Текст книги "Музей искусства Нельсона-Эткинс Канзас"

Автор книги: Мария Силина

сообщить о нарушении

Текущая страница: 1 (всего у книги 3 страниц)

М. Силина
Музей искусства Нельсона-Эткинс Канзас

Официальный сайт музея: www.nelson-atkins.org

Адрес музея: 4525 Oak St, Канзас.

Проезд: The Kansas City Мах, остановки 45th, Main streets.

Телефон: 816 751 1278.

Часы работы: Среда – 10:00–16:00, четверг – пятница: 10:00–21:00, суббота – 10:00–17:00, воскресенье – 12:00–17:00.

Музей закрыт по понедельникам и вторникам, на Новый год, 4 июля, в День благодарения, Сочельник и Рождество.

Вход свободный.

Фото– и видеосъемка: Разрешена личная, некоммерческая, фотография без использования вспышки и треноги.

Информация для посетителей: В музее запрещено курить, употреблять напитки и еду в выставочных пространствах, касаться экспонатов, находиться в верхней одежде.

К услугам посетителей ресторан «Rozzelle Court», кафе и музейный магазин.

Здание музея

Город Канзас в американском штате Миссури – знаменитая столица ковбоев. В Великих равнинах разворачивались события времен золотой лихорадки, Гражданской войны. Однако не всякий путешественник знает, что в Канзасе фонтанов, например, почти столько же, сколько и в Вечном городе – Риме, и именно здесь находится один из самых интересных музеев США.

К. Ольденбург, К. Ван Брюгген. Воланы. 1994

Экспозиция приятно удивит как самого искушенного ценителя искусства, так и любителей, которые найдут в ней невероятное разнообразие произведений самых разных эпох со всех уголков мира. Новое здание, построенное к 2005, по рейтингу журнала «Тайм» входит в десятку лучших архитектурных сооружений в стране.

Время формирования коллекции музея – конец XIX века, когда, как утверждает автор книги, посвященной ему, «газетчик почувствовал вкус к изящному, а овдовевшая учительница влюбилась в художественные музеи Европы». Уильям Рокхилл Нельсон приехал в Канзас в начале 1880-х. Он попал в провинциальный пыльный и скучный городок. Предприимчивый журналист инициировал программу по улучшению его инфраструктуры, выступал за закладку новых парков и бульваров. Именно он поднял вопрос об открытии галереи искусств.

Вторым основателем музея по праву считается скромная и мало кому до той поры известная преподавательница Мери МакЭфи Эткинс. Ее муж скончался в 1886, оставив вдове солидное состояние. Она, в свою очередь, завещала деньги на открытие музея.

В 1927 попечители договорились объединить фонды Нельсона и Эткинс, более 3 миллионов долларов хватило, чтобы приобрести оригинальную и качественную коллекцию живописи, скульптуры и декоративноприкладного искусства.

Музей распахнул двери для широкой публики в 1933. Сотрудники делали все, чтобы он стал культурным и образовательным центром города. По сей день здесь проводятся лекции и мастер-классы, экскурсии и специальные выставки для посетителей разного возраста и уровня знаний.

Здание построено в стиле эклектики архитектором Томасом Вайтом. Для города, в котором раньше не было ни одной галереи, это стало настоящим событием. В первый день ее работы пришло 8000 человек, их поразили изящество и великолепие сооружения. Шли годы, коллекция росла, но только в 2007 случилось важнейшее событие в жизни канзасского музея: его реконструкция и увеличение экспозиционной площади. Новое здание архитектора Стивена Холла, легкое, из стекла, с лаконичным силуэтом, как уже говорилось, стало одним из самых заметных архитектурных решений в государстве.

Сейчас собрание насчитывает более 33,5 тысяч объектов. В музее существуют экспозиции искусства Африки, Америки, Китая и Японии. Достойны внимания отделы декоративного искусства, фотографии, графики. Неизменной популярностью у посетителей пользуются залы, посвященные искусству древности, классической Европы и культуре американских индейцев.

