Текст книги "Денверский художественный музей"

Автор книги: Д Юрийчук

сообщить о нарушении

Текущая страница: 3 (всего у книги 4 страниц)

Искусство Азии

Китай. Статуэтка. Начало VIII века

Неизвестный мастер, Индия, Тамил-Наду, династия Чола Шива, Король танца (Шива Натараджа) 1100-е. Бронза. Высота – 93,7

Натараджа – один из традиционный иконографических образов многорукого Шивы, божества верховной триады. Индуистский бог изображен в танце тандава, окружен ореолом из пламени и попирает карлика, символизирующего невежество.

Тандава – экстатический танец, который высвобождает энергию для цикла «создание – охранение – разрушение». В этом цикле выражается двойственность сущности Шивы, он, созидая и разрушая, поддерживает ритм жизни. Пучки пламени вокруг божества символизируют страдания души в ожидании освобождения от сансары – череды рождений, смертей и перерождений. Кобра, обвившаяся вокруг руки Шивы, олицетворяет кундалини – энергию, источник которой располагается в позвоночнике. Ее пробуждение происходит в результате духовной практики.

Несмотря на божественную сущность, ощутима телесность данного персонажа, индийская культура витальна и не стесняется чувственности. Сильные руки и ноги, мягкий живот доказывают это.

Неизвестный мастер, период хэйан Синто. Без даты. Дерево. Высота – 85,1

Данная скульптура, предположительно, создана последователем синтоизма – комплекса японских анимистических верований, распространенных в X веке. Приверженцы этого учения поклонялись силам природы. Ее духов они называли ками. Пещеры, водопады, ручьи, камни, деревья, горы – все населено духами.

Также синтоисты почитали духов умерших предков. Данная скульптура создана, чтобы один из них вселился в нее. Фигурка должна быть телом ками, но она не предназначена для поклонения, не является иконой или религиозным изображением. Скульптура высечена из цельного куска дерева, сохраняющего его свойства, что показывает традиционное для японцев уважение к природе. Изваяние, созданное из когда-то живой материи, обладает органическим теплом, которое очень подходит для такого рода изделий. Вырезая ками из цельной породы, художник также проявляет уважение к духу. Как правило, ками изображали в виде гор, деревьев или камней. Позднее, под влиянием буддизма, они становятся антропоморфными. Синто ками – дух-защитник людей. Полное лицо, крупные и пластичные черты, намеченные несколькими штрихами, отображают идеалы красоты X века.

Неизвестный мастер, Камбоджа, период ангкор Богиня трансцедентной мудрости Праджняпарамита. Конец XII – начало XIII века. Песчаник. Высота – 130

Праджняпарамита – женщина-бодхисатва, носительница абсолютной мудрости, символизирующая учение Большой Колесницы. Оно – высшая из шести ступеней (щедрость, этика, терпение, усердие, медитация и мудрость), ведущих к просветлению. Данная фигурка, одна из немногих сохранившихся скульптур Праджняпарамиты, одновременно – портрет первой жены короля Камбоджи Джаявармана VII, правившего в конце XII века. Именно супруга привела властителя к буддизму, он стал первым буддистом на троне.

Плотная фигура с мощными ногами довольно статична, драпировка решена плоскостно, но в целом изваяние невероятно пластично – в этих чертах проявляется индийское влияние на искусство страны.

Неизвестный мастер, Корея, период чосон Семья тигров 1600. Бумага, краска, тушь. 58,4x37,1

Традиции корейского искусства связаны с шаманизмом и подпитаны влиянием китайской культуры. В период Чосон оформилась и стала ведущим видом искусства станковая живопись. Этому времени свойственны плоскостность, большая доля условности, ракурс как бы с высоты птичьего полета.

Тигра корейцы считают своим национальным животным. Он фигурирует во многих видах их народного творчества. Корни особенного отношения к этому хищнику лежат в глубокой древности: для ряда дальневосточных народов он являлся тотемным. С другой стороны, охота на тигра – традиционное занятие местных жителей вплоть до XX столетия. Восприняв от китайской культуры учение фэн-шуй, корейцы начали использовать образ зверя как дверной оберег.

