Текст книги "Кливлендский Музей искусства"

Автор книги: Л. Пуликова

сообщить о нарушении

Текущая страница: 1 (всего у книги 4 страниц)

Л. Пуликова
Кливлендский Музей искусства

Официальный сайт музея: www.clevelandart.org

Адрес музея: 11150 East Boulevard, Кливленд.

Телефон: 216 421 7350,1 877 262 4748.

Проезд: Regional Transit Authority (RTA), красная линия, «University Circle», остановка «Windermere», далее выйти из поезда, перейти на правую сторону к бесплатному автобусу «Circlelink». The Healthline Rapid Transit Buses, остановка «Stokes Boulevard» или «Adelbert Road/Severance Hall», далее пешком до музея 5–7 минут.

Часы работы: Вторник, четверг, суббота, воскресенье: 10:00–17:00.

Среда, пятница: 10:00–21:00.

По понедельникам музей закрыт.

Посещение музея бесплатное.

Фото– и видеосъемка: Фотосъемка в галереях постоянной коллекции музея разрешена для личного использования, без вспышки или треноги. Работы, не принадлежащие музею, созданные после 1900 и экспонирующиеся на специальных выставках, фотографировать запрещено.

Информация для посетителей: Сумки, рюкзаки, переноски и зонты размером больше 11х15x6 дюймов должны быть оставлены в гардеробе. Рисование карандашных эскизов разрешено только в галереях постоянных коллекций.

Музейное кафе предлагает своим посетителям широкий выбор бутербродов, салатов, закусок, десертов и напитков. Магазин в главном лобби располагает большим ассортиментом художественных альбомов, каталогов, плакатов и подарков, а также драгоценностей, аксессуаров и других товаров от местных художников.

Здание музея

Географическое расположение Кливленда – на берегу реки Эри, входящей в систему Великих озер, – стало ключевым фактором роста города. Развитое железнодорожное сообщение помогло ему превратиться в индустриальный центр с металлургическими и машиностроительными заводами, сетью железных дорог, стать в начале XX века городом миллионеров.

Экспонат из коллекции музея

Основание музея стало возможным как раз благодаря финансовой помощи крупных промышленников и жителей города – Хинмана Б. Харлбата, Джона Хантингтона и Горация Келли, завещавших деньги специально для этого художественного учреждения.

Музейный комплекс, открывший свои двери для публики 6 июня 1916, находится в Университетском районе. Его постройка обошлась в сумму $ 1,25 млн, было возведено здание из белого мрамора в неоклассическом стиле с колоннами, фронтоном и масштабной лестницей, а также разбит живописный парк на 75 акров (300 000 м²).

Зеленая зона, в которой сейчас располагается музей, ранее находилась в частной собственности. Филантроп Джефта Уэйд II пожертвовал свои земли городу, часть из них была использована под строительство музея и прилегающей к нему территории. Сегодня этот парк со многими прекрасными скульптурами вокруг здания носит имя благотворителя – Уэйд-парк. Здесь можно увидеть оригинальные работы: «Фонтан вод» (1927) Честера Бича, памятник участнику американской войны за независимость, польскому герою Тадеушу Костюшко, бронзовые солнечные часы Фрэнка Жиру «Ночь переходит в день», недалеко от входа в парк установлено изваяние, изображающее Оливера Хазарда Перри – морского офицера, героя сражения на реке Эри, произошедшего в начале XIX века.

Однако внимание зрителей притягивает знаменитая скульптура «Мыслитель» Огюста Родена, располагающаяся на парадной лестнице музея. У нее уникальная и беспокойная история. Одна из двадцати оригинальных отливок французского мастера, работа благополучно существовала в Кливленде до 1970, когда была взорвана одной из радикальных американских группировок левого толка. Акт вандализма серьезно повредил постамент и ноги «Мыслителя», но в то же время скульптура неожиданно приобрела черты иного характера – как будто к созданию шедевра подключился Сальвадор Дали с его текучими и одновременно разорванными формами. После непродолжительных дискуссий руководство музея решило оставить статую в новом виде и не предпринимать попыток восстановить ее первоначальное состояние.

Фредерик Аллен Уайтинг был назначен первым директором музея, он рассматривал учреждение, прежде всего, как учебное заведение. Уайтинг придумал и впервые провел в 1919 «Ежегодную выставку художников и мастеров Кливленда», это мероприятие проходит до сих пор и продолжает демонстрировать работы местных умельцев.