История европейского искусства представлена такими именами, как Караваджо, Эль Греко, Тициан, Рембрандт, Петер Пауль Рубенс. Ни одна серьезная музейная коллекция европейского искусства XIX–XX веков не обходится без полотен импрессионистов и постимпрессионистов. Так, и канзасский музей располагает работами Эдгара Дега, Клода Моне, Камиля Писсарро и Винсента Ван Гога.

Изюминкой музея считается отдел Юго-Восточной Азии: шедевры Китая (одна из лучших в мире коллекций антикварной мебели), Японии, Индии, Ирана, Индонезии и Кореи.

Особое место занимает национальное североамериканское искусство, которое представлено работами Джорджа Беллоуза, Джорджа Калеба Бингема, Уинслоу Хомера, Джона Сарджента и многих других.

В зале музея

При музее открыт скульптурный парк с самой крупной в США коллекцией монументальных работ Генри Мура. Наверняка многие ценители прекрасного знают этот музей по его своеобразному символу – гигантским «Воланам» Класа Олденбурга (1994).

В настоящее время экспозиция и временные выставки ежегодно привлекают около 350 тысяч посетителей. Благодаря Музею искусства Нельсона – Эткинс Канзас по праву заслуживает звание одного из важных культурных центров страны. Мечта его основателей сбылась.

В зале музея

Искусство Египта

Рельеф с изображением Монтуэмхета и Анубиса. 665–650 до н. э. Фрагмент

Ра-вер 2503–2455 до н. э. Известняк. 177,8x65,4x41,9

Перед зрителем – статуя древнеегипетского аристократа по имени Ра-вер. Она найдена в погребении, в котором были захоронены несколько знатных семей. Рядом стояли изваяния дочери Ра-вера (след ее руки виден на правой ноге) и матери (след ее руки – на торсе справа). Представленная фигура очень типична и в целом характеризует скульптурное искусство Древнего Египта: строго фронтальна, детализация очень лаконична. Наряду с условностью позы, элементы тела реалистичны: обозначены грудная клетка, пресс, пупок, коленные чашечки. Общий вид таких статуй строг, от них веет вековым безмолвием. По поверьям древних египтян, эти фигуры воспринимались как аналог умершего человека. Энергия «ка» – современное понятие души – вселялась в них. Священнослужители молились за усопших перед их изображениями, подносили еду и дары. Именно поэтому для египтян так важно было написать имя человека на изваянии и сделать его реалистичным, чтобы покойный мог жить и после смерти.

Статуя Мечечи. Около 2375–2345 до н. э. Дерево, гипс, краска, медь, алебастр, обсидиан. 80,3x16,2x38,9

Данная египетская скульптура принадлежит захоронению периода Древнего царства. На поверхности земли возводилось прямоугольное сооружение с одним узким входом в подземелье, где располагалась погребальная камера. Помещение гробницы не было рассчитано на посещение, туда могли проходить только жрецы для осуществления ритуалов. Камера обычно богато раскрашивалась, в нее помещали статуи умерших, а также различные ценности. Естественно, таких почестей удостаивались только самые знатные люди.

Перед зрителем – портрет чиновника по имени Мечечи. Несмотря на реалистичность черт, облик идеализирован, он изображен юным в характерной для жрецов белой юбке на специальном каркасе. Сокровища упомянутой гробницы, в том числе плиты с росписями, повествующими об укладе жизни Древнего Египта, хранятся во многих музеях мира, в частности в Лувре и музее Метрополитен.