Для гармонизации пространства надлежало располагать животных по сторонам света: на севере – черную черепаху, на юге – красного феникса, на востоке – зеленого дракона и на западе – белого тигра. У этих существ были разные функции, тигр защищал дом от злых духов.

Искусство Океании

Неизвестный мастер, Папуа – Новая Гвинея. Маска. Без даты

Неизвестный мастер из племени маори, Новая Зеландия Нос каноэ. Около XIX века. Дерево, моллюск

Маори известны, прежде всего, как племена с татуировками на лице, орнаменты носили сакральный смысл. Подобные узоры встречаются и на утвари маори. Новая Зеландия богата древесиной, благодаря чему там активно развивалось искусство резьбы. По преданию, оно было передано предкам племени легендарным героем по имени Руатепупуке. Одна из характернейших черт культуры маори – их искусство воплощает предков, а не богов.

Племя украшало резьбой дома, оружие и лодки. Самый распространенный мотив – спираль, причем почти всегда двойная. Аборигены воспринимали этот орнамент как сплетшихся телами или языками птицеголовых мифологических существ Манаиа.

Перед зрителем украшение носа каноэ – голова Мара кихау, существа, которое часто встречается в искусстве маори. Оно напоминает русалку (человеческое тело и длинный, извивающийся хвост), а длинным языком ловит рыбу. Таким образом, украшая изображением Маракихау лодку, люди надеются, что оно поможет им в промысле.

Неизвестный мастер, Новая Ирландия, Папуа – Новая Гвинея Скульптура для церемонии Малаган. Середина XX века. Дерево, раскраска, волокна, ракушки

Данная скульптура с Новой Ирландии (большого острова Папуа – Новой Гвинеи) предназначалась для церемонии Малаган, выражающей целый комплекс религиозных верований и философских идей, связанных отчасти с погребальным культом, отчасти с утверждением идентичности и территорий каждого из кланов племени. Ритуал проводился нерегулярно, но с размахом: длился несколько дней, а на подготовку к нему уходили месяцы и даже годы. После его совершения скульптуры уничтожались.

Эти фигуры, по представлениям аборигенов, служили оболочкой для души умершего в течение погребального обряда, смерть считалась радостным событием. Большая рыба символизирует женское начало клана, один из двух воинов, тот, что прикреплен спереди, – вход жизненной энергии в рыбу. Вся поверхность скульптуры покрыта прекрасным геометрическим узором, который визуально объединяет три части композиции. Рыба вырезана из цельного куска дерева, и, хотя резьба не слишком изыскана, формы и красочная роспись очаровательны в своей наивности. Орнаменты с их острыми формами, контрастными, насыщенными цветами, резкой сменой направления линий очень динамичны и, кажется, мажорны, что подтверждает позитивное отношение племени к смерти.

Искусство доколумбовой эпохи

Перу. Кубок. Около 1600

Неизвестный мастер, Мексика, Герреро, Сумпанго-дель-Рио, Ольмеки Сидящая фигура. XI–VI века до н. э. Керамика, роспись. 35,6x31,6x23,5

Эта полая глиняная фигурка представляет искусство ольмеков – доколумбовой культуры Мексики, существовавшей с XV по VI век до н. э. Она розовато-серая, покрытая белой обмазкой, такое послойное нанесение глиняной массы делает поверхность похожей на кожу. После скульптурку обжигали. Подобные статуэтки имеют детские пропорции: большая голова и короткие полноватые конечности. Персонаж сидит в расслабленной асимметричной позе, со слегка приподнятой головой. Руки и ноги мягкие, круглящиеся, будто в них нет ни мускулов, ни костей. Ступни и кисти, напротив, маленькие и изящные. Лицо с вытянутым овалом, узкими глазками, прямым носом, четко очерченными бровями и линией волос. Красной и черной краской выделены черты лица.

