Текст книги "Энциклопедия «Искусство». Часть 1. А-Г (с иллюстрациями)"

Автор книги: Александр Горкин

сообщить о нарушении

Текущая страница: 1 (всего у книги 13 страниц) [доступный отрывок для чтения: 5 страниц]

Искусство
Современная иллюстрированная энциклопедия

***

Главный редактор и автор проекта «Современная иллюстрированная энциклопедия» профессор МГУ им. М. В. Ломоносова А. П. Горкин

Научный редактор заслуженный работник культуры С. А. Романова

Авторы статей:

Т. В. Балицкая, Г. С. Барсенкова, Л. М. Бедретдинова, О. А. Васильева, И. И. Григорьян, Л. В. Давыдова, В. В. Донец, Е. Н. Евстратова, С. Г. Загорская, Т. Г. Игнаткина, Т. В. Ильина, М. В. Мацкевич, О. В. Морозова, М. В. Петрова, В. М. Петюшенко, Е. И. Романова, С. А. Романова, Е. Г. Середнякова, И. В. Шишова, М. С. Яровая.

От издательства

Перед вами том «Искусство», в котором содержится около 1000 статей, посвящённых историческому развитию искусства. Энциклопедические статьи, созданные на основе современных научных данных, в доступной и увлекательной форме рассказывают о важнейших культурных эпохах (первобытность, Древний Египет, Древние Греция и Рим, Средневековье, Возрождение и др.); об основных видах и жанрах искусства, о неповторимых особенностях художественного языка – языка линий, красок и объёмов, на котором «говорят» со зрителем произведения архитектуры, скульптуры, живописи и графики, портретного, пейзажного, исторического, бытового и других жанров; о материалах и техниках, которые используют мастера искусства в своём творчестве. Том содержит научную и вместе с тем живо и эмоционально изложенную информацию об основных художественных стилях и направлениях, как классических (барокко, рококо, классицизм, романтизм, реализм, импрессионизм), так и авангардных (абстракционизм, экспрессионизм, фовизм, футуризм, модернизм и др.).

В энциклопедию включены статьи не только о зодчих, художниках, скульпторах и графиках, но также о меценатах и художественных критиках. Часть статей посвящена прославленным архитектурным памятникам. Отдельные статьи поясняют важнейшие искусствоведческие термины. Основное внимание в энциклопедии посвящено изобразительному искусству; вместе с тем в томе содержится информация о музыке и театре. Подробнее освещается деятельность мастеров русского искусства, чьё творчество наиболее полно представлено в отечественных музеях.

Тексты написаны сотрудниками Государственной Третьяковской галереи и Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Авторам удалось воссоздать сложную и многогранную картину исторического развития искусства, увлекательно рассказать о выдающихся мастерах. Статьи сопровождают около 2500 высококачественных цветных иллюстраций: репродукции картин и рисунков, фотографии произведений скульптуры и зодчества, планы и конструктивные схемы архитектурных сооружений, а также реконструкции, позволяющие представить облик прославленных памятников прошлого.

Для облегчения поиска необходимых сведений в конце тома помещён именной указатель, в котором обозначены страницы, где упоминается деятель искусства или помещена иллюстрация его произведения. Приведён список литературы, рекомендованной для более глубокого изучения истории искусства.

Издательство заранее благодарит читателей за отзывы, критические замечания и пожелания, которые будут учтены при следующих изданиях энциклопедии.

К читателям

Перед вами один из томов «Современной иллюстрированной энциклопедии». Это издание в своём роде уникальное. Оно предназначено и умным школьникам, и их заботливым родителям, студентам, учителям и вообще всем тем, кто хочет вспомнить школьные знания, а может быть, и приобрести новые.