Голова Сенурсета III. Около 1874–1855 до н. э. Желтый кварцит. 45, 1x34,3x43,2

Перед зрителем – харизматичный правитель Древнего Египта. Наклон головы, форма губ, посадка глаз – все указывает на властность, независимость и уверенность в себе. Сразу видно, что это выдающаяся и суровая нравом личность. Безусловно, данный портрет не может считаться полностью реалистичным, так как скульптор не запечатлел признаков возраста фараона, но мастерство неизвестного ваятеля неоспоримо. Он изобразил Сенурсета III так, как тот хотел видеть себя. Названному правителю принадлежат слова: «Я расширил свои границы далеко на юг, я умножил то, что перешло мне по наследству… Нападать – значит быть храбрым, отступает только трус». На голове властителя – традиционный убор фараона, на лбу – оберегающая от злых сил кобра.

Принцесса. Около 1352–1336 до н. э. Известняк, краска. 39,4x15,9x18,4

Эта статуэтка древнеегипетской принцессы представляет самый загадочный и интересный этап развития искусства страны. Дело в том, что фараон Аменхотеп IV указом реформировал вековые традиции царства: перенес столицу (из Фив в Тель-эль-Амарну), заново отстроил себе резиденцию, переименовал богов, выдвинул новых, взял другое имя (Эхнатон), а также полностью поменял, казалось бы, незыблемые принципы художественного вкуса египтян. Скульптуры буквально в одночасье стали очень пластичными по трактовке поверхности, позам, портретным чертам. В них появились мягкость, человечность, особый лиризм, который виден в этом небольшом изваянии девочки из семьи правителя. Впечатляет и то, что в насквозь пронизанной условностями культуре вдруг позволяется, становится возможным изображение полностью обнаженного человека. Подъем нового искусства был недолгим, однако очень ярким и совершенно необъяснимым.

Рельеф с изображением Монтуэмхета и Анубиса 665–650 до н. э. Известняк, краска. 41,4x28,9

На данном древнеегипетском раскрашенном рельефе узнаваемого стиля изображен один из самых успешных чиновников страны по имени Монтуэмхет. За время деятельности этого влиятельного политика Верхний Египет пережил три нападения ассирийской армии. Он работал при сменивших друг друга четырех фараонах, которые утратили фактическую власть. Здесь Монтуэмхет в одеянии жреца предстал перед Анубисом, проводником усопших в загробный мир. Бог с головой шакала – один из самых популярных героев искусства страны, где главной книгой была Книга мертвых, а вся жизнь египтянина концентрировалась на культе умерших.

Рассмотрим основные особенности древнеегипетского рельефа, в целом не менявшиеся тысячелетиями (за исключением эпохи Эхнатона, о которой говорилось выше). Рельефы делались очень низкими, то есть снималась большая часть массы камня, оставлялись только тонкие силуэты. Еще применялся так называемый углубленный рельеф: фигуры прорезались в толще камня. Мастера словно распластывали тела по поверхности. Они создавали наиболее полное изображение человека, обычно глаз не в состоянии так увидеть силуэт. Каждая фигура традиционно «составлялась» из фрагментов, данных в разных ракурсах: торс – в фас, голова и ноги – в профиль. Рисунки размещали в одну линию, несколькими ярусами. Движение сцен, повествование приобретало неторопливый, монотонный характер. Преобладание силуэтов и единство стиля подчеркивали гладкость стен. Создавалась необычайно торжественная атмосфера размеренной устремленности к вечности. Мастера не использовали ракурсы и перспективные уменьшения. Размеры фигур соответствовали статусам персонажей: самыми крупными делались боги, потом фараоны, аристократы, а самыми маленькими дети и рабы.

Эстетику древнеегипетского рельефа сотни лет спустя, в XIX и XX веках, открыли для себя европейцы.

Женский портрет 130–161 год н. э. Деревянная панель, энкаустика, позолота, гипс. 44, 5x17,2

Перед зрителем так называемый фаюмский портрет – реалистичное изображение умершего, которое при погребении помещали на верхнюю часть тела мумии. Указанный обычай появился в Египте во времена Римской империи: обряд мумифицирования был традиционным, а документальная передача облика человека – достоянием римской культуры. Вместе это дало потрясающие по своей жизненности и одновременно идеализированности и благородности погребальные портреты. Кажется, что задумчивый взгляд умершей отражает мысли о загробной жизни. Произведения данного жанра делались в технике энкаустики: мастера наносили на деревянную панель расплавленные восковые краски. Такой способ придавал особую стойкость изображениям, делал их «вечными». Поэтому они дошли до наших дней в почти нетронутом виде.

