Текст книги "Художественные течения конца XIX – середины ХХ века. 24 самых известных художника"

Автор книги: Ирина Мудрова

сообщить о нарушении

Текущая страница: 4 (всего у книги 12 страниц) [доступный отрывок для чтения: 5 страниц]

Картина «Ванная» написана в 1885 – 1886 годах

Будучи выдающимся рисовальщиком, Дега умел изображать окружающую его жизнь с мастерством, достойным кисти художников былых времен. Ванна, которую мы часто видим на его поздних картинах, изображающих моющихся женщин, была смело поставлена им посередине мастерской.

Искусство художника перебрасывало мост в будущее – к современной документальной фотографии. Персонажи Дега кажутся при этом снятыми не простой, а «скрытой камерой». Художник писал: «До сих пор нагота изображалась в позах, которые предполагают наличие свидетелей. Мои же женщины – честные человеческие существа, они не думают ни о чем другом, а заняты своим делом». В своем стремлении проникнуть в интимные тайны жизни Дега остается одновременно трезвым наблюдателем и романтиком; в работах художника поэзия и правда всегда гармонично сосуществуют.

Картина «Звезда» написана в 1978 году

Эдгар Дега был настолько очарован балетными танцовщицами, что создал более 1500 работ с их участием.

Хрупкие и невесомые фигурки балерин предстают перед зрителем то в полумраке танцевальных классов, то в свете софитов на сцене, то в короткие минуты отдыха. Кажущаяся безыскусность композиции и незаинтересованная позиция автора создают впечатление подсмотренной чужой жизни.

Жизнь балета передана им так ярко, что легко можно представить, насколько свежими и оригинальными казались эти картины современникам Дега. Будучи безупречным наблюдателем, Дега подмечал то, что никогда не было удостоено внимания художников прошлых лет: движение руки какой-нибудь сидящей рядом дамы, или оставленный кем-то бинокль, или одинокий веер, забытый на кресле молодой девушкой. Изображение танцовщиц на картинах Дега лишено эротического чувства или ощущения какого-либо личного человеческого контакта. Некоторые знатоки творчества Дега считают, что можно заметить контраст между бесстрастной объективностью в обрисовке персонажей – и теплым, живым чувством, разлитым в самой живописи.

Амедео Модильяни 1884 – 1920

...

Итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX – начала XX века, яркий представитель экспрессионизма.

Амедео воспитывался в еврейской семье коммерсанта Фламинио Модильяни и Евгении Гарсен. Род Модильяни происходит из одноименной сельской местности к югу от Рима.

Модильяни вырос в Италии, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения.

В начале 1906 года среди молодых художников, литераторов, актеров, живших на Монмартре своеобразной колонией, появилась и сразу привлекла к себе внимание новая фигура. Это был Амедео Модильяни, только что приехавший из Италии и поселившийся на улице Коланкур, в маленьком сарае-мастерской посреди заросшего кустарником пустыря. Молодой человек очень эффектен, располагает к себе и привлекает внимание. Ему 22 года, он ослепительно красив, негромкий голос его казался горячим, походка – летящей, а весь облик – сильным и гармоничным.

В общении с любым человеком он был аристократически вежлив, прост и благожелателен, сразу располагал к себе душевной отзывчивостью. Одни говорили тогда, что Модильяни – начинающий скульптор, другие – что он живописец. И то и другое было правдой.

В начале XX века Париж являлся центром мирового искусства, молодые неизвестные художники быстро становились знаменитыми, открывались все более авангардные направления живописи. Первые месяцы Модильяни проводил в парижских музеях и церквях, знакомился с живописью и скульптурой в залах Лувра, а также с представителями современного искусства.

В Париже Модильяни познакомился с такими значительными художниками, как Пабло Пикассо и Константин Брынкуши, оказавшими большое влияние на его творчество. Модильяни в компании своих друзей-художников пристрастился к выпивке, его частенько видели расхаживающим по улицам пьяным, а иногда и голым. Его драки с мужчинами из-за дам вошли в фольклор Монмартра. Он употреблял огромное количество кокаина и курил марихуану. Из-за того что Модильяни любил вино и в пьяном виде был ужасен, он получил прозвище «Моди» – «проклятый».