Назначение фигурок неизвестно. В некоторых предметах визуальной культуры ольмеков они размещались на коленях или руках скульптур правителей. Статуэтки ассоциировались с элементами природы, такими, как земля или вода. Лицо с тяжелыми веками и опущенными уголками губ, похожее на звериную мордочку, указывает на то, что это – шаман, который мог перевоплощаться в ягуара – его альтер эго.

Неизвестный мастер, Перу, южное побережье, Прото-Наска Барабан. Около 100 до н. э.-200 н. э. Керамика, роспись. 42,5x23,5

Наска – доколумбовая культура южного побережья Перу, существовавшая со II века до н. э. по VII столетие. Ее искусство проходило несколько этапов. Этот барабан относится к самому раннему (прото), на что указывают ограниченное число цветов – черный, красный, зеленый, бежевый – и то, что контуры рисунка процарапаны.

Керамические барабаны – редкость среди находок археологов. Кожа животного натягивалась на широкое горлышко, соответственно, при игре сосуд переворачивали. Этот антропоморфный персонаж – участник ритуала, скорее всего, шаман, облаченный в маску и головной убор, расшитый орнаментом. В одной руке он держит боевую дубинку или иглу, предназначенную для целительских функций, в другой – жезл с трофеями. Художнику было важнее сосредоточить внимание на голове, поэтому конечности играют меньшую роль, становятся редуцированными, плоскими, слишком маленькими и тонкими для нее.

В дальнейшем керамика Наска сделается более многоцветной и разнообразной: будет изображать различных птиц, которые почитались за способность замечать добычу издалека, и животных.

Неизвестный мастер, Теотиуакан, Мексика Маска. I–VIII века. Серпентин. 12,2x13,2

Теотиуакан, что означает «город богов» – грандиозный древний город-государство на территории современной Мексики. Один из мифов ацтеков рассказывает, что здесь родились луна и солнце.

Множество каменных масок найдено в Теотиуакане, но неимение археологического контекста оставляет их предназначение неясным. Это идеализированные лица с большими глазами, широкими носами, крупным пластичным рисунком губ. Отсутствие прорезей глазниц и рта указывает на то, что изделия не носились живыми людьми. Они могут являться погребальными масками или изображениями божеств. Глаза и зубы маски были инкрустированы ракушками, вулканическим стеклом, пиритом, из-за чего она выглядела более натуроподобной.

Неизвестный мастер, Мексика, район долины Толука Змеиная голова. VIII–XI века. Вулканический камень. 57,2x34,3

Перед зрителем – скульптурное изображение головы змеи, напоминающее декорацию пирамид города Теотиуакан, где подобные изваяния фланкируют основание главной лестницы храма Пернатого змея. Произведение создано из грубого вулканического камня, что определило характер резьбы: из-за большого сопротивления материала линии и объемы получались жесткими, крупными; углы изделия почти прямые, мелкие детали отсутствуют.

Змеи имели множество символических значений в этой культуре. Ползающие по земле, роющие норы пресмыкающиеся представляли стихию земли и олицетворяли ее плодородие. Входы в храмы и жилища часто украшались их головами с раскрытыми пастями. Быстрота движений и ядовитость ассоциировались с агрессией. Также данного змея можно отождествлять с персонажем ацтекской мифологии – Кетцалькоатлем, божеством, которому приносили в жертву бабочек и колибри. Во многих мезоамериканских культурах небо понималось как большой змей, развернувшийся аркой над землей. Основной смысл, вкладывавшийся в подобные украшения, – охранительный.