Искусство Древней Греции и Древнего Рима

Сатир на коленях. 150-31 до н. э.

Курос. Около 490 до н. э. Мрамор. 19x14

Куросом называют статую, представляющую обнаженную мужскую фигуру. Этот тип появился в древнегреческом искусстве в период архаики. На языке оригинала слово «курос» означает «юноша».

Скорее всего, данное изваяние являлось частью погребения. Такие скульптуры стали появляться на территории Греции в VII–VI веках до н. э., их изготовление было значительным шагом вперед на пути к реалистичности изображения человека. Первоначально на греческих ваятелей повлияли египетские мастера: это выражалось в общей статичности, фронтальности и застылости позы куросов. Типично греческая черта, которая потом стала классической и оказалась перенята всем европейским искусством, – анатомическая точность в изображении обнаженного тела, она сочеталась с визуальной гармоничностью пропорций. Образ у скульпторов получался очень «человечным» – это коренное свойство античного искусства.

Этрусская статуэтка 460–450 до н. э. Бронза. Высота – 40,6

Эта фигурка считается одной из самых ценных среди объектов статуарного искусства этрусской бронзы в американских музейных коллекциях. Фактура накидки и обнаженного тела, черты лица и тончайшая детализация изображения, гармоничные пропорции, тщательное и виртуозное исполнение в названном материале – все свидетельствует о ее высочайшем художественном качестве. По версиям историков, статуя представляет либо этрусского бога войны Мариса, либо греческого Геракла или же какого-то высокопоставленного смертного. Этруски соседствовали с греками, они жили на побережье Средней Италии (Апеннинский полуостров). Так, более развитая культура влияла на них в области письменности и искусства. Этруски, в свою очередь, оспаривали господство греков на море.

Лев. Около 325 до н. э. Мрамор. 11 3x204,5

Эта статуя весом более 1300 килограммов была создана в Афинах в классический период развития древнегреческого искусства, в IV веке до н. э. Она сделана из пентелийского мрамора. Данный вид камня – один из излюбленных материалов строительства и ваяния в главном городе Аттики. Сразу после добычи он бел и зернист, но постепенно под воздействием солнца желтеет и приобретает благородный золотистый оттенок. Когда скульптуру обнаружили, она состояла из 48 разных по величине фрагментов. Ученые провели большую работу по ее реконструкции. Недостающие части были отлиты в гипсе.

Статуя льва имела определенную символическую функцию. По верованиям древних, это животное должно было защищать кладбище, у входа которого его установили. Характерна поза: зверь готов к нападению, мускулы напряжены, пасть застыла в рыке, виден оскал. Судя по отдельным частям тела, ваятель никогда не видел настоящего льва. Возможно, он бегло ознакомился с каким-либо обобщенным рисунком, представляющим его, а потом в процессе работы «реконструировал» изображение по памяти. Так, неизвестный древнегреческий мастер дополнил фигуру этого хищника чертами других зверей: бедро коровы, позвоночник козла, ребра лошади. Глаза очень похожи на человеческие, а поза больше свойственна собакам, форма ноздрей позаимствована у них же. Скорее всего, для выполнения данного заказа автор наблюдал и зарисовывал движения и наружность наиболее доступных для него домашних животных. Но особенный образ зверя ничуть не умаляет выразительность статуи. Производят впечатление сильные передние лапы, их четко прорезанные мускулы и сухожилия. Скульптор добился главного для фигуры охранника умерших афинских граждан: лев выглядит свирепым и мощным.

Римский патриций. Около 120. Мрамор. 43, 2x60x27,3

Римские скульптурные портреты считаются одной из ярчайших и недосягаемых вершин европейского искусства. В первые века нашей эры мастера создали целую галерею изображений своих соотечественников. Главная особенность этих бюстов – гармоничный баланс между острой натуралистичностью и ощущением благородства, уверенности в себе, которое исходит от них. Так в классическом древнеримском искусстве соединяются документальность облика с его идеализацией.

Портрет неизвестного патриция реалистичен: уголки рта опущены, кожа дряблая. Некоторые специалисты даже предполагают, что запечатлен человек, перенесший сердечный приступ. Однако, как считали древние мастера, гражданин любой внешности, прославившийся работой на благо империи, заслуживает увековечения в мраморе.

Погребальный портрет неизвестной женщины. Около 120–130. 63,5x43,2x24,1

Стрижка и сегодня многое может сказать о человеке, носящем ее: строгий офисный стиль, коса до пояса, африканские дреды, цветные ирокезы. Так было и в древние времена. Прическа изображенной дамы ярко свидетельствует о ее высоком положении в обществе. Для создания подобной требовалось несколько слуг. Волосы героини убраны в парадном стиле. О том, что перед зрителем посмертный портрет, свидетельствует небольшой завиток листьев аканта. Считалось, что человек снова переродится, как акант по весне. По традициям погребения такой бюст устанавливался непосредственно на могилу. Подобные мемориальные статуи служат очень важным источником информации о повседневных и культурных традициях древности.

Кастор или Поллукс. Середина II века. Пентелийский мрамор. Высота – 76,2

Предположительно, перед зрителем изображение одного из двух легендарных мифологических героев Древнего Рима: Кастора или его брата Поллукса. Прославившиеся силой, отвагой и приключениями близнецы входят в число самых популярных персонажей европейской живописи и скульптуры. Они рождены от разных отцов: Кастор – сын человека, Поллукс – бога Юпитера. Из любви к брату Поллукс поделился своим бессмертием.

Данная статуя – прекрасная древнеримская копия из пентелийского мрамора. Она – вариация на тему изваяния, которое в V веке до н. э. украшало вход на афинский Акрополь. Бросается в глаза подчеркнуто героическая внешность юноши: развитая мускулатура, идеализированное лицо, спокойная и в то же время собранная поза.

Портрет римского юноши. Середина II века. Мрамор. 168, 3x43,2x35,6

Древние римляне считали, что усопший человек становится бессмертен, как божество. Именно этими воззрениями объясняется частое устанавливание на могилы статуй умерших в идеализированном виде. Например, данный неизвестный юноша своей позой похож на распространенный тип изображения бога Аполлона. Стоит обратить внимание на характерную черту древнеримского искусства: лицо подростка сделано реалистично, а идеальное, недетское тело словно приставлено к нему. Этот метод запечатления государей и полководцев заимствуют столетия спустя европейские скульпторы классицизма по всему миру. Можно назвать, например, знаменитый памятник А. В. Суворову, созданный М. И. Козловским (1801, Санкт-Петербург).

Искусство Азии

Стоящий Будда. 668–935

Сцена из жизни Будды. Конец II – начало III века. Филит. 57, 2x91,4

Перед зрителем – образец буддийского искусства Гандхары (исторической области на северо-западе Индостана, которая к описываемому моменту была под властью Греко-Бактрийского царства). Сформировавшаяся тогда культура представляет собой уникальный синтез древнеиндийского, буддийского и античного искусства.

Стилистически фигуры выполнены по всем правилам буддизма, однако позы приобрели большую устойчивость и меньшую чувственность. Будда невольно напоминает римского военачальника или императора с античных рельефов. Композиция также заимствована, на этом фрагменте Учитель – в центре, вокруг – группы почитателей. Ранее искусству региона были свойственны незавершенность повествования, ритмичность, стремящаяся к бесконечному штампу, в этот период индийская пластичность встретилась с римской деловитостью и воплотилась в иконографию изображения Будды. Она оказалась разработана именно в Гандхаре. Учителя представляли с миндалевидным овалом лица, в скромном монашеском облачении. Этим он отличался от бодхисатв, богато одетых. Несомненно, классическая античная скульптура, гармоничность ее пропорций и направленность на чувства зрителя, оказала влияние на человечески теплый образ Будды. В нем божественное величие сочеталось с духовной красотой. Примечательно, что в гандхарских произведениях наряду с традиционными образами буддизма встречаются античные купидоны, легендарные герои Древней Греции и Рима, а фигурки Будды занимают место на капителях колонн.

Лев Конец. VII-начало VIII века. Мрамор, краска. 29,9x20,3x24,8

Представленное изваяние относится к одному из самых ярких этапов развития искусства Китая. В период империи Тан (618–907) оно пережило расцвет и плодотворно обогащалось соседними культурами: в стране работали арабы, персы, японцы, буддизм сосуществовал с конфуцианством и даосизмом.

Скульптура того времени – важнейшая часть буддийской храмовой архитектуры. Пластика достигла выразительности, энергичности выявления отдельных элементов (анатомии). Декоративность (стоит обратить внимание на трактовку гривы) сочеталась с потрясающей точностью и документальностью позы. Лев в буддизме традиционно символизировал защитника, а также аллегорически представлял самого Будду. Такие изваяния ставили у входа в священные места. Раскрытая в рыке пасть должна была отпугивать злых духов.

Йогиня. Конец IX-начало X века. Камень. Высота – 133,4

В конце IX века на территории Тамила (юг Индии) самым сильным стало государство Чола, в регионе начался мощный расцвет искусств. Возведение храмовой архитектуры достигло небывалых размахов, дороговизны затрат и пышности отделки. Ритуалы также сделались почти фантастическими в своих роскошествах: на скульптуры во время жертвоприношений выливались целые ведра молока и апельсинового сока, о них разбивали сотни кокосовых орехов. Сами изваяния становятся очень чувственными: круглящиеся линии груди, бедер и живота, эротичные позы. В этом проявляется основное отношение индусов к сущности божеств: идея созидания, выраженная через сексуальные практики. Данная скульптура представляет женщину-йога, йогиню. Пышность ее форм отличается от сегодняшнего образа йогов – высохших от постоянной аскезы старцев.

Караиккал Аммаяр. XI век. Бронза. 49,9x22,5x14

Эта бронзовая статуэтка необычна своими островыразительными формами и сюжетом. Она отличается непревзойденными по тонкости чеканки деталями. Изображена реально существовавшая в середине VI века одна из трех женщин-наянмаров (так называли шиваитских святых и поэтов) Караиккал Аммаяр. Известно о 63 наянмарах, они жили в Тамиле в период с V по X столетие.

Караиккал – чрезвычайно популярный образ в тамильской литературе и искусстве. Здесь ее изображение далеко от привычной пышнотелой чувственности индуистских танцовщиц. Женщина была красавицей, после того, как ее муж узнал, что она наделена магическими способностями, он отказался от нее. Тогда несчастная стала умолять Шиву, своего покровителя, отдать ее тело демонам, ведь ей, покинутой, уже не нужна красота. Караиккал вела аскетичный уединенный образ жизни, посвятив себя написанию гимнов в честь бога.

Гуань Юй 907-1234. Дерево, краска. 241,3x165,1

Эта статуя отличается богатством отделки, усложненной фактурностью и полихромией (она раскрашена в несколько цветов). В рассматриваемый период буддизм утрачивал свои позиции при императорском дворе и скульптура, которая по традиции поддерживалась государством, постепенно уходила от духовных характеристик персонажей, эволюционируя к более утонченным, даже рафинированным образам. На примере данного изваяния видно, как неизвестный мастер увлеченно покрыл тончайшей, изощренной резьбой одежду героя. Гуань Юй, военачальник царства Шу (221–263), – один из главных героев популярного приключенческого романа «Троецарствие».

Богиня облаков и воды. Около 825-1310. Песчаник. 60,3x26

В древнеиндийской мифологии почитались богини облаков и воды, их называли «апсара». По своим функциям они близки древнегреческим нимфам. Эти существа – популярные героини рельефов на стенах храмов. К описываемому времени они стали изображаться как прекрасные молодые девушки – танцовщицы и куртизанки. Апсары, как правило, богато одеты и представлены в чувственных позах.

У ног полуобнаженной девушки – обезьянка, она стягивает с ее бедер легкое покрывало. На этом примере хорошо видны основные черты индийской пластики: пропорции приземисты, отдельные части тела несоразмерно велики. Все сделано, чтобы подчеркнуть чувственность героини, ее тесную связь с окружающим миром. Изысканная и скрупулезная резьба орнаментов и деталей туалета сочетается с лаконичной трактовкой лица. Древним мастерам был важен не портрет, а узнаваемость типа.

Мухаммад Сиях Калам(?) (1469–1525) Птицы и хищники в цветах. Конец XV века. Бумага, чернила. 16,5x24,7

Данный рисунок сделан в Тебризе, откуда ведет свое начало одна из самых интересных и известных художественных школ мусульманского Востока (сейчас – крупный город Ирана на границе с Азербайджаном). Тогда, в конце XV века, он был центром искусства миниатюры, а значит, и графической культуры. Пришедшие к власти тимуриды принесли с собой традиции китайской живописи, которые обогатились исламскими принципами искусства.

Этот лист дает представление о синтетическом характере исламо-китайской графики. Способ расположения животных очень свободен, тонкие контуры и штриховка говорят о китайской составляющей. Также обращает на себя внимание характерная для этой азиатской культуры трактовка сухих сучковатых стволов деревьев и изящных завитков облаков. Заполненность страницы и панорамная точка зрения, в свою очередь, – исламский компонент. Стремление к сплошной орнаментальности и интерес к изображению беззаботного досуга сочетаются со сценами погони и охоты. Художник словно доносит до зрителя, что за каждой игрой может скрываться конкуренция, в мире царят борьба и соперничество, а также вечное противостояние сильных и слабых, мужчин и женщин. Работа предположительно приписывается одному из известных мастеров того времени – Мухаммаду Сиях Каламу, из-за схожести манеры компоновать сюжеты и графического стиля. Однако многие историки искусства оспаривают реальность этого автора и считают, что произведения, подписанные названным именем, принадлежат целой группе творцов.

Чжоу Чен (1455 – после 1536) Свиток. Без даты. Шелковая бумага, акварель, чернила. 28,3x135,9

Китайская живопись – уникальный пример жизнестойкости традиций. Сложившись к Средневековью, она сохранила специфику до наших дней. Стиль художников страны узнается моментально. Поэтическое упоение красотой окружающего мира, тишина и умиротворенность, разлитые в пейзаже, необычная перспектива изображения – все эти признаки составляют гордость национальных мастеров во все века. Живопись формировалась на основе искусства каллиграфии. Красота почерка, гибкость линии и деликатность пятен туши стали незыблемыми.

В Европе множество разных концепций в определенные времена составляли ценность и цель живописи: идея Бога, аллегории, мифы, символы порядка, реализм и документальность повествования, а также выразительность совершенно разных чувств. В Китае красота во всех смыслах: красота мира и мельчайшего штриха – неизменная основа искусства. Важную роль играла и концепция «инь – ян»: единство противоположностей как залог гармонии Вселенной. Инь – пассивное, слабое, темное, мягкое, женское начало и ян – активное, светлое, сильное мужское.

Свои композиции мастера традиционно выполняли на свитках. Слева – участок с преобладанием темного: густой зелени деревьев, мрачных скал, приземистых домиков. Каждый предмет по отдельности – уже маленькое произведение искусства. Справа открывается панорамный вид на покрытую дымкой долину, раскинувшуюся внизу. С легкостью можно представить одинокого человека, который выходит из дома и в задумчивости любуется ею. Тишина и простор оглушают зрителя. Притом в картине нет ничего застывшего, все будто обладает внутренней динамикой. Это еще одна отличительная черта китайской философии живописи: художники стремились выразить постоянную изменчивость природы.

Махасиддх. Конец XVI-начало XVII века. Серебро, бирюза. 19,4x12,7x9,2

Махасиддх – йогин, благодаря психопрактике и особым медитативным состояниям достигший высших сверхспособностей. В каком-то смысле его можно сравнить с православным юродивым. Йогины вели себя вызывающе, на взгляд обывателей: входили в состояние транса во время тантрических танцев, были эмоционально и сексуально раскрепощены, проповедовали и визионерствовали. Символы на короне и блаженная улыбка персонажа означают возвышение над бренностью существования и победу над смертью.

Победа Кришны над Агасурой. Начало XVIII века. Бумага, акварель. 24,7x39,7

Эта оригинальная и яркая работа представляет живопись региона Мевара в Раджастхане. В XVI–XVII веках Индия была объединена под властью мусульманской династии Великих Моголов. При них сложился величественный парадный стиль во всех областях искусства: от монументальных архитектурных ансамблей до придворной миниатюры. Мастерство живописцев сформировалось на основе предшествовавшей иранской классической традиции Тебриза (XVI столетие). Век спустя был создан и собственный стиль, отличающийся яркостью красочной палитры, динамичностью композиций, документальностью в передаче деталей.

Эта акварельная работа впечатляет свежестью красок и оригинальностью образов. Здесь в светло-зеленом цвете с желтоватым оттенком изображено морское чудовище, демон Агасура. Сцена взята из многочисленных описаний приключений Кришны в юношестве. Он вошел в пасть монстра и вырвал ему сердце. Мастер изображает бога дважды – в открытой пасти демона и в правой части листа, стоящим рядом со своим братом Баларамой. По обычаю, Кришну представляли мальчиком или молодым человеком. Кожа бога синего цвета, потому что с санскрита его имя переводится как «Черный или темно-синий». В поэзии традиционным стало сравнение облика Кришны с цветом облаков. Действие происходит в темноте, очень оригинально смотрятся яркие тона на мерцающем звездном фоне.

Шиокавабунрин (1808–1877) Речной пейзаж с светлячками 1874. Бумага, чернила, пигмент, золотая краска. 172,7x377,2

Пейзажи – традиционный жанр живописи в японском искусстве. В нем наиболее полно отразились самые существенные черты национальной философии. Принципы монохромного пейзажа были заимствованы художниками из более древней культуры Китая. В Японии этот жанр приобрел собственные черты. Большое значение наряду с графической составляющей (работа штрихами, силуэтом) имеет моделировка листа с помощью широких мазков туши. Она создает вибрирующий фон, на котором чернилами выводятся предметы. Живопись творцов отражает трепетное изумление красотой природы, гармонией мироздания.

Шиокава Бунрин был учеником знаменитого Окомото Тойохико, самого значительного мастера школы Шийон в Киото. Художник работал по заказу аристократических семей города. На его принципы большое влияние оказала западноевропейская живопись. Представленная работа впечатляет реалистичностью. Пространство дышит сгущенным, сумеречным воздухом. В дымке тускло светятся светлячки. Несмотря на утопающие в тумане предметы, художник четко выстраивает композицию в глубину. Этот эффект достигнут лишь распределением более и менее светлых полос туши. Мастер не раз рисовал такие пейзажи со светлячками. Горизонтальное панно на эту же тему хранится в Британском музее в Лондоне (1875). Сдержанный стиль письма, почти меланхолическая атмосфера большей части работ Бунрина отвечали вкусам киотской знати.