Текст книги "Коллекция Филлипс Вашингтон"

Автор книги: Т. Мкртычев

сообщить о нарушении

Текущая страница: 1 (всего у книги 3 страниц)

Т. Мкртычев
Коллекция Филлипс Вашингтон

Официальный сайт музея: www.phillipscollection.org

Адрес музея: 1600 21st Street, Вашингтон.

Проезд: На метро: станция «Dupont Circle» (красная линия).

Телефон: (+1 202) 387 2151.

Часы работы: Вторник – суббота: 10:00–17:00 (четверг – до 20:30), воскресенье: 11:00–18:00.

Музей закрыт по понедельникам, в Новый год, День благодарения, День независимости, на Рождество.

Цены на билеты: Полный – 12$, льготный (для студентов и лиц старше 62 лет) – 10 $.

Детям до 18 лет вход бесплатный.

Информация для посетителей: К услугам посетителей музейный магазин, кафе «Tryst», аудио– и видеогиды, приложения для устройств на базе Apple и Android, семейные программы, групповое обслуживание.

Здание музея

Пожалуй, нигде в мире нет такого большого числа частных музеев, как в США! Во второй половине XIX века мощный рост промышленности в Северной Америке привел к появлению богатых и очень богатых людей, и выяснилось, что культурные и художественные ориентиры этого нового класса находятся в Европе. Поездки в Старый Свет для получения образования, посещение музеев, знакомство с художественным наследием и новейшими тенденциями в искусстве постепенно выработали у американских богачей представление о необходимости создания подобия Европы у себя в стране. Одним из действенных способов стало коллекционирование.

В зале музея

В конце XIX – начале XX века у американских ценителей прекрасного было желание не только собрать, но и показать сокровища согражданам. И в нем обнаруживалось не стремление продемонстрировать богатство и могущество, а, напротив, – понимание необходимости формирования культурного достояния своей, в общем-то, очень молодой страны. Кстати, этот порыв имел и вполне патриотическое продолжение: вслед за собирательством европейского искусства американские богачи обратились к произведениям соотечественников, что стимулировало развитие национального искусства.

В этом контексте судьба Дункана Филлипса и его коллекции очень показательна и в чем-то поучительна.

Филлипс был младшим сыном в богатой питсбургской семье: отец Дункан Филлипс Старший – миллионер, ветеран Гражданской войны, мать Элиза Логлин-Филлипс – дочь стального магната Джеймса Логлина. В 1885 семья переселилась в Вашингтон, там в 1886 у них родился младший сын, его назвали в честь отца. Вместе со старшим братом Джеймсом молодой человек закончил Йельский университет. Дункан Младший занимался историей искусства. В 1914 он опубликовал свою первую книгу «Магия искусства». В 1917 умер престарелый отец, а в 1918 вслед за ним брат, которому было всего 34 года. Чтобы как-то преодолеть охватившую его депрессию, Дункан, по совету матери, начал работу по созданию музея, в основу которого легло небольшое семейное собрание живописи и графики.

Разработка концепции будущего музея, общение с художниками и арт-дилерами, новые заботы – все это оказало благоприятное влияние на состояние Дункана. Кроме того, он был влюблен и в октябре 1921 женился на художнице Марджори Аккер (1894–1985). Она стала не только его супругой, но и верным соратником.

В канун Рождества 1921 в центре Вашингтона, в получасе ходьбы от Белого дома, открылся новый музей, который тогда назывался Phillips Memorial Art Gallery. Дункан хотел увековечить память о дорогих ему людях весьма необычным способом – дать возможность любому человеку проникнуться атмосферой искусства, которое было близко его отцу и брату. Имея соответствующее профессиональное образование, обладая хорошими организаторскими способностями и хваткой финансиста, он стал директором музея и пробыл им вплоть до своей смерти в 1966.

Сейчас в собрании находится более 3000 произведений – живопись, графика, скульптура, фотография. Основное внимание Филлипс уделял американским художникам. Однако, будучи дипломированным искусствоведом, он постарался включить в состав своей коллекции и, соответственно, экспозиции музея, творения мастеров более раннего времени, оказавших влияние на формирование искусства XX века, в частности американского. В экспозиции, которую он сам составлял, многократно менял и обновлял, нет хронологического или территориального принципа.

