Текст книги "Лувр"

Автор книги: М. Гордеева(редактор)

сообщить о нарушении

Текущая страница: 1 (всего у книги 4 страниц)

М. Гордеева(редактор)
Лувр

Здание Лувра. Париж

Официальный сайт музея: http://www.louvre.fr Адрес музея: Musee du Louvre 75058 Paris Cedex 01 Проезд:

Метро – станция Palais-Royal/Musee du Louvre Автобусы – № 21,24, 27, 39, 48, 68, 69, 72, 81,95 Телефон: + 33 01 40 20 50 50

Часы работы: со среды по понедельник: 9:00–18:00 Музей закрыт по вторникам, 1 января, 1 мая и 25 декабря.

Цены на билеты:

Каждое первое воскресенье месяца и 14 июля посещение бесплатное, за исключением выставок зала Наполеона.

Все экспозиции Лувра – 14€

Экспозиции Лувра, за исключением музея Эжена Делакруа и выставок зала Наполеона – 10€

Выставки зала Наполеона – 11 €

Детям до 18 лет и некоторым другим категориям туристов вход в Лувр бесплатный, за исключением выставок зала Наполеона.

Отдел информации, где можно получить справку по интересующим вопросам, приобрести буклеты и планы музея, расположен при главном входе (под пирамидой).

Зал Пьера Пюже в Лувре

Про Лувр то и дело что-нибудь сочиняют. То призрак египетского фараона там поселяется и начинает злодействовать по ночам (в фильме «Бельфегор. Призрак Лувра»), то тишайшего искусствоведа найдут убитым в одном из главных залов музея (это мы «Код да Винчи» имеем в виду). Жуть какая-то, между тем никаких приведений в настоящем Лувре нет, а сотрудники на его территории чувствуют себя в полной безопасности.

Но все эти леденящие кровь истории, хоть и придуманные от начала до конца, имеют вполне реальные последствия: попасть в Лувр с каждым годом становится все труднее. По данным Ассошиэйтед Пресс, Лувр – рекордсмен среди музеев мира по числу посетителей: 8,5 миллиона человек в 2010. И если раньше это были в основном ценители прекрасного, то сейчас поклонники Дэна Брауна стремятся в музей с одной-единственной целью: сфотографироваться на фоне Джоконды.

Специально для них на самом входе в Лувр даже есть указатель, как пройти к этому шедевру.

Между прочим, сравнительно недавно, сто с лишним лет назад, «Мона Лиза» была далеко не самым известным экспонатом музея, о ней знали в основном специалисты. Но в 1911 портрет пропал. В ходе основательных поисков под подозрение попал сам Пабло Пикассо. Картину нашли два года спустя в Италии, туда ее увез работник музея Винченцо Перуджия. Так, после возвращения в Лувр, Джоконда стала по-настоящему знаменита, что, конечно, не умаляет ценности этого полотна кисти великого Леонардо.

Говорить о Лувре в связи с одной-единственной картиной как-то странно. Шедевров здесь множество, более того, сам Лувр – абсолютный шедевр со своей удивительной историей, которую даже Дэн Браун придумать бы не смог.

Замок расположен в центре Парижа, на правом берегу Сены. Его строительство началось в XIII веке при Филиппе II Августе. Здание возводилось как крепость. В ней хранили королевскую казну и архивы, а также держали в тюремных казематах врагов французской короны. Сам король предпочитал жить во дворце в Сите, на месте нынешнего Дворца правосудия. Королевской резиденцией Лувр стал в XIV веке при Карле V. При наследниках Карла V королевская резиденция покинула дворец. И только спустя более полутора столетий, уже при Франциске I, двор вновь вернулся в него.

