Текст книги "Поль Гоген"
Автор книги: Марина Гордеева
Жанры:
Искусство и Дизайн
,сообщить о нарушении
Текущая страница: 1 (всего у книги 2 страниц)
М. Гордеева
Поль Гоген 1848-1903
Хоровод маленьких бретонок. 1888
Поль Гоген был одним из четырех величайших мастеров постимпрессионизма[1]1
Если для художников импрессионистов источником вдохновения служило непосредственное наблюдение – первое впечатление, то для большинства мастеров постимпрессионизма главным является его переосмысление, то есть идея.
[Закрыть]. Наряду с Полем Сезанном, Винсентом Ван Гогом и Анри Тулуз-Лотреком он воспринял уроки импрессионизма, а потом взорвал этот стиль изнутри, создав свой неповторимый художественный язык.
Несомненная одаренность, мощный творческий темперамент, независимость суждений и властный характер – все определяло в Гогене лидера.
Годы испытаний. Начало пути
Эжен Анри Поль Гоген родился в Париже 7 июня 1848. Почти сразу после появления на свет сына отец принял решение покинуть Францию. Вместе с семьей он отправился в Перу, где собирался открыть собственный журнал, но этим планам не суждено было сбыться. По пути в Южную Америку Кловис Гоген скончался от сердечного приступа.
Прожив в Перу какое-то время, семья Гогена в 1855 вернулась на родину, поселившись в Орлеане. Спустя десять лет Поль, уставший от провинциальной жизни, нанялся на торговое судно и покинул дом на целых шесть лет. За годы своих странствий он побывал в Рио-де-Жанейро, Панаме, Океании и во многих других странах от Средиземного моря до Полярного круга.
После возвращения во Францию по протекции Гюстава Ароза Гогену удалось получить место в одной из самых солидных биржевых фирм Парижа. Новый вид деятельности молодому человеку давался легко и не вызывал никаких нареканий со стороны начальства.
Вскоре Гоген женился на добропорядочной и практичной датчанке Мэтт-Софи Год. Постепенно он занял достойное положение в обществе, получил перспективную работу, приобрел комфортабельный дом в пригороде Парижа, а в семье родились пятеро прелестных детей. Но особенно жизнь Гогена скрашивало и наполняло смыслом хобби – рисование, которому он посвящал все свободное время. Благодаря Гюставу Ароза, Гоген познакомился с некоторыми художниками, входившими в группу импрессионистов. Постепенно идеи считавшегося в то время авангардного течения полностью завладели мыслями молодого человека, и он даже взял несколько уроков у известного художника Камиля Писсарро. Гоген начал много рисовать, вскоре его имя зазвучало в богемных кругах Парижа.
Живописец воспринимал импрессионизм неким противостоянием академическим традициям, а его представителей как новаторов, ищущих особые, неоткрытые доселе выразительные средства в искусстве. Их главной заслугой художник считал умение показать зрителям нечто неожиданное в повседневной жизни, окружающей людей.
В доме на улице Карсель в Париже. 1881
Ранние работы Гогена отличаются большой самостоятельностью, однако в них заметно влияние произведений Эдгара Дега. Например, это выражается в частом изображении на первом плане второстепенного персонажа или объекта. Подобную трактовку композиции можно видеть в работе «В доме на улице Карсель в Париже» (1881, Музей д'Орсе, Париж). Все внимание зрителя берет на себя прекрасный букет цветов, расположенный на первом плане, в то время как основное действие, разворачивающееся в глубине комнаты, воспринимается не сразу и не кажется важным. Особым выразительным средством в этой картине является свет, который объединяет все изображенное на холсте.
В зрелом возрасте Гоген все чаще задумывался о том, чтобы целиком посвятить себя живописи. Прекрасным поводом для того, чтобы мечта, владевшая им, окончательно перевесила все разумные доводы, стал биржевой кризис, который разразился во Франции в 1882. Выбор был сделан – Гоген решил вплотную заняться искусством.