Щедрые денежные пожертвования музею, а также в виде художественных произведений от коллекционеров способствовали увеличению количества предметов искусства в экспозиции и фондах. Вторая мировая война внесла свои коррективы: состоятельные американцы покупали в разрушенной Европе ставшие доступными первоклассные картины и предметы декоративно-прикладного искусства в свои собрания, многие из которых затем были переданы в музей Кливленда, что способствовало его процветанию. Тогда же были приобретены значимые произведения, укреплявшие международные позиции и репутацию одной из лучших американских коллекций. В 1940-х и 1950-х финансовые возможности музея резко возросли благодаря крупным завещаниям имущества, значительным наследствам от финансовых фондов, собрание увеличилось в два раза. Была создана азиатская коллекция – одна из самых значительных и больших в мире, куплены произведения средневекового искусства.

Экспонат из коллекции музея

Музей несколько раз расширялся, в 1971 по проекту венгерского архитектора Марселя Брейера было добавлено северное крыло. В 2005 утвердили проект реконструкции комплекса стоимостью $ 350 млн. Цель – поддержать престиж и высокий научный уровень музея, не дав ему стать обычным провинциальным собранием произведений искусства. При этом из ансамбля построек остался только основной корпус 1916-го, восстановлена первоначальная симметрия по оси север – юг, подчеркнуто главенство неоклассического фасада здания начала XX века.

Коллекция кливлендского Музея искусств на сегодняшний день насчитывает более 65 000 произведений со всего мира. Здесь хранятся выдающиеся живописные полотна Сандро Боттичелли, Микеланджело Меризи да Караваджо, Эль Греко, Николя Пуссена, Питера Пауля Рубенса, Франса Халса, Герарда Давида, Уильяма Тернера, Сальвадора Дали, Огюста Ренуара, Поля Гогена, Камиля Коро, Клода Моне, Винсента Ван Гога, Пабло Пикассо, Анри Матисса. Активно приобретается и искусство второй половины XX века, в собрание добавилось несколько важных произведений художников Энди Уорхола, Джексона Поллока, Христо Явашева, Франческо Клементе, Роберта Мангольда, Марка Танси.

Коллекция музея представлена в отделах китайского, индийского, африканского, исламского искусства, рисунка, гравюры, европейской живописи и скульптуры, современного европейского искусства, искусства Древней Америки и Океании, Греции и Рима, американской живописи и скульптуры и современного американского искусства.

В дополнение к обширному художественному собранию в музее располагается одна из крупнейших библиотек по искусству в США. Еще в 1913 было подготовлено 10 000 томов, включающих фотографии и архивные материалы. На сегодняшний день библиотека насчитывает 431 000 томов и 500 000 оцифрованных слайдов.

В зале музея

Искусство III–XIII веков

Иона выбрасывает кита на сушу. 280–290

Бюст аристократа 270–280. Мрамор. 35, 2x21,5

Два мраморных портрета – одна из трех пар скульптур, представляющих аристократическую римскую чету. Они уникальны, так как показывают одних и тех же людей трижды, с незначительными вариациями в одежде. Каждая модель – и мужчины, и женщины – имеет почти идентичные черты лица. Несмотря на то что имена изваянных горожан остаются неизвестными, они, вероятно, являлись супругами.

Бюсты найдены вместе со скульптурами «Добрый Пастырь» и «Иона». Портреты были датированы на основании стилистических особенностей обработки мрамора. Исследование костюмов и причесок позволило специалистам установить и ограничить примерный период создания работ – 270–280.

Молодой мужчина облачен в палудаментум, или плащ с бахромой, складки которого мягко спускаются вниз. Скульптор прекрасно запечатлел облик вельможи, однако мастера совершенно не интересовала передача свойств его характера и психологических черт.

Бюст аристократки 270–280. Мрамор. 33, 2x20

У супруги сановника, довольно молодой женщины, лицо также изваяно без выраженных эмоций. Образы этой четы благодаря свойствам мраморной поверхности кажутся окутанными некоей вековой дымкой, они будто еще не до конца проявились, модели даже неуловимо становятся похожи друг на друга. Во многом такому впечатлению способствует отсутствие четкой проработанности глаз древних римлян.