В 1546 архитектор Франциска I Пьер Леско начал перестраивать Лувр. Старая крепость приобрела облик ренессансного дворца. Работа завершилась через девять лет, в 1555, при короле Генрихе II. При Генрихе IV был составлен генеральный план реконструкции Лувра. Он предусматривал увеличение площади всего архитектурного ансамбля в четыре раза. В 1608 между Лувром и построенным в 1563 Екатериной Медичи Тюильри вдоль берега Сены была возведена галерея длинной 420 метров. Она получила название Большой галереи и стала основой будущего музея. Предполагалось, что собранные за долгое время королевские коллекции уникальных ценностей будут размещаться здесь. Последующие монархи расширяли Лувр, строили новые здания, пополняли его собрание предметов искусства.

Лувр ночью

Но в 1674 Людовик XIV перенес свою резиденцию в Версаль. Многие помещения Лувра так и остались недостроенными. Дворец, утративший значение королевской резиденции, стали занимать различные учреждения и частные квартиранты.

К середине XVIII века замок вовсе пришел в упадок: даже стоял вопрос о его сносе! Но произошло небывалое событие: Лувр неожиданно спасли парижанки. Они 6 октября 1789 маршем двинулись в Версаль, чтобы убедить короля, Людовика XVI, вернуться в Париж. И убедили.

Эпоха Наполеона I Бонапарта является новой страницей в истории дворца. Правитель решительно принялся за возобновление строительства Лувра и первым делом освободил дворец от всех тогдашних его обитателей. Следующим шагом в духе многих реформаторов стало переименование здания: Лувр получил «скромное» название «Музей Наполеона». Оценка роли Бонапарта неоднозначна, ведь коллекция пополнялась им за счет ограбления завоеванных стран. После его поражения более 5000 захваченных произведений искусства были возвращены владельцам, но ряд шедевров все же остался в Париже.

Во время революции 1848 Лувр вновь был переименован, на этот раз в Народный дворец, но ненадолго. В 1850-е строительство Лувра завершал Наполеон III. В мае 1871 в дни Парижской коммуны в музее вспыхнул пожар. Здание пострадало, но его быстро отреставрировали.

На протяжении многих веков в Лувре собиралось все ценное, что создавалось мастерами своего времени.

Древнеегипетские статуи богини Сехмет

Французские короли не ставили себе цели коллекционировать произведения какого-то одного стиля или эпохи. В XX веке музеем был сформулирован принцип хронологического ограничения: представлять произведения, созданные до 1848, то есть до Французской буржуазно-демократической революции. В итоге искусство периода 1848–1914 передали в музей Орсе, искусство нашего времени – в Центр Жоржа Помпиду, доисторические памятники – в Национальный музей археологии в Сен-Жермен-ан-Ле.

На протяжении XIX–XX столетий собрание пополнялось как путем приобретения произведений искусства, так и в результате их дарения частными коллекционерами. Сделать подарок знаменитому музею сегодня может каждый: на официальном сайте Лувра (www.louvre.fr) есть специальный раздел для желающих внести свою финансовую лепту в его процветание.

В последние века Лувр живет размеренной жизнью: никаких переименований больше не совершают, а из более-менее недавних перестроек внимания заслуживает, пожалуй, одна. В 1985–1989 по проекту знаменитого архитектора Йо Минг Пея была построена состоящая из стеклянных сегментов пирамида, которая обеспечивает наилучшее освещение обширного подземного холла музея. Она же – главный и самый знаменитый вход в Лувр. Консерваторам придутся по душе другие входы, тем более что там не такие огромные очереди. Масштабная пирамида окружена фонтанами и тремя пирамидами поменьше. Большинство современных изображений Лувра включает в себя новые конструкции, а поначалу идею приняли не все. Многие увидели в этом «авангардизме» угрозу историческому облику дворца. Потом, конечно, привыкли, как в свое время – к Эйфелевой башне и Центру Жоржа Помпиду.

Чего не могут простить администрации Лувра, так это расположения здесь, в оплоте французской и мировой культуры, «Макдоналдса», символа американского масскульта. Еще многим не нравится, что Лувром будет называться новый музей, который скоро откроется в Абу-Даби. На это уже получено официальное разрешение. Но ведь там будет совсем другой музей, который еще очень нескоро сможет сравниться по значимости и популярности с настоящим Лувром.