Очарование южной природы
Финансовый кризис отразился не только на экономике, но и культуре страны. Люди почти перестали покупать произведения искусства, в результате чего жизнь семьи Гоген превратилась в борьбу за выживание. Пытаясь сократить расходы, в 1884 они переехали в Руан, а позднее – в Данию. Постоянные материальные трудности испортили отношения супругов, которые в 1885 решили расстаться. Вместе со своим вторым сыном Гоген вернулся в Париж, а Мэтт с остальными детьми осталась в Дании.
Этот период стал для художника переломным, в его искусстве появились новые, несвойственные импрессионизму интонации. Начало перемен было напрямую связано с поездкой Бретань в 1885. Самобытность культурных традиций и некоторая экзотичность французской провинции напомнила Гогену о молодости и годах странствий. Он приехал в городок Понт-Авен и поселился в Пансионе Глоанек. Своим суровым обликом и нелюдимостью у местных жителей живописец заслужил репутацию чудака. Гоген считал, что пребывание среди простых людей, жизнь которых не тронута современной цивилизацией, от кроет некие вечные истины бытия. В письме к своему другу Клоду-Эмилю Шуффенекеру художник писал: «Я люблю Бретань, я нахожу там дикость, первобытность. Когда мои деревянные башмаки стучат по этой гранитной почве, мне слышится тот тон – глухой, плотный и мощный, который я ищу в живописи»[2]2
Гоген П. Письма. Ноа-Ноа. Из книги «Прежде и потом». Д., 1972, с. 49.
[Закрыть].
В Понт-Авене творчество мастера изменилось: картины обрели новую тональность, наметился решительный отход от импрессионистических приемов, которыми он активно пользовался раннее. Но тем не менее первые картины Гогена, выполненные здесь, все еще были отмечены влиянием Камиля Писарро и Эдгара Дега, хотя в них уже наметились черты его собственного художественного стиля. Так, в полотне «Прачки в Понт-Авене» (1886, Лувр, Париж) художник изобразил маленький уголок южного пейзажа с каменными домами и пышной растительностью. Посредством тонких, словно обнимающих предметы мазков, он не только подчеркивает их объемы, но передает трепет естественной жизни природы и ее первобытную мощь.
Бретонский пейзаж со свинопасом. 1888
Символический автопортрет с нимбом. 1889
Портрет мадам Гоген в вечернем платье. 1884
Прекрасная Анжель. 1889
Портрет Винсента Ван Гога. 1888
Добиваясь выразительности, живописец все чаще прибегал к обобщению и упрощению форм, заполнял холст крупными цветовыми массами. Соприкосновение с природой этих мест, имеющей в своей основе декоративный характер, проявившийся в четкости форм и насыщенном контрасте, стало отправной точкой для становления самостоятельного стиля художника.
Нужно отметить, что в ранних произведениях, как, впрочем, и в последующих, Гоген практически никогда не изображал движение. Его неуклонно влекла эстетика размеренности и покоя. Даже состояния природы художник трактовал как плотную безвоздушную среду, украшенную несколькими искусственными рефлексами. Постепенно мастер пришел к осознанию того, что задачи живописца намного шире того, чтобы просто создавать копии бытия. По его мнению, основополагающей в изобразительном искусстве является «трансформация» реальной действительности. Гоген считал, что необходимо воссоздавать внутреннюю правду натуры.
Так, например, в картине «Бретонские крестьянки» (1886, Новая пинакотека, Мюнхен) намеренно уплощено пространство, что максимально приближает фигуры женщин друг к другу. Несмотря на то, что фоном действия является пейзаж, художник пытается убедить зрителя в том, что бретонки находятся в условном, прекрасном, гармоничном, почти вневременном пространстве. В отличие от предыдущих работ, эта уже имеет четкий декоративный характер.
Прачки в Понт-Авене. 1886
Вернувшись в Париж в ноябре 1886, Гоген познакомился с Винсентом Ван Гогом. Дружба художников была странной и эмоциональной, так как оба отличались бурным, темпераментным и непримиримым характером. Однако Гоген ненадолго задержался в Париже, считая, что ему нет места в городе, отнимающем у него здоровье и энергию.