Весной 1907 года Модильяни поселился в особняке, который сдавал молодым художникам доктор Поль Александр. Молодой врач стал первым покровителем Модильяни, их дружба продлилась семь лет. Александр покупал рисунки и картины Модильяни (в его коллекции оказались 25 живописных и 450 графических работ), а также организовывал для него заказы на портреты.

После выставки «Осеннего салона» в Гран-Пале в 1907 году Модильяни заметили, оценили, семь работ принесли художнику первый успех. Слава была не за горами. Критики и приятели отметили особенность Модильяни-художника – нелюбовь к ярким краскам, цветовым эффектам. Позже эта нелюбовь переросла в его достоинство: для работ Модильяни характерны лаконизм линий, четкость силуэта, обособленность формы, удлиненные, овальные формы тел, излюбленный цвет – коричневый, «под охру».

В 1908 – 1909 годах «Моди» пережил душевную депрессию, забросил рисование и уехал на несколько месяцев в родной город Ливорно.

Весной 1909 года через Александра Модильяни получает первый заказ и пишет портрет «Амазонка». Кризис отступил – в 1910 году Модильяни снова в Париже.

С 1909 по 1914 годы он занимался в основном скульптурами. Для скульптурных работ нужен материал, чтобы его купить, необходимы деньги, денег нет, и «Моди» бродит по строительным площадкам, где собирает все, что попадется под руку. Так родился его цикл «Стелы». Вытянутые лики на его стелах напоминают и африканские образцы, и геометрию кубизма.

Как на полотнах, так и в скульптуре, основным мотивом Модильяни являлся человек. Творчество Модильяни нельзя отнести ни к одному из современных направлений того времени, как например, кубизм или фовизм. Из-за этого искусствоведы рассматривают творчество Модильяни отдельно от основных течений того времени.

Весной 1910 года Модильяни познакомился с молодой русской поэтессой Анной Ахматовой во время ее свадебного путешествия. Художник создал 16 рисунков – портретов А.А. Ахматовой. Их страстное романтическое увлечение друг другом продлилось до августа 1911 года, когда они расстались, чтобы никогда больше не увидеться.

В 1913 году Модильяни возвратился к живописи. Одной из причин могло стать плохое здоровье – диагностированный в детские годы туберкулез. Модильяни вообще имел слабое здоровье – он часто страдал от заболеваний легких.

В 1914 году разразилась Первая мировая война. Призванный в армию Поль Александр расторгнул контракт с художником, и новым покровителем Модильяни становится владелец художественной галереи и коллекционер Поль Гийом, который выставлял работы художника в своей галерее.

В июне 1914 года Модильяни познакомился с талантливой и эксцентричной англичанкой Беатрис Гастингс. Они сразу же стали неразлучными любовниками. Они вместе пили, развлекались и частенько дрались. Модильяни в ярости мог таскать ее за волосы по тротуару, если подозревал во внимании к другим мужчинам. Но, несмотря на все эти грязные сцены, именно Беатрис была его главным источником вдохновения. В период расцвета их любви Модильяни создал свои лучшие произведения. Он посвятил ей 14 портретов. В 1916 году Беатрис сбежала от Модильяни.

В 1915 году Модильяни написал портреты своих друзей Пикассо, Сутина, Жака Липшица и прочих знаменитостей того времени. Именно портреты сделали Модильяни одной из центральных фигур парижской богемы.

Модильяни познакомился с польским поэтом Леопольдом Зборовски, который взял художника под покровительство. «Збо» поселил подопечного в своей квартире, давал ему деньги на карманные расходы и оплачивал расходные материалы.

По заказу Зборовски в период 1916 – 1917 годов были написаны около 30 полотен в жанре ню. Ню – художественный жанр в скульптуре, живописи, фотографии и кинематографе, изображающий красоту обнаженного человеческого тела. В большинстве случаев авторы воспевают красоту женского тела.

Амедео Модильяни по праву считается певцом красоты обнаженного женского тела. Он одним из первых начал изображать ню более реалистично в эмоциональном плане. Обнаженная натура в творчестве Модильяни – это не абстрактные, рафинированные образы, а реальные портретные изображения. Техника и теплая световая гамма в картинах Модильяни «оживляет» его полотна. Картины Амедео, выполненные в жанре ню, считаются жемчужиной его творческого наследия.