В зале Лувра

Искусство древнего мира

Крылатые быки (шеду) из дворца Саргона II в Дур-Шаррукине. 712–707 до н. э.

Египет Статуя писца 2620–2350 до н. э. Известняк. 53,7x44x35

Статуя писца была найдена в местах захоронений времен Древнего царства в Саккаре. Писец, личность которого не известна, должен был занимать высокое положение при дворе фараона. Об этом свидетельствует тщательная проработка деталей скульптуры, внимание к лицу портретируемого, выражению его глаз, окаймленных медью. Это не рядовой «писчий»: в наиболее старых скульптурных изображениях писцов египетскими мастерами были увековечены видные государственные деятели. Статуя привлекает оригинальными красками, а образ писца запоминается острым взглядом и интеллектуальным выражением лица.

Египет Портрет молодой девушки Около 161–180. Дерево, энкаустика. 20x33

Портрет молодой девушки относится к ранним фаюмским портретам – погребальным изображениям усопших, выполнявшимся в технике энкаустики (от греческого слова «ehkaio» – «выжигаю») – восковой живописи расплавленными красками.

Фаюмские портреты – это прекрасные реалистические живописные произведения, характерные для эллинистического периода истории Египта. Они стали продолжением местной традиции изготовления погребальных масок, однако техника их создания и стилистические особенности относятся к эллинистической культуре: прежде египетское искусство не знало подобной передачи индивидуальных портретных черт. Благодаря этой удивительно реалистической живописи, многие образцы которой прекрасно сохранились до наших дней, можно представить себе облик людей, моду на украшения и прически, бытовавшие в то далекое время.

Курос Около 540 до н. э. Мрамор. Высота 130

Курос – это скульптурное изображение юноши, не имеющее портретного сходства с каким-либо реальным человеком, но представляющее идеал мужской красоты древних греков периода архаики. Часто куросы служили надгробиями умершим.

Архаическое искусство характеризуется поиском верных пропорций человеческого тела. Эти скульптурные изображения монументальны, позы на них строго фронтальны. Древние скульпторы пытались передать иллюзию движения фигуры, поэтому левая нога изображалась выдвинутой в шаге вперед, при этом в целом поза куроса оставалась неестественно напряженной и «неживой». Стремясь придать лицу теплоту и эмоциональное выражение, греческие мастера оживляли его легкой улыбкой, получившей название архаической. Сегодня эта улыбка на непроницаемом каменном лице кажется неразгаданной тайной, столетиями хранимой мраморными куросами и корами (изваяниями девушек). Лишь в следующем, классическом, периоде древнегреческого искусства скульптура освободится от подчинения форме каменного монолита, «освоится» в трехмерном пространстве, станет более реалистичной, обретет правильные пропорции и способность передавать человеческую фигуру в движении.

Греция Ника Самофракийская Около 190 до н. э. Мрамор. Высота 328

Статуя крылатой богини победы была создана жителями острова Родос в память о морской победе. Пьедесталом ей служило каменное изображение носа корабля, на который будто бы опустилась Ника, даруя морякам победу в сражении. Статуя была найдена на другом греческом острове – Самофраки, где находилось святилище кабиров – древних греческих богов, избавлявших от опасностей и бед. Обнаружил скульптуру в 1863 французский археолог Шарль Шампуазо, который и привез ее во Францию. Голова, руки и одно из великолепных орлиных крыльев статуи навечно утрачены, но сейчас за плечами Ники гордо подняты два крыла – второе воссоздали точной копией сохранившегося. Неоднократно предпринимались попытки воспроизвести руки Ники, однако все они оказались безуспешными, поскольку грубо разрушали гармонию образа. Неизвестно, каким был ее оригинальный облик в целом, однако в том виде, в котором Ника Самофракийская дошла до наших дней, она стала одним из непревзойденных произведений греческого гения эллинистической эпохи.