В 1887 Поль вместе со своим другом художником Шарлем Лавалем, с которым познакомился еще в Понт-Авене, отправился в Панаму в поисках вдохновения и новых впечатлений. В результате весьма неблагоприятно сложившихся в чужой стране обстоятельств, Гогену с Шарлем пришлось наняться рабочими на строительство Панамского канала. Накопив достаточную сумму денег, друзья продолжили свое путешествие, но вояж завершился неожиданно. Гоген был вынужден вернуться на родину, так как заболел малярией.
Какое-то время художник провел в Понт-Авене. Здесь он стал лидером и вдохновителем так называемой понт-авенской школы, которая сыграла важную роль в формировании постимпрессионизма. Ее представители – Лаваль, Море, Де Шамайяр, Бернар, Сезюрье и другие в своих творческих исканиях двигались параллельно с Гогеном.
Бретонские крестьянки. 1886
Стиль, к которому мастер пришел в Бретани, впоследствии получил название «клуазонизм»[3]3
Клуазонизм (cloisonne – (фр.) перегородка) – техника, для которой характерны плоские пятна яркого цвета в темной окантовке, напоминающие перегородчатую эмаль или витраж. Термин впервые был применен критиком Эдуардом Дюжарденом к произведениям Луи Анкетена и Эмиля Бернара. Изначально это понятие использовалось в прикладном искусстве.
[Закрыть]. Его главным выразительным средством является пластичность линии, которой в подражание японскому искусству обводился каждый изображенный элемент. Таким образом, предметы отделялись друг от друга, превращаясь в замкнутое, локально окрашенное целое. Несмотря на то, что линия и контур в искусстве Гогена играли значительную роль, самым важным для него всегда был цвет. Некоторые исследователи считают Гогена создателем идеизма[4]4
Идеизм – живописный символ. Сам художник определял свою программу как «синтетизм».
[Закрыть] – за стремление художника придать линии и цвету максимальную выразительность, раскрывающую зрителю настроение мастера и его замысел.
Так, живописец практически полностью очистил свои полотна от многообразия оттенков, приведя их к чистому цвету. Он считал, что только цвет может стоять на одной ступени со светом. В искусстве Гогена почти нет места тени, потому что она противоречила его плоскостному пониманию формы. Относительно этого он писал своему другу Эмилю Бернару: «Вы обсуждаете с Лавалем вопрос о тенях и спрашиваете, наплевать ли мне на них. В том, что касается объяснения света, – да. Посмотрите на японцев, которые ведь замечательно рисуют, и вы увидите жизнь на пленэре и на солнце без теней, и тень, являющуюся обманом зрения, вызванным солнцем, я склонен изгнать»[5]5
Гоген П. Письма. Ноа-Ноа. Из книги «Прежде и потом». Д., 1972, с. 51.
[Закрыть].
Голубые крыши близ Руана. 1884
Обнаженная. 1880
Видение после проповеди. 1889
В картинах, написанных в Бретани, стиль Гогена получил свое новое воплощение. Художнику очень нравилась здешняя атмосфера, а сами бретонцы казались более целостными и близкими к природе, нежели люди его круга, ставящие на первый план исключительно материальные ценности.
Видимо, под впечатлением от бретонской атмосферы живописец создал картину «Видение после проповеди» (1889, Национальная галерея, Эдинбург). Работа построена на контрасте двух сцен: реальной, где на первом плане бретонские женщины слушают воскресную проповедь, и воображаемой – битва Иакова с ангелами. Два композиционных плана четко отделены Друг от друга резкой черной полосой, являющейся границей этих двух миров. Мастер пытался уравновесить их за счет цвета и ритма, но к целостности произведения это не привело. Однако резкие контрасты цветовых пятен позволили Гогену создать яркое декоративное панно. Несмотря на некоторые просчеты и недостатки полотна, в нем намечены выразительные средства, которые станут характерными для всего последующего творчества художника.
