЕОНAРДО ДА ВИ?НЧИ (leonardo da vinci) (1452, Винчи, близ Флоренции – 1519, замок Клу, близ Амбуаза, Франция), выдающийся итальянский живописец, скульптор, архитектор, учёный, инженер эпохи ВысокогоВозрождения. Сын состоятельного нотариуса. Обучался в мастерской А. дель Верроккьо (1467-72), в которой царил дух творческих экспериментов. В 1482-99 гг. жил и работал в Милане. После падения власти миланского правителя Л. Сфорца (1499) вынужден был постоянно менять место пребывания, переезжая из Мантуи и Венеции (1500) во Флоренцию (1500-07), затем снова в Милан (1507-13) и Рим (1513-16). Последние годы (1517-19) провёл во Франции, куда был приглашён королём Франциском I.

Леонардо да Винчи. «Дама с горностаем». 1484 г. Национальный музей. Краков

Уже в ранних произведениях (голова ангела в «Крещении Христа» Верроккьо, после 1470 г.; «Портрет Джиневры ди Бенчи», 1473-74; «Благовещение», ок. 1474 г.; «Мадонна Бенуа», ок. 1478 г.) Леонардо разрабатывает возможности световоздушной перспективы, использование которой будет доведено им до совершенства в работах зрелого периода. Нежная дымка (сфумато) окутывает фигуры, объединяя их с пространством. Плавная объёмность форм «лепится» мягкой светотенью, лица словно освещены изнутри едва уловимыми улыбками. В работе над алтарным образом для флорентийского монастыря Сан-Донато «Поклонение волхвов» (1481-82) Леонардо поставил перед собой новаторские задачи: построить композицию по строгим законам геометрии, разбив фигуры на легко обозримые группы; при этом каждая из фигур своей позой, пластикой, мимикой должна была выражать неповторимые оттенки чувств при созерцании чуда. Художник впервые использовал для монументальной работы не традиционную технику темперы, амасляную живопись. Работа не была закончена из-за конфликта с заказчиками.

Леонардо да Винчи. «Джоконда». Ок. 1503 г. Лувр. Париж

Художник переезжает в Милан на службу к Лодовико Сфорца, прозванному Моро (Мавр). Миланский период жизни Леонардо стал временем его творческого расцвета. Здесь он проявил себя в качестве не только художника, но и военного инженера, гидротехника, организатора придворных празднеств; свыше 10 лет работал над исполинским конным монументом Франческо Сфорца, отца Лодовико. Работа была прервана нашествием французов (1499), разрушивших при взятии Милана восьмиметровую глиняную модель памятника. В «Мадонне в скалах» (1483-94) Леонардо достиг особого совершенства в применении сфумато. Вместо нимбов, олицетворявших божественность персонажей в средневековом искусстве, чудо выражено в картине Леонардо светоносным сиянием, нежно окутывающим фигуры. Перед зрителем предстаёт в равной мере и божественно-человеческое, и природное таинство. В портрете «Дама с горностаем» (1484) представлена фаворитка Л. Сфорца Цецилия Галлерани с эмблемой рода Сфорца – горностаем. В 1495-98 гг. художник работал над росписью стены трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие в Милане. Смело экспериментируя с живописной техникой, Леонардо создал «Тайную вечерю», смешав темперные и масляные краски, из-за чего работа плохо сохранилась. Разнообразие эмоциональных реакций учеников Христа на его слова о грядущем предательстве одного из них выражено в чётких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только изображённое, но и реальное архитектурное пространство. Перспективные линии зрительно продолжают стены трапезной. Лик Христа, помещённый в геометрическом центре композиции, скорбен. В момент душевного потрясения поник Иоанн, Пётр схватился за нож, взволнованно вскинул руки Андрей. Фигуры 12 апостолов разбиты на четыре группы, взгляды всех учеников обращены ко Христу, кроме Иуды, отшатнувшегося от Учителя.

Леонардо да Винчи. «Автопортрет». Сангина. 1514 г. Библиотека. Турин

Во Флоренции Леонардо работает над росписью Палаццо Веккьо. Композиция «Битва при Ангиари» (1503-06; не закончена, известна по копиям с картона) – одно из первых произведений батальной живописи. В смертельной схватке двух всадников воплощена вся яростная жестокость войны. Прославленным в веках шедевром художника стал «Портрет Моны Лизы» (т. н. «Джоконда», ок. 1503 г.), в котором, возможно, изображена жена купца Ф. дель Джокондо. Лицо молодой женщины словно озарено внутренним светом. Она спокойно и задумчиво, даже чуть отчуждённо смотрит на зрителя. Улыбка, затаившаяся в уголках губ, странно не соответствует взгляду. В этой завораживающей улыбке воплощена вся полнота бытия – в ней и тихая радость, и неуловимая ирония, и нотка горечи. За спиной Моны Лизы – убегающий в бесконечность пейзаж: голубые горы, реки, небо. Пустынное, безлюдное пространство воспроизводит скорее не земной ландшафт, а образ Вселенной, в которой царит образ таинственной и прекрасной женщины.


    Ваша оценка произведения:

Популярные книги за неделю