Неизвестный мастер, Панама, полуостров Асуэро Нагрудник. XIII век. Золото. Диаметр – 13,3

Сплав золота с медью делает изделие более прочным, однако художник должен был добавлять медь с осторожностью, так как она сильно подвержена коррозии. Сначала нагревали золото, с помощью каменного молота ему придавали нужную толщину, затем из него вырезали диск, после процарапывали рисунок. Рельеф получался благодаря выдавливанию форм с изнанки. Этот нагрудник найден в Центральной Панаме. Он близок по декору нагрудным орнаментам, принадлежавшим наиболее могущественным и важным персонам из захоронений ситио конте, их археологи узнали по обилию утвари и драгоценностей.

Существо, изображенное на изделии, – крокодиловый бог. Длинные когти, раздвоенный хвост, огнедышащие ноздри, широкий рот с острыми сомкнутыми зубами выглядят агрессивно, поэтому многие могущественные члены общества Панамы ассоциировали себя с этим персонажем.

Неизвестный мастер, Колумбия, долина реки Каука Фигура, сидящая на скамейке. До XVI века. Керамика, роспись. 35,6x31,6x23,5

Перед зрителем один из самых замечательных примеров колумбийской керамики – мужская фигурка. Этот сосуд мог служить реликварием и, если это так, хранить прах высокопоставленной персоны. Скамейка, на которой сидит персонаж, считалась атрибутом высшего слоя общества в Древней Колумбии. Головной убор, щит, ожерелье указывают на могущество и богатство владельца. Орнамент на головном уборе – стилизованное обозначение перьев. Некоторые черты героя сознательно увеличены (ладони, ступни), а некоторые уменьшены (глаза-щелочки), что придает изделию выразительность. Набухшие голени отражают практику перевязывания ног под коленом, чтобы выделить сильные икры. На плече фигурки – ящерица, намекающая на связь персоны с шаманскими практиками и то, что ее оберегают духи. Отсутствие какой бы то ни было одежды привлекает внимание к половому органу, важной составляющей образа, добавляющей в него витальный компонент.

Неизвестный мастер, Трухильо, Венесуэла Женская фигура 1000–1500. Керамика, роспись. Высота – 9,7

До испанского завоевания Венесуэла была заселена полукочевыми, практически первобытными племенами. Возможно, поэтому данная статуэтка напоминает палеолитических Венер – так называют древнейшие скульптурные изображения подчеркнуто женственного тела.

Эта фигурка представляет собой сосуд, использовавшийся в ритуалах для возлияний. Судя по отверстиям, жидкость лилась из груди, а это значит, что церемония могла быть связана с культом плодородия. Тучная, с мощными ногами и приземистыми пропорциями фигура создана, чтобы показать все изгибы молодого женского тела. Руки, упертые в бока, и дерзкое выражение лица демонстрируют самоуверенность. И тело, и лицо расписаны разнообразным орнаментом, который подчеркивает важные детали: треугольник грудей и пупка, округлость бедер. Причудливая форма головы, разрез глаз, гипертрофированные ноги делают этот скульптурный сосуд очень выразительным.

Неизвестный мастер культуры инков, Перу Большой кувшин 1400–1532. Керамика, роспись. 76,2x54,6

Этот кувшин создан в одной из мастерских столицы империи инков – Куско. Такие сосуды использовались для хранения жидкостей, чаще всего чичи – напитка из сладкой кукурузы. Конусовидное дно закапывали в землю, служившую полом в жилищах, обеспечивая устойчивость и прохладу. Ручки емкости предназначались для транспортировки: в них продевали ремешки. К маленьким выступам с дырочками у края горлышка привязывалась крышка.

Расписывали подобные сосуды глиняной массой, разбавленной водой, с добавлением пигмента. Высокое горлышко кувшина, пропорционально сопоставимое с объемом шарообразного тулова, украшено несколькими равными по высоте декоративными полосами красных и черных фламинго, шагающих в противоположные стороны. Тело емкости разделено тремя вертикальными полосами, центральная заполнена ромбовидным орнаментом, напоминающим плетенку, а боковые поделены на регистры с изображениями насекомых и цветов. Верхнюю часть тулова украшает голова ягуара – священного животного инков.