Принципы нового стиля Гоген в полной мере продемонстрировал в полотне «Бретонский пейзаж со свинопасом» (1888, Собрание Нортона Саймона, Лос-Анджелес). Незатейливую бытовую сценку с мальчиком-пастухом художник превратил в монументальное декоративное панно, практически полностью лишенное полутонов и теней. Главная роль в пейзаже принадлежит яркому зеленому цвету, который является камертоном для всех остальных опенков.
Сбор урожая в Бретани. 1889
Маленький бретонец, поправляющий деревянный башмак. 1888
В картине «Маленький бретонец, поправляющий деревянный башмак» (1888, Новая Глиптотека Карлсберга, Копенгаген) ведущее место занимают пластическая выразительность рисунка и звучный музыкальный ритм.
В композиции «Над пропастью» (1888, Музей декоративного искусства, Париж) цвет и линия находятся в равновесии, взаимно дополняя и обогащая друг друга. Благодаря этому, работа превращается в математически просчитанное монументальное полотно, наполненное гармонией и изысканностью, что выдает увлечение Гогена утонченным искусством Востока.
Обращение к японской гравюре оказало решающее влияние на стиль художника. Характерные для нее приемы построения органично вошли в его творчество, обогатив резкими пространственными сдвигами, приближением героя к краю холста или же выведением второстепенного персонажа на первый план. Так, например, в полотне «Отверженные. Автопортрет с профилем Бернара» (1888, Музей Винсента Ван Гога, Амстердам) художник изображает себя на фоне насыщенно желтых обоев с крупными белыми и голубыми цветами. Фигура Гогена занимает практически весь левый край холста, он словно специально «подвинулся», чтобы зритель мог рассмотреть висящий на стене портрет его друга Бернара. Мастер намеренно огрубляет черты своего лица, жестко подчеркивая высокие скулы, искривленный нос, плотно сжатые губы, придавая себе схожесть с героем романа В. Гюго «Отверженные». Работая над построением этого полотна, он полностью лишил его глубины. За счет того, что Гоген изобразил себя в темно-синей рубашке, а большая часть его лица скрыта в тени, активный теплый фон обоев зрительно выходит на первый план. Из-за этого напряженного тепло-холодного контраста второстепенные декоративные элементы цветы – начинают жить своей собственной жизнью.
Отверженные. Автопортрет профилем Бернара. 1888
Кафе в Арле. 1888
Картина «Желтый Христос» (1889, Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало) решена совершенно иначе. Здесь фон не противопоставляется персонажам, а, напротив, является их плотью и кровью. Благодаря этому, Христос не только органично включен в простую бытовую сцену, но и становится ее равноправным участником.
В октябре 1888 художник провел зиму в Арле вместе с Винсентом Ван Гогом, который мечтал основать здесь новую колонию художников и ожидал найти в лице Гогена своего единомышленника. Но все сложилось иначе. Гоген, будучи уже известным художником, обращался с Ван Гогом как с учеником, из-за чего очень скоро их отношения накалились до предела.
О расхождениях во взглядах со своим новым товарищем Гоген писал Эмилю Бернару: «С Винсентом мы мало, в чем сходимся вообще и особенно в живописи. Он восхищается Домье, Добеньи, Зиемом и великим Pvcco – людьми, которых я не переношу. И, наоборот, он ненавидит Энгра, Рафаэля, Дега – всех, кем я восхищаюсь. Он романтик, а меня привлекает, скорее, первобытность. С точки зрения цвета – он любит все случайности густого наложения краски, как у Монтичелли, я же ненавижу месиво в фактуре и т. д.» [6]6
Там же, с.51.
[Закрыть].
В результате творческих конфликтов, Ван Гог в состоянии аффекта набросился на своего друга с ножом, когда тот спал. Несчастье не случилось только потому, что проснувшемуся Гогену удалось вернуть его к реальности, но отчаяние Ван Гога было настолько велико, что он не нашел ничего лучшего, чем отрезать себе часть уха. После этого инцидента Гоген незамедлительно уехал в Париж.