Тома энциклопедии в сжатой форме охватывают все основные области человеческого знания: науку, технику, культуру, искусство, религию. Они включают описание всех стран нашей планеты, их историю и географию. Главная особенность «Современной иллюстрированной энциклопедии» состоит в том, что это не собрание книг с весёлыми картинками, занятными рассказами о мировой цивилизации, науке или искусстве, а научное справочное издание. Статьи справочников обычно подряд не читают – ими пользуются в необходимых случаях. А случаев этих великое множество. Уточнить математическую формулу, имена первых апостолов, год рождения писателя или актёра, дату сражения или основания города, высоту горной вершины или пирамиды Хеопса, о чём повествует «Божественная комедия» или «Оптимистическая трагедия», чем отличается амфибрахий от анапеста или этиловый спирт от метилового, что такое Красная книга, как устроен двигатель внутреннего сгорания и чем он отличается от реактивного двигателя – всё это и многое другое позволяют сделать материалы, содержащиеся в томах «Современной иллюстрированной энциклопедии».

Статьи каждого тома расположены в алфавитном порядке. Их названия набраны жирным шрифтом; рядом (в скобках) даются синонимы этих названий, если таковые имеются. Для получения более полной информации применяется система ссылок на иные термины и понятия, данные отдельными статьями. Их названия выделены в тексте особым шрифтом – курсивом. Используется система сокращений слов, список которых, приводимый в каждом томе, включает и аббревиатуры.

Тома «Современной иллюстрированной энциклопедии» не нумерованы, представляют собой самостоятельные справочные издания, и каждый читатель может выбрать заинтересовавшие его отдельные книги. Однако надо помнить, что «энциклопедия» в переводе с греческого языка означает «круг знаний». Поэтому не ограничивайте себя отдельными «секторами», держите на своих книжных полках полный «круг» – спасательный «круг знаний».

Главный редактор издания А. П. Горкин

Условные обозначения и сокращения

англ. – английский

АХ – Петербургская академия художеств

в., вв. – век, века

г., гг. – год, город, годы

греч. – греческий

др. – другие

илл. – иллюстрация

итал. – итальянский

кит. – китайский

кон. – конец

лат. – латинский

н. э. – наша эра, новая эра

нач. – начало

нем. – немеций

о. – остров

ок. – около

осн. – основанный

пол. – половина

р. – река

Прп – преподобный, преподобные

с. – страница

св. – святой

сер. – середина

см. – смотри

ст. – статья

т., тт. – том, тома

т. н. – так называемый

тыс. – тысяча, тысячелетие

франц. – французский

А

АБРÁМЦЕВО, усадьба в Сергиево-Посадском районе Московской области, построенная в 18 в. В 19 в. дважды становилась центром культурной жизни России. В 1843 г. усадьбу приобрёл писатель и театральный критик С. Т. Аксаков, создавший здесь многие свои произведения («Детские годы Багрова-внука», «Семейная хроника). Сыновья писателя И. С. и К. С. Аксаковы стояли во главе философско-литературного кружка славянофилов, которые утверждали своеобразие культурного пути России, его противоположность Западу. В гости к Аксаковым приезжали и подолгу жили писатели Н. В. Гоголь, И. С. Тургенев, поэт Ф. И. Тютчев, славянофилы А. С. Хомяков, Ю. Ф. Самарин, братья И. В. и П. В. Киреевские, актёр М. С. Щепкин. В 1870 г. усадьбу приобрёл предприниматель и меценат С. И. Мамонтов. С этого времени Абрамцево становится центром притяжения для художников, актёров, музыкантов. Участники Абрамцевского художественного кружка (В. М. Васнецов, В. Д. Поленов и его сестра Е. Д. Поленова, М. В. Нестеров, К. А. Коровин, В. А. Серов и др.) подолгу жили и работали в имении. При участии жены Мамонтова Елизаветы Григорьевны здесь открылись общеобразовательная школа и столярно-резчицкая мастерская, где обучали художественному ремеслу крестьянских детей. В гончарной мастерской под руководством П. К. Ваулина применялись новые технологии обжига керамики, покрывавшейся цветной глазурью. В этой мастерской М. А. Врубель создавал свои декоративные майолики: панно, вазы, скульптуры и т. д.