Греция Венера Милосская Между 130 и 100 до н. э. Мрамор. Высота 202

Одно из величайших творений древнегреческого эллинистического искусства приписывается скульптору Агесандру. Скульптура Венеры Милосской была найдена в 1820 на острове Милос, откуда и происходит ее название. В то время руки статуи еще не были утрачены, и Венера поддерживала спадающие одежды. Однако после обнаружения скульптуры произошел спор между французской и турецкой сторонами о праве ее вывоза с острова, и в результате этого руки Венеры были утеряны. В следующем 1821 Венера Милосская была доставлена в Лувр и предстала публике «гением чистой красоты».

Искусство Италии

Сандро Боттичелли. Мужской портрет. 1490-е. Мужской портрет. 1490-е

Чимабуэ (Пенни Ди Пепо) около 1240 – около 1302) Богоматерь с Младенцем на троне в окружении ангелов 1290–1295. Дерево, темпера. 424x276

Алтарный образ работы Чимабуэ из церкви Сан-Франческо в Пизе стал одной из жемчужин коллекции Лувра. Манера письма Чимабуэ восходит к византийской, в которой узнается «иконный» стиль, однако в ней уже намечен переход к более живой и изящной живописи. С этого пока еще робкого стремления к отходу от строгих канонов берет свое начало искусство эпохи Возрождения, первым этапом которого стал Проторенессанс.

Изображение сидящей на троне Богоматери с Младенцем на руках еще воспринимается иконой, то есть произведением религиозного искусства, объектом поклонения и молитв. Однако в нем уже заложена трансформация иконы в картину, созданную для удовлетворения эстетической потребности человека в созерцании прекрасного. Лики и композиция остаются иконно-строгими, но в трактовке одеяний художник позволяет себе вольность – великолепно выписывает струящиеся складки одежд и переливы цвета, давая зрителю возможность почувствовать легкость и красоту материи.

Филиппо Липпи (1406–1469) Мадонна с Младенцем в окружении ангелов, со святыми Фредиано и Августином (Алтарь Барбадори) 1437. Дерево, темпера. 208x244

Филиппо Липпи, художник эпохи Раннего Возрождения, получив монастырское воспитание, принял монашеский обет и создавал религиозные композиции.

Это алтарный образ, заказанный живописцу для капеллы, посвященной Святому Фредиано, в церкви Санто-Спирито во Флоренции. Художник – истинный певец прекрасного. В изображении Мадонны с Младенцем и ангелами небесными он создает прелестные образы, поражающие возвышенной красотой. Ангелы удивительны в своей непосредственности: они задумчиво глядят по сторонам, кто-то из них смотрит на Мадонну, которая, держа на руках божественного Младенца и опустив глаза, подходит к двум коленопреклоненным святым – Фредиано и Августину.

До 1810 алтарь оставался в церкви. В ходе наполеоновских завоеваний он был отправлен во Францию и на родину уже не возвращен. В 1814 работа попала в Лувр.

Симоне Мартини (около 1284–1344) Несение креста 1333. Дерево, темпера. 30x20,5

«Несение креста» – фрагмент алтаря, известного как «Полиптих Орсини». Он посвящен страстям Христа и состоит из шести частей, ныне хранящихся в разных европейских музейных собраниях.

Эту работу мастера сиенской школы Симоне Мартини отличают драматизм и эмоциональный накал, которые художник привнес в традиционный сюжет. На лицах персонажей ясно читаются чувства, обуревающие ими, что было бы немыслимым для византийской манеры письма. Жесты и мимика героев патетичны и немного театральны, однако в этом находит выражение личное отношение художника к изображаемому им событию Священной истории, его сопереживание.

Козимо Тура (около 1430–1495) Пьета со святыми. Алтарь Святого Георгия в Ферраре 1474. Дерево, темпера. 132x267

Живописец Раннего Возрождения, Козимо Тура был придворным художником дома д'Эсте, герцегов Феррары.