В Арле мастер создал ряд полотен, выполненных в ярких и чистых тонах, целиком построенных на гармонии больших локальных пятен. Главную роль в них, помимо цвета, играет выразительность ритмичной линии. К шедеврам этого периода относится картина «Кафе в Арле» (1888, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва) – одна из немногих, написанных мастером с натуры. Работу отличает глубокая эмоциональность, строгая внутренняя упорядоченность и обобщенность. Идеей произведения является пронзительное чувство одиночества и человеческой отчужденности. По своей внутренней интонации работу можно сопоставить с такими картинами, как «Ночное кафе» Ван Гога и «Абсент» Эдгара Дега.
Зеленый Христос. 1889
Желтый Христос. 1889
Особое место в – творчестве Гогена принадлежит жанру натюрморта, которые он писал на протяжении всей жизни: «Когда я чувствую себя уставшим, сообщал он своему другу, – я начинаю писать натюрморт, не прибегая для этого к модели». Это говорит об особом даре – необычайном воображении художника. «Я не стремлюсь к тому, чтобы создать иллюзию предмета… И, если тени – это всего лишь оптическая иллюзия, я склонен к тому, чтобы не принимать их во внимание», – писал Гоген своим корреспондентам. Так, например, в натюрморте «Окорок» (1889, Мемориальная галерея Филипс, Вашингтон) мастера в первую очередь интересует резкий контраст, сопоставление и противопоставление различных геометрических форм, а уже потом изображение снеди.
Иногда для большей выразительности своей идеи Гоген объединял в одном произведении несколько жанров. Полотно «Натюрморт с профилем Шарля Лаваля» (1886, частная коллекция) сочетает в себе прекрасно написанные фрукты и как бы случайно попавший в «кадр» портрет друга художника. Подобное построение композиции можно видеть в некоторых работах Эдгара Дега, например, в «Даме с хризантемами» (1858–1865, Музей Метрополитен, Нью-Йорк).
Окорок. 1889
Формирование живописной манеры мастера происходило на юге Франции, природа которой явилась своего рода школой мастерства, где «закладывались и шлифовались его навыки и художественное мировоззрение». Полностью же талант Гогена раскрылся в экзотичной и далекой Полинезии.
Таинственный мир Полинезии
В 1889, находясь под впечатлением от Всемирной выставки в Париже, Гоген загорелся идеей посетить удивительный, загадочный остров Таити и, чтобы оплатить дальнее путешествие, распродал все свои картины.
Натюрморт с профилем Шарля Лаваля. 1886
Сад в снегу. 1879
Автопортрет с желтым Христом. 1889
Бретань, деревня в снегу. 1888
Старые девы. 1888
Период зрелого творчества художника начался с момента переезда в Полинезию, где он надеялся скрыться от враждебного буржуазного мира. Гоген ожидал увидеть здесь нетронутую цивилизацией местность и людей, живущих по первобытным традициям и верованиям. Однако вместо этого он попал на вполне цивилизованный, заселенный европейцами остров. Мастер был страшно разочарован.
Большое дерево. 1892
Живописец прибыл на Таити 10 июня 1891 и обосновался в европейской колонии в Папеэте. Практически сразу же после приезда он нанес визит губернатору Лакаскада, который принял художника как чрезвычайно важного и почетного гостя. Гогену казалось, что жизнь начинает налаживаться и в скором времени его ждет множество заказов, выполнение которых улучшит его материальное благосостояние. В ожидании положительных изменений он арендовал хижину рядом с собором, на краю города.
Вскоре Гоген понял, что люди, населяющие остров, мало чем отличаются от тех, кто живет в европейских городах. Живописец не предполагал, что даже на далеком острове, затерянном в водах бескрайнего Тихого океана, главным мерилом человека также являются деньги. Доверие Гогена к «белым» быстро прошло, он открыл для себя жизнь туземцев, которых рассматривал через призму своей мечты – первобытность взглядов и неискушенность.