В зале музея

Для Филлипса главным в искусстве был диалог художников разных времен и разных стран, их творческое взаимодействие. Так, в собрании имеется картина Эль Греко, который, по его мнению, являлся первым экспрессионистом. Очень хорошо представлены импрессионисты и постимпрессионисты, от Эдуарда Мане до Анри Матисса. Как известно, именно на примере импрессионизма и последовавших за ним европейских художественных течений американские живописцы вырабатывали собственный стиль. Конечно, коллекция работ импрессионистов Филлипса не столь огромна, как, например, у известного американского собирателя Альберта Варна, владеющего более чем сотней полотен Огюста Ренуара. Но известно, что на вопрос Варна: «А что, в Вашей коллекции всего один Ренуар?», Филлипс ответил: «Да, один, но именно тот, который мне нужен». В его музее одно из лучших американских собраний творений Пьера Боннара.

В зале музея

Важную роль в истории американского искусства XX столетия сыграла графика, и на примере работ из коллекции Филлипса можно увидеть как истоки, так и основные тенденции в развитии этого вида изобразительного искусства.

После смерти Дункана Филлипса директором музея стала его жена, которая продолжила выполнение основной задачи, поставленной в 1921, – приобщать к искусству людей различных социальных слоев. С ее кончиной руководителем музея сделался сын.

Учреждение проводит мастер-классы, различные учебные программы по изучению искусства, выделяет стипендии как для художников, так и для исследователей искусства, организует пятничные концерты. Дело, начатое Дунканом Филлипсом – коллекция в память об отце и брате, – превратилось в живой организм, который функционирует на частные деньги, но способствует развитию культуры всего американского народа.

В зале музея

Европейская живопись XVII-первой половины XIX века

Сальватор Роза. Экстаз святого Франциска. Без даты

Эль Греко (1541–1614) Раскаяние святого Петра. Между 1600 и 1614. Холст, масло. 93,7x75,2

Эль Греко (настоящее имя Доменикос Теотокопулос) – один из выдающихся европейских живописцев Позднего Возрождения. Он родился на Крите, в юности учился иконописи. После взятия острова турками, в 1567, молодой человек переехал в Венецию, где какое-то время брал уроки в мастерской у Тициана. Затем он путешествовал по основным художественным центрам Италии (Рим, Флоренция). В этой стране сформировался стиль Эль Греко, резко отличавшийся от манеры его современников.

В 1576 творец перебрался в Испанию, где попытался стать живописцем при дворе императора Филиппа II, в новой столице – Мадриде, однако, не получив признания, вынужден был переселиться в Толедо, являвшийся своеобразным духовным средоточием Иберии. Здесь он жил и работал до конца своих дней.

На картине изображен апостол Петр в драматический момент покаяния: руки, сложенные на груди, и взгляд, обращенный к небесам, говорят о возносимой им мольбе. Основой для сюжета «Раскаяние святого Петра» служат евангельский текст и апокрифические предания. Ночью, когда стражники пришли за Христом, апостол Петр, опасаясь, что его арестуют, трижды отрекся от своего учителя (Матфей, 27; 69–75; Лука, 23; 54–62; Иоанн, 18; 15–18; 25–27). Осознав содеянное, он искренне раскаялся, молил о прощении и, по утверждению апокрифов, получил его. Совершенный грех, покаяние и милосердие Божье занимают важное место в христианском учении.

Жан Батист Симеон Шарден (1699–1779) Тарелка со сливами. Около 1728. Холст, масло. 44,5x56,2

Жан Батист Симеон Шарден – известный художник XVIII столетия, мастер натюрморта и жанровых картин. Середина XVIII века во Франции ознаменовалась ростом так называемого третьего сословия, в котором особое место занимала буржуазия. В ее среде складывались собственные культурные запросы и понятия о красоте. Вслед за сформировавшимся классом буржуа соседних стран – Голландии и Фландрии, где большим спросом пользовались натюрморты и жанровые сцены, к этим направлениям изобразительного искусства обратились французы.

Одним из тех, кто откликнулся на своеобразный социальный заказ, был Шарден. В своем творчестве он сознательно отошел от мифологических и пасторальных сюжетов, популярных в эпоху рококо. В основе произведений мастера лежат реальные наблюдения, лишенные символического значения и в значительной степени передающие настроение автора и состояние объекта, обычные земные вещи, что было новым шагом в развитии реалистической живописи в XVIII столетии.