Парные портретные бюсты поздней Античности – большая редкость в музеях, особенно представленные как серия, подобная данной. Специалисты неоднократно задумывались об их первоначальной функции. Возможно, эти произведения предназначались для дипломатических подарков. Вполне вероятно, что они были заказаны покровителем четы для повышения социального и политического статуса.

Масляная лампа с ручкой в виде головы грифона IV–V века. Бронза. 14,7x22,6

Бронзовые масляные лампы с ручками в виде голов грифона и христианскими символическими украшениями – крестами были широко распространены с IV по VI век, благодаря чему и сохранились в достаточном количестве по всей территории Средиземноморья.

Популярность грифонов – древних мифологических существ с телом льва, головой и крыльями орла, вероятно, обусловлена их традиционной ролью «царя птиц» и олицетворением могущественного покровителя. Будучи объединением земных зверей и воздушных птиц, животное стало использоваться христианами как символ Иисуса, сочетавшего в себе человеческое и божественное. В этом значении изображение грифона можно обнаружить в качестве скульптурного украшения в некоторых средневековых церквях.

На данной ранней бронзовой византийской лампе грифон выступает хранителем огня и света. Украшение повседневных бытовых объектов как языческими, так и христианскими символами могло означать стремление людей усилить защитные свойства вещи.

Фибулы V–VI века. Серебро, чернь, частично позолота. Каждая 10,5х 6,5

Фибула – декоративная застежка для плаща. Женщина высокого ранга могла носить ее на плече, фиксируя таким образом ткань одежды, или закрепить несколько изделий на поясе, создавая оригинальный декоративный ряд.

Две одинаковые «пальчатые» фибулы – замечательные образцы ювелирного искусства эпохи Великого переселения народов. Такие ювелирные произведения находили в захоронениях на обширных территориях Европы, особенно в Венгрии, Польше, Греции и на Балканах. Фибулы из музея Кливленда состоят из двух щитков. Верхняя часть увенчана пятью лучами, иначе – пальцами в виде стилизованной головы животного или змеи, по центру располагаются две связанные между собой спирали – символы бесконечности. На продольной части изделий рельефные линии, переплетаясь, образуют геометрический орнамент.

Эти работы отражают эстетические вкусы и характерные для «варварского мира» схематичную трактовку образов фантастических созданий, магические рисунки и простые узоры.

Пряжка Около 525–560. Бронза, позолота, гранаты, раковины, стекло, перламутр. 7, 1x13,2

Во время Великого переселения народов (III–VII века) украшения почти всегда клались в могилу вместе с усопшим владельцем. Пряжки с большими прямоугольными пластинами – вставками были обнаружены в захоронениях на территории всего Пиренейского полуострова, в настоящее время занимаемого Испанией и Португалией.

Украшения вестготов весьма разнообразны. Более мелкие предметы, подобные данному, бывают ярко инкрустированы полудрагоценными камнями и цветным стеклом. Гранат особенно ценился среди вестготов и использовался в ювелирных изделиях с перегородчатой техникой, так называемой клуазоне. Кусочки полированного камня устанавливались в сетку со сложными отделениями. Эти пряжки украшены гранатами очень плотно, визуально кажется, что образуется переливающийся красный «ковер». Большие пряжки вестготов поразительно однородны по форме, но разнообразны в области дизайна и конструкции. Возможно, таким образом выражались личные предпочтения их владельцев. Раскопки могил показали, что украшения такого типа предназначались для женщин.

Ожерелье с подвесками VI век. Золото, гранат. Длина цепи – 56,5

Данное ожерелье с подвесками, вероятно, принадлежало одной из состоятельных женщин константинопольского двора Византийской империи. Ношение золотых изделий всегда было отличительной чертой высшего сословия европейского Средневековья. Однако это лаконичное произведение ювелирного искусства не является личным украшением и символом социального статуса, как может показаться на первый взгляд. Крест, подвеска и капсулы содержат реликвии, которые были призваны выполнять функции мощной защиты и оберегать своего владельца от недругов, сглаза и злых духов. В гексагональных цилиндрах, фланкирующих крест, находятся кусочки пергаментов с написанными магическими текстами и заклинаниями. Камень, которым украшены крест и подвеска, также выбран неслучайно: гранату с давних времен приписывали целебные свойства и чудесные силы, способные наделять его обладателя здоровьем и властью над людьми.