Неизвестный мастер, Перу, северное побережье, Чиму Серьги 1450–1532. Золото. 8,4x4,7

В полиэтнической империи инков, в которую в XV веке входили чиму, костюм показывал принадлежность человека к тому или иному сообществу: племенному или социальному. Только привилегированные члены общества могли носить подобные украшения. Испанцы прозвали этих высокопоставленных персон orejones, что означает «большие уши» – такие серьги очень тяжелые и крупные и сильно вытягивали мочку. Представленные изделия украшены изображением воинов в коротких, но широких одеждах и высоких головных уборах. Кроме того, на лицах фигурок – маски, что указывает на их участие в ритуале. Штифты серег декорированы орнаментами из птиц и волн.

Испанское колониальное искусство

Неизвестный мастер. Мадонна с Младенцем и птицей. 1745

Себастьян Лопез де Артеага Архангел Михаил и бык. Около 1650. Холст, масло. 190,5x154,9

Главной целью Испанской короны в Америке было распространение католичества. Строилось много храмов, а европейские художники отправлялись в Новый Свет, чтобы украсить их. Так, Себастьян Лопез де Артеага переехал в Мексику из Севильи около 1640.

Это большое зрелищное полотно изображает архангела Михаила в его святилище на горе Гаргано. Сюжет справа повествует о пастухе, обнаружившем своего пропавшего лучшего быка коленопреклоненным у входа в пещеру – обитель святого. Попытки вернуть животное не увенчались успехом, и тогда мужчина пустил в него стрелу. Она чудесным образом поменяла направление и ранила его самого. В левом нижнем углу картины – местный епископ. Занимателен характер связи между персонажами. Иконная фигура архангела указывает священнослужителю на событие, происходящее в правой части произведения. Сцена с пастухом и быком дана в нескольких фазах: герой выпускает стрелу, она летит, затем возвращается и ранит его, раненый лежит на земле.

Лопез де Артеага, последователь испанского живописца Франциско де Сурбарана, написал эту картину в манере тенеброссо – стиля, главными чертами которого являются драматическое освещение и театральность композиции.

Неизвестный мастер Крестоцвет. Около 1650. Золото, изумруды, жемчуг

Когда в 1519 Эрнан Кортес и его небольшая армия прибыли в Мексику, они обнаружили много золота. Металл впоследствии сыграл с завоевателями злую шутку: обилие привело к его обесцениванию, кроме того, испанцы перестали развивать производство и сельское хозяйство, что, в конечном счете, привело к отставанию в развитии от Франции и Англии. Аборигены Америки имели древнюю традицию металлообработки, включавшую филигрань, отливку, ковку. Прибывшие испанские кузнецы восприняли ее: приемы смешивались и обогащали друг друга, вылившись в итоге в роскошный стиль колониального барокко и рококо.

Представленный крестоцвет являлся частью венца большой скульптуры Девы Марии.

Приписывается Хуану Батисту Васкесу Дева Мария в молитве. Около 1675. Холст, масло. 49,5x34,6

Изображение Мадонны встречается во всех христианских культурах. Появилось оно не сразу – первый образ Девы Марии датируется III веком, немного позже, чем Христа, и с тех пор занимает почетное место в росписях церквей и на иконах. Всплеск интереса к нему наблюдается в XIII столетии – в это время почитание Мадонны превращается в целый культ, Мария наделяется различными атрибутами, ее начинают связывать с апокалиптической женой; тщательно изучаются апокрифы, и вследствие этого церкви, посвященные ей, полностью расписываются сценами из ее жизни. Особое отношение к Богоматери испанцы увозят с собой в Америку, на этой почве возникает целый букет новых иконографических прочтений. Мария Гваделупская – самое известное из них.

Хотя образ молящейся Богоматери присутствует в христианских росписях и иконах с самых ранних веков, в них Мадонна изображается более торжественной. В византийской и русской традициях это Оранта – Богоматерь в полный рост с воздетыми к небу руками. Интимное моление погруженной в себя Девы Марии, представленное на этой картине, возникает в европейском искусстве значительно позже. Оно появляется в работах Франсиско де Сурбарана – именно к нему восходит данное произведение, что подтверждают и колорит, и манера живописи.