В 1917 году выставка художника, содержащая в основном изображения обнаженной натуры, была закрыта полицией. Так случилось, что эта выставка была первой и последней при жизни художника.

В июле 1917 года Модильяни познакомился с 19-летней Жанной Эбютерн. Жанна не только была моделью для произведений художника, она пережила с ним годы тяжелой болезни, периоды грубости и откровенного дебоширства. 29 ноября 1918 года на свет появилась дочь Модильяни и Эбютерн. Эти двое были, что называется, созданы друг для друга и оставались вместе до самой его смерти. Модильяни скончался 24 января 1920 года в возрасте 35 лет от туберкулезного менингита в одной из парижских клиник. Когда Модильяни лежал при смерти в Париже, он предложил Жанне присоединиться к нему в смерти, «чтобы я мог быть с моей любимой моделью в раю и вместе с ней наслаждаться вечным блаженством». Через день после его похорон беременная вторым ребенком она бросилась с пятого этажа и разбилась насмерть.

Поначалу Модильяни создавал традиционные натюрморты и портреты, веря, что в конце концов найдет свой путь в искусстве.

Направление, в котором работал Модильяни, традиционно относят к экспрессионизму. Однако в этом вопросе не все так однозначно. Не зря Амедео называют художником парижской школы – за время проживания в Париже он испытал влияние различных мэтров изобразительного искусства: Тулуз-Лотрека, Сезанна, Пикассо, Ренуара. В его творчестве присутствуют отголоски примитивизма и абстракции. Скульптурные студии Модильяни явно показывают влияние модной в то время африканской пластики на его творчество. Собственно экспрессионизм в творчестве Модильяни проявляется в выразительной чувственности его картин, в большой их эмоциональности.

При жизни работы Модильяни не имели успеха и стали популярными лишь после смерти художника. К 1922 году Модильяни получил всемирную известность.

На последних аукционах «Сотбис» в 2010 году две картины Модильяни были проданы по рекордным для его наследия ценам – 60,6 и 68,9 миллиона долларов США.

Картина «Сидящая обнаженная» написана в 1916 году

Лицо женщины стилизовано, в нем можно обнаружить черты Беатрис Гастингс. Женщина изображена в очень мягкой манере, ее кожа светла и создает впечатление юности и красоты, а волосы прорисованы необычно тщательно для Модильяни, глубокие борозды, оставленные на полотне черенком кисти художника, служат для изображения прядей. Живое лицо женщины существенно отличается от поздних полотен Модильяни, где женщины изображены с пустыми глазами. Ее глаза закрыты, а подбородок покоится на плече. Только с трудом можно предположить, что в такой неудобной позе можно уснуть. Положение создает сильное внутреннее напряжение, с большим сексуальным зарядом, женщина опирается обеими руками на неудобную кровать, – положение, при котором ее бедра автоматически выдаются вперед. Ее тело изображено только до бедер, и все внимание приковано к груди и треугольнику лона – один из приемов, который Модильяни часто использовал в своих работах. Очень мягкое и чувственное полотно без присущей поздним работам художника сексуальной провокации.

Картина «Алиса» написана около 1918 года

«Алиса» – портрет девочки, которая сидит, одетая в голубое воскресное платье с золотым крестом на груди. Она смотрит прямо на зрителя своими большими миндалевидными глазами. Темные волосы, обрамляющие ее лицо, падают на платье. Лицо девочки стилизовано под африканскую маску. С цветовой точки зрения полотно является простым, цветовая гамма варьируется от нюансов синего до терракоты, создающих контраст, дающий жизнь картине и не нарушающий общее впечатление классического молчания и гармонии.

Модильяни отдавал предпочтение удлиненным, вертикальным формам, которые явно прослеживаются в его скульптурах до первой мировой войны и в портрете Алисы. Форма ее головы похожа на яйцо, а шея на цилиндр. Удлиненный силуэт девочки еще более подчеркивается вертикальным размером полотна. Неклассический идеал пропорций берет свое начало в набросках Модильяни по работам маньериста Пармиджанино и таких мастеров итальянского Ренессанса, как Ботичелли.

В 1928 году картина была подарена датскому Государственному музею искусств, где она и находится в настоящее время.

Клод Моне 1840 – 1926

...

Французский живописец, один из основателей импрессионизма.