Абрамцево. Дом Мамонтовых

Абрамцево – одна из немногих старинных усадеб, уцелевших в огне войн и революций. В 1918 г. усадьба была взята под государственную охрану. Ответственной за сохранение художественных реликвий была назначена дочь мецената – А. С. Мамонтова. В 1919 г. решением Наркомпроса здесь был образован Государственный историко-художественный и литературный музей-заповедник «Абрамцево». В главном усадебном доме открыта экспозиция, которая включает мемориальную часть, посвящённую Аксаковым, семье Мамонтовых и членам Абрамцевского художественного кружка. В других усадебных постройках можно увидеть крестьянские художественные изделия из дерева, работы абрамцевской столярной мастерской. В мастерской-студии экспонируются майолики Врубеля. В церкви Спаса Нерукотворного, построенной в парке по проекту В. М. Васнецова, вновь проводятся службы. В часовне церкви находится усыпальница семьи Мамонтовых. Здесь погребены С. И. Мамонтов и его сын Андрей. Рядом с часовней похоронены дочь мецената Вера и его жена Елизавета Григорьевна.

В. М. Васнецов. «Избушка на курьих ножках» в Абрамцево. 1883 г.

АБРÁМЦЕВСКИЙ ХУДÓЖЕСТВЕННЫЙ КРУЖÓК (Мамонтовский кружок), неформальное объединение русской творческой интеллигенции (художников, музыкантов, театральных деятелей, учёных). Действовал в 1870—90-х гг. в Абрамцево– усадьбе предпринимателя и мецената С. И. Мамонтова.

В. А. Серов. «Девочка с персиками». 1887 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Начало кружку было положено в 1872 г. в Риме. Мамонтов познакомился с работавшими там русскими художниками и деятелями искусства: В. Д. Поленовым, М. М. Антокольским, А. В. Праховым и др. По возвращении на родину меценат пригласил художников в Москву. С 1874 г. они собираются в московском доме мецената на Садовой-Спасской улице и в его имении Абрамцево. В нач. 1880-х гг. круг гостей Мамонтова расширился: в усадьбу приезжают В. А. Серов, К. А. Коровин, И. Е. Репин, В. М. Васнецов, М. А. Врубель, Е. Д. Поленова, М. В. Нестеров и др. Абрамцево, по выражению И. Е. Репина, стало для художников «самой лучшей на свете дачей». Здесь они жили в летние месяцы вместе со своими семьями, размещаясь в главном усадебном доме, в летних деревянных строениях и флигелях, возведённых заботливым хозяином. Участники Абрамцевского художественного кружка провозгласили культ красоты, смело обращались к традициям народного искусства в поисках новых стилевых решений. Здесь было создано немало шедевров русского искусства. Знаменитый портрет дочери С. И. Мамонтова Веры «Девочка с персиками» (1887) написан Серовым в столовой абрамцевского дома. Васнецов работал над сказочными полотнами «Алёнушка» (1881) и «Богатыри» (1898), Репин – над картиной «Проводы новобранца» (1879), Нестеров собирал этюды для «Видения отроку Варфоломею» (1890). Пейзажи окрестностей усадьбы запечатлены в полотнах В. Д. Поленова, И. С. Остроухова, И. И. Левитана, М. В. Нестерова. Работы, созданные художниками в Абрамцево, обогатили русскую живопись глубоким проникновением в поэтику русской старины, превосходными образцами национального лирического пейзажа.

В. М. Васнецов. Церковь Спаса Нерукотворного в Абрамцево. 1881—82 гг.

Деятельность Абрамцевского художественного кружка положила начало неорусскому стилю в архитектуре (флигель-мастерская, архитектор В. А. Гартман, 1873; баня-теремок, архитектор И. П. Ропет, 1877; церковь Спаса Нерукотворного, архитектор В. М. Васнецов, 1881—82, её внутреннее убранство – И. Е. Репин, Н. В. Неврев, М. М. Антокольский и др.).