Плакетка: Путешествие в Вифлеем. Около 1100-11 20. Слоновая кость. 16,3x11

В художественной культуре Италии XI–XII веков большое место занимало декоративно-прикладное искусство. Оно подчинялось строгой церковной регламентации и служило наглядным пособием для распространения христианского вероучения среди народа.

Резные пластинки слоновой кости с изображениями событий Священной истории украшали ларцы, переплеты манускриптов, образовывали отдельные диптихи и триптихи – небольшие алтари-складни. Подобную роль, по-видимому, играло и это произведение со сценой «Путешествие в Вифлеем». Здесь представлены беременная Иисусом Мария верхом на ослике, Иосиф и один из его сыновей от предыдущего брака, направляющиеся в Вифлеем, чтобы согласно указу римского императора при переписи зарегистрироваться в родном городе Иосифа. Действие происходит на фоне построек, в которых объединены византийские декоративные детали (например, лист аканта на капители) с исламскими архитектурными мотивами (округлые арки). Смешение византийских, исламских и западных иконографических элементов характерно для искусства, создававшегося в Амальфи – процветавшем купеческом городе в Южной Италии, недалеко от Неаполя.

Христос на кресте. Около 1130–1140. Полихромное дерево. 111,1x20,2

Это изображение Христа является одним из редкостных экземпляров деревянной скульптуры XII века, дошедших до наших дней. В то время огромное влияние на развитие романской скульптуры оказывала церковь, которая, выступая главным заказчиком, определяла ее религиозную тематику и направленность. Монументальные распятия, вырезанные из дерева и раскрашенные, были обычны для храмовых интерьеров. Размещенные или подвешенные над главным алтарем, они напоминали прихожанам о жертве Иисуса за человечество на кресте. Фигура Спасителя, без сомнения, являлась частью группы, представляющей сцену снятия с креста, на что указывают наклон головы и корпуса, раны на ноге.

Скульптура из музея Кливленда отличается торжественностью и лиричностью образа. Тело Христа сильно удлинено, пропорции нарушены, формы стилизованы, сосредоточенное, задумчивое лицо несет на себе печать смирения. В образе Иисуса, отвлеченном и одновременно конкретном, романский мастер отразил своеобразное мировоззрение человека той эпохи.

Реликварий (мощевик) в форме руки. Около 1190. Серебро, позолота, выемчатая эмаль, дуб. Высота – 51

Саксонский мастер XII века неслучайно избрал для данного реликвария форму человеческой руки в одеянии: как хранилище она прекрасно подходит для продолговатого кусочка кости неизвестного святого. Это произведение из гвельфской сокровищницы продолжительное время являлось важным атрибутом во время литургических богослужений и шествий. Католическое духовенство использовало руку, чтобы прикоснуться к верующим, благословить их, в результате чего присутствие святого было более ощутимым и связь с ним становилась сильнее. Маленькие бюсты апостолов, украшающие основание реликвария, возможно, намекают, что находящиеся в нем мощи принадлежат одному из учеников Христа.

Известно, что саксонский правитель, герцог Генрих Лев (1129–1195), получил подобную работу в подарок от византийского императора Мануила I (годы правления – 1143–1180) после возвращения из паломничества в город Иерусалим.

Лист из лекционария с изображением святого апостола Луки 1057–1063. Тушь, темпера и золото на пергаменте. 28,9x22,6

Этот красочный лист происходит из лекционария (сборника фрагментов текстов Священного Писания, расположенных согласно порядку церковного года, используемого во время богослужений для чтений Литургии слова), который был подарен монастырю Святой Троицы в Константинополе императрицей Екатериной Комнин в 1063.

Миниатюрист изобразил святого евангелиста Луку – первого иконописца и покровителя художников – за кропотливой работой. Все необходимое аккуратно разложено перед ним: стилус (острая палочка для письма, рисования и гравирования), циркуль, нож, полировальный инструмент и чернильницы. Портреты авторов Евангелий от Матфея, Марка, Луки и Иоанна часто встречались в евангельских книгах во всем христианском мире. В какой-то степени это делалось, чтобы наглядно продемонстрировать верующему присутствие апостола, служило своеобразным портретом автора текста Евангелия.