Островитяне встретили мастера с удивлением, особенно женщины. «Он был высокого роста, прямой, стройный, сильный и ухитрялся сохранять вид полнейшего пренебрежения к окружающему его миру, хотя и был полон любопытства к тому, что происходит на Таити, острого предвкушения той работы, которую ему предстоит здесь совершить», – писал в своих воспоминаниях о прибытии художника на остров лейтенант Жено.
Стремясь и здесь убежать от каких-либо признаков цивилизации, Гоген купил себе в глухой деревушке маленькую соломенную хижину и полностью погрузился в работу.
Соприкосновение с миром фантастически прекрасной и необычной природы привело к обновлению искусства мастера. Таким образом, стиль художника, сформировавшийся еще на родине, получил новую, более совершенную огранку.
Пораженный «буйной гармонией красок» полинезийской природы, живописец неустанно работал, создавая новые, невероятные по колориту произведения. В первое время своего пребывания на острове Гоген написал большое количество пейзажей, в которых учился изображать новый для себя мир. В ряде работ, созданных в 1891–1892, еще заметны некоторые тенденции, свойственные более ранним полотнам с преобладанием холодных оттенков в колорите, некоторой живописной скованностью, жесткостью и «цветовой сухостью письма», а так же простым композиционным построением. Все это можно увидеть в картинах «Большое дерево» (1892, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Дерево» (1892, Художественный институт, Чикаго), «Пейзаж на Таити» (1892, частное собрание).
В одном из лучших пейзажей, написанных на острове, – «Под пандовыми деревьями» (1891, Институт изящных искусств, Миннеаполис) корни тропических деревьев трактуются мастером как золотые ленты, образующие причудливые узоры на багровом прибрежном песке. Статичность фигур и уравновешенность цветовых пятен превращают полотно в удивительное по красоте декоративное панно.
Постепенно Гоген усложнял композиции, делая их более многоплановыми, наделяя колорит всем богатством красок природы. Приметы нового стиля видны в работе «Пейзаж с павлинами» (1892, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва), которую также называют «Смерть». Впоследствии именно такой подход к трактовке обобщенного, таинственно-притягательного и в тоже время несколько пугающе-зловещего образа таитянских ландшафтов станет доминировать в творчестве мастера.
Пейзаж на острове Мартиника. 1887
Наряду с этим в картины Гогена возвращается прежняя декоративность колорита. II, если раннее первенство делили между собой цвет и линия, то теперь лидирующее место стало принадлежать сложному, словно святящемуся изнутри цвечу – «Горы на Таити» (1893, Институт изящных искусств, Миннеаполис).
Помимо пейзажа, занимающего всегда важнейшее место в творчестве художника, особенно стоит выделить портрет, поскольку на сочетании одного жанра живописи с другим складывалась главная тема искусства Гогена – созвучие «человеческой жизни с животным и растительным миром в композициях, в которых большую роль играет великий голос земли»[7]7
Вентури Д. От Мане до Лотрека. М., 1958, с. 96.
[Закрыть].
Горы на Таити. 1893
Героиней большинства полотен мастера является прекрасная, дикая и загадочная таитянская женщина. Именно через ее величественный и гибкий образ Гоген передает свое пантеистическое видение мира. Так, в полотне «Куда ты идешь?» (1893, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) совершенно обыденный бытовой мотив художник превратил в возвышенно-эстетический. На первом плане изображена молодая девушка в ярко-красном парео, держащая бережно, словно ребенка, плод тропического растения. В некотором отдалении от нее, на фоне хижин, сидят ее подруги, внимательно смотрящие на зрителя. Стиль этой работы намного мягче и естественнее предыдущих полотен мастера. Рисунок почти утратил былую резкость, а линия приобрела гибкость и живость. Посредством композиции Гоген ненавязчиво объединил плоскостные ритмичные мотивы, смягчив границы контрастных цветов. Колорит кар тины изыскан, благодаря разнообразию теплых розовых оттенков, она словно подернута знойным маревом.