М. А. Врубель. Декоративное блюдо «Садко». Майолика. 1896–1901 гг. Частное собрание. Москва

В Абрамцево началось возрождение утраченных и забытых русских народных ремёсел: резьбы по дереву, изразцов, вышивки. Художники устраивали экспедиции в северные русские города для изучения сохранившихся там древних памятников архитектуры, иконописи, декоративно-прикладного искусства (поездки финансировал Мамонтов), искали образцы народного творчества в окрестных деревнях. Члены кружка организовали в Абрамцево столярно-резчицкую, вышивальную и гончарную мастерские. В 1880—90-х гг. в столярной мастерской местные резчики создавали по эскизам Е. Д. Поленовой и В. М. Васнецова предметы домашней утвари – деревянные сундуки, мебель и т. д. Продукция мастерской пользовалась большой популярностью, экспонировалась на всероссийских и международных выставках, завоёвывала золотые медали. Недолго просуществовавшая вышивальная мастерская выпускала скатерти из самотканого холста, вышитые полотенца, фартуки.

Е. Д. Поленова. Совы. Резьба по дереву. 1891—94 гг.

В гончарной мастерской ярко раскрылся талант М. А. Врубеля – скульптора и керамиста. Выполненные им майоликовые вазы, декоративные панно, изразцы для каминов и статуэтки, открыли новую страницу в истории русского декоративно-прикладного искусства.

Одним из самых перспективных начинаний кружка стали любительские спектакли. Начиная с 1878 г., они ставились каждый сезон: зимой – в особняке на Садовой-Спасской в Москве, летом – в Абрамцево. Декорации, костюмы, афиши и сценарии к ним создавали сами художники, часто выступавшие и в качестве актёров. В любительских спектаклях участвовали также К. С. Станиславский, Ф. И. Шаляпин. Самой знаменитой постановкой абрамцевского кружка стала «Снегурочка» А. Н. Островского (1882). Декорации и костюмы к сказке, созданные по эскизам В. М. Васнецова, стали новым словом в театрально-декорационном искусстве того времени. Из домашних музыкальных постановок родилась идея мамонтовской частной оперы, где в полную силу раскрылся талант Ф. И. Шаляпина.

Абрамцевский художественный кружок стал уникальной творческой лабораторией, где вырабатывались новые идеи и художественные формы, сыгравшие важную роль в развитии русского искусства, в частности в формировании национального варианта общеевропейского стиля модерн.

АБСИ́ДА, то же, что апсида

АБСТРАКЦИОНИ́ЗМ (от лат. abstractiо – отвлечение), беспредметное искусство, одно из самых влиятельных художественных направлений 20 в., возникшее в нач. 1910-х гг. В основе творческого метода абстракционизма – полный отказ от «жизнеподобия», изображения форм реальной действительности. Абстрактная картина строится на соотношениях цветных пятен, линий, штрихов; скульптура – на комбинациях объёмных и плоских геометризованных форм. При помощи отвлечённых построений художники хотели выразить внутренние закономерности и интуитивно постигаемые сущности мира, Вселенной, скрытые за видимыми формами.

К. С. Малевич. «Супрематизм». 1915 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Датой рождения абстракционизма считают 1910 г., когда В. В. Кандинский выставил в Мюнхене первое в истории искусства абстрактное произведение (акварель) и написал трактат «О духовном в искусстве», в котором обосновывал свой творческий метод открытиями науки. Вскоре абстракционизм становится мощным движением, в рамках которого возникают различные направления: лирическая абстракция (картины Кандинского и мастеров объединения «Синий всадник» с их текучими, «музыкальными» формами и эмоциональной выразительностью цвета) и геометрическая абстракция (К. С. Малевич, П. Мондриан, отчасти Р. Делоне, композиции которых построены на сочетаниях элементарных геометрических фигур: квадратов, прямоугольников, крестов, кругов). Программным произведением Малевича стал его знаменитый «Чёрный квадрат» (1915). Свой метод художник назвал супрематизмом (от лат. supremus – наивысший). Стремление оторваться от земной реальности привело его к увлечению космосом (Малевич был одним из авторов знаменитого спектакля «Победа над солнцем»). Свои абстрактные композиции художник называл «планитами» и «архитектонами», символизирующими «идею всемирного динамизма».