Композиция «Пиета со святыми» является частью алтаря Святого Георгия в Ферраре. Пиета – это оплакивание Христа, умершего на кресте. Непременным участником таких композиций является Богоматерь. На ее коленях распростерто бездыханное тело Сына, рядом изображены фигуры избранных святых, сопереживающих Ее горю. Здесь нет места красоте: лица всех присутствующих искажены скорбью и страданием, на лике Христа также лежит печать крестных мук. Для передачи эмоционального состояния героев художник использует язык мимики и жестов, красноречиво говорящий об их переживаниях.

Андреа Мантенья (около 1431–1506) Святой Себастьян Около 1480. Холст, темпера. 257x142

Святой Себастьян – популярный образ в изобразительном искусстве, к которому обращались многие художники, живописуя жестокий эпизод его мученичества – страдание от пущенных в него стрел. Святой Себастьян в III–IV веках тайно исповедовал христианство. Узнав об этом, император Диоклетиан приговорил его к смерти. Однако раны, нанесенные святому, не стали смертельными. Жена втайне выходила его, и он, не желая бежать из Рима, предстал перед Диоклетианом чудесно спасенным. Император же вновь повелел казнить святого.

На луврской картине «Святой Себастьян» Андреа Мантеньи, живописца и гравера Раннего Возрождения, святой привязан к обломку античной колонны, нижняя часть его тела усеяна стрелами. Колонна как часть разрушенного античного храма символизирует медленно уходящий в небытие мир язычества, за который так крепко держался император и жертвой которого пал святой Себастьян. Рядом с ногами несчастного молодого мужчины сохранился мраморный фрагмент разбившейся статуи, когда-то стоявшей на этом месте и прославлявшей греко-римских богов.

Антонио Пизанелло (1395–1455) Портрет Джиневры д'Эсте 1435–1449. Дерево, темпера. 43x30

«Портрет Джиневры д'Эсте» («Портрет принцессы») – произведение итальянского живописца раннего Кватроченто Антонио Пизанелло. Профиль принцессы напоминает чеканные образы, создававшиеся на памятных медалях.

Некоторыми исследователями выдвигалось предположение, что изображенная является не Джиневрой д'Эсте, а другой представительницей этого дома, урожденной Гонзаго. Однако в настоящее время считается, что портрет принадлежит все же Джиневре.

Девушка запечатлена на фоне цветов. Для современного зрителя они значат не больше, чем просто живописный «природный» фон, однако современникам художника они могли бы о многом рассказать. Каждый цветок имеет свое символическое значение и обозначает определенное явление. Включенные живописцем в «контекст» произведения, эти цветы несут тайный смысл, раскрывая историю жизни принцессы. Джиневра д'Эсте была убита своим мужем за то, что не могла иметь детей. Цветы гвоздики и колокольчики водосбора символизируют супружество и плодовитость, однако у водосбора (аквилегии) есть и иное значение – смерть. О смерти говорит также и приколотая к рукаву платья веточка можжевельника.

Доменико Гирландайо (1449–1494) Портрет старика с внуком 1488. Дерево, темпера. 62x46

В «Портрете старика с внуком», личности которых остались неизвестными, Доменико Гирландайо, живописец Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы, стремился к реалистично-правдивому изображению своих моделей. Трогателен образ маленького мальчика с выбивающимися из-под красной шапочки золотистыми кудрями, прильнувшего к деду в надежде найти то ли защиту, то ли ответ на какой-то мучающий его вопрос. Старику-деду художник не польстил. Он изобразил его некрасивое лицо без прикрас, однако обращенный к ребенку взгляд, полный любви и нежности, придает его облику одухотворенность. В открытом окне виднеется «идеальный пейзаж», характерный для живописи Ренессанса: долина с лентой реки, возвышающиеся вдали холмы и скалы. Отношения героев столь же прекрасны и гармоничны, сколь прекрасна и умиротворенна природа.

«Портрет старика с внуком» поступил в Лувр в 1886.