Те же интонации ощущаются в одном из любимейших мастером полотен «А ты ревнуешь?» (1892, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). На полотне изображены две обнаженные девушки, уютно расположившиеся на берегу фантастически прекрасного водоема. Их насыщенно-золотистого цвета тела застыли в ленивой истоме на розовом песке. Ничто не выдает того, что совсем недавно между ними возникла ссора. Гоген изображает идеальный мир. Пейзаж наполнен загадочными, ускользающими формами, в которых можно узнать экзотические цветы или неведомых бабочек. Некоторая абстрактность фона, окружающего таитянок, придает всей композиции монументальное звучание. В статуарном величии их фигур и ритме жестов Гоген передал древние интонации, а в задумчиво-непроницаемых глазах девушек – «замутненную поверхность неразрешимой загадки»[8]8
Гоген П. Письма. Ноа-Ноа. Из книги «Прежде и потом». Д., 1972, с. 100.
[Закрыть], Для построения картины живописец использовал прием, с которым работал еще в Понт-Авене, – разделение плоскости на две части. Отделенные от водоема береговой линией фигуры героинь оказываются изолированными в условном пространстве розового пляжа. Благодаря этому, художнику удается передать ощущение неотделимости человека от природы. Молчаливое спокойствие, исходящее от полотна, символизирует саму суть неторопливой жизни Полинезии. Именно в таких произведениях Гогену удалось выразить размеренное течение жизни, парящей на острове.
Куда ты идешь?. 1893
А ты ревнуешь? 1892
В своем творчестве мастер дал таитянам весьма неоднозначную оценку, хотя с первого взгляда они воспринимаются зрителями чистыми и целомудренными. Гоген стремился не только постигнуть, но и показать современникам ту первооснову бытия, которую сам считал основополагающим в этих тихих, мужественных и величественных жителях острова.
Немного обжившись, Гоген женился на тринадцатилетней таитянке Техуре. Совсем еще юная девушка хорошо знала старинные придания, обряды и легенды своего народа. Она стала для художника музой, незаменимой помощницей и любимой моделью. Именно Техура позировала для самых лучших произведении, которые написал живописец на острове.
В портрете «Предки Техуры» (1893, Институт искусств, Чикаго) мастер изобразил свою супругу в европейском платье. Она держит в руках пальмовый веер; волосы по древнему обычаю украшены прекрасными белыми цветами. Девушка сидит на фоне фриза с фигурами богов – идолов Хины и Таароа, которых таитянцы почитали как своих предков.
Варварские сказания. 1902
Предки Техуры. 1893
Белая лошадь. 1898
Пейзаж с павлинами. 1892
От Техуры Гоген узнал легенду о происхождении лучшей половины людей Ареои, согласно которой они были созданы грозным богом Оро. Честь стать матерею привилегированного клана людей выпала на долю красивой девушки Вайраумати, в которую страстно влюбился Оро. Очарованный этим рассказом, в 1892 художник написал полотно «Ее зовут Вайраумати» (Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). Гоген изобразил прародительницу Ареои в образе обнаженной таитянской девушки, сидящей на роскошной темной ткани. Рядом с ней стоит маленький столик с фруктами, приготовленными для возлюбленного. За спиной героини – красавец Оро в красной набедренной повязке. В глубине картины изображены два идола, олицетворяющие любовь. Несмотря на то, что действие сюжета происходит на фоне пейзажа, художник обособил богиню от мира людей, тем самым проведя черчу между реальным и потусторонним мирами.
Повышенная декоративность и стилизация этого полота обусловлена тем, что Гоген изобразил сцену из легенды, а не реальной жизни. Работая над картиной, живописец скрупулезно изучал древние таитянские сказания и, если раньше использовал художественные приемы японской культуры, то теперь обратился к искусству Египта, Индии, Ирана и Камбоджи. Восприняв общие изобразительные принципы живописи этих стран, мастер дал им собственную трактовку и как бы преломил через призму монументального видения мира.