Ф. Марк. «Сражающиеся формы». 1914 г. Новая Пинакотека. Мюнхен

В нач. 20 в. абстракционизм распространился во многих странах Запада. В 1912 г. в Голландии рождается неопластицизм. Создатель неопластицизма П. Мондриан вместе с Т. ван Дусбургом основал группу «Де Стейл» (1917) и журнал под тем же названием (выходил до 1922 г.). «Человеческое начало» из их искусства было пол ностью изгнано. Участники группы «Де Стейл» создавали полотна, где расчерченные сеткой линий поверхности образовывали прямоугольные ячейки, заполнявшиеся чистыми однородными цветами, что, по мнению Мондриана, выражало идею чистой пластической красоты. Он хотел создать живопись, «лишённую индивидуальности» и, в силу этого, обладающую «мировым значением».

В 1918—20 гг. в России возник основанный на идеях супрематизма конструктивизм, объединивший архитекторов (К. С. Мельников, А. А. Веснин и др.), скульпторов (В. Е. Татлин, Н. Габо, А. Певзнер), графиков (Эль Лисицкий, А. М. Родченко). Суть направления изложил Веснин: «Вещи, создаваемые современными художниками, должны быть чистыми конструкциями без балласта изобразительности». Важную роль в развитии конструктивизма сыграл «Баухауз» – художественное объединение, основанное в 1919 г. в Германии архитектором В. Гропиусом (П. Клее; В. В. Кандинский, Эль Лисицкий и др.). В 1930 г. французский критик М. Сейфор создал в Париже группу «Круг и квадрат». В 1931 г. в Париже возникло объединение «Абстракция – творчество», основанное эмигрантами из России Н. Габо и А. Певзнером. Особенно радикальным направлением был ташизм (от франц. tache – пятно). Ташисты (П. Сулаж, Х. Хартунг, Ж. Матье и др.) обходились без кистей. Они выплёскивали, разбрызгивали краски на холст, затем размазывая или растаптывая их. К краскам они примешивали сажу, дёготь, уголь, песок, битое стекло, полагая, что цвет грязи не менее прекрасен, чем цвет неба. С началом Второй мировой войны центр абстракционизма переместился в США (Дж. Поллок, А. Горки, В. Кунинг, Фр. Клейн, М. Тоби, М. Ротко). В 1960-е гг. начался новый подъём абстракционизма. Это направление в искусстве и сегодня остаётся актуальным, однако уже не занимает главенствующих позиций, как в нач. 20 в.

АБУ́-СИМБÉЛ, местность на западном берегу Нила (Египет), где находятся два скальных (вырубленных в толще скалы) древнеегипетских храма первой пол. 13 в. до н. э.: большой храм фараона Рамсеса II и малый – его жены Нефертари.

Храм Рамсеса II, открытый швейцарским исследователем И. Л. Буркхардтом в 1812 г., был посвящён богу Амону-Ра и назывался тронным именем Рамсеса – «Усер-маат-Ра» («мощна справедливость бога Ра»). Таким образом, одновременно прославлялось могущество и солнечного бога, и его сына – фараона. Над входом в храм были высечены гигантские иероглифы: бог Ра в виде человека с головой сокола, опирающийся на знаки «усер» (мощь) и «маат» (справедливость). Фасад украшают четыре колосса Рамсеса – высеченные из скалы огромные статуи восседающего на троне царя. Изваяния жены фараона, царицы Нефертари, помещённые у ног двадцатиметровых статуй, кажутся совсем крошечными. В преддверии храма находятся восемь колонн в виде стоящей фигуры бога Осириса (т. н. «осирические колонны»). Стены храма украшены изображениями воинских подвигов фараона в победоносных сражениях с хеттами (при Кадеше) и ливийцами. В рельефах представлены эпизоды пешего и колесничного боя, Рамсес со своим ручным львом и поверженные враги. Примечательно, что в одной из сцен фараон изображён одного роста с противником (как правило, египтяне представляли побеждённых в виде маленьких жалких фигурок у ног победителя). Над изображениями войны помещены религиозные сцены. В святилище, самой потаённой части храма, находятся четыре статуи сидящих богов: Птах, Амон-Ра, обожествлённый Рамсес и Ра-Хорахти. Храм был построен с таким расчётом, что в период с 10 января по 30 марта и с 10 сентября по 30 ноября солнечные лучи при восходе солнца поочерёдно освещали статуи. Однако статуя Птаха, таинственного, подземного божества, всегда оставалась в тени.