Пьетро Перуджино (1448–1523) Аполлон и Марсий 1495. Дерево, темпера. 39x29

Картина Пьетро Перуджино, живописца эпохи Возрождения, представителя умбрийской школы, посвящена греческому мифу о музыкальном состязании сатира Марсия и бога искусств Аполлона. Сатир научился искусно играть на флейте, брошенной богиней Афиной, и, возгордившись своим совершенным исполнением, сделал вызов Аполлону. Аполлон, высочайший музыкант, не мог простить дерзкой выходки сатира, осмелившегося поспорить с ним. Играя на лире, он выиграл музыкальный поединок, а в наказание за дерзость сорвал с Марсия кожу.

Жестокое окончание этой истории не вошло в сюжет картины. Перуджино написал состязание двух музыкантов, точнее игру на флейте Марсия. Он весь погружен в музыку и не замечает своего олимпийского противника. Прекрасный Аполлон холодно взирает на сидящую фигуру сатира; его лира, стоящая у ног, ожидает момента, когда сиятельный бог извлечет из нее пленительные звуки, с которыми не в силах соперничать музыка смертных.

Рафаэль Санти (1483–1520) Прекрасная садовница 1507. Дерево, масло. 122x80

Рафаэль, великий итальянский живописец, график и архитектор, прожил недолгую жизнь. «Прекрасная садовница» («Мадонна с Младенцем и святым Иоанном Крестителем на фоне пейзажа») написана уже сложившимся мастером. Прелестный образ Девы Марии дышит спокойствием и умиротворением.

Фигуры юной Богоматери, Ее прекрасного Младенца и маленького Иоанна Крестителя очень органичны и словно растворяются в пейзаже. Детали ландшафта, с любовью выписанные мастером – и растения, и дальние горы, и городские стены, – притягивают внимание зрителя. Духовная и физическая красота находят воплощение в облике Богоматери, дивный лик которой светится бесконечной любовью к Сыну. В Его чистых глазах читается глубокое взаимное чувство, слитое с детской преданностью Матери.

Леонардо да Винчи (1452–1519) Мона Лиза (Джоконда) 1503–1505. Дерево, масло. 77x53

В записях великого Леонардо да Винчи, гения Ренессанса, нет ни одного упоминания о работе над портретом. Существует много версий того, кто изображен на этом произведении. Среди прочих мнений выказывались и такие, что Мона Лиза – и автопортрет самого Леонардо, и портрет его ученика, и портрет матери или просто идеальный собирательный женский образ. Согласно «официальному» мнению, на картине изображена жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо Лиза Герардини.

На губах Моны Лизы застыла знаменитая едва уловимая улыбка, придающая ее лицу загадку и очарование. Не зритель смотрит на нее, а она сама наблюдает за ним глубоким, все понимающим взглядом.

Картина выполнена почти прозрачными, необычайно тонкими слоями. Кажется, что Мона Лиза не написана красками, а совсем «живая». Мазки настолько мелкие, что ни микроскоп, ни лучи рентгена не обнаруживают следов работы мастера и не определяют количество живописных слоев. «Джоконда» необычайно воздушна. Воздух получился настоящим, как и сама Джоконда – тоже «настоящая». Пространство картины наполнено легкой дымкой, пропускающей рассеянный свет, – «сфумато», по определению самого художника.

Джулио Романо (1492/1499-1546) Триумф Тита и Веспасиана Около 1537. Дерево, масло. 120x170

Картина живописца и архитектора, талантливого ученика Рафаэля, одного из первых представителей маньеризма Джулио Романо повествует о далеких временах римской истории. В ознаменование победы над Иудеей император Веспасиан и его сын и наследник Тит устроили пышное триумфальное шествие, которое и стало сюжетом произведения. На колеснице, запряженной четырьмя лошадьми, в специально воздвигнутую для этого случая триумфальную арку въезжают Тит и Веспасиан, увенчанные лавровыми венками победителей и сопровождаемые летящей фигурой богини победы Ники.