Тарелка со сливами стоит на коричневой плоскости, возможно, на большом столе. Крупные красно-синие плоды контрастируют с фарфоровым кофейником, расположенным на переднем плане и являющимся светлой (мажорной) доминантой темной картины.

Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (1746–1828) Раскаяние святого Петра. Около 1820–1824. Холст, масло. 73x64,1

Франсиско Гойя – один из выдающихся испанских художников конца XVIII – начала XIX века. Он прожил долгую жизнь, вторая половина которой совпала с большими историческими потрясениями, постигшими Испанию в начале XIX столетия. В своем творчестве, относящемся к этому времени, мастер сумел показать остроту и трагизм событий, происходивших в тот период в стране.

Считается, что данная картина была написана незадолго до его эмиграции во Францию в 1824. Изображенный на холсте апостол Петр – одна из центральных фигур католической церкви. Иисус назвал его «камнем», на котором будет создана Церковь, что в дальнейшем интерпретировалось как церковная организация. Именно Петру Христос обещал ключи от Царствия Небесного (Матфей, 17; 18–19). В то же время с ним связана тема греха и покаяния, занимающая важное место в христианстве. Трижды за одну ночь Петр отрекся от учителя, а потом осознал свое прегрешение и глубоко раскаялся в содеянном. На первом плане автор запечатлел атрибуты апостола – камень и ключи, притом сделав центром картины его лицо, выражающее сложную гамму чувств – раскаяние, отчаяние и надежду. Как известно, Гойя редко обращался к евангельским сюжетам. В этой связи можно предположить, что причиной создания шедевра стало душевное состояние, в котором находился живописец.

Жан-Огюст Доменик Энгр (1780–1867) Маленькая купальщица 1826. Холст, масло. 32,7x25,1

Жан-Огюст Доменик Энгр – один из выдающихся европейских художников XIX века. Семнадцатилетний юноша после обучения в Тулузе, в 1797, приехал в Париж, где стал учеником великого мастера романтического реализма Жак-Луи Давида. В 1806, когда Франция была уже мировой империей, а его наставник восторженно рисовал Наполеона, Энгр переехал в Италию для продолжения совершенствования навыков (сначала в Рим, а затем во Флоренцию). Здесь он познакомился с работами знаменитых художников Возрождения, в значительной степени сформировавшими его стиль – точность рисунка, сдержанный колорит и некоторый романтизм.

В 1824, после того как основные политические бури начала XIX столетия улеглись, мастер возвратился в Париж и открыл свою школу живописи, уже очень скоро ставшую необыкновенно популярной.

«Одалиски и купальщицы» были одной из тем, обращение к которым прославило Энгра. В картинах «Одалиска Вальпинсона» (1808), «Большая одалиска» (1814) продемонстрированы талант и профессионализм в технике передачи обнаженной женской натуры в романтическом восточном окружении, придававшем полотнам особый успех у европейской публики.

Известно, что автор был склонен к повторению уже нарисованного им, в данной картине центральная фигура воспроизводит знаменитую «Одалиску Вальпинсона».

Жан Батист Камиль Коро (1796–1875) Вид на сады Фарнезе. Рим 1826. Бумага на холсте, масло. 24,4x40

Жан Батист Камиль Коро – французский живописец, гравер, прославленный пейзажист, оказавший огромное влияние на развитие импрессионизма. Очевидно, что любовь к изображению природы сформировалась у него еще в юности, когда Жан Батист обучался у знаменитого Ашила Этна Мишалона (1796–1822). Большое влияние на его творчество оказала поездка в Италию в 1825. Наряду с классическим искусством Возрождения Коро воочию смог увидеть произведения итальянских мастеров – Каналетто, Гварди, Лоррена, а также места, служившие источником вдохновения и основой их таланта. Солнечная Италия, сочетавшая в себе пышную естественную красоту и разнообразные архитектурные памятники – от античных развалин до храмов и палаццо эпохи Ренессанса, была идеальным местом для раскрытия дара романтически настроенного живописца.

Сады Фарнезе в Риме, которые изображены на картине, созданы архитектором Джакомо Виньолой для кардинала Алессандро Фарнезе (1520–1589) в середине XVI века. К моменту, когда Коро впервые оказался в Италии, он застал некогда роскошную усадьбу пребывающей в запущенном виде. Данная работа и была написана им во время первого посещения страны. Впоследствии творец не раз возвращался к берегам Авзонии.