Храм Рамсеса II в Абу-Симбеле. Колоссы фараона у входа. Первая пол. 13 в. до н. э.

Малый храм находится в 135 м к северу от Абу-Симбела. У фасада стоят четыре огромные статуи Рамсеса; между ними – две статуи царицы Нефертари в образе богини любви Хатхор. У ног супругов помещены изваяния их детей.

Храм Рамсеса II в Абу-Симбеле. Зал с осирическими колоннами. Первая пол. 13 в. до н. э.

Начало строительства Асуанской плотины в 1960 г. поставило памятник под угрозу затопления, однако он был спасён благодаря пятилетним работам международной кампании во главе с ЮНЕСКО. Огромный пещерный храм и меньший храм царицы Нефертари, вытесанные из нубийского известняка, разрезали на 1036 блоков (весом до 30 т) и вновь смонтировали на скале у старого русла реки. С сентября 1968 г. храмы вновь открыты для посещения.

АВАНГАРДИ́ЗМ (от франц. avantgarde – передовой отряд), наиболее радикальное художественное течение в культуре 20 в. Заимствованный из военной лексики термин подчёркивает роль авангардистов как первооткрывателей невиданного прежде искусства, созвучного новому столетию, борцов с устоявшейся веками (начиная с эпохи Возрождения) художественной системой. В нач. 20 в. возникло множество авангардных направлений: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм и др. Часть исследователей считает 1920-е гг. завершающим этапом авангардизма, другие отодвигают его временные границы до появления постмодернизма.

Х. Грис. «Натюрморт с бутылкой бордо». 1919 г. Частное собрание. Берлин

Авангардизм возник во Франции, затем распространился в Германии, Италии, России и др. странах. Участники этого движения стремились разрушить все общепринятые нормы, правила, идеалы. Молодые бунтари призывали «выбросить на свалку истории» не только отжившие традиции, но и всё художественное наследие. Идеолог итальянского футуризма Ф. Т. Маринетти призывал: «Суньте огонь в библиотечные полки! Отведите течение каналов, чтобы затопить склепы музеев. О, пусть плывут по ветру и по течению знаменитые картины». Выступления авангардистов часто сопровождались скандалами. Выпускались дерзкие манифесты (сборник стихов В. В. Маяковского, А. Е. Кручёных, В. Хлебникова и братьев В. Д. и Д. Д. Бурлюк «Пощёчина общественному вкусу», 1912). Художники сознательно дразнили публику. Шокирующим было всё: раскрашенные лица, морковки и расписные ложки в петлицах их костюмов; названия групп («Ослиный хвост», «Бубновый валет»); способы привлечения публики («бубнововалетцы» подражали скоморохам, итальянские футуристы разбрасывали листовки с колоколен). Однако за дерзкими выходками скрывалась серьёзная работа над созданием принципиально новой художественной системы. Каждая из группировок – в полемике со всеми остальными – отстаивала свой творческий метод, своё видение дальнейшего развития искусства.