Клод Оскар Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже. Но юность он провел в Гавре, где его отец в компании со своим шурином владел бакалейной лавкой. Клод проводил больше времени в воде и на скалах, чем в классе. По натуре он был недисциплинирован, и школа всегда казалась ему тюрьмой. Он развлекался, разрисовывая голубые обложки тетрадей и используя их для портретов своих учителей, сделанных в весьма непочтительной, карикатурной манере. В этой забаве он вскоре достиг совершенства. В пятнадцать лет он был известен всему Гавру как карикатурист.

Однажды Клод познакомился с пейзажистом Эженом Буденом, одним из провозвестников импрессионизма. Буден показал юному художнику некоторые приемы живописной работы с натуры.

Увлечение живописью заставляет молодого художника отправиться в Париж. Там он с головой уходит в богемную жизнь и завязывает многочисленные знакомства в артистической среде. Лишенный материальной поддержки родных, он вынужден идти в армию, расквартированную в Алжире. Однако спустя два года он серьезно заболел, и тетушке пришлось внести за него деньги, чтобы освободить от воинской повинности.

В 1862 году Моне возвращается в Париж и начинает заниматься в студии Ш. Глейра. В это время его товарищами по искусству становятся Ренуар, Сислей и Базиль. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.

Его ранние живописные работы позволяют говорить о несомненном колористическом даровании живописца, о его умении скомпоновать картину и об увлечении иллюзионистическими эффектами.

В 1865 году Моне начинает работу над композицией «Завтрак на траве», картину большого формата – полотно более шести метров в ширину. Природа и пробивающийся сквозь зеленую листву солнечный свет, фокусирующийся на белом пятне скатерти, а также прозрачные голубоватые тени здесь гораздо важнее всего остального. Это полотно словно предсказывает будущее в направлении и развитии творчества Клода Моне, главы новой складывающейся импрессионистической школы. Вся история французского импрессионизма – от его зарождения до расцвета и постепенного угасания – укладывается в долгую творческую биографию Клода Моне. Моне разработал оригинальную технику: он использовал яркие, чистые и достаточно смелые мелкие раздельные мазки, которые, не смешиваясь, появлялись на холсте. Они отражали непосредственное восприятие автора.

В 1865 году Клод познакомился с семнадцатилетней Камиллой-Леонией Донсье, дочерью состоятельного буржуа. История их любви была положена в основу сюжета романа Золя «Творчество». До поры до времени Моне скрывает от родных существование Камиллы. Камилла только 28 июня 1870 года стала женой художника. У них родилось два сына. Очаровательная жена часто служила моделью для художника. Ее черты угадываются во всех четырех женских фигурах, которые Моне изобразил на своей знаменитой картине «Женщины в саду».

Материальное положение Моне было критическим. Он не мог расплатиться с кредиторами и нуждался настолько, что вынужден был соскабливать красочный слой со своих старых картин, чтобы на тех же холстах продолжать работу. Родители были согласны приютить его в доме тетки в Сент-Адрессе, но требовали разрыва с Камиллой.

Картину «Женщины в саду», на которую возлагал надежды художник, жестоко раскритиковали критики в 1867 году. Моне не раз прерывает работу, не имея денег для покупки красок. 9 августа 1869 года он писал своему другу художнику Базилю: «Ренуар приносит нам из дому хлеб, чтобы мы не умерли с голоду. Неделя без хлеба, без огня в очаге, без света – это ужасно». Жюри Салона беспощадно отвергает все его картины в 1869 и 1870 годах.

В апреле 1874 года Париж впервые встретился с импрессионистами. Тогда семеро малоизвестных художников, чьи картины отвергались официальным художественным Салоном, устроили в центре французской столицы собственную выставку. Очень разные, они были объединены общей идеей – искать свою правду в искусстве, невзирая ни на какие трудности.

За плечами у них были долгие годы упорного труда и борьбы в одиночку, годы лишений и невзгод. Многие из них были настолько бедны, что часто нуждались в обыкновенном куске хлеба. Они не имели даже денег, чтобы снять помещение для своей выставки. На помощь пришел фотограф Надар – один из немногих их парижских друзей, он предоставил им для экспозиции свою мастерскую.