Джон Констебль (1776–1837) На реке Стоур. Около 1834–1837. Холст, масло. 61x78,7

Джон Констебль – английский живописец, прославившийся как выдающийся пейзажист. Он родился в небольшом городке Ист-Бергхоль в графстве Саффолк, на востоке Англии. Красота природы этого уголка оказала огромное влияние на творчество мастера.

Констебль получил классическое образование в Королевской академии художеств в Лондоне. После ее окончания он работал преподавателем изобразительного искусства в престижной военной школе, однако в 1802 уволился и с этого времени серьезно рисовал сам. Акцентировав для себя работу на пленэре, Констебль много писал с натуры. Одним из его любимых мест была деревушка Дедхем в Эссексе, по которой округа получила название Дедхемская долина. Протекающая здесь река Стоур (в переводе с кельтского – «Сильная») не раз становилась центральной темой его картин, в их числе и данный шедевр.

Несмотря на то что Дедхемскую долину неоднократно рисовали Т. Гейнсборо, П. Неш и другие творцы, в историю искусства этот район Англии вошел под названием Страна Констебля.

Фердинанд-Виктор-Эжен Делакруа (1798–1863) Паганини 1831. Картон, масло. 44,7x30,2

Фердинанд-Виктор-Эжен Делакруа – выдающийся художник-романтик. На концерте Паганини в Парижской опере мастер побывал 9 марта 1831. Как само выступление, так и внешний вид маэстро поражали и восхищали одновременно, не оставляя спокойным и равнодушным ни одного зрителя. Худой и бледный, с плохими зубами, длинными спутанными волосами, спадающими на плечи, Паганини производил отталкивающее впечатление. Он играл, выставив вперед правую ногу, отбивая ей такт, в то время как костюм, висевший на нем, буквально «хлопал» по его тощей фигуре. Однако звучание, которое извлекал из инструмента прославленный скрипач, завораживало и заставляло забыть обо всем на свете. То был чудовищный контраст между внешним обликом и творческим выражением, открывающим внутреннее содержание этого странного человека.

Известно, что сам Делакруа неплохо играл на скрипке, в своих дневниках сравнивал музыку и живопись, в частности наброски и этюды с музыкальными импровизациями.

Автор этой картины практически растворил фигуру музыканта в концертном костюме в черно-коричневом фоне. Акцент сделан на белой манишке, светлых руках, держащих скрипку, и бледном вытянутом лице.

Европейская живопись второй половины XIX-первой трети XX века

Одилон Редон. Тайны. Около 1910

Эдуард Мане (1832–1883) Испанский балет 1862. Холст, масло. 61x90,5

Эдуард Мане – французский художник, один из родоначальников импрессионизма. Путь в искусство для него открывался непросто: родители были против увлечений сына живописью, но в итоге он долгого учился у Тома Кутюра. Отношения с мэтром складывались достаточно сложно – то приходилось все бросать и уходить из мастерской, то под давлением родителей возвращаться. Наконец, в 1859 Мане решился выставить на Салоне свою картину «Любитель абсента». Жюри отвергло эту работу. Среди голосовавших против был и наставник. Несмотря на критику и неудачи, художник продолжал много рисовать.

В 1861–1862 он посетил Испанию, которая воспринималась во Франции как романтическая, «дикая страна». Результатом поездки стали несколько полотен, в том числе и представленный шедевр.

Обращение Мане в своем творчестве к испанскому балету неслучайно и объяснимо, ведь искусство Терпсихоры всегда представляло собой одну из самых ярких характеристик Испании, являлось своеобразным воплощенным темпераментом и душой страны. На холсте изображены две пары во время репетиции. Сцена и сами танцующие выписаны в светлых тонах, что позволяет акцентировать характерные позы, соответствующие костюмы. Им аккомпанируют два гитариста, фигуры которых контрастно темны и находятся на втором плане.

Альфред Сислей (1839–1899) Снегопад в Лувесьене 1874. Холст, масло. 55,9x45,7

Альфред Сислей – выдающийся художник второй половины XIX века, один из основателей импрессионизма. Родители Альфреда, будучи против его увлечения живописью, отправили сына для изучения коммерции в Лондон. Однако через три года Сислей возвратился в Париж и поступил в студию Шарля Глейра. Парадоксально, но вокруг учителя, твердо придерживавшегося академической манеры письма, собралась молодежь, которая не брала за основу опыт классики в изобразительном искусстве. В ее число входили Клод Моне, Камиль Писсарро, Огюст Ренуар и другие.