Бифолия со сценами из жизни Христа 1230–1240. Пергамент, темпера, золото. 30,7x31

Бифолия – это лист пергамента, который складывали по центру, чтобы таким образом создать две страницы. Первоначально данные иллюстрации входили в большой Псалтырь, или Книгу псалмов, ныне утерянную. Миниатюры, украшающие каждый лист, подразделяются на четыре небольшие части и повествуют о жизни Богоматери и Иисуса Христа от Его рождения до мученической смерти и последующего воскресения. Формат и стиль оформления Псалтыря красноречиво свидетельствуют о том, что он был создан в одном из скрипториев (мастерских рукописных книг в монастырях) на севере Германии, в епархии Хильдесхайм. Цветовая гамма иллюстраций достаточно ограниченна, колорит построен на сопоставлении синих, зеленых, красных и сероватых тонов с ярким золотом фона. С наивной непосредственностью, присущей искусству XIII столетия, мастер вписывает угловатые фигуры персонажей библейских сказаний в определенные границы, лишь в двух случаях он «выпускает» изображения из жестких рамок. В отличие от красочных и изящных произведений миниатюрного искусства Италии и Франции немецкие работы рассматриваемого периода более тяжеловесны, в них сильнее ощущается влияние уходящего романского стиля.

Акваманил в форме льва 1200–1250. Медь, литье, чеканка. 26,4x29

Акваманил, или водолей, первоначально являлся сосудом для воды, с помощью которого омывал руки католический священник при совершении литургии. Подобные изделия были чрезвычайно популярны и широко распространены в эпоху Средневековья, а начиная с XIII века стали непременными предметами обихода во время пиршеств в рыцарских замках. После каждого блюда акваманил обносили вокруг стола, чтобы гости могли вымыть руки.

Воображение средневекового мастера придавало водолеям формы фантастических животных, таких как дракон, единорог и химера, и реальных – лошадей, собак, птиц, леопардов и львов. Акваманилы, созданные ремесленниками Германии, пользовались большим спросом во всех странах Европы. Небольшие полые фигурки отливали из бронзы или меди, для изготовления применяли излюбленную ювелирами романской эпохи технику «потерянного воска», при которой первоначальная модель погибала, каждый акваманил становился уникальным произведением декоративно-прикладного искусства.

Рака 1225–1250. Медь, гравировка, штамповка, эмаль. 24,7x24,2x10,4

В Средние века раки – ковчеги с мощами святых – размещались внутри храма на алтаре или в подземных хранилищах монастырей, а в праздничные дни выносились из церкви для участия в крестном ходе, чтобы верующие могли поклониться святым останкам.

В середине XII века в Лиможе возникло производство изделий из меди в технике выемчатой эмали. Эти вещи пользовались большой популярностью. Считается, что определяющую роль в развитии эмальерного производства сыграл возросший спрос на церковную утварь. Лимож являлся крупным центром религиозной жизни Франции: через город с множеством церквей пролегал торговый путь, шли паломники. Поэтому к наиболее ранним памятникам относятся реликварии для мощей святых, литургические сосуды, кресты для процессий, епископские посохи.

На темно-синем эмалевом фоне раки располагаются традиционные изображения: на крышке – Христос в окружении святых, каждый – в медальоне, созданном тонкой гравировкой, на боковой части – распятие с предстоящими. Необыкновенная популярность лиможских эмалей, вывозившихся даже в Испанию, Италию и Швецию, объяснялась высокими эстетическими качествами и небольшой стоимостью изделий, которые могли быть доступны любой церкви или монастырю.

Ангел Около 1250. Орех со следами позолоты и полихромии. 75x41,5

Сохранившийся фрагментарно, этот печальный ангел утратил свои атрибуты, лишился крыльев и рук. Померкли оригинальные краски, почти полностью стерлась позолота, ранее озарявшая парчовые одежды небесного посланника и его пышные волосы. Тем не менее в изящной позе и возвышенном выражении лица, в котором можно усмотреть и трагическую тоску, и глубокую озабоченность, до сих пор ощущаются утонченность, изящество и внутренняя сила. «Ангел» – воплощение монументального искусства XIII века, характерная скульптура Высокой готики кафедральных соборов Франции. Стиль произведения дает основание предполагать, что деревянная фигура была вырезана около Реймса или ваятель был связан с собором этого города. Первоначальное размещение «Ангела» неизвестно, возможно, он находился на одной из колонн, окружающих алтарную часть храма.