Неизвестный мастер Миска. Конец XVII века. Керамика, свинцовая или оловянная глазурь, кобальтовая раскраска. Высота – 1 5,2

Керамика производилась на территории Америки задолго до прихода европейцев. Однако именно они принесли сюда майолику – технику, изобретенную в Средней Азии, перенятую испанцами от мусульман в процессе арабского завоевания страны в VIII–XVI веках. Так, Пуэбла в Мексике и Лима в Перу стали центрами производства майолики. Там родились особые стили росписи, которые представляли собой смесь раннеисламских, испанских, древнеиндейских образцов и китайского фарфора.

В центре композиции и донышка миски – всадник, написанный в довольно свободной манере. Стоит обратить внимание на точечное заполнение, объединяющее фигуры коня и человека, намекая, что они – единое целое. Этот метод позволяет выделить главный рисунок из окружающего орнамента. Динамику узора подкрепляют круглящиеся линии развевающейся на ветру накидки. Персонажа окружает пейзаж, заключенный в окружность миски. Занимателен ракурс: он напоминает древнеегипетские росписи. Стенки сосуда украшает причудливая смесь арабских и китайских орнаментов, написанных более густыми и плотными пятнами.

Неизвестный мастер Дева Мария с веретеном. Около 1700. Холст, масло. 63,5x53,3

Эта картина, как часто бывает в искусстве Нового Света, – причудливое сплетение христианского и доколумбового миропонимания. Образ Девы Марии смешался с образом дев солнца – девушек, выбранных для сакрального прядения ритуальных одежд. Хотя иконография прядущей Мадонны встречается в европейском искусстве (она происходит из апокрифов), для народа Перу данный тип сохранял старые ассоциации.

Мария отвлеклась от работы и смотрит на зрителя. Это заставляет его сосредоточиться на ее деятельности. Вокруг головы Богоматери – небесные силы. Интересен свет в картине: ярким лучом, пробивающим густую темноту, художник выделяет смысловые акценты и одновременно выстраивает композицию. Он акцентирует лик Марии, очень бледный и даже аристократический в контексте ее богатого одеяния, что контрастирует с темными глазами, приковывающими внимание. Вокруг лица группируются светлые пятна ангельских ликов, белизны пряжи и сорочки Богоматери. Одежда и украшение написаны свободными, легкими, но точными мазками, из-за чего они выглядят натуроподобно и живо.

Неизвестный мастер Прием гостей на террасе загородного дома. Ширма. Около 1725. Холст, масло, позолота. 216x555

Ширмы были изобретены в Китае, а усовершенствованы в Японии. В Европу они попали в конце XIV века, в Новом Свете появились лишь к XVIII столетию. Традиционным сюжетом росписи ширм, которыми владели в основном состоятельные люди, являлись сцены отдыха. Такие изделия могут многое рассказать о жизни высшего класса в Мексике XVIII века.

Персонажи в левой части данной ширмы, господа в блистательных вечерних нарядах, за круглым столом играющие в карты, более богато одеты, чем изображенные правее. Это может отражать участие обоих классов в подобных мероприятиях или означать, что группа справа – слуги. Там женщина играет на мексиканской гитаре, ей вторит мужчина на скрипке. Костюмы соответствуют эпохе: на дамах пышные юбки, тугие корсеты, кружевные манжеты и воротнички; жемчуг, золото, драгоценные камни украшают шеи.

Сцена отдыха имеет архитектурное обрамление и пейзаж на заднем плане. Он написан с учетом тональной перспективы: более близкие деревья зеленые, дальние – синеватые. Обилие цветов и птиц настраивает на игривый и расслабленный лад. Эта ширма, несомненно, была прекрасным дополнением интерьера дома какой-нибудь прекрасной представительницы высшего света и радовала ее взор.