Весной 1874 Сислей участвовал в выставке молодых новаторов, организованной в мастерской фотографа Надара. Экспонированные работы не были признаны, отринутым присвоили прозвище импрессионисты, ставшее впоследствии названием направления в искусстве. Как негативные отклики критики, так и рецензия официального Салона поставили художников в затруднительное материальное положение – у них не было заказов, их произведения не покупали. В дальнейшем творческая судьба у всех сложилась по-разному, некоторые еще при жизни прославились и стали состоятельными людьми, однако Сислей умер в нищете и безвестности.

На картине «Снегопад в Лувесьене» изображен поселок, расположенный недалеко от Парижа. В природном явлении, создающем зыбкую атмосферу, тонко улавливается соответствие импрессионистическому видению живописца.

Эдгар Дега (1834–1917) Меланхолия. Около 1874. Холст, масло. 19x24,8

Эдгар Дега – выдающийся французский художник конца XIX – начала XX века, которого традиционно причисляют к импрессионистам. Он был старшим сыном в богатой аристократической семье, несмотря на желание отца выучить его на юриста, проявлял склонность к рисованию и в возрасте 20 лет поступил в мастерскую живописца Луи Ламота. Первоначально финансовое состояние позволяло юноше шлифовать свое искусство, не думая о продаже работ. Однако после смерти отца вскрылись большие долги, которые заставили задуматься о коммерческой стороне вопроса. Имея друзей среди новаторов, отвергнутых официальным Салоном, живописец начал экспонировать картины вместе с ними, став таким образом участником знаменитой выставки 1874 в галерее фотографа Надара в Париже, после которой появился термин «импрессионизм». Между тем, шествуя в дальнейшем руку об руку с импрессионистами, экспонируя холсты совместно, формально причисляемый к названному направлению, Дега рисовал в несколько другом стиле. Известно о его пренебрежении к пленэрам и пейзажам. Вместо этого излюбленными темами мастера были бытовые эпизоды с неожиданными ракурсами и укрупненными планами.

На данном полотне изображена молодая женщина, которая сидит, прижавшись щекой к спинке кресла. Весь облик героини говорит о глубокой хандре (меланхолии), подчеркнутой серым фоном за ее спиной.

Клод Моне (1840–1926) Дорога в Веттей 1879. Холст, масло. 59,4x72,7

Клод Моне – французский художник, один из основателей импрессионизма. Уже с самого начала своего творчества он выступал против академизма, господствовавшего в кругах парижских живописцев. Несогласный с системой образования, Моне бросил обучение в университете Парижа и поступил в студию изобразительного искусства Шарля Глейра. Здесь он познакомился и подружился с Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем, Фредериком Базилем, разделявшими его взгляды. Эти люди вскоре составили ядро группы будущих импрессионистов.

Манера, в которой рисовал Моне – удивительный эффект вибрации на полотнах, достигаемый за счет подрагивающих, переливающихся мазков, – довольно долго не получала признания публики и критики. Не имея заказов и покупателей на свои работы, художник испытывал материальные трудности. В 1978 его семья переехала в деревню Веттей в Нормандии и арендовала половину дома, стоявшего прямо на дороге.

Известно пять картин, изображающих дорогу в Веттей. В сентябре 1879 от туберкулеза умерла жена Моне Камилла Донсье. Данный шедевр датируется именно этим годом. Учитывая сезон, запечатленный на холсте, – осень, можно предположить, что произведение было написано вскоре после смерти супруги.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Завтрак гребцов 1880–1881. Холст, масло. 130,2x175,6

Пьер Огюст Ренуар – французский творец, один из основных представителей импрессионизма. Поступив в Школу изящных искусств при Академии художеств, Огюст одновременно начал посещать мастерскую Шарля Глейра. Волей обстоятельств, именно здесь собрались молодые новаторы, не принимавшие академический стиль, известные впоследствии как импрессионисты. В 1864 студия закрылась, и живописец начал самостоятельный путь. Вместе с друзьями и единомышленниками Ренуар принимал участие в знаменитой выставке 1874 в галерее Надара, которая закончилась провалом. Несмотря на стесненное финансовое положение, он продолжал много работать, пытаясь получить официальное признание. Известность пришла спустя некоторое время.