Композиция картины разворачивается по принципу фриза. Создается впечатление бесконечного движения, поскольку ни начала, ни завершения торжественной процессии не видно. Шествие исчезает под сводом арки, архитектура которой тщательно выписана художником, бывшим придворным архитектором при дворе Гонзага.

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576) Увенчание терновым венцом Около 1542. Дерево, масло. 303x180

Одну из сцен страстей Христа Тициан, величайший мастер эпохи Высокого Возрождения, изобразил на фоне арки под мраморным бюстом императора Тиберия. Коронование терновым венцом в знак того, что Иисус называл себя Царем Иудейским, происходит словно в безмолвном присутствии последнего римского императора, в годы правления которого случилось это событие. Мраморный двойник всеми почитаемого владыки похож на бессильного идола, а Тот, кто может врачевать людские души, унижен, оскорблен и осужден на смерть. Остервенелые и ослепленные ненавистью воины набросились на Него, словно лютые звери, и палками возложили терновый венец. Лик Христа искажен страданием.

Паоло Веронезе (1528–1588) Брак в Кане Галилейской 1562–1563. Холст, масло. 666x990

Паоло Веронезе – один из виднейших живописцев венецианской школы.

На полотне «Брак в Кане Галилейской» изображен Христос на брачном пиру в галилейском поселении Кана в момент совершения своего первого чуда: когда закончилось вино, Он по просьбе Матери превратил в него воду. Среди гостей были и несколько учеников.

Картину на этот сюжет заказала Веронезе община бенедиктинского монастыря Сан-Джорджо Маджоре в 1562. Мастер трудился над ней больше года. В трапезной монастыря, для которой полотно создавалось, оно провисело до завоевания Италии Наполеоном. Чтобы было удобно транспортировать холст, французы разрезали его пополам, после чего сшили уже в Париже.

Свободно интерпретируя библейский сюжет, Веронезе превратил его в праздник венецианской свадьбы. Новозаветное событие представлено в роскошных архитектурных «декорациях», каких не могло быть в галилейской деревушке на заре христианской эры. Они напоминают постройки Андреа Палладио, архитектора позднего Ренессанса. Некоторые фигуры облачены в исторические одежды, тогда как костюмы других поражают роскошью и великолепием совсем иной эпохи. Библейские герои окружены современниками художника. По легенде, музыкант в белой одежде на переднем плане картины – это сам мастер.

Джузеппе Арчимбольдо (1527–1588) Лето 1573. Холст, масло. 76x63,5

Творчество Джузеппе Арчимбольдо, представителя маньеризма, весьма необычно. Он создавал портреты современников, но так, как этого никто до него не делал. Лица людей удивительным образом составлялись, подобно мозаике, из различных фруктов, овощей, цветов, птичьих перьев (а иногда и целых птиц), рыб, раковин и прочих даров моря, а также других предметов и их частей. Все они по тем или иным признакам ассоциировались художником с конкретным создаваемым образом. Каждый раз ему удавалось придать своему «творению» неповторимую внешность и даже немного раскрыть его характер.

«Лето» – пример такой метаморфозной картины из цикла «Времена года», символизирующего развитие человеческой жизни. «Лето» – молодость. На полотне торжествуют яркие краски, лицо «выложено» из сезонных фруктов и овощей.

Якопо Тинторетто (1518/1519-1594) Автопортрет Около 1588. Холст, масло. 62x52

Итальянский живописец позднего Ренессанса Якопо Тинторетто был учеником великого Тициана.

«Автопортрет», написанный семидесятилетним художником, производит глубокое впечатление. Колористическая гамма практически сведена к монохромности, увеличивающей силу его психологического воздействия на зрителя.

Из непроглядного мрака условного фона выступает обрамленное седой бородой лицо уставшего и изможденного старика. Оно говорит о переживаниях, разочарованиях и горьких размышлениях человека, прожившего долгую жизнь, полную забот и трудов. Глубокие мудрые глаза художника обращены на зрителя, который не может противиться их магнетизму и старается проникнуть в тайну, в самую суть души героя.