Луис Ниньо Богоматерь Победы Малагская. Около 1740. Холст, масло, сусальное золото. 149,8x111,1

Данная картина приписывается Луису Ниньо, боливийскому художнику, скульптору и ювелиру. Он работал в архиепископстве города Потоси, но его произведения были известны даже Европе.

Художник изобразил статую Богоматери Победы из Малаги, считавшейся там покровительницей моряков и путешественников. Это очень торжественный образ Мадонны с Младенцем – традиционного христианского сюжета, но внимательный зритель заметит множество мотивов из искусства доколумбовой цивилизации. На Марии – роскошные одежды с множеством золотых узоров: листы сусального золота накладывались на гипс. В этих орнаментах спрятаны изображения птиц, которых инки почитали за то, что они летают близко к солнцу – главному божеству. Такая щедрость в драгоценном металле была возможна благодаря богатым запасам Нового Света. Широкая одежда Богоматери восходит к традиционным испанским статуям, но форма этого одеяния напоминает Пачамаму – богиню земли инков, которую они изображали в виде горы, что демонстрирует инерцию визуальной культуры. Полумесяц у ног Девы Марии указывает на ее принадлежность к традиционной европейской иконографии «Жены, облеченной в солнце» – образа из Откровения Иоанна Богослова. В то же время этот полумесяц, соединяющийся с двумя вертикальными полосами над ним, напоминает туми – церемониальный нож инков, связанный с символикой победы, вопрос чего – христианства над местной традицией или наоборот.

Неизвестный мастер Святой Фердинанд 1730–1760. Дерево, гипс, золото, раскраска. Высота – 193

Святой Фердинанд – испанский король XIII столетия, мудрый правитель, достигший больших успехов в освобождении Испании и Португалии от арабских завоевателей.

Подобного вида полихромная деревянная скульптура появилась в Средние века, свой расцвет она пережила в Германии XV столетия. Тогда раскраска изваяний не была столь изощренной, для художников являлось главным обозначить основные цвета, а не добиться с ее помощью натуроподобия. Однако для эпохи барокко и дальнейшего развития этого вида искусства в Латинской Америке оказалось важно сделать поверхность живой. Творец, создавая эту скульптуру, использовал множество различных техник. Сначала на дерево накладывался слой гипса, смешанный с красным пигментом. Затем на данную основу наносилось сусальное золото. Часть этой золотой поверхности закрашивалась, после высыхания краска процарапывалась в некоторых местах: так получался очень тонкий узор. Для правдоподобной раскраски лица и рук мастер использовал другую технику: дерево покрывается гипсом, затем краской, после наносится лак с песком, что придает вид человеческой кожи.

Мастерская Бернардо Легарда Богоматерь Кито. Около 1750. Дерево, золото, серебро, раскраска. 44,4x24,1

В XVII веке город Кито, столица Эквадора, был известен как лидер в изготовлении деревянной скульптуры. Эти небольшие фигурки экспортировались по всей Латинской Америке и в Европу. Местные мастера применяли технику эстофадо, которая заключалась в нанесении краски поверх золота и процарапывании узоров. Другой мотив в эквадорской скульптуре – использование серебряного листа, так в данной сделана накидка Богоматери. Работа из мастерской Бернардо Легарда – прекрасный образец тонкой резьбы и умелой раскраски. Стиль барокко с его тяжелыми развевающимися складками и театральными позами был очень любим в Латинской Америке. Ожившее дерево, пришедшее в движение, золото и серебро вместе с монументальной пластикой форм делают произведение торжественным. Это необходимо, так как перед зрителем – Богоматерь в апокалиптическом образе «жены, облаченной в солнце», она должна передавать значительность момента, заставлять прихожан переживать чудесное, но устрашающее своей масштабностью событие, знаменующее конец времен.