На данном холсте изображена летняя веранда гребного клуба. За столом собрались мужчины в костюмах гребцов и дамы в светских нарядах. Один из первых собирателей импрессионистов, коллекционер Поль Дюран-Рюэль (1831–1922), приобрел эту картину за 15 000 франков, что по тем временам составляло большую сумму.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Вход в парк в Арле с прогуливающимися людьми. Октябрь, 1888. Холст, масло. 72,4x90,8

Винсент Ван Гог – один из выдающихся художников начала XX века. За свою короткую жизнь он перепробовал множество занятий – арт-дилер, учитель, проповедник. Однако все это было только прологом к истинному предназначению. В начале 1880 Винсент стал обучаться рисованию и живописи – сначала в Академии художеств Брюсселя, затем Антверпена и, наконец, в художественной школе Фернана Кормона (Ателье Кормон) в Париже. В феврале 1888 он переехал на юг Франции в городок Арль, где окончательно сформировалась его своеобразная творческая манера, в основе которой лежат неповторимое восприятие цвета и техника крупных мазков, создающих ощущение движения.

На данном полотне изображен вход в городской парк в Арле. Яркие краски передают атмосферу ясного солнечного дня. Схематично нарисованные фигуры горожан смотрятся как часть общей картины буйной природы юга Франции.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Строительство дороги в Сен-Реми. Ноябрь, 1889. Холст, масло. 73,6x92,7

Винсент Ван Гог – один из выдающихся живописцев начала XX века. После долгих лет поисков себя, в начале 1880, он, наконец, определился в желании стать художником. Ван Гог учился в различных академических заведениях, но все это не помогало достичь вожделенных результатов. В 1888 он переехал в Арль, на юг Франции. По существу, именно здесь вырабатывалась его неповторимая манера. Однако напряженная работа и злоупотребление абсентом – напитком, вызывающим галлюциногенные видения – серьезно подорвали здоровье мастера. В 1889 он попал в психиатрическое отделение больницы городка Сен-Реми, расположенной при монастыре Сен-Поль-де-Мусоль, врачи поставили ему диагноз «эпилепсия височных долей».

На полотне, написанном в Сен-Реми, изображена городская улица, на которой рабочие укладывают дорогу из белых каменных блоков. Центр композиции занимают огромные деревья. Их стволы и кроны производят впечатление живых существ, находящихся в движении.

Поль Гоген (1848–1903). Окорок 1889. Холст, масло. 50,2x37,8

Поль Гоген – художник конца XIX века, которого причисляют к постимпрессионистам. Благополучный банковский служащий и добропорядочный семьянин, Гоген в начале 1870 обратился к занятиям живописью как любитель. Со временем его одержимость искусством привела к уходу из семьи и изменению социального статуса. С 1880 Гоген участвовал в выставках импрессионистов. Но ни критика, ни публика не принимали его работы, мастер не имел заказов, его картины не покупали. Лично зная Винсента Ван Гога, в 1881, оказавшись без средств к существованию, он был вынужден приехать в Арль. Здесь художники некоторое время жили и работали вместе, однако все закончилось крупной ссорой, вызванной одним из первых приступов помешательства у Ван Гога.

Данная картина была создана во время пребывания Гогена в Арле и обнаруживает одну из основных характеристик стиля художника. Его натюрморты смотрятся почти как портреты, на которых неодушевленные предметы обретают человеческую индивидуальность и психологические характеристики. Большой кусок окорока, лук и стакан красного вина на столе ассоциируются с образом крестьянина Южной Франции – простого, грубоватого, уверенного в себе. Однако тонкие ножки стола указывают на то, что в глубине души воображаемого сельского жителя скрывается тонкая поэтическая натура.

Поль Сезанн (1839–1906) Натюрморт с горшком для имбиря 1893. Холст, масло. 46,4x55,6

Поль Сезанн – выдающийся французский художник, представитель постимпрессионизма. Он обучался в частной Академии Сюиса в Париже (1861–1865), где познакомился с рядом живописцев, ставших впоследствии импрессионистами. Особенно Сезанн был дружен с Камилем Писсарро, оказавшим на него большое влияние, это проявилось как в любви к пейзажам, так и в предпочтении светлой палитре. Несмотря на то что мастер дважды участвовал в выставках импрессионистов, его собственное творческое кредо сильно отличалось от новаторских взглядов коллег. В отличие от них Сезанна интересовали не световоздушная среда и ее изменчивость, а устойчивые закономерности цветовых сочетаний и форм, материальность предметного и природного миров. Это направление в дальнейшем получило название постимпрессионизм.