Аннибале Карраччи (1560–1609) Охота 1585–1588. Холст, масло. 136x253

Аннибале Карраччи, вдохновлявшийся произведениями Высокого Возрождения, в своих работах старался достичь чистоты и гармонии живописи этого периода, утраченных в искусстве маньеризма. Вместе со своими братьями художник создал в Болонье Академию, где преподавал, закладывая основы академического искусства. Он писал композиции на религиозные и мифологические сюжеты, а также пейзажи, игнорировавшиеся художниками эпохи маньеризма.

Полотно «Охота» представляет собой несколько жанровых сцен, объединенных сюжетом, на фоне прекрасного пейзажа. Слева охотник в красном несет на палке свежую тушку убитого животного, в правом нижнем углу картины персонажи занимаются необходимыми приготовлениями, чуть ниже на склоне холма (на втором плане холста) молодой человек, глядя вдаль, на что-то указывает пальцем, ниже неспешно едут на лошадях и ведут разговор еще два персонажа полотна, а на дальнем плане в долине идет настоящая охота с несущимися собаками и всадниками.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1573–1610) Смерть Марии 1605–1606. Холст, масло. 369x245

В этой картине, написанной для алтаря римской церкви Санта-Мария делла Скала в Траставере, Караваджо, художник-реформатор, дает свое истолкование традиционного сюжета успения Богоматери. Традиционно уход из жизни Девы Марии не расценивался трагедией, поскольку дожившая до старости Богоматерь после смерти вознеслась на небеса и воссоединилась навеки с горячо любимым Ею Сыном. Караваджо же увидел в этом сюжете именно трагедию, погрузившую в глубокую скорбь апостолов. Изображение усопшей Девы слишком красноречиво говорит о пережитых страданиях и смертельных муках. Ее тело написано с той степенью реалистичности, к которой не были готовы заказчики работы, к тому же моделью для Пречистой Девы послужила близкая знакомая художника – девица легкого поведения. Это послужило причиной отказа заказчика от готовой картины.

Сальваторе Роза (1615–1673) Дух Самуила, призванный к Саулу волшебницей из Аэндора 1668. Холст, масло. 273x193

Сальваторе Роза создавал пейзажи, портреты, батальные и исторические картины, а также работы на мифологические и библейские темы.

Полотно «Дух Самуила, призванный к Саулу волшебницей из Аэндора» написано на библейский сюжет. Царь Саул, воевавший с филистимлянами, отправился в Аэндор, чтобы узнать, кто станет победителем. В Аэндоре ему явился дух царя Самуила, предсказавший поражение в войне и смерть. Эта картина итальянского художника предвосхищает живопись романтизма, до рождения которой оставалось еще больше столетия.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564) Умирающий раб 1513–1526. Мрамор. Высота 228

Скульптура «Восстающий раб» была создана Микеланджело, величайшим скульптором, мастером эпохи Ренессанса для украшения гробницы Папы Юлия II. Статуя предназначалась для постановки на углу надгробия, поэтому великолепно проработана с обеих сторон. Тем не менее произведение не завершено: часть каменной глыбы под согнутой в колене правой ногой изваяния так и осталась недоделанной.

Как и большинство фигур Микеланджело, раб «застыл» в момент движения. Прекрасный полуобнаженный юноша в отчаянной попытке освободиться от связывающих его пут напряг все мышцы своего мощного тела. Весь его образ символизирует борьбу за свободу.

Восстающий раб 1513–1515. Мрамор. Высота 209

Парная скульптура «Умирающий раб» технически более завершена, но атрибуты, символизирующие ее смысловое значение, не были созданы или утрачены. Почти обнаженный изнемогающий юноша умирает, но кучерявая, немного запрокинутая назад голова и поддерживающая ее левая рука, высоко поднятая и согнутая в локте, скорее свидетельствуют о его стремительном погружении в сон. Возможно, этим автор хотел сказать, что смерть, как и сон, несет избавление молодому рабу от неволи.