У. Боччони. «Восставший город». 1910 г. Музей современного искусства. Нью-Йорк

В 1960—70-х гг. появились новые авангардные течения: акционизм, поп-арт, концептуальное искусство и др. (их часто объединяют термином постмодернизм). Никогда прежде европейская культура не знала такого многообразия течений, направлений, художественных систем, индивидуальных стилей. Авангардисты значительно обогатили язык искусства, предложили широкий спектр новых идей. Среди них были великие мастера: П. Пикассо, А. Матисс, В. В. Кандинский, К. С. Малеви ч, М. З. Шагал, С. Дали и др. При всём многообразии индивидуальных стилей, совместными усилиями они разработали новую художественную систему, в основе которой не подражание природе, а творческое самовыражение художника. Авангардисты приучили публику к острым, неожиданным эстетическим впечатлениям, к активному соучастию в восприятии художественных произведений, к «интеллектуальной игре». Они стали подлинными первооткрывателями искусства современности.

АВТОПОРТРÉТ, портрет, в котором художник изображает сам себя, обычно используя для этого зеркало. Особенность автопортрета прежде всего в том, что он «говорит» со зрителем от первого лица – о времени и о себе; это монолог художника: сокровенная исповедь или активное утверждение своего творческого кредо, самоирония или спокойное повествование. Предание об одном из первых автопортретных изображений дошло до нас из античности: древнегреческого скульптора Фидия обвинили в кощунстве за то, что он посмел изобразить себя в виде бога в рельефной сцене битвы с амазонками на щите статуи Афины. Известны лишь единичные примеры скульптурных автопортретов (автопортрет чешского архитектора и скульптора П. Парлера в соборе Св. Вита в Праге, 14 в.). Подавляющее большинство автопортретных изображений – живописные или графические произведения.

А. Дюрер. «Автопортрет». 1493 г. Лувр. Париж

Эпоха Возрождения – время пробуждения личностного самосознания – стала временем рождения портрета (а вместе с ним и автопортрета) как самостоятельного жанра. Для Раннего Возрождения характерны в основном «скрытые автопортреты» в композициях на темы Священной истории или мифологии (Мазаччо, Д. Гирландайо, С. Боттичелли). В пёстрой толпе людей, изображённых в их картинах, выделяется один, пристально смотрящий прямо на зрителя, – это сам художник, участник и свидетель события. Идеал прекрасной и гармонической личности в «Автопортрете» Рафаэля (1510), безграничное могущество мысли в графическом «Автопортрете» Леонардо да Винчи (1514) – таковы ключевые образы Высокого Возрождения. Позднее Возрождение – время утраты светлых идеалов – рождает образы могучие и трагические (автопортрет Микеланджело в «Страшном суде» на стене Сикстинской капеллы, 1535—41), зыбкие и изменчивые («Автопортрет в выпуклом зеркале» Пармиджанино, ок. 1524 г.) и откровенно эпатажные («Медуза» Караваджо, 1598—99, где художник придаёт автопортретные черты отрубленной голове Горгоны). Мастера Северного Возрождения часто «зашифровывают» свои автопортретные изображения. В «Чете Арнольфини» Яна ван Эйка фигура художника едва видна в выпуклом зеркале, висящем на стене. Ниже – надпись: «Здесь был ван Эйк». Великий немецкий мастер А. Дюрер одним из первых создал целую галерею автопортретов (самый известный, 1500 г., написан в иконографии образов Христа).

О. А. Кипренский. «Автопортрет». 1809 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

В 17 в. появляется новая автопортретная тема – художник за работой («Мастерская художника», или «Аллегория живописи», Я. Вермера Делфтского, ок. 1675). В «Менинах» Веласкеса (1656) эта тема перерастает в подлинный гимн живописи, её безграничным возможностям. Сокровенными беседами с самим собой стали автопортреты для Рембрандта, создавшего более 100 своих изображений. Стремление познать душу человека в её динамике, изменчивости унаследовали от Рембрандта и развили в своём искусстве мастера романтизма (Т. Жерико, Э. Делакруа, О. А. Кипренский, К. П. Брюллов). Автопортретное начало пронизывает творчество П. А. Федотова. Черты художника можно узнать в героях многих его картин и рисунков. Автопортреты передвижников (В. Г. Перова, И. Н. Крамского) властно взывают к гражданской совести зрителя. Рубеж 19–20 вв. – время яркого расцвета автопортрета. Работы М. А. Врубеля, В. А. Серова, М. В. Нестерова, И. И. Машкова, К. С. Малевича и др. отражают сложную картину художественной жизни этого времени, напряжённые поиски нового живописного языка, созвучного эпохе.