«Натюрморт с горшком для имбиря» является классическим примером комбинации цветовых пятен, создающих пространственную гармонию. Помимо емкости и фруктов акцент сделан на белой скатерти. Известно, что картина входила в коллекцию Клода Моне в период его жизни в Живерни.

Поль Сезанн (1839–1906) Сад в Ле Лаве. Около 1906. Холст, масло. 65,4x81

Поль Сезанн – выдающийся французский постимпрессионист. Всю жизнь он был связан с родным Экс-ан-Провансом, расположенным на юге Франции недалеко от Марселя. В 1901 Сезанн купил небольшой участок земли на северной окраине города и организовал там мастерскую, где творил до конца своих дней, полностью воплотив собственные слова, написанные художнику Эмилю Бернару (1868–1941): «Я стар, болен, и я поклялся умереть за работой».

Этюд, на котором изображен сад вокруг его студии, был создан незадолго до смерти. Живописец завещал родному городу коллекцию своих картин, однако власти отказались принять этот дар, и наследники забрали труды отца себе. Ныне действующий музей-мастерская Сезанна в Экс-ан-Провансе не имеет в собрании ни одного шедевра автора.

Уже через год после смерти творца в Париже состоялась выставка его произведений, имевшая огромный успех и вписавшая его имя в анналы истории искусства.

Камиль Писсарро (1830–1903) Живерни. Без даты. Холст, масло. 36,2x48,9

Камиль Писсарро – французский художник, один из наиболее последовательных представителей импрессионизма. Он постигал ремесло в Национальной высшей школе изящных искусств и в Академии Сюиса, названной по имени ее основателя. В этом учебном заведении царили весьма демократические правила, не было экзаменов и обязательных требований. В разное время здесь получили образование Эдуард Мане, Клод Моне, Поль Сезанн, Арман Гийомен и многие другие. Писсарро сблизился с прогрессивно настроенными молодыми живописцами, отрицательно относившимися к академическому стилю.

В начале 1860-х страстный поклонник пейзажей, Писсарро выработал свою собственную манеру, которая характеризовалась светлой палитрой и мазками, создающими вибрирующий свет и ощущение воздуха.

На картине изображены окрестности местечка Живерни в Верхней Нормандии, где находился дом Клода Моне. Учитывая, что художник приобрел его в 1883, а начал там жить только с 1893, когда Писсарро уже увлекся пуантилизмом, можно предположить, что данное полотно написано между 1883 и 1890.

Пабло Пикассо (1881–1973) Голубая комната 1901. Холст, масло. 50,5x61,5

Пабло Пикассо – легендарный художник XX века, в творчестве которого выделяются несколько периодов, связанных с достаточно резкими стилевыми изменениями. В 1900 мастер уехал из Барселоны в Париж, считавшийся в то время центром изобразительного искусства, где познакомился с новейшими направлениями в живописи. В целом это послужило стимулом для становления и развития его профессиональных предпочтений.

Неустроенная жизнь во французской столице, самоубийство близкого друга, Карлоса Касахемаса, и прочие обстоятельства оказали определенное влияние на формирование «голубого периода» (1901–1904), основными мотивами которого являются смерть, нищета, печаль, бесконечные странствия.

На холсте изображено небольшое помещение. На переднем плане, стоя в большом тазу, моется молодая женщина, изгиб ее тела кажется болезненным. Синий цвет, использованный мастером, намекает на возможное время суток: раннее утро или сумерки, разобранная постель не проясняет ситуацию. Но картина на стене, на которой, вероятно, хозяйка комнаты, и большой букет цветов на столе говорят о принадлежности дамы к богеме. Полотно точно отражает ту, вторую, невидимую, сумеречную («голубую»), сторону красивой жизни.

Анри Руссо (1844–1910) Розовая свеча 1908. Холст, масло. 16,2x22,2

Анри Руссо – французский художник-самоучка, один из самых известных представителей примитивизма. Он был родом из рабочей семьи, после армии поступил на службу в таможню. В свободное время Руссо любил писать масляными красками. Случайно об этом увлечении узнали друзья и рекомендовали показать творчество широкой публике и профессионалам. В 1886 он впервые выставил свои картины в Салоне Независимых.