На этом вернисаже было выставлено более 150 работ, но только 42 из них принадлежали тем, кого впоследствии назвали импрессионистами. Сейчас их имена знает весь мир. Это были Клод Моне, Огюст Ренуар, Камилл Писсарро, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Поль Сезанн, Берта Моризо.

Представители этого направления стремились наиболее естественно и непринужденно запечатлеть на своих полотнах реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные ощущения, самое первое впечатление. Оттого на их картинах такое колдовское мерцание красок, дивно серебрящееся небо.

Публика же ходила на эту выставку лишь для того, чтобы посмеяться. «Чрезвычайно комическая выставка!», «Сумасбродство!», «Страшная мазня!» – такими выражениями пестрели статьи в газетах и журналах.

В 1876 – 1877 годах Моне выполнил первую серию картин, изображающих вокзал Сен-Лазар при различной погоде, позже он напишет знаменитые серии со стогами сена. О том, как художник работал над серией «Стога сена», известно из письма Моне от 7 октября 1890 года, адресованного Гюставу Жеффруа: «Я корплю с усердием, я пристрастился к серии различных эффектов (со стогами), но в этот период солнце садится так быстро, что я не могу поспеть за ним… Я становлюсь медлительным в работе, что приводит меня в отчаяние, и чем дальше, тем больше я вижу, что нужно много трудиться, чтобы суметь передать то, что я ищу: мгновенность…»

Двадцать картин посвящены Руанскому собору, они представляют собой различные виды собора в зависимости от времени дня, года и освещения. Это лучшая из серий. Моне писал в одном из писем: «Увы! Я могу только сказать еще раз, что, чем дальше, тем труднее мне становится передавать то, что я чувствую. И я говорю себе: только очень самоуверенный человек может утверждать, что довел свою картину до конца. Довести до конца – значит сделать картину совершенной…» Погоня за ускользающими эффектами солнечного света, поиски «мгновенности» стоят за каждым полотном из знаменитых серий Моне.

В 1878 году после рождения второго сына Камилла умерла. В 1881 году Моне познакомился с Алисой Ошеде, вдовой коллекционера живописи и поклонника его таланта Эрнеста Ошеде. В июле 1892 года Алиса станет второй женой художника. Но снова Моне переживет свою супругу, которая скончается в 1911 году.

После распада в 1886 году движения импрессионистов художник стал выставляться один. Моне начинает работать рельефным мазком, передающим трепет листвы, мерцание солнечных бликов на воде, тени от скользящих по небу облаков.

В начале 1920-х годов у Моне развивается катаракта, из-за чего ему пришлось перенести две операции. Художник скончался 5 декабря 1926 года в Живерни и был похоронен на местном церковном кладбище.

Картина «Женщины в саду» написана в 1866 году

Моне снял дом с садом возле железнодорожной станции в парижском предместье Севр и начал работать над крупномасштабной картиной с людьми на открытом воздухе – этим сюжетом Моне был давно увлечен. Камилла Донсье стала моделью для трех женщин на создаваемой картине.

Полотно, над которым работал Моне, было настолько громоздким, что для написания верхней части художнику пришлось опускать его в яму с помощью лебедки с блоком. Гюстав Курбе, посещавший Моне в то время, был поражен этой конструкцией. Моне писал листву только при ярком солнечном свете, чтобы наиболее точно передать игру света и тени. Моне не был очень заинтересован в изображении женских тел или передаче их настроения. Женщины на картине выглядят стилизованными, что еще более подчеркивает тончайшие нюансы освещения. Маленькие пятнышки света покрывают две фигуры в левой части полотна. Резкие тени выделяются на одежде сидящей женщины, ее лицо освещено только голубым отражением от платья. Контраст между освещенными и затененными областями доведен до крайности. Работал над картиной Моне так. Однажды его друг увидел, что Моне, ничего не делая, неподвижно сидит перед своим полотном. «Что вы делаете? Разве нельзя работать, вместо того чтобы без толку сидеть здесь? Вам еще осталось так много написать». Моне в ответ покачал головой: «Не могу. Жду солнца». И действительно, солнце скрылось за облаком и световые рефлексы погасли. Все сделалось серым, как в хмурый день. Платье одной из женщин погрузилось в тень, а вторая женщина с зонтиком в руках и вовсе исчезла. Надо было ждать солнца, чтобы точно увидеть контуры.