ÁГНЕЦ (лат. agnus – ягнёнок), распространённый сюжетный и символический мотив средневекового и ренессансного искусства. В Ветхом Завете – наиболее часто упоминаемая жертва Богу. Особое значение имел агнец пасхальный, которого, в память об исходе евреев из Египта, каждое иудейское семейство должно было заколоть и вкушать с подобающими обрядами. Эта пасхальная жертва стала прообразом новозаветного Агнца – Иисуса Христа, претерпевшего смерть на кресте как невинную, добровольную жертву во искупление грехов человечества. Отсюда, символическое имя Спасителя – Агнец Божий и изображение Христа в виде Агнца с крестом в произведениях искусства.

Берингариус. «Поклонение Агнцу». Книжная миниатюра. Ок. 870 г. Баварская государственная библиотека. Мюнхен

АЙВАЗÓВКИЙ, Гайвазовский Иван Константинович (1817, Феодосия – 1900, там же), русский живописец и график, маринист, представитель романтизма. Родился в семье мелкого торговца-армянина, с детства отличался необыкновенной одарённостью к рисованию. Увидев его рисунки, губернатор Феодосии А. И. Казначеев помог начинающему художнику поступить в Петербургскую академию художеств. В 1833 г. Айвазовский был зачислен в класс М. Н. Воробьёва – мастера романтического пейзажа; вскоре остановил свой выбор на изображении морских видов и уже на втором курсе был удостоен медали за этюд «Воздух над морем». Редкий талант и обаяние художника привлекали к нему людей; ещё в годы учёбы он обратил на себя внимание К. П. Брюллова и А. С. Пушкина. В 1839 г. во время Кавказской войны (1817—64) принял участие в морских десантных операциях и познакомился с адмиралами М. П. Лазаревым, П. С. Нахимовым и В. А. Корниловым. Дружба со знаменитыми флотоводцами, глубокое знание оснастки парусного флота и личное участие в боевых действиях позволили художнику соединить в картинах на темы побед русского флота романтическую взволнованность с документальной точностью («Большой рейд в Кронштадте», 1836; «Чесменский бой», 1848, и др.).

И. К. Айвазовский. «Чесменский бой». 1848 г. Художественная галерея им. И. К. Айвазовского. Феодосия

Слава Айвазовского была так велика, что в 1846 г., когда отмечалось десятилетие его творческой деятельности (художнику было всего 29 лет), в Феодосию пришла его чествовать вся черноморская эскадра под командованием В. А. Корнилова. В 1840—44 гг. в качестве пенсионера АХ находился за границей, где создал ок. 40 картин, выбирая сюжеты драматические и эффектные: «Кораблекрушение», «Буря», «Хаос». Путешествовал на протяжении всей своей жизни, устраивая в разных странах выставки, неизменно имевшие шумный успех; многие европейские Академии присвоили ему почётное членство. Весной 1844 г., получив звание академика АХ, Айвазовский не остался в Санкт-Петербурге, а уехал в Феодосию. Он много сделал для родного города: построил железную дорогу, концертный зал, в 1880 г. – общедоступную художественную галерею.

И. К. Айвазовский. «Девятый вал». 1850 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

Айвазовский никогда не писал море с натуры, считая, что «движения живых струй неуловимы для кисти». Обладая феноменальной памятью, он делал лишь быстрые зарисовки, на основе которых позднее импровизировал прямо на холсте. Особенно потрясла зрителей своим трагизмом картина «Девятый вал» (1850). Ночная буря потопила корабль, на обломке мачты пытается спастись горстка людей. Настаёт новый день, поднимается солнце, пронизывая яркими лучами грозовые мчащиеся облака и неумолимо надвигающийся последний, чудовищный «девятый вал». Эффект света настолько великолепен, что на мгновение затмевает для зрителя трагизм гибели. Главный герой картины – могучий, грозный океан.