Себастьян Сальседо Дева Мария Гваделупская 1779. Медь, масло. 62,8x47,4

Дева Мария Гваделупская с ее характерной лучистой мандорлой и голубой накидкой в звездах – исключительно мексиканский образ, он считается нерукотворным.

В 1531 Мадонна четырежды являлась крестьянину Хуану Диего и повелела построить храм на горе Тепейак. Хуан Диего сообщил об этом местному епископу, но тот ему не поверил. Тогда мужчина попросил Пресвятую Деву о каком-нибудь доказательстве для священнослужителя: Богоматерь позвала его на вершину холма, которая оказалась заполнена цветущими розами. Он срезал несколько и завернул в свой плащ, а когда пришел к епископу и развернул одеяние, на полотне осталось изображение Богородицы. Храм был построен, а Дева Мария Гваделупская стала самым почитаемым образом Латинской Америки. На этой картине она окружена фигурами пророков, святых, ангелов и семью сценами чудес, связанных с ее образом. В нижней части – патриарх Бенедикт XIV и принцесса ацтеков показывают Богоматери северную церковь Мехико.

Неизвестный мастер Принцесса инков Начало XIX века. Холст, масло. 45,8x37,7

Этот холст – посмертный портрет принцессы инков, заказанный ее потомками в доказательство своего высокого происхождения. Надпись в левом нижнем углу гласит о том, что на картине – первая принцесса инков, принявшая христианство. Когда некий мужчина попытался нарушить обет ее целомудрия, девушка обезглавила его. Сделав это, она повторила подвиг Мамы Окьё, первой королевы династии инков и богини плодородия, убившей таким образом врага при завоевании Куско. Этот образ перекликается с ветхозаветной Юдифью, уничтожившей Олоферна.

Полотно притягивает в первую очередь насыщенностью красок. Лазурный фон, заполняющий его большую часть, прекрасно дополняется красным и золотистым. Белая фигура героини написана плоскостно и выглядит очень цельно. С изображением слуги справа и монументом слева композиция становится почти геральдической. Этими средствами достигается выразительность, свойственная архаическому, доколумбовому искусству, что, несомненно, было важным для потомков принцессы.

Неизвестный мастер Тупак Юпанки. Конец XIX века. Холст, масло. 64,1x48,8

Тупак Юпанки правил империей инков в период ее расцвета. Он проявил себя талантливым полководцем, при нем империя достигла максимальных размеров: властитель завоевал Чиму, Кито, Сантьяго. Он пригласил элиту порабощенных народов в Куско, где отдал ей важные посты, стал активно развивать культуру, и в город потянулись ученые, художники и мыслители. Это было очень мудрым решением, так как успокоило побежденных и, в конечном счете, привело империю к расцвету.

Данная картина составлена на трезвучии лазурного, золотого и черного, присутствуют красные акценты. Живописца не интересует объем, он ищет выразительность в плоскости и линии, в лаконичности. Тупак Юпанки изображен фронтально, в его правой руке – золотой топор, в левой – щит с геометрическим рисунком токапу, имеющим определенный смысл. На герое множество золотых изделий: шлем, серьги, массивное шейное украшение. Это парадный портрет правителя, он предстает перед зрителем со всей торжественной строгостью.

Моллено Иконостас. Около 1825. Деревянная доска, гипс, роспись

Моллено работал в Чимейо, районе на севере Нью-Мексико, на протяжении первой половины XIX века. Он был сантеро, то есть художником, специализирующимся на сакральной живописи.

Данный иконостас, как и любой другой, – упорядоченное, иерархиезированное изображение священных образов. В центре в верхнем ряду – Иосиф с Младенцем на руках. В правом нижнем углу – Дева Мария, попирающая полумесяц (ее традиционный в испанском искусстве атрибут). В левом нижнем расположен святой Христофор, переносящий через реку невероятно тяжелого маленького мальчика, которым оказался Иисус, несущий на себе все тяготы мира. В самом центре иконостаса – святая Барбара, наказанная своим отцом-язычником за принятие христианства.