Дух мертвых бодрствует. 1892
Художник достаточно часто выбирал сюжеты для своих произведений из маорийских преданий. Потому поэтический подтекст в его работах играет значительную роль «Дух мертвых бодрствует» (1892, Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало).
Вскоре Гогена начали преследовать многочисленные неприятности, связанные с материальными трудностями и проблемами со здоровьем. Частые и беспорядочные интимные связи с местными девушками привели к тяжелому заражению. Узнав о своей болезни, художник оставил беременную супругу и уехал во Францию. На родине он вернулся к привычной жизни, в поисках утешения и ласки сошелся с весьма молоденькой бездомной индианкой, которая была известна как Анна Яванская. Однако девушка не стала живописцу верной спутницей. Во время совместного путешествия в Бретань художник из-за несносного и скандального характера новой избранницы был сильно избит. Он тяжело переживал произошедшее, но более жестокий удар его ждал впереди Анна покинула своего «благодетеля», прихватив с собой все ценные вещи.
Когда ты выйдешь замуж? 1892
С мечтами о тихой семейной жизни Гоген в 1895 вернулся на Таити, надеясь на возобновление отношений с Техурой. Но она уже была замужем за островитянином и воспитывала сына Эмиля, рожденного or брака с Гогеном. Вскоре после приезда художник снова женился. Четырнадцатилетняя девушка Паура из соседней деревни не сыграла столь значительной роли в творчестве мастера, как первая супруга, хотя Гоген считал ее обнаженный портрет лучшим произведением, который он когда-либо создавал.
В Полинезии колористическое дарование художника раскрылось полностью. Гоген по-прежнему очень требовательно относился к цвечу в своих работах, считая, что только посредством него можно выразить самые неуловимые интонации в природе и даже ее внутреннюю силу. Постепенно яркий колорит работ уступил место более сдержанному, а иногда даже сумрачному живописному решению холста, а рисунок при этом стал строго обобщенным. В искусстве Гогена зазвучали печальные, даже трагичные интонации.
Зимой 1897–1898 художник получил из Копенгагена известие о смерти горячо любимой, единственной дочери, которая скончалась в возрасте двадцати лет от пневмонии. Переполненный отчаяния, Гоген совершил попытку самоубийства. В этом же году у его сына Кловиса, который после возвращения из Дании делил с отцом нищенское существование в Париже, в результате несчастного случая, парализовало ногу. Бывшая супруга художника Метта не сочла нужным известить об этом Гогена. В начале мая 1900 молодого человека оперировали, но 16 мая, на двенадцатый день после операции, Кловис умер от сепсиса. Ему только исполнился двадцать один год. Живописец об этой смерти так и не узнал.
В конце 1890-х – в самый трагичный период своей жизни Гоген создал большое полотно «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?» (1897, Музей изящных искусств, Бостон), которое считал своим духовным завещанием. Картина изображает раздумья мастера о невозможности проникнуть в тайну «нашего происхождения и нашего будущего»[9]9
Там же, с. 101.
[Закрыть].
Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем? 1897
Содержание произведения нужно «читать» справа налево, постепенно раскрывая его смысл – течение человеческой жизни от рождения до смерти. На большом, вытянутом по горизонтали холсте изображен берег лесного ручья, в густой воде которого отражаются таинственные тени-видения. Пышная тропическая растительность призвана сбить зрителя столку, создав впечатление того, что действие происходит не на земле, а в раю. Поставив в названии полотна три вопроса, Гоген композиционно разделил картину на столько же частей. Первую занимают три женщины, сидящие около спящего ребенка, покой которого охраняет большая черная собака. В центре изображен сильный юноша с высоко поднятыми над головой руками. Нарочито огромная фигура, вопреки законам перспективы, помещена художником в заросли. Она поднимает руку, с удивлением глядя на двух персонажей, осмелившихся предстать перед ее взором. В левой части кар тины – группа людей, образующая идейное единство с идолом, находящимся на втором плане. Каждый из образов, представленных в этой работе, несет в себе некое поэтическое иносказание, являясь весьма